La Revue du Design

Les Hors Série (pdf)

La Revue du Design — Wed, 02 Jan 2008 03:18:56 +0000

Plusieurs fois par an, La Revue du Design vous propose un Hors Série téléchargeable, regroupant une sélection des meilleurs articles, analyses ou nouveautés publiés au cours des mois précédents. Vous pouvez télécharger les différents numéros en cliquant sur les liens correspondants. HS n°1 (mai-décembre 2008) HS n°2 (janvier-juin 2009) HS n°3 (juillet-décembre 2009)

Liens et bibliographie

La Revue du Design — Thu, 01 May 2008 07:21:35 +0000

Au fil du web… Admirabledesign Archicool ArchiExpo Aroots Artaban Batiproduits Core77 Decofinder Designaparis Designcritique Design et recherche Design observer Design plateform (le wiki du design) Design.videomuseum (le site des objets achetés par le FNAC) Designing for humans Designophy Dezeen Le blog de la stratégie du design Le Vitra design-museum Le designmuseum de Londres Le projet Gallica de la BNF Le site du centre Pompidou International journal of design Insecula Intramuros Muuuz Obdesigner Placeaudesign Perspectives & Créativité Tribu-design … Notre mini-bibliothèque idéale : BACHELARD Gaston, La poétique de l’espace, éd. PUF BARTHES Roland, Mythologies, éd. du Seuil BAUDRILLARD Jean, Système des objets, éd. Gallimard BONY Anne, Le design - Histoire, principaux courants, grandes figures, éd. Larousse BOUDON Philippe, Pessac de le Corbusier, éd. Dunod Le CORBUSIER, Vers une architecture, éd. Flammarion Design & communication, sous la dir. de Christine COLIN, éd. Medifa Design et gammes, sous la dir. de Christine COLIN, éd. Medifa Dictionnaire international des arts appliqués et du design, sous la dir. d'Arlette Barré-Despond, éd. du Regard DORMER Peter, Le design depuis 1945, éd. Thames&Hudson FLUSSER Vilém, Petite philosophie du design, éd. Circé FOSTER Hall, Design et crime, éd. Les prairies ordinaires FRANCASTEL Pierre, Art et technique, éd. Gallimard GUIDOT Raymond, Histoire du design - De 1940 à nos jours, éd. Hazan GUIDOT Raymond, sous la dir. de, Design, techniques et matériaux, éd. Flammarion GUIDOT Raymond, sous la dir. de, Design, carrefour des arts, éd. Flammarion JOLLANT KNEEBONE Francoise, La critique en design : Contribution à une anthologie, éd. J. Chambon LE BOEUF Jocelyne, Jacques Viénot (1893-1959), pionnier de l'esthétique industrielle en France, préface d'Alain Findeli, PUR, coll. Arts et Société, 2006. LAURENT Stéphane, Chronologie du design, éd. Flammarion LOEWY Raymond, La laideur se vend mal, éd. Gallimard PEREC Georges, Espèces d’espace, éd. Galilée PEVSNER Nikolaus, Les sources de l’architecture moderne et du design, éd. Thames&Hudson PINSON Daniel, Usage et architecture, éd. L’harmattan RAPOPORT Amos, Culture, architecture et design, éd. In Folio T. HALL Edward, La dimension cachée, éd. du Seuil TANIZAKI Junichirô, Éloge de l’ombre, éd. POF Ce que nous aimons lire de temps à autre : d’A (d’Architecture) Archi Créé Intramuros Domus AMC Architecture Beaux-Arts Magazine AD

Contacts

La Revue du Design — Thu, 01 May 2008 07:21:42 +0000

Vous avez une question, une idée, une remarque... Vous désirez nous signaler une exposition ou une actualité intéressante… N’hésitez pas à nous écrire à l’adresse contact@larevuedudesign.com. Vous souhaitez proposer un article Enseignant, chercheur, journaliste, designer ou amateur de design… Vous souhaitez proposer un article, rien de plus simple : envoyez-nous votre proposition à l’adresse redac@larevuedudesign.com (texte au format Word ou Rtf, images en Jpeg). Vous recevrez une réponse dans la semaine qui suit. Quelques indications de formats : - Brèves et actus : entre 500 et 3000 signes, - Regards et analyses : 3000 et 10000 signes. Attention : afin de garantir une certaine qualité éditoriale, les textes à caractères publicitaires ou (auto)promotionnels seront volontairement écartés.

À propos

La Revue du Design — Thu, 01 May 2008 07:21:54 +0000

Présentation et ambitions La revue du design (www.larevuedudesign.com) se veut être un espace de réflexion sur le design contemporain. Son ambition n'est pas de devenir un énième blog ou magazine d'actualité déco-design, mais un pôle de recherche et d'observation du design dans ses ramifications actuelles ou récentes. Ouverte par essence aux contributions extérieures, La revue du design tentera donc, au fil des semaines et des mois, d'alterner articles et brèves concernant l'actualité, et réflexions ou critiques plus approfondies. Le format La revue du design est un webzine présenté sous la forme d'un blog, ce qui représente à nos yeux plusieurs avantages : la réactivité par rapport à l'actualité en premier lieu, mais aussi l'interactivité avec le lecteur, deux éléments difficilement conciliables avec un support presse traditionnel. Un autre atout du support numérique : sa capacité de stockage. Au fil des semaines et des mois, La revue du design pourra ainsi devenir une véritable banque de données et d'informations sur le design, librement et facilement accessibles. Les origines Designer de formation et titulaire d’un DEA d’urbanisme, Alexandre Cocco est l'initiateur de ce projet, dont il assure également la coordination éditoriale. Après quelques années de pratique du design, il est aujourd'hui responsable pédagogique d'une école d'arts appliqués à distance. Il est également l'auteur de nombreux articles sur le design et l'aménagement intérieur, publiés dans le magazine d'A ou d'autres supports tels que Le Visiteur, XXe siècle revue d’histoire…

Proposer un article

La Revue du Design — Thu, 01 May 2008 07:25:08 +0000

Enseignant, chercheur, journaliste, designer ou amateur de design… Vous souhaitez proposer un article, rien de plus simple : envoyez-nous votre proposition à l’adresse contact@larevuedudesign.com (texte au format Word ou Rtf, images en Jpeg). Vous recevrez une réponse dans la semaine qui suit. Quelques indications de formats : - Brèves et actus : entre 500 et 3000 signes, - Regards et analyses : 3000 et 10000 signes. Attention : afin de garantir une certaine qualité éditoriale, les textes à caractères publicitaires ou (auto)promotionnels seront volontairement écartés.

Lancement de La revue du design

La Revue du Design — Thu, 01 May 2008 07:58:33 +0000

Ca y est, c'est parti... Voici les premiers articles de La revue du design. Si vous souhaitez avoir davantage d'information sur ce projet, ses ambitions et sa philosophie, vous pouvez visiter la page Philosophie de La revue du design. Vos commentaires et idées sont les bienvenus.

Un centre du design pour l'Ile-de-France

La Revue du Design — Fri, 02 May 2008 08:02:38 +0000

Le 18 avril dernier, le Conseil régional d’Ile-de-France a annoncé la création prochaine d’un lieu consacré au design, à Paris, dans le quartier de la Bastille. Celui-ci aura pour objectif d’offrir aux jeunes designers français une occasion d’approfondir et de présenter leur travail (matériauthèque, lieu d’exposition…), et par là une visibilité nationale voire internationale. Se définissant comme un laboratoire et une vitrine de la créativité francilienne, ce projet, à la fois lieu de rencontre, de travail et d’exposition, espère ainsi offrir aux jeunes créateurs de nouveaux débouchés, notamment en sensibilisant les entreprises au design.

Andréa Branzi à La Fondation Cartier

La Revue du Design — Sat, 10 May 2008 08:03:31 +0000

La Fondation Cartier pour l’Art Contemporain accueille, jusqu’au 22 juin prochain, une exposition consacrée au travail du designer italien Andréa Branzi, créateur incontournable des années 1980-2000 et père du postmodernisme, un courant de pensée ayant réhabilité l’utilisation de formes et modèles inspirés du passé et de l’histoire de la création. Pour la fondation Cartier, Andréa Branzi a imaginé deux installations, réalisées en collaboration avec le CIRVA (Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts plastiques de Marseille), deux structures légères aux parois de verre et de métal entremêlées d’éléments naturels (branches d’arbre, fleurs...). La première consiste en une grande ellipse élaborée à l’aide de techniques proches de l’artisanat : de hautes lames de verre thermoformées sont simplement tissées avec des liens de chanvre, dessinant ainsi des cloisons à hauteur d’homme. Quelques objets meublent cet espace, notamment des sièges de la série des Animali Domestici (1985), illustrant eux aussi, par métonymie, l’hybridation du naturel et de l’artificiel chère au créateur. La seconde se nomme Gazebo (« belvédère » en italien). Conçue comme un petit pavillon, cubique ou presque, elle est construite en fines barres d’acier qu’une maille métallique vient recouvrir partiellement. Quelques éléments décoratifs y sont fixés, apportant couleur, sensualité et rondeur à cet espace par ailleurs plus « strict » et géométrique. Le Gazebo, habituellement destiné à l’observation du paysage, devient ici l’interface qui amène la nature au spectateur. Ces deux exemples illustrent ce que Branzi appelle une « modernité faible et diffuse » : des espaces ou objets caractérisés par leur perméabilité, leur flexibilité et leur aspect éphémère. Omniprésent dans son travail, la nature et ses modes de production sont ainsi envisagés à la fois comme des modèles conceptuels mais aussi comme des forces avec lesquels le créateur peut et doit interagir. En produisant ces espaces métaphoriques, Branzi en appelle à une nouvelle vision de sa discipline, ne reposant plus sur les modèles et dogmes forts de l'industrie et de la rationalisation, mais sur des énergies plus légères, telle la nature et ses saisons, capables de modifier en profondeur un environnement. Seuls ces nouveaux modèles sont en effet à même, selon lui, de permettre un renouveau de l’architecture et du design, mais également leur meilleure adaptation aux besoins d'une société « fluide » basée sur la communication, l’électronique et les services. Dans les locaux de la Fondation Cartier, le spectateur assiste à une remise à plat des relations habituellement établies entre forme et fonction, nature et technologie, industrie et artisanat, formel et informel, luxueux et trivial, pérenne et jetable… Pour Branzi, c’est d’ailleurs ce brouillage des frontières qui exprime le mieux les forces et complexités à l’œuvre dans notre société contemporaine. Alexandre Cocco http://fondation.cartier.com/

Peter Marigold à la Fat Galerie

La Revue du Design — Thu, 15 May 2008 08:13:23 +0000

La Fat Galerie présente, du 15 mai au 28 juin prochain, le travail de Peter Marigold, un jeune designer britannique tout juste sorti du Royal College of Art. Avec ses meubles faits de branches ou d’éléments récupérés, ce créateur conçoit des meubles originaux, entre recyclage et détournement. Avec ses meubles modestes faits de branches, de cagettes en bois ou de cartons de récupération, avec son allure plus surfeur que dandy, Peter Marigold semble s’éloigner de toute caricature du designer « mode ». Chez lui, pas de couleurs vives ni de contours léchés, mais une réflexion sur la nature, l’existant, les matériaux traditionnels ou recyclés, un questionnement sur notre relation aux biens matériels. En bref : un style à la fois familier et en même temps subtil et décalé. Dans sa série des Box Legs, il propose par exemple de réutiliser les cartons d’emballage, en leur ajoutant des pieds assez simples ou plus stylisés, afin de les transformer en coffres, en malles ou en petites étagères. Esthétiquement plus aboutis, ses meubles des séries « Flauna » (contraction de flora et de fauna) et « Octave », sont réalisés à partir de branches coupées en quatre dans leur longueur, en suivant leurs sinuosités éventuelles. Chaque partie vient ensuite, une fois séparée des autres, se fixer à un ensemble de plateaux réalisés sur mesure, et servir de piètements à des étagères à l’esthétique inattendue. Apparaissent ainsi des objets aux contours aléatoires, et pourtant totalement maitrisés. Dans un autre registre, ses Skin tables semblent dévoiler l’intérieur du moule qui a permis leur fabrication, rapprochant ainsi la forme finale de sa technique de fabrication. Explorateur, Peter Marigold interroge la géométrie souvent curieuse du monde qui nous entoure. Il questionne la capacité du designer à générer, avec légèreté et économie, une intervention produisant du sens. Ni tout à fait minimaliste ni simplement baroque, Peter Marigold propose un design sophistiqué mais sans ostentation ni ornementation gratuites. Réduisant souvent le rôle du designer à son minimum - un principe de découpe, un « collage » entre éléments d’origines variées… - il situe son intervention sur des zones infimes, parfois presque imperceptibles, mais capables de générer en elles-mêmes de nouveaux comportements ou de nouvelles approches esthétiques. Alexandre Cocco A voir aussi, dans le même esprit, l'article que nous consacrons au travail d'Andrea Branzi. Plus d'infos : Site de Peter Marigold Site de la Fat Galerie

Le dernier projet de Sottsass

La Revue du Design — Tue, 20 May 2008 08:14:00 +0000

La dernière création d’Ettore Sottsass (décédé le 31 décembre dernier), figure incontournable du design de la fin du XXe siècle, sera finalement dans la droite lignée de sa touche esthétique : des couleurs vives, des formes géométriques simples qui se répètent et créentdes « mini-sculptures » à la puissance formelle évidente, en bref des objets plaisants et inhabituels que l’on a immédiatement envie de posséder… Il s’agit d’un ensemble d'accessoires en plastique rotomoulé laqué pouvant se combiner les uns avec les autres pour former des vases, des pots à fleurs, des tabourets ou même des tables. Ils seront prochainement mis en production par la marque italienne Serralunga.

(Re)découvrir Pierre Paulin

La Revue du Design — Wed, 28 May 2008 13:00:11 +0000

A ne pas louper, l’interview de Pierre Paulin, designer incontournable des années 1960-1970, dans l’émission Métropolitains de François Chaslin sur France Culture. Accompagné de sa femme Maya, le créateur aujourd’hui âgé de près de 80 ans nous dévoile sa vision du design de ces 40 dernières années, avec une fraicheur et une lucidité exemplaires. Passionnant. Cette interview a été diffusée le mercredi 28 mai 2008. Elle est téléchargeable sur le site Metropolitains ou dans les archives de l’émission.

Le designer, l'antiquaire et le faussaire

La Revue du Design — Sun, 01 Jun 2008 13:53:55 +0000

Quelle est la « valeur » d'un objet ou d’un meuble de designer ? Celle-ci dépend-elle de la qualité de ses matériaux ou de sa fabrication, de sa faculté à témoigner d’une époque, de la rareté des exemplaires disponibles ? Telles sont quelques-unes des questions qui sont apparues lors d'une visite sur les 18e Puces du design, qui se sont déroulées du 30 mai au 1er juin dernier. Créées en 1999 à l’initiative de Fabien Bonillo de la galerie La Corbeille, les Puces du Design réunissent depuis 9 ans une sélection d'antiquaires spécialisés dans les meubles, objets et accessoires du XXe siècle, et plus particulièrement des années 1950 à 1980. Si, au départ, l'événement ne comptait qu'une dizaine d'exposants, l'édition de cet été attendait près de 70 spécialistes, dont un quart d'étrangers (anglais, allemands, belges, espagnols...). Dans un esprit de vide grenier, « sans sacralisation », le grand public pouvait ainsi se promener Quai de la Loire, le long du bassin de la Villette, et admirer quelques créations incontournables de l’histoire du design, comme les chaises Tulip d’Eero Saarinen, les fauteuils Djinn d’Olivier Mourgue ou encore Mushroom de Pierre Paulin, toutes présentées dans leur jus. Quelques pièces plus rares, signées ou anonymes, étaient également exposées, offrant ainsi à l'amateur éclairé l'occasion de parfaire sa culture historique du domaine. Le coût du design Lieu de vente plus encore que d'exposition, les Puces du design offraient également la possibilité d'acquérir les différents modèles présentés, à condition toutefois d'y mettre le prix. Car si ce type de manifestation a su conserver quelques atours d'une brocante traditionnelle, mêlant les époques, les styles et les matériaux, juxtaposant des objets aux fonctions et états de conservation divers, force est de constater qu'il est plutôt réservé à une clientèle initiée voire collectionneuse. En effet, le « vieux design » coûte cher. Il possède sa côte, avec ses placements sûrs et ses valeurs montantes. Il se réfléchit d'ailleurs souvent en termes d’investissement, tenant parfois plus, curieusement au vu de l’histoire de cette discipline, de l’œuvre d’art que de l’objet produit en série. Le monde marchand ne s’y est pas trompé et plusieurs galeries, plus ou moins spécialisées, sont apparues ces dernières années : La Corbeille que nous évoquions plus haut, mais aussi la galerie Dansk, dédiée au design finlandais et suédois des années 50, ou encore les galeries Patrick Seguin et Jousse entreprise, disposant de belles collections de pièces de Jean Prouvé, Le Corbusier, Serge Mouille ou Charlotte Perriand. Dans la même perspective, plusieurs salles des ventes renommées, comme Drouot ou Artcurial, organisent régulièrement des ventes dédiées au mobilier et accessoires « design ». L'original, la réédition, la copie Répondant à une forte demande du public, ces lieux alimentent une demande et participent à une revalorisation de la création du XXe siècle, qui s’exprime également dans le monde de l’édition traditionnel. Depuis plusieurs années, de nombreuses sociétés se sont en effet lancées dans la réédition de créateurs mythiques, comme Cassina pour Le Corbusier, Charlotte Perriand ou Mies van der Rohe ; Écart International pour Robert Mallet-Stevens ou Pierre Chareau ; Classicon pour Eilen Gray ou Otto Blumel ; ou encore Vitra pour Charles et Ray Eames, etc. En termes de tarifs, le prix est fréquemment divisé par dix entre un original et sa réédition contemporaine, voire bien davantage. Pourtant, à la différence de l’artisan ou de l’artiste, le designer n’intervient pas directement sur la matière. Historiquement lié à l’industrie et à ses capacités de production en série, cette discipline se base en effet, stricto sensu, sur la duplication d’un modèle, dessiné sous forme de plans. Comment expliquer dès lors de tels écarts de prix, puisque l’orignal ne semble pas, dans ce sens, plus « vrai » que sa réédition. Signalons même que l’on trouve, parfois à prix cassés, des copies de ces originaux, les droits d’auteur ayant une durée de vie limitée (celles-ci étant produites par des entreprises aux noms évocateurs de Classicstyle, Famous-furniture ou encore Classiques-design). Qu’est ce qui, alors, détermine le coût du design ? Est-ce son aptitude à répondre à une fonction ? La qualité et le prix de ses matériaux, de sa fabrication ? Sa capacité à (bien) vieillir ? Sa faculté à témoigner d’une époque ? La rareté des exemplaires disponibles ? Ou est-ce, plus simplement, un besoin d’« authenticité », que notre époque décline des paquets de chips à l’ancienne aux séjours touristiques, et que quelques rayures ou une simple coexistence temporelle entre le créateur et son objet suffiraient à justifier ? Autrement dit : où se trouve la valeur ajoutée du design, et dans quelle mesure celle-ci est-elle capable d'évoluer avec le temps ? Une mythification du design La question ne semble pas tranchée d'avance, tant les vérités ont, dans le domaine des arts appliqués, une valeur toute relative. Un exemple : la variation des prix d’un même créateur, selon les époques. Ainsi, les possesseurs de meubles originaux de Jean Prouvé, qui avaient peut-être hésité à les jeter dans les années 1970 à une époque où ils ne valaient pas grand chose, peuvent aujourd'hui se féliciter d'avoir en leur possession de véritables pièces de musée. Ces quelques éléments nous amènent à penser que, comme tout élément durable, le design est doublement inscrit dans l'histoire : en tant que témoin de l'époque qui l’a vu naitre d’une part, et en tant que valeur marchande liée au présent d’autre part. Et c’est cette valeur marchande qui joue dans la mythification du design, plus encore que sa capacité à (bien) vieillir. En effet, l'élargissement du public sensible au « design », et donc l’augmentation d’une demande par rapport à une offre déterminée, semble avoir créé une zone de spéculation dans laquelle le marché de l'art s'est confortablement installé. Témoin de son temps, porteur de nostalgie et de patine, le projet de design ne peut donc jamais se résumer à un concept, à une simple idée. Autrement dit, et peut-être malheureusement d'un point de vue strictement usuel, il est traversé par des thématiques économiques et symboliques qui ne le réduisent jamais à une simple forme utile. Et l'avenir : Brocante ou musée ? Alors l'œil aiguisé peut-il déceler, dès à présent, les placements d'avenir ? Peut-il discerner « les stars du passé qui ne seront reconnues que demain » (comme l’annonce le communiqué de presse des Puces du design). C’est possible, mais peut-être à condition de s’entourer d’objets dont la forme, le confort, l’aspect pratique – soit quelques-uns des thèmes essentiels du design – ne sont que moyennement satisfaisants… Alexandre Cocco Ce texte développe un article paru dans le magazine d'A n°159, paru en novembre 2006. Plus d'informations sur le site des puces du design.

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La Revue du Design — Mon, 02 Jun 2008 07:50:07 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:46:11 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:48:01 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:50:49 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:51:18 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:52:14 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:54:39 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 14:56:16 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 15:00:03 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 15:02:04 +0000

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La Revue du Design — Tue, 03 Jun 2008 15:04:20 +0000

Portrait : Stéphanie Marin

La Revue du Design — Wed, 04 Jun 2008 07:00:11 +0000

Née en 1973 à Marseille, Stéphanie Marin vient tardivement au design. Pendant une quinzaine d'années, elle dessine d'abord des vêtements, en misant notamment sur la récupération et la customisation. Et cela marche plutôt bien : une boutique à Nice, une autre à Barcelone, et plusieurs dizaines de points de vente partout dans le monde. En 2004, elle décide d’étendre ses réflexions au design et à l’habitat. Nait ainsi une série d’assises, de tables et de cloisons légères inspirées de la nature. Elle imagine tout d’abord, entre 2004 et 2006, les Livingstones : une série de galets mous tantôt coussins, tantôt poufs ou canapés. Existant en version intérieure (avec revêtement en laine vierge) ou extérieure (tissus néoprène), ces objets aux teintes naturelles ou chaudes (gris, grège, rouge…) permettent à l'utilisateur de moduler et d’expérimenter son propre paysage domestique. Puis viennent, en 2007, les Mobileshadows, des cloisons souples réalisées en pure voile de lin, montées sur une armature flexible en acier galvanisé. Comme des ombres ou des nuages, ces formes se combinent, jouent sur les transparences et les perméabilités, et évoluent au gré des mouvements ou des courants d’air. Enfin, la créatrice complète sa série avec Livingisland, un ensemble de plusieurs tables basses pouvant se superposer. Composées de strates de contreplaqué évoquant un relief géométrique, elles semblent défier l’apesanteur. Elles se déclinent, elles aussi, en différentes formes, dimensions et finitions. Oublier les standards Les créations de Stéphanie Marin sont certes métaphoriques, singeant avec plus ou moins de distance des éléments naturels (pierres, nuages, montagnes...). Pourtant, leur évidence fonctionnelle et leur simplicité formelle arrive à les abstraire de tout écueil « kitsch ». Délaissant les références et tics habituels de la discipline, la créatrice s’éloigne donc de tout vocabulaire archétypal ou prétendument « design ». De plus, en privilégiant les teintes et matières naturelles, les séries limitées et l’autoédition, les relations directes avec les artisans, elle en appelle à un design plus qualitatif, plus original et plus proche de ses consommateurs / utilisateurs. Introduisant dans nos intérieurs des esthétiques exogènes, Stéphanie Marin propose une vision rafraichie du design et de l’aménagement d’intérieur. Elle interroge nos habitudes, nos perceptions, notre capacité à imaginer, à nous projeter, à rêver… Et ce faisant, elle redéfinit non seulement l’apparence des objets qui nous entourent, mais aussi et surtout les comportements et habitudes qui leurs sont liés. Alexandre Cocco Pour plus d'informations, vous pouvez visiter le site de Stéphanie Marin.

Le design comme support : Pierre Charpin à Sèvres

La Revue du Design — Thu, 12 Jun 2008 10:00:32 +0000

Pierre Charpin vient de dessiner, pour la Manufacture Nationale de Sèvres, une série de formes – vases coupes assiettes et plats – qui sera destinée à entrer dans le patrimoine de la Manufacture, afin d’accueillir des décors imaginés par d’autres créateurs. Travail complexe en soi, puisqu’il revient à imaginer des formes « inachevées », pouvant être davantage considérées comme des supports que comme des objets finis. Lancée en 2005, cette commande (la dernière datait du milieu des années cinquante), consistait donc à imaginer une série de formes «inachevées», non pas au sens de mal finies, mais plutôt de « brutes », avant la phase de finition qui les transformerait de simples support en objets. Car comme le souligne le designer, «l’objet est forme, mais aussi fonction, matière, couleur, décor…» Intuitivement, cela l’a incité à rechercher des formes essentielles sans être banales, généreuses sans être imposantes ; une volumétrie fluide contenant peut de détails et laissant volontairement glisser la lumière, «un espace, un lieu, un territoire ouvert… susceptible de permettre l’existence d’autres expressions, d’autres horizons.» «Produire une forme destinée à recevoir un hypothétique futur décor, de la part d’un hypothétique futur créateur, équivaut, suivant les termes de la Manufacture et de sa tradition, à produire une forme "inachevée". C’est bien cela qui m’a enchanté» (Pierre Charpin). En prolongement de ces nouvelles formes, Pierre Charpin a également proposé à la Manufacture de créer lui aussi un premier décor. Ainsi est né le Vase Ruban, qui sera coproduit en série limitée par la Manufacture Nationale de Sèvres et la Galerie Kreo. Deux encoches rectangulaires, situées viennent ponctuer une des faces de l’objet, et à partir d’elles se déploie un jeu de lignes sinueuses et colorées, parcourant l’ensemble du vase. Se jouant de l’intérieur et de l’extérieur, les lignes glissent sur la surface du vase, pour fuir vers l’intérieur du volume. Ces nouvelles créations seront présentées pour la première fois au Design Parade 2008 de la villa Noailles à Hyères, du 6 juillet au 21 septembre. Un ouvrage, Pierre Charpin - Nouvelles formes pour Sèvres, est également édité aux éditions Bernard Chauveau), contenant de nombreuses illustrations et un beau texte d’Elisabeth Védrenne. Pour en savoir plus sur ce créateur, vous pouvez visiter le site Internet de Pierre Charpin.

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La Revue du Design — Fri, 13 Jun 2008 10:51:41 +0000

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La Revue du Design — Fri, 13 Jun 2008 10:52:36 +0000

charpin-vase-ruban-sevre-kreo

La Revue du Design — Fri, 13 Jun 2008 10:53:14 +0000

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La Revue du Design — Fri, 13 Jun 2008 12:22:51 +0000

arik-levy-cubic-meter-2

La Revue du Design — Fri, 13 Jun 2008 12:23:40 +0000

Le rangement version Arik Levy

La Revue du Design — Mon, 16 Jun 2008 07:00:12 +0000

Arik Levy vient de présenter lors de Design Miami/Basel 2008, une version en aluminium de son Cubic Meter storage system : un cube d'un mètre de coté, composé de sept éléments modulables pouvant être recombinés dans diverses configurations. Il avait déjà imaginé, l'an dernier, une précédente version en bois, en série limitée elle à 12 exemplaires en chène clair et 12 en chène foncé (nos images). Design Miami est une manifestation regroupant des galeristes, des designers, des collectionneurs, des conservateurs et des critiques internationaux. Durant une semaine, elle présente une sélection d'objets. Cette année, la présentation s'est déroulé en Suisse, à Bâle, au Markthalle, l'un des plus grands dômes d'Europe. Pour en savoir plus, vous pouvez visiter le site Internet d'Arik Levy.

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La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:39:57 +0000

cinq-cinq-designers-cloning-seat-2

La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:40:47 +0000

cinq-cinq-designers-cloning-vase

La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:42:25 +0000

cinq-cinq-designers-cloning-miror

La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:42:58 +0000

cinq-cinq-designers-cloning-pillow

La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:43:23 +0000

Cloning : vers un nouveau design

La Revue du Design — Fri, 20 Jun 2008 14:48:42 +0000

Le collectif français 5,5 designers (Vincent Baranger, Jean-Sébastien Blanc, Anthony Lebossé et Claire Renard), s’est fait connaître en 2003 avec leur collection Réanim, proposant de recycler des objets normalement voués à la destruction. Leur dernière série d’objets – Cloning – a été présentée à Milan lors du dernier salon du meuble. Elle s’inspire des techniques de clonage médical pour offrir un service de création d’objets uniques, à l’image du client/usager… Pour les designers, le processus de personnalisation que permet Cloning pourrait avoir pour conséquence « d’intensifier le rapport que l’on entretient avec les produits qui constituent notre environnement proche et avec lesquels nous avons de plus en plus de mal à créer des liens sensibles et durables ». Leurs Cloning Seats proposent par exemple, à partir d’études de postures réalisés sur un simulateur informatique, de créer des chaises tenant compte des différents points d’appuis et répartitions des charges caractéristiques à chaque usager. Dans le même esprit, les Cloning Vases sont élaborés à partir de vos mensurations. Peu importe si celles-ci sont plus proches du 60-90-60 que du 90-60-90 : la forme générée sera unique et vous sera propre. Les Cloning Mirors sont quant à eux des reflets fidèles de votre buste, dans lequel il pourra se refléter. Un avantage : même si vous grossissez légèrement, votre image restera identique. Autre projet assez drôle, les Cloning Pillows sont une série coussins dessinés en fonction de votre correspondance poids/taille. Ils reproduisent les courbes de votre ventre, plus ou moins rebondies, donc plus ou moins confortables. À la fois légère et radicale, la démarche des 5,5 designers en appelle à une remise en cause assez profonde du design, basée non plus sur la création de modèles à fort potentiel marketing, mais sur d’autres types de dessins, replaçant l’usager au centre du discours, et délaissant les habituelles préoccupations esthétiques des designers. Il ne s’agit donc pas tant, au final, d’une « remise en question de la forme de l’objet en rapport à son usage », que d'une réflexion sur la manière dont ces formes peuvent être créées « selon d’autres critères que le simple parti pris artistique ». Plus d'infos sur le site des 5,5 designers.

cult-of-design-olivia-lee

La Revue du Design — Mon, 30 Jun 2008 11:40:40 +0000

Designer stars, vous avez dit ?

La Revue du Design — Mon, 30 Jun 2008 11:43:51 +0000

Originaire de Singapour, Olivia Lee est élève de la Martins Saint Central School of Art and Design de Londres. Dans le cadre de son projet de fin d’études, elle vient de créer, non sans humour, une série de poupées à l’effigie de designers stars : Karim Rashid, Zaha Hadid et Jaime Hayon (dans un premier temps). « Ce projet – intitulé The Cult of Design – est une observation de la manière dont les personnalités du design deviennent peu à peu synonymes des objets qu'ils conçoivent » explique Lee. Ainsi, après avoir analysé leurs productions, objets ou architectures, elle a observé avec attention leur manière de se vêtir, d’être ou de communiquer. La poupée de Karim Rashid est ainsi habillée d’une tenue rose moulante et de lunettes de soleil, dans un style techno-globulo-pop. Les cheveux de Zaha Hadid, par ailleurs tout de noir vêtue, évoquent le vocabulaire déconstruit et « blobuleux » de ses projets. Jaime Hayon rappelle quant à lui à un curieux mélange de pokémon et de formes lisses, colorées et baroques. Ces poupées, tout autant hommages que critiques du statut de designer star (ou de « starchitects ») qu’occupent les créateurs aujourd’hui, interrogent également la propension assez contemporaine du consommateur à privilégier parfois le nom du créateur à la qualité des produits qu’il achète. Le designer, se retrouvant vendu au même titre que ses objets, réduit à quelques formes « tendances », fait ainsi l’expérience de sa propre stratégie de communication. Plus d'informations sur le site d'Olivia Lee. Projet et visuels © 2008 Olivia Lee. All rights reserved.

philippe-starck-school-of-design

La Revue du Design — Mon, 30 Jun 2008 12:16:35 +0000

slice-normal-studio-pour-eno

La Revue du Design — Mon, 30 Jun 2008 13:32:43 +0000

ajours-et-six-pack-normal-studio-pour-eno

La Revue du Design — Mon, 30 Jun 2008 13:33:16 +0000

Philippe Starck’s School of Design !

La Revue du Design — Tue, 01 Jul 2008 23:00:34 +0000

Le design avait jusqu'ici échappé à la téléréalité. Il aurait été déraisonnable de s’en réjouir puisque dès l’an prochain, la BBC va organiser en collaboration avec Philippe Starck une émission intitulée Philippe Starck’s School of Design, dont l’objectif sera de « dénicher » la star du design britannique de demain. La société de Production Twofour Broadcast recherche dès aujourd’hui des personnes de toute condition sociale, possédante une forte sensibilité visuelle et passionnée, sans avoir nécessairement de formation professionnelle dans le domaine du dessin, de l’art ou du design (même si, précise-t-on, cela peut présenter un certain avantage !). C’est Philippe Starck lui-même, grâce à son flair et son œil (« Philippe’s eye »), qui détectera ou non en vous la capacité à changer la vie de vos concitoyens. Après une première sélection de 25 candidats, l'école resserrera l’étau pour ne plus conserver qu’une seule personne, qui aura la chance d’effectuer un stage de 6 mois dans le bureau du maître. « Nous essayons de découvrir de jeunes talents », précise Starck : pas des « fashion-victim ou des design-victim, mais des personnes ancrées dans le réel ». « J'espère que ces candidats seront bons parce que s'ils sont bons, cela changera leurs vies et améliorera certainement la vies d’autres personnes », ajoute-t-il. Alors, allons-nous devoir voter par téléphone pour élire notre brosse à dents préférée ? Ou encore envoyer « Chaise » par SMS pour sauver tel élève dont la chaise aura malheureusement cédé lorsque le grand Philippe se sera assis dessus ? Verra-t-on des usagers malheureux ou des clients désabusés se brûler les mains dans un grille-pain mal conçu, ou au contraire être ravi de la nouvelle niche « design » qu’ils auront acheté pour leur chien ? Réponse l’an prochain, sur la BBC. Plus de renseignements sur le site de la BBC.

Normal Studio pour ENO

La Revue du Design — Thu, 03 Jul 2008 23:00:14 +0000

Normal Studio (Jean-François Dingjian et Eloi Chafaï) viennent de créer pour la jeune maison d’édition ENO (Edition de Nouveaux Objets) une série d’objets toute en retenue, épurée sans être minimaliste. Slice est un ensemble de trois plateaux en marbre de tailles différentes. Un léger bourrelet marque leur contour, à l’exception d’un des côtés, qui semble sectionné. Ainsi amputés, les plateaux dévoilent, comme dans une coupe technique, le dessin de leur forme intérieure. Ajours est une collection de tables d’appoint en métal et médium laqué, disponible en trois coloris (rouge, noir, kaki) et trois tailles. Son plateau est structuré par un motif en trois dimensions rendu possible grâce à un principe d’usinage recto-verso permettant de travailler la matière dans son épaisseur. Ces plateaux, laqués, reposent sur une structure filaire légère. Six Pack est une collection de bougeoirs en pierre à savon noire ou albâtre blanche. De base carrée, ils peuvent être juxtaposés afin de créer une continuité visuelle assez élégante. Laissons-donc, pour finir, la parole aux designers : « Nous avons souhaité travailler à partir de savoir-faire précis et traditionnels comme la laque ou le travail du marbre. En utilisant des matériaux pérennes, nous avons fait des objets qui portent une qualité manufacturée. Cela a orienté notre pensé et notre dessin vers l’idée de simplicité, d’évidence des formes, d’objets intemporels ». Le site de Normal Studio.

logo-ensci

La Revue du Design — Thu, 10 Jul 2008 09:40:53 +0000

Logo de l'ENSCI - Les Ateliers

La Revue du Design — Thu, 10 Jul 2008 09:41:30 +0000

Une certaine idée du design

La Revue du Design — Thu, 10 Jul 2008 09:44:34 +0000

Évoquons, avec un peu de retard, l’intéressant article qu'Alain Cadix, directeur de l'École Nationale Supérieure de Création Industrielle, a fait paraître dans le journal Les Echos fin juin. Il y évoque, avec beaucoup de pertinence, la place du designer dans le processus de conception des objets, ses articulations avec le marketing et la recherche, et plaide pour une intégration en amont des designers dans la définition de projets… Morceaux choisis : « Nous avons en France une vision tronquée et déformée du design. Nous ne le voyons nettement que dans le champ couvrant en gros la mode, le luxe, la décoration, le mobilier. » « Tel qu'il est pratiqué chez nos plus sérieux concurrents à travers le monde, et heureusement dans quelques-unes - trop rares - de nos entreprises, le design est d'abord une attitude (écoute, observation), une intention (on y revient) et une démarche de création. L'homme est au coeur de celles-ci. Non pas le client, le prospect ou le consommateur auquel s'intéresse l'homme de marketing (« marketer »). Le designer, tel que par exemple nous le formons à l'Ensci, concentre toute son attention sur l'homme dans son quotidien, sur ses pratiques, sur les situations qu'il vit (ou pourrait vivre). » « L'intention du designer, comme lui ont enseigné ses pères, sera de "donner une forme adéquate aux conditions de vie" (Walter Gropius, fondateur du Bauhaus) ou, dit autrement, de "transformer des situations existantes en situations préférables" (Herbert A. Simon, prix Nobel d'économie) ». « Le designer ne prétend pas changer le monde ; il aspire à le rendre plus viable, plus respirable, plus "durable" ; il projette un quotidien "préférable" ». « L'International Council of Societies of Industrial Design dit du design industriel qu'il est "le principal levier d'humanisation innovante des technologies". C'est une vision du design, accommodée au monde contemporain, que des chefs d'entreprise, des patrons de laboratoire et plus généralement des décideurs français devraient partager. » À méditer…

Design addicts

La Revue du Design — Mon, 14 Jul 2008 08:27:15 +0000

Dans son dernier ouvrage, l’illustrateur Jean-Philippe Delhomme propose une vision ironique et décalée du design, mettant en scène un couple de design-victimes, Huliéna et Anders qui, après avoir décidé d’emménager ensemble et avoir confié la décoration de leur appartement à un jeune designer branché, sont confrontés à quelques problèmes plus pratiques, notamment comment vivre dans un lieu « total look » ? Après être passé un temps, à partir de 1987, par l’illustration de mode pour Glamour et British Vogue, puis avoir flirté avec la publicité au début des années 1990 (campagnes pour Saab, Barneys), Jean-Philippe Delhomme se tourne peu à peu vers l’écriture et la mise en scène de ses propres histoires. Observateur attentif des tendances, et surtout de la manière dont elles sont perçues, assimilées et revendiquées, il écrit plusieurs romans (Mémoires d’un pitbull, La Dilution de l’artiste, Comique de proximité, 2005), ainsi qu’une série d’albums de dessins : Le Drame de la Déco, Art contemporain, et La Chose Littéraire. Le dernier opus en date, Design addicts, met en scène Huliéna et Anders, un couple « branché » (elle est stratège dans l'univers du luxe, et lui consultant en communication transversale) qui, après s’être rencontré lors de l’inauguration d’un restaurant pour happy fews, décide d’emménager ensemble. S’en suit toute une série de situations, chacune illustrée d’un dessin et d’un texte, mettant en scène ces deux caricatures de design-victimes, fermement décidées à s'essayer aux tendances les plus pointues, et à appartenir ainsi au cercle très fermé des professionnels du goût. Apparaissent ainsi, au détours de leurs pérégrinations, des références plus ou moins ouvertes aux « stars » de la discipline, d’Andrée Putman à Philippe Starck en passant par Pierre Charpin, Jean Nouvel, les frères Bouroullec, etc. À la fois philosophie et sociologique, l’approche décalée et ironique, toujours très finement observée, de Jean-Philippe Delhomme propose aussi une certaine vision de l’histoire récente du design, jusque dans ses travers les plus flagrants. Car le design, tout autant que des objets, produit des attitudes et des comportements. À lire de toute urgence. Le site de Jean-Philippe Delhomme. Design addicts, Jean-Philippe Delhomme, éditions Thames & Hudson, 25 €.

design-addicts

La Revue du Design — Tue, 15 Jul 2008 07:06:25 +0000

design-addicts-jean-philippe-delhomme

La Revue du Design — Tue, 15 Jul 2008 07:07:39 +0000

admirable-design

La Revue du Design — Tue, 15 Jul 2008 15:30:35 +0000

Un double cursus commerce/design

La Revue du Design — Tue, 15 Jul 2008 22:04:50 +0000

À lire, sur le site Internet de la revue Admirable design, l’article que consacre Fabrice Langlais au double cursus que vont proposer, dès la rentrée 2009, l’École supérieure de commerce de Grenoble et l'école de design Strate College. Une initiative qui pourrait faire des émules. Quelques (trop) rares écoles revendiquent, depuis maintenant plusieurs années, l’intégration de cours de gestion, de marketing, de commerce dans les formations en design. Citons par exemple L’Ecole de Design de Nantes Atlantique, Strate College, ou d’une certaine manière l’ENSCI. Elles cherchent en effet à former des professionnels de la forme, des usages, tant à l’aise dans les secteurs de l’innovation ou de l’ingénierie, que du commerce ou de la sociologie. Concrètement, ce rapprochement amènera à des échanges d’élèves durant un semestre, de professeurs, des travaux de recherche communs, mais aussi à la mise en place de double-diplômes pour les élèves ayant suivi une année et demie dans l’un des établissements. C’est d’ailleurs peut-être là que la véritable innovation se situe. Elle permettra de crédibiliser le design – et les designers – dans le monde de l’entreprise, en asseyant leur créativité sur des connaissances précises de communication, de marketing et de commercialisation de leurs produits. Ils pourront, en retour, affirmer leur sensibilité, leurs soucis de l’usager et leur capacité à imaginer de nouveaux produits, de nouvelles situations. Pour en savoir plus : Le lien vers l’article complet sur Admirabledesign.com Le site de l’École de Commerce de Grenoble Le site de l'école de design Strate College Designers

Tailoring-Furniture - Photo © Raw Edge

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 12:37:36 +0000

Volume - Photo © Raw-Edges

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 12:39:08 +0000

Bin Bag Bear - Photo © Raw-Edges

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 12:39:50 +0000

foldschool

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 16:05:52 +0000

foldschool-mode d'emploi

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 16:06:24 +0000

foldschool-2

La Revue du Design — Wed, 16 Jul 2008 16:06:54 +0000

Foldschool © Nicola Enrico Stäubli

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 07:52:47 +0000

metalarte-hayon-america

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 10:39:21 +0000

metalarte-hayon-bastone

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 10:39:52 +0000

metalarte-hayon-las-santas

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 10:40:14 +0000

metalarte-hayon-josephine-mini

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 10:40:40 +0000

Le mobilier sur-mesure de Raw-Edge Studio

La Revue du Design — Thu, 17 Jul 2008 23:50:14 +0000

Yael Mer et Shay Alkalay, deux jeunes designers fraichement diplômés du Royal college of Art de Londres, ont récemment dévoilé, lors de l'exposition de Peter Marigold à la Fat Galerie, leur projet Tailoring furniture, des meubles réalisés à partir de feuilles de papier ou de papier peint, pliées puis remplies de mousse de polyuréthane expansé. Cette technique, qu'ils avaient déjà exploré dans leur série Volume, est inspirée par l’industrie du vêtement. Elle permet une grande diversité formelle : comme dans une boutique de confection, plusieurs choix de coupes et de matières sont disponibles, selon les envies et les mensurations de l’acheteur. Cherchant à renouveller l'approche et les formes traditionnelles du design de meubles, ce duo interdisciplinaire – la première est styliste et le second designer – propose ainsi des projets où les notions de sur-mesure, de variations formelles, de mobilité et d’adaptabilité par rapport à l’utilisateur sont centrales. Une visite de leur site Internet (Raw-Edge studio) permettra de découvrir leur regard décalé et original, dévoilant une manière de traiter les objets, les volumes et les matières (comme par exemple leur sac poubelle Bin Bag Bear, présenté ci-dessous) , assez inhabituelle dans le domaine du design.

Chroma Key long stool by Minale-Maeda - photo © Minale-Maeda

La Revue du Design — Fri, 18 Jul 2008 08:03:12 +0000

Chroma Key fabric by Minale-Maeda - photo © Minale-Maeda

La Revue du Design — Fri, 18 Jul 2008 08:05:12 +0000

Chroma Key cabinet by Minale-Maeda - photo © Minale-Maeda

La Revue du Design — Fri, 18 Jul 2008 08:06:13 +0000

Jaime Hayón éclaire Metalarte

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 00:06:33 +0000

Jaime Hayón vient juste d'imaginer, pour l'éditeur espagnol Metalarte, une série de luminaires aux formes originales, plutôt inhabituelle dans le domaine du design. America, Bastone, Las Santas et Josephine Mini - ce sont leurs noms - déclinent ainsi, en autant d'esthétiques différentes, de nouvelles versions de l'éclairage domestique. La série America (ci-dessus) est en fait un assemblage d'une lampe et d'une table basse. Réalisé dans un matériau laqué qui semble massif, elle se décline en noir ou en blanc. Bastone est un ensemble de lampes à poser existant en trois tailles. Le concept de départ de cette collection est de proposer une customisation possible par l'usager, avec plusieurs types de poignées, de structures ou de formes. La série Las Santas est assez proche visuellement d'America, à la différence près que son pied est plus petit. La collection consiste en trois lampes - intitulées Maria, Thérèse et Lolita - de formes et de dimensions différentes, qui peuvent être utilisées sur une table ou comme chevet. Au niveau technique, ces trois modèles sont en porcelaine (pour la base) et méthacrylate (pour l'abat-jour), et disponibles en trois couleurs : blanc, jaune et bleu. Enfin Josephine Mini est une version réduite de la lampe Joséphine qui existe déjà. Elle est disponible en applique ou en lampe à poser. La structure est, elle aussi, en porcelaine colorée en blanc, noir, or ou platine. Plus d'infos : - le site de Jaime Hayón ; - le site de Metalarte.

mimique by rks - All rights reserved. RKS Design, Inc © 2008

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 08:14:30 +0000

mimique by rks - All rights reserved. RKS Design, Inc © 2008

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 08:15:01 +0000

Vertigo par Constance Guisset. Photo © Véronique Huygues.

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 15:51:10 +0000

Vertigo par Constance Guisset.

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 15:51:47 +0000

Vertigo par Constance Guisset. Photo © Véronique Huygues.

La Revue du Design — Mon, 21 Jul 2008 15:53:16 +0000

Eric Benqué, Bibliothèque, 2008. Photo © André Morin.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:19:30 +0000

Eric Benqué, Chaise longue, 2008. Photo © André Morin.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:20:19 +0000

Eric Benqué, Secrétaire et tabouret, 2008. Photo © André Morin.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:20:50 +0000

Eric Benqué, Spirale, 2008. Photo © André Morin.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:21:38 +0000

Pentaphone par Robert Stadler. Photo © Patrick Gries.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:35:10 +0000

pentaphone C2

Pentaphone par Robert Stadler. Photo © Patrick Gries.

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 13:36:09 +0000

pentaphone D

Les « planches » d'Éric Benqué

La Revue du Design — Tue, 22 Jul 2008 23:17:37 +0000

Plus que quelques jours pour découvrir l'exposition « Planches » présentée à la galerie Emmanuel Perrotin, dévoilant le travail épuré, géométrique et minimaliste du designer Éric Benqué. Quelques éléments en équilibre, des planches calées les unes par rapport aux autres, sans logique constructive évidente... La dernière série de meubles d'Éric Benqué a de quoi surprendre. Pourtant, à y regarder de plus près, l'instabilité perçue au premier abord révèle rapidement une certaine science de la construction, qui n’est pas sans rappeler quelques expériences constructivistes du début du XXe siècle, ou encore des pièces minimalistes des années 1980 (comme ceux de Donald Judd par exemple). Car si les constructions d'Éric Benqué ne proposent pas d’équilibres « évidents », c'est-à-dire, pour nos esprits cartésiens, basés sur une certaine orthogonalité des éléments entre eux, elles n’en dégagent pas moins une impression de stabilité, d’équilibre. « Ces meubles veulent simplement donner à lire le jeu des forces physiques en présence : celles-ci se répondent pour former des constructions stables, calmes, sans tension » précise d’ailleurs le designer, qui affirme avoir cherché à réaliser « une proposition de réponse dans le minimum matériel ». Mais le travail d'Éric Benqué n'est pas seulement minimaliste au sens « tendance » du terme. Chez lui, pas de design faussement « zen » ou de rigueur de façade : l'économie réside dans la précision avec laquelle il positionne, assemble les différents éléments les uns par rapport aux autres. Ici, un vide interstitiel entre deux planches fera naître un espace de rangement. Là, l'agencement de tel et tel élément confirmera à l'utilisateur que ce meuble peut s'utiliser dans plusieurs sens. Avec beaucoup de savoir-faire, Éric Benqué dessine donc des objets à la fausse simplicité, se jouant des biais, créant de nouveaux équilibres, afin de réduire l'utilisation de matières, mais aussi de pousser l'usager à interpréter, donc s'approprier, ces réalisations. Au niveau technique, cette série a été réalisée en lamellé-collé de bambou, un matériau composite réalisé spécifiquement pour l’occasion. Toutes les planches sont en fil travers, c'est-à-dire que le fil du bois fil est systématiquement dans la diagonale des panneaux. La partie souple de l’assise est en drap de laine armé coton. Exposition réalisée en collaboration avec l’éditeur Domeau & Pérès.

def-concepcion

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:20:33 +0000

def-concepcion-2

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:21:13 +0000

def-expositio

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:21:27 +0000

def-papeles

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:21:47 +0000

def-raphaela

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:22:02 +0000

def-raphaela-2

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:22:29 +0000

def-concepcion1

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 08:28:43 +0000

Microcotas. © Vicente Guallart, 2008.

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 15:00:04 +0000

Microcotas. © Vicente Guallart, 2008.

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 15:01:42 +0000

Microcotas. © Vicente Guallart, 2008.

La Revue du Design — Wed, 23 Jul 2008 15:02:03 +0000

Pachwork collection © Amy Hunting.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 07:47:49 +0000

Pachwork collection © Amy Hunting.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 07:48:26 +0000

Pachwork collection © Amy Hunting.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 07:48:49 +0000

Pachwork collection. Detail. © Amy Hunting.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 07:49:13 +0000

Trestle, Gabriella Gustafson & Mattias Ståhlbom, 2007. Photo © Joakim Bergström.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 08:38:06 +0000

Order, par Gabriella Gustafson pour Design House Stockholm, 2005. Photo © Joakim Bergström.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 08:39:00 +0000

Pearl, Gabriella Gustafson, 2004. Photo© Pär Bäckstrand & Joakim Bergström.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 08:39:38 +0000

taf-escalier-01

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 08:40:30 +0000

Stair, Gabriella Gustafson & Mattias Ståhlbom, 2006. Photo © Bobo Olsson.

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 08:41:12 +0000

Kaguya-hime

La Revue du Design — Thu, 24 Jul 2008 23:55:56 +0000

Inspirée par un conte japonais, cette chaise de Lotte van Laatum a été entièrement réalisée en bambou dans le cadre du Bamboolabs, une initiative cherchant à promouvoir cette matière sur le marché occidental. Kaguya-hime (littéralement « la princesse étincelante du bambou souple ») est une vieille légende japonaise dans laquelle un bucheron découvre une petite fille à l'intérieur de la tige creuse de grand bambou. Elle deviendra une très belle femme, courtisée par tous les hommes du pays, avant de retourner sur la lune, son foyer originel. Cette chaise s’inspire du berceau tissé en bambou dans lequel Kaguya-hime a grandi. Elle a été réalisée à partir d’une planche de 20 mm d’épaisseur, composée de trois couches de bambou, qui a été fraisée afin de laisser apparaître le motif. Le bambou possède l’un des taux de croissance les plus importants du monde végétal. Il s’agit donc d’une ressource intéressante dans notre société en recherche constante de pistes de développement durable.

Vue générale de l'exposition. Photo © Industrial Facility

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 08:58:09 +0000

enchord-pour-herman-miller

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 08:58:51 +0000

Sélection de produits « Under a Fiver ». Photo © Industrial Facility

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 08:59:53 +0000

Two-Timer clocks pour Established & Sons. Photo © Industrial Facility.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:01:55 +0000

Imprimante portable Epson. Photo © Industrial Facility.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:02:54 +0000

Treecabinet par Lotte van Laatum. Photo© Benders & Stevens Fotografische Vormgeving.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:28:02 +0000

Treecabinet par Lotte van Laatum. Photo© Benders & Stevens Fotografische Vormgeving.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:28:48 +0000

Kaguya-hime par Lotte van Laatum. Photo © Thomas Fasting.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:52:37 +0000

Kaguya-hime par Lotte van Laatum. Détail. Photo © Thomas Fasting.

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 09:53:25 +0000

etude-algoe

La Revue du Design — Fri, 25 Jul 2008 13:31:04 +0000

Chroma Key par Minale-Maeda

La Revue du Design — Sat, 26 Jul 2008 23:03:57 +0000

Chroma Key est un ensemble de meubles tapissés que Kuniko Maeda et Mario Minale viennent de présenter à la galerie Droog à Amsterdam. Leur série, comportant une étagère, une chaise, un banc, une table basse et une lampe, se décline en autant d'objets aux formes minimales, curieuses mais presque familières, recouvertes d'un textile aux fins motifs bleus. La texture de ces objets, rappelant celle de tissus d'ameublement classiques, apparait assez inhabituelle dans la mesure où elle s'applique à fond perdu : les meubles sont entièrement recouverts, homogènes. Leur structure disparait derrière le motif, qui génère par moments des effets de moiré grâce à la présence de fines lignes blanches et bleues. Particulièrement sensibles au lien entre forme et motif, entre objet et image, entre design et culture visuelle contemporaine, les designers Minale-Maeda proposent des objets inattendus, inhabituels et pourtant presque familiers. Uniformes, leurs propositions de la série Chroma Key misent ainsi sur des volumes simples, appropriables, presque génériques, à la fois esthétiquement présents mais semblant en même temps parfois se fondre dans le décor. Le bleu du tissu n'est d'ailleurs pas sans évoquer les fonds bleu ou vert utilisé dans le cinéma ou les effets spéciaux, qui permettent ensuite d'ajouter n'importe quel arrière-plan. Ces meubles sont visibles dans la galerie de Droog design, Staalstraat 7b, Amsterdam. Minale-Maeda est un collectif regroupant le japonais Kuniko Maeda et l'italien Mario Minale, qui se sont rencontré la Design Academy d'Eindhoven. Ils ont installé leur studio à Rotterdam en 2005.

Design in situ

La Revue du Design — Tue, 29 Jul 2008 00:55:08 +0000

L'architecte espagnol Vicente Guallart vient d'imaginer pour la plage de Vinaròs, une ville située entre Barcelone et Valence, des pièces de mobilier monumentales s'inspirant de la topographie environnante.À la fois meubles, micro-architectures et paysages, ces structures s'inspirent du paysage qui les accueille. Comme lui, elles sont anguleuses et acérées. Comme lui, et bien qu'elles soient relativement récentes, leur couleur commence à se patiner sous l'effet du soleil. Leurs excroissances, qui servent tant à rythmer le paysage qu’à proposer un certain confort à ses occupants, rappellent également, à leur manière, le paysage visible depuis la côte. À la recherche d'un design « territorial », l'architecte s'est, pour l'occasion, inspiré de détails et de sensations perçus depuis le site : des pierres érodées par le vent, des flaques d'eau aux formes improbables, des détails de matières, de textures, des superpositions et des strates de roches et surtout un contour accidenté, façonnés par les vagues. De forme hexagonale, entièrement réalisées en bois, ces plateformes ont la possibilité de se combiner les unes aux autres, générant ainsi des lieux de différentes dimensions, plus ou moins publiques ou privés, permettant la rencontre ou l'intimité. Bien qu'elles semblent se déployer librement sur la plage, dont elles épousent les contours et la volumétrie, les Microcotas ont été positionnées stratégiquement, afin de garantir une accessibilité maximale à la mer. Vicente Guallart (né en 1963) est un des architectes espagnols montant. Il a ouvert son studio à Barcelone en 1992, et mène depuis plusieurs projets d'ampleur. Il est directeur de l'Institute for Advanced Architecture of Catalonia, qui propose un post-diplôme d'architecture et d'urbanisme s'intéressant à de multiples échelles d'intervention (il est d'ailleurs intitulé « from Bits to geography »). Il est également co-auteur du Metapolis Dictionary of Advanced Architecture (édité chez Actar), et prépare un ouvrage qui sera intitulé Media, Mountains and Architecture. Pour finir, il a donné des conférences dans plusieurs lieux célèbres, tels que l'université de Princeton, au MIT, à l'Architectural Association...

Industrial Facility au Design Museum

La Revue du Design — Fri, 01 Aug 2008 00:06:45 +0000

Le Design Museum de Londres accueille, jusqu'en septembre prochain, une exposition des derniers projets de l'agence Industrial Facility, fondée par Sam Hecht et Kim Colin, et spécialisée dans le design industriel et les produits fabriqués en série. L'occasion de plonger au coeur de leur vision du design : accessible, élégante et fonctionnelle. Cette exposition est une occasion unique de découvrir une sélection de projets récents ou en cours de l'agence, pour Herman Miller, Established&Sons, Yamaha, Muji... Mais elle offre également, en filigrane, la possibilité de saisir quelques unes de ses pratiques, et plus largement sa manière de percevoir, donc de pratiquer, le design. En effet, en parallèle aux projets de l'agence proprement dits, sont également présentés une centaine d'objets amassés par Sam Hecht au fil de ses voyages, chacun coutant moins de 5 £, mais ayant néanmoins interpelé le designer par son esthétique, sa forme, son aspect pratique ou fonctionnel. Ces produits, loin d'être anecdotiques aux yeux du designer, sont plutôt considérés comme des sources d'inspiration, chacun dévoilant une histoire, une culture, un mode de fabrication particulier. Bigarrés et souvent surprenants, ils démontrent finalement bien la vision du design prônée par Industrial Facility : simple, accessible, parfois presque anonyme mais toujours élégante et astucieuse. Si vous souhaitez davantage d'informations sur le travail de l'agence, vous pouvez visiter le site Internet Industrial Facility.

Le design français et les autres

La Revue du Design — Sat, 02 Aug 2008 23:28:07 +0000

À lire absolument : l'étude réalisée par la société Algoé pour la Direction générale des Entreprises, en octobre dernier, traitant de la manière dont le design est soutenu par les pouvoirs publics et utilisé par les entreprises dans différents pays. Ce texte dresse un état des lieux précis du design français aujourd'hui, et propose ensuite un panorama relativement complet englobant différentes situations et différents pays : Danemark, Royaume-Uni, Corée du Sud, Japon, Finlande, Pays-Bas, Berlgique... L'occasion d'un tour du monde des pratiques plus qu'intéressant. Quelques extraits : Selon le rapport Design in Britain 2005-2006, réalisé par le Design Council au Royaume-Uni, « les entreprises usant de manière intensive du design […] ont deux fois plus de probabilités d’avoir développé de nouveaux produits et services que les autres. » (p. 14). « L’étude de l’agence nationale danoise pour l’entreprise et la construction de 2003 The economic effects of design [...] indique ainsi que parmi les entreprises étudiées, celles ayant eu recours au design avaient vu leur chiffre d’affaires croître de 22% de plus que celles n’y ayant pas eu recours sur les cinq années de la durée de l’étude. » (p. 14). « L’approche française apparaît structurellement fortement cloisonnée, entre art et industrie, entre marketing et recherche et développement, alors même que le design se situe justement à l’articulation de ces différentes dimensions. » (p. 17). « Le design est considéré très sérieusement par les responsables politiques anglais du plus haut niveau comme un outil décisif de réussite dans la compétition mondiale. [...] À l’époque où il était Ministre des Finances, Gordon Brown [… ] déclarait lors du lancement du Festival de Design de Londres en septembre 2005 : "Dans la nouvelle économie, le succès n’arrive pas par accident, il arrive par le design". » (p. 68). L'étude ajoute, enfin, qu'il est « indispensable de reconnaître la recherche en design en France, sinon en créant une section de recherche design, en tout cas en faisant émerger une communauté de chercheurs en design. » (p. 138)... On ne saurait l'en blâmer. Si vous souhaitez lire le document complet : Étude internationale sur les politiques favorisant l’usage du design par les entreprises

Vertigo par Constance Guisset

La Revue du Design — Tue, 05 Aug 2008 03:56:01 +0000

Vertigo est une lampe-cabane à hauteur variable. Légère et perméable, elle permet de créer un espace d’intimité, simplement délimité par quelques lignes et/ou quelques ombres. Créée par Constance Guisset, cette suspension mouvante et géante (sa surface totale est de près de 2 m²) peut être déplacée et modulée en hauteur. Elle s'adapte ainsi à différentes situations, différentes attitudes. Très légère (elle pèse moins de 500g), elle est de plus est sensible au moindre courant d'air, créant ainsi autant de motifs qui se déplacent sur les murs environnants. Se jouant des couples virtuel/réel, ombre/lumière, dedans/dehors, Vertigo crée un "espace graphique presque transparent, suspendu entre le sol et le plafond", dont les limites floues créent une sorte de pièce dans la pièce, une zone délimitée graphiquement mais pourtant totalement traversée, perméable, modulable. Diplômée de l’ENSCI - Les Ateliers en 2007, de Sciences-po en 2002 et de l’ESSEC en 1998, Constance Guisset est également Grand Prix du Design de la Ville de Paris 2008. Elle vient d’obtenir le Prix du public de la Design Parade 03 à la Villa Noailles, ainsi que deux « Aides à Projets » pour la sélection du VIA 2008/2009.

Do it yourself !

La Revue du Design — Thu, 07 Aug 2008 02:22:05 +0000

Foldschool est une collection de mobilier en carton libres d'accès, à destination des enfants, dont les modèles peuvent être téléchargés et imprimés. Il suffit ensuite de suivre les instructions de montage pour avoir, chez soi, un meuble solide et original. Cette série de trois meubles – tabouret, chaise et table basse – ont été conçus par le designer Nicola Enrico Stäubli, qui vit et travaille en Suisse. Ils permettent, selon lui, de proposer une alternative à la culture et la consommation de masse, caractérisée par un certain caractère superficiel et une absurdité écologique. Un mode d’emploi très simple, téléchargeable en ligne, permet de tracer, de découper, et de monter chacun des meubles. Cherchant à rapprocher le design de ses futurs utilisateurs, Foldschool cherche ainsi à rétablir le design dans l’une de ses missions originelles : allier une esthétique originale, un prix accessible, et un procédé de fabrication intelligent. Plus d'infos : - le site Internet de Foldschool. - le site Internet du designer Nicola Enrico Stäubli.

Design d'interfaces

La Revue du Design — Sat, 09 Aug 2008 01:34:11 +0000

Pentaphone est un « espace d’isolation » imaginé par Robert Stadler du collectif Radi designers. Réglable en hauteur, et donc adaptable à différentes morphologies, cet objet offre la possibilité de créer, dans un espace vaste ou public, un sous-espace permettant de retrouver un peu d'intimité et de s’isoler du bruit ambiant. Ludique et pratique, Pentaphone démontre - s'il le fallait encore - que le design est évidemment caractérisé par une recherche sur les formes, l'esthétique ou les usages, mais qu'il s'agit aussi, voire surtout, d'une réflexion sur les perceptions, les attitudes, et plus généralement les comportements sociaux. Pentaphone, Collection FNAC (Fond National d'art Contemporain) / France.

Les lampes minimales de Raquel Moreno López

La Revue du Design — Tue, 12 Aug 2008 03:00:20 +0000

Raquel Moreno López, une jeune designer espagnol, a récemment imaginé une série de lampes aux formes et aux matériaux plutôt originaux : fil électrique, papier neuf ou recyclé, tube plastique... Présentation de quelques-uns de ses modèles. Rafaela (image ci-dessus et ci-dessous) est constituée de 20 m de fil électrique, qui viennent s'enrouler autour d'une structure technique assez simple. Lorsqu'elle est allumée, la lumière joue avec les méandres du fil, exploitant par endroits sa transparence. Expósito utilise 25 mètres de tube plastique souple et transparent, qu'elle entortille, noue, entrelace autour de l'ampoule. Papeles est quant à elle conçue à partir d'un vieux journal recyclé, lui aussi coupé en lamelles puis tissé, ou plus exactement tricoté. Enfin, la lampe Concepción est réalisée à partir de trois feuilles de papier blanc format A0, coupé en fines lamelles puis tissées les unes avec les autres. Se servant de structures techniques très simples - une ampoule, un peu de fil électrique, quelques éléments en métal - Raquel Moreno López parvient à créer, avec une économie de moyens évidente, des objets au fort pouvoir esthétique. Preuve que le design, souvent caractérisé par une certaine sophistication (voir parfois débauche) formelle, gagne aussi à être imaginé avec économie et légèreté. [caption id="attachment_239" align="alignnone" width="425" caption="Mode de fabrication de la lampe Concepción © Raquel Moreno López."][/caption]

Un design open-source ?

La Revue du Design — Thu, 14 Aug 2008 01:02:40 +0000

L'agence de design américaine RKS vient de concevoir un téléphone portable à écran tactile de dernière génération, destiné à fonctionner avec le prochain logiciel de Google à destination des mobiles... Focus sur un design "open-source". Le très attendu logiciel libre Android de Google, à destination des téléphones portables, devrait changer la manière dont nous utilisons ces objets, en autorisant notamment un choix de modèles beaucoup plus large. En effet, il ne sera plus nécessaire, pour pouvoir bénéficier des dernière avancées en termes d'interfaces, de programmes ou de jeux, de changer de combiné à chaque nouvelle avancée technologique. Attrayant et ludique, avec son très large écran tactile, ce téléphone - dénommé Mimique - allie un look un peu rétro et des fonctionnalités de dernière génération. Il rappelle, d'une certaine manière, les premiers modèles de portables, avec leur antenne excroissante, mais revu et corrigé sauce fluo et techno. Simple, ludique et "flashy", comme peut par ailleurs l'être Google, le Mimique propose un service optimisé aux usagers, sans gadgets inutiles, et cherchant à donner aux consommateurs exactement ce qu'ils veulent. Mimique mise sur une personnalisation totale : chacun pourra peut par exemple télécharger différentes images pour personnaliser son interface graphique mais également intégrer telle ou telle fonctions spécifiques, programmes ou jeux. De plus, l'actualisation possible du téléphone aura, aux yeux de ses concepteurs, l'avantage de prolonger la durée de la vie de l'appareil lui-même, puisque les fonctions ne seront plus directement connectées à l'objet en lui-même. RKS est une agence de design industriel fondée en 1980, et basée en Californie du Sud. Spécialisée dans les secteurs médicaux, l'électronique grand public, les articles de sport ou encore les biens industriels, elle compte parmi ses clients des entreprises comme Apple, JBL, HP, Intel, Panavision, Medtronic, etc.

Portrait : Taf Arkitektkontor

La Revue du Design — Sat, 16 Aug 2008 01:30:19 +0000

Le travail de Taf Arkitektkontor, studio créé en 2002 par Gabriella Gustafsson et Mattias Ståhlbom, s’oriente vers des formes très graphiques, qu’ils déclinent du mobilier à l'aménagement intérieur. La gamme de tréteaux Trestle (ci-dessus) exploite, par exemple, une articulation de formes simples et d’éléments plus graphiques : les différentes planches de bois sont réunies par des pièces métalliques colorées, évoquant presque un jeu de construction grandeur nature. Leur valet Order est quant à lui constitué d'une structure filaire se déployant librement dans l’espace. Se dessine ainsi un tracé – rappelant à certains endroits un cintre traditionnel, à d’autres un crochet ou une rampe – permettant de suspendre, d’accrocher, de supporter différents vêtements ou accessoires. Dans un autre registre, les pieds de la table Pearl sont faits de boules de bouleau laqué, de tailles et/ou de couleurs différentes, que vient recouvrir un plateau d’acier. Un contraste fort apparaît entre ces deux ensembles de formes, donnant à l’ensemble un aspect instable et improbable. Toujours minimalistes dans leur intervention, les créateurs de Taf Arkitektkontor n'hésitent pas à triturer, manipuler ou détourner les formes pour faire apparaître d'autres possibilités. Un dernier exemple : dans l'aménagement intérieur qu'ils réalisent à Stockholm en 2006 pour un client privé, afin d'optimiser l'espace disponible, ils imaginent un mélange d'escalier et d'échelle. Inhabituelle, presque perturbante, la forme n’en révèle pas moins une forte efficacité et une inscription pertinente dans le lieu et ses usages. Plus d'infos sur le site de Taf.

The Pachwork collection

La Revue du Design — Sun, 17 Aug 2008 23:13:00 +0000

Designer et illustratrice d'origine norvégienne, aujourd'hui installée à Londres, Amy Hunting vient d'imaginer une collection de mobilier et accessoires entièrement composée de chutes de bois… Une manière affichée de miser sur le recyclage, et de valoriser le potentiel esthétique des matières brutes. Après avoir collecté des déchets provenant de différentes usines du Danemark, Amy Hunting a aggloméré ces différents éléments récupérés pour créer une matière nouvelle, les mélangeant tous. Ensuite, elle a taillé dans la masse de ce nouveau matériau, afin de l’ensemble des pièces de sa collection : une chaise, un contenant à livres, ainsi qu’une série de lampes encastrables ont ainsi vu le jour. Chaque pièce a nécessite une mis en œuvre particulière. La boite à livres (ci-dessus) a par exemple été réalisée à partir de simples planches taillées dans ce matériau composite. Plus complexe à produire, la série des lampes (ci-dessous) a été coupée dans un grand bloc de cette même matière, par tranches successives afin de ne pas générer de déchets supplémentaires. Plusieurs tailles d’abat-jours, chacun contenant l’autre, sont ainsi apparues, jusqu'à ce que la matière première soit totalement épuisée. La chaise, enfin, a amené la designer à travailler matière autrement, en créant des parties contenant davantage de détails formels, au niveau du piètement notamment. Les différents éléments de cette collection, qui sont par ailleurs entièrement biodégradables, ont par ailleurs été réalisés sans aucune vis ni boulons. Ils ne nécessitent, non plus, aucune finition. Amy Hunting est une designer norvégienne de 23 ans qui vient de terminer ses études à la Denmark’s School of Design de Copenhague. Elle travaille aujourd'hui dans le domaine de l'illustration et du design mobilier, et aimerai que cette série Pachwork, pour l'instant à l'état de prototype mais néanmoins adaptée aux contraintes industrielles, soit éditée en petite ou moyenne série. Elle recherche donc à ce jour, activement, des partenariats.

Poésie naturelle

La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 00:29:35 +0000

Le bureau Treecabinet, imaginé par Lotte van Laatum (dont nous avions déjà pu apprécier le travail du bois avec sa chaise en bambou Kaguya-hime), vient d'être réalisé à partir de planches provenant d'un arbre abattu en 1999, suite une maladie qui décima bon nombre d'ormes de la région du Kloosterzande. S'inspirant de la forme caractéristique de cet arbre, ce bureau propose une esthétique assez minimaliste : quatre pieds élancés soutiennent un épais plateau, qui sert également de rangement. Le tiroir lui-même, occupant toute la largeur du meuble, ne comporte ni poignée ni bouton de tirage. Seul un espace interstitiel irrégulier, né des contours originels de l’arbre, permet d’y glisser ses doigts. Se joue ainsi un jeu subtil entre le volume global du meuble, très précis et très net, et la découpe plus légère, plus naturelle et plus poétique du tiroir. Le site de Lotte van Laatum.

Cityspeed par Michael Young pour Giant. Photo © Michael Young / Giant.

La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 07:56:58 +0000

Cityspeed par Michael Young pour Giant. Photo © Michael Young / Giant.

La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 07:58:05 +0000

Cityspeed par Michael Young pour Giant. Photo © Michael Young / Giant.

La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 08:02:45 +0000

Couverture Observateur Cetelem 2007.

La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 09:30:26 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:27:32 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:42:45 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:46:25 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:47:57 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:48:58 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:49:33 +0000

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La Revue du Design — Wed, 20 Aug 2008 15:54:37 +0000

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logo-les-echos

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 11:47:23 +0000

logo-hp

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 11:49:55 +0000

Any table, ping-pong table © Tithi.

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 13:14:33 +0000

Any table, ping-pong table © Tithi.

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 13:17:18 +0000

Any table, ping-pong table © Tithi.

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 13:23:47 +0000

My sweets © Tithi.

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 13:24:33 +0000

HP va renouveler sa gamme de portables

La Revue du Design — Thu, 21 Aug 2008 23:46:47 +0000

À lire, dans Les Echos du 20 aout dernier, cet article de Régis Marti résumant la stratégie retenue par la marque d'ordinateurs portables HP afin de contrer son concurrent Dell : une mise en avant du design et de la légèreté. Afin de contrer son concurrent texan, le leader mondial californien du PC vient en effet d'annoncer qu'il allait renouveler sa gamme de portables, dans un objectif stratégique tout autant qu’économique. Elle représente en effet une source de rentabilité importante et en forte croissance (un peu plus de 50 % de son chiffre d'affaire total, contre 40 % deux ans plus tôt). Dans ce secteur concurrentiel ("Les portables constituent le segment le plus dynamique de l'industrie du PC", précise l'article), l'entreprise a privilégié, pour cela, des produits plus fins, plus légers ("ultraportables"), mais aussi plus "esthétiques" grâce à l'utilisation de matériaux comme l'aluminium brossé, le noir satiné, ainsi que "l'utilisation d'une technique de gravure de motifs dans l'épaisseur même du boîtier de l'ordinateur". Source : lesechos.fr.

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La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 07:08:20 +0000

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La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 07:28:26 +0000

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La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 07:28:41 +0000

Coat hanger © Takashi Sato Design.

La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 10:10:11 +0000

Coat hanger © Takashi Sato Design.

La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 10:11:41 +0000

Coat hanger © Takashi Sato Design.

La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 10:12:01 +0000

Cityspeed par Michael Young

La Revue du Design — Fri, 22 Aug 2008 23:36:44 +0000

Le designer industriel Michael Young vient d'imaginer Cityspeed, un vélo urbain pour la marque taïwanaise Giant, le plus important fabriquant au monde. D'allure élégante et robuste, Cityspeed est aussi caractérisé par des phares et feux arrière intégrés dans la forme globale, utilisant la technologie des leds. Cityspeed, qui sera officiellement lancé à Tokyo en Octobre prochain, est la seconde collaboration entre le designer et la marque, puisqu'un précédent vélo, appelé Citystorm , avait déjà vu le jour en 2006.

Design everywhere !

La Revue du Design — Sun, 24 Aug 2008 23:05:11 +0000

Et si n'importe quelle table pouvait être transformée en table de ping-pong ? Telle est le type de question que le designer Tithi, diplômé du Royal College of Art de Londres en 2007, se pose, interrogeant au passage nos habitudes, nos comportements, et la capacité du design à les favoriser ou les modifier. Dans son projet de table de ping-pong, intitulé Any table, ping-pong table (image ci-dessus, en collaboration avec Luka Stepan), il propose de transformer, à l'aide d'une simple nappe, d'un filet, de quelques pièces d'assemblage et de deux raquettes, n'importe quelle surface, située à environ 80 cm de hauteur, en une aire de jeux et de détente : au bureau, chez soi ou dans des lieux publics. À mille lieu d'un design "héroïque", purement formel, Tithi produit des objets à fort potentiel émotionnel, souvent liés aux comportements intimes, à des gestes simples, des habitudes : jouer, partager, se nourrir (cf. son projet de plaque de chocolat ci-dessous) deviennent ainsi chez lui autant de prétexte à une réflexion de designer mêlant formes, usages et matériaux. Ce dernier projet a été lauréat des Pyramid awards, Deutsche Bank 2007, et finaliste du Design for our Future Selves Awards 2007, Helen Hamlyn Centre.

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La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 11:11:41 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 11:12:06 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 11:12:29 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 11:12:49 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 12:28:25 +0000

Peugeot dévoile sa RC...

La Revue du Design — Mon, 25 Aug 2008 23:01:25 +0000

Le site Internet Trendsnow vient de dévoiler les lignes du futur concept-car de Peugeot, dont le nom complet sera connu lors du prochain Mondial de l'auto. Il s'agit d'un coupé Grand Tourisme aux lignes élancées et dynamiques, dont l'objectif sera de faire le lien entre les concept-cars RC ♠ et ♦, datant de 2002, et la 908 RC qui fut présentée lors du Mondial 2006. Sportive, presque agressive tout en restant élégante, ce modèle se caractérise par des lignes courbes, parfois rebondies, qui se déploient dans l'espace comme des ondes. Son profil, particulièrement soigné (image du haut), semble même avoir été spécifiquement conçu pour accompagner l'air lors de tests aérodynamiques. Mais ce concept-car se veut également pratique et polyvalent, avec ses quatre portes et ses quatre vraies places. Il met enfin en avant de hautes performances énergétiques, puisque sa technologie hybride devrait lui permettre d'afficher un très bon bilan environnemental (109 de CO2 g/km en cycle mixte). Pour plus de détails, vous pouvez découvrir l'article complet et d'autres photos sur le site Internet de Trendsnow.

Comment perdre vos clients grâce à un nouveau design ?

La Revue du Design — Tue, 26 Aug 2008 04:33:21 +0000

"Comment perdre vos clients grâce à un nouveau design : la parabole de la ligne 13" est le titre d'un récent article accessible sur le site Internet Le Potlach. Publié sur un mode ironique (et assez réussi à ce niveau), il pointe, en creux, un certain nombre de points démontrant que le design, tout autant qu'une affaire de formes et de cahier des charges, est aussi en relation directe avec les utilisateurs et leurs perceptions. Le rédacteur de cet article, par ailleurs concepteur de sites Internet, nous livre ainsi un véritable témoignage d’usager, chose précieuse pour le designer qui, même s’il se base sur des cahiers des charges précis, des normes ergonomiques, à l’occasion même des études comportementales, manque parfois de contact direct avec le terrain. Après une première partie construite autour des principales critiques : manque de lumière et de places assises, inconfort des poignées (« Les poignées de porte ont disparu : enfin, pas complètement. Il reste un moignon de poignée (un poignon ?) qu'aucune forme de main humaine ou animale ne peut saisir pour se retenir en cas de brusque freinage »), absence d’affichage extérieur… l’auteur tente de lister quelques hypothèses ayant pu amener à ce « désastre d’usabilité », allant même, ironiquement, à penser qu’il puisse s’agir d’une expérience réussie de « deceptive marketing ». Il pointe, en tous cas (et bien qu’étant a priori extérieur au domaine du design industriel ou de transport), quelques écueils : surabondance de normes (au niveau des dimensions notamment, amenant parfois à des incohérences), économies « de bout de chandelle », absence de contact du designer avec le terrain, obsession du mieux au détriment du bien (« en améliorant, on a oublié la fonction de base »), concurrence des fonctionnalités… Sans forcément partager l’ensemble des remarques et conclusions de cet article, nous pensons toutefois que ce type de démarche (un usager donnant un avis construit sur un produit qu’il utilise) mérite d’être pris en compte par le designer. Cela peut se faire de trois manières différentes. En intégrant à des moments précis de la phase de conception des observations « de terrain » permettant de voir comment un objet et ses fonctionnalités sont perçus par les utilisateurs. Par le biais d’études post-création, amenant à un diagnostic du projet en fonctionnement, après plusieurs semaines ou mois d’utilisation. Mais aussi, et c’est certainement d’ailleurs par là qu’il faut commencer, en inculquant plus en amont aux designers (dès l’école) une réelle culture des usages et des usagers. Source : Comment perdre vos clients grâce à un nouveau design : la parabole de la ligne 13. À titre d’information, on pourra également consulter cet extrait du cahier des charges du nouveau métro de la ligne 13, publié par la RATP, et présentant des photos avant/après du projet.

Le minimalisme malin de Takashi Sato

La Revue du Design — Tue, 26 Aug 2008 23:12:59 +0000

Basé à Tokyo, le designer japonais Takashi Sato vient d'imaginer un portemanteau simplement composé de trois pièces de bois et de deux cintres, dont les formes peuvent se combiner afin d'offrir d'autres modes d'accroche. Simplement vissé sur une section en forme de croix, le montant principal de l'objet est perforé de trois fines fentes, destinées à accueillir des cintres en aluminium laqué noir. Ceux-ci peuvent se positionner de différentes manières : soit ils sont glissés dans des interstices différents, proposant ainsi un de leur coté pour suspendre une veste ou un manteau, soit ils se suspendent l'un à l'autre, afin d'offrir une accroche plus "traditionnelle". Minimaliste, très simple (presque trop ?), l'esthétique de Takashi Sato nous démontre que le design, loin de ses expérimentations parfois outrancières ou baroques, se situe aussi dans l'astuce, la légèreté et la retenue formelle. Source : Dezeen

Bic, mais pas jetable !

La Revue du Design — Wed, 27 Aug 2008 23:13:29 +0000

La marque Bic, connue pour ses stylos, ses briquets et ses rasoirs jetables, vient de lancer, en partenariat avec Orange et Alcatel, son premier téléphone portable, une sorte d’anti-iPhone puisqu’il ne permet que de téléphoner et d’envoyer des textos. Ce mobile low-cost est destiné à séduire les derniers réfractaires à cette technologie, et à satisfaire tout besoin ponctuel de communication. Avec ses couleurs acidulées et ludiques, avec son air de déjà-vu, le Bic-phone s’achète sous blister (comme les rasoirs), en supermarché, en gare ou dans les bureaux de tabac. Le prix du pack (49€) englobe le combiné en lui-même, une batterie rechargeable (et rechargée !) et une carte sim (offre prépayée de 60 minutes de communication). Le consommateur pourra, par la suite, recréditer son compte en achetant des cartes prépayées. Misant sur la simplicité, le Bic-phone est prêt à l’emploi (« Allumez, téléphonez » dit même le slogan), et son originalité résider certainement dans le fait de s’adapter à des besoins ponctuels de communication, ce qu’au final assez peu de concurrents proposent. Pour autant, amènera-t-il la marque à se faire une place au milieu de la multiplicité d’offres promotionnelles qui caractérise le secteur de la téléphonie mobile ? De plus, si l’offre semble pertinente, on regrettera que la marque ne ses soit pas engagée de manière plus volontaire dans la voie du recyclage. En proposant un portable « presque jetable », il aurait en effet pu être pertinent de voir apparaître des téléphones utilisant des matières ouvertement recyclables (pourquoi pas du carton, des plastiques verts…). Il est en effet possible (probable ?) que le consommateur accepte, dans cette optique (des communications occasionnelles), une esthétique plus inhabituelle, plus originale, ne cherchant pas à simplement signer les formes des portables plus « traditionnels ». Sources : Tendance high-tech, Silicon.fr, Le blog de Sylvain Ratton, Nieuwblog.

Surface Table © Terence Woodgate & John Barnard / Established & Sons

La Revue du Design — Thu, 28 Aug 2008 12:58:35 +0000

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La Revue du Design — Thu, 28 Aug 2008 13:04:22 +0000

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La Revue du Design — Thu, 28 Aug 2008 15:51:00 +0000

Seulement 2 mm !

La Revue du Design — Fri, 29 Aug 2008 02:44:07 +0000

Terence Woodgate et John Barnard viennent d'imaginer, pour l'éditeur Established & Sons, une incroyable table appelée "Surface". Réalisée en fibre de carbone, elle mesure trois mètres de long et un mètre de large, pour seulement deux millimètres d'épaisseur. Venant pour l'un du monde du meuble et pour l'autre du design automobile, les deux créateurs ont collaboré pour réaliser cette table assez incroyable, exploitant des technologies novatrices habituellement utilisées dans la technologie aérospatiale et le sport automobile de haut niveau. Présentée en avant-première lors du dernier salon du meuble de Milan, elle exploite la rigidité intrinsèque à la fibre de carbone, disposée en fines couches. D'une épaisseur incroyable de 2 mm (soit près de cinq fois plus mince que son équivalent le plus proche), qui la rend presque irréelle, trop frêle, elle existe en deux versions : entièrement noire ou plaquée de noyer. “We were interested in taking the form of a normal table, one with legs at each corner, as far as we possibly could. It became a search for perfection. Radius corners, round legs, domed feet and rounded edges all accentuate the slimness of the design making the entire form a seamless, blended geometric surface.” Terence Woodgate Sources : Yatzer, Stylepark, Monsieurdesign, Established&sons.

Un nouveau rapport suédois démontre la rentabilité du design

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 03:52:56 +0000

Évoqué sur le site des Industries Créatives européennes, cette étude, intitulée „Svenska företag om design 2008” [Les entreprises suédoises et le design 2008], démontre que le design favorise le développement de nouveaux produits et services, qu'il renforce la compétitivité des entreprises et qu'il est un facteur d'accroissement du chiffre d'affaire des entreprises. Initiée par la Swedish Industrial Design Foundation, l’Association of Swedish Engineering Industries et la Swedish Federation of Consulting Engineers and Architects, ce rapport a été basé sur l'analyse de remarques recueillis après d'environ un millier de dirigeants d'entreprises de plus de 20 salariés. Plusieurs tendances en ressortent : "Plus de la moitié des PDG estiment qu’un bon design contribue à renforcer les marques, améliorer la communication et augmenter la satisfaction des clients", "La probabilité de développer de nouveaux produits et de faire preuve d’innovation est cinq fois plus grande chez les entreprises employant consciemment le design en tant qu’instrument stratégique et orienté processus que chez les autres", et de plus "l’emploi stratégique du design a des effets positifs sur l’exportation". À lire également, en complément, l'étude réalisée par la société Algoé, qui analyse le rôle économique et le statut du design dans différents pays. Sources : „Svenska företag om design 2008”, et l'article de Karin Lilja (traduction de l’anglais: Catherine Daraspe) sur le site des Industries créatives européennes.

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:47:50 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:48:34 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:49:12 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:49:26 +0000

Collection de tables dog par Christophe Delcourt pour ENO.

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:51:05 +0000

Service « Bettina » par Future Systems pour Alessi.

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:51:56 +0000

Vase « Crevasse » par Zaha Hadid pour Alessi.

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 08:52:25 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 09:27:57 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 09:28:45 +0000

Détail de la case Funktion. Case System. Photo © Neues Museum (Annette Kradisch).

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 09:30:32 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 12:36:16 +0000

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La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 12:36:49 +0000

Director’s room par Luca Ranconi pour Artemide. Photo © Artemide.

La Revue du Design — Mon, 01 Sep 2008 12:37:58 +0000

Un design allemand ?

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 02:31:47 +0000

Le Neues Museum de Nuremberg présente, jusqu'au 5 octobre prochain, une exposition intitulée Design Deutschland, case study 08 dévoilant, au travers d'une sélection réduite d'objets, un concentré de créativité germanique. Avec son aspect de boite de Pandore, la scénographie - de simples structures en bois de quelques mètres carrés, qui semblent pouvoir se refermer comme des valises géantes - mêle les époques et les styles, les formes et les matériaux. S'y cotoient ainsi le système d'étagère RegalSystem 606 de Dieter Rams, la nouvelle chaise Myto de Konstantin Grcic, la célèbre valise en aluminium Rimowa, le service de table TAC 01 de Walter Gropius pour Rosenthal, ou encore le luminaire Lucelino d'Ingo Maurer. Sans avoir la prétention de fournir une vue exhaustive de plusieurs décennies de créations, cette mini-exposition réussit néamoins - c'est certainement là son principal intérêt - à faire ressortir quelques thèmes forts (systèmes, fonctions, matières) et à tisser des liens entre des créations parfois visuellement assez éloignées. Plus d'infos sur le site du Neues Museum de Nuremberg.

certains-droits-reserves

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 07:43:48 +0000

by

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 07:52:30 +0000

Conditions d'utilisation

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 07:53:44 +0000

La Revue du Design by La Revue du Design est mis à disposition selon les termes de la licence Creative Commons Paternité-Pas d'Utilisation Commerciale-Pas de Modification 2.0 France. Les commentaires présents sur n'engagent que leur(s) auteur(s), et aucunement La Revue du Design. Vous êtes libres de reproduire, de distribuer et de communiquer tout article ou citation tirée de La Revue du Design, à condition de : - mentionner la source et l'auteur éventuel : La Revue du Design (www.larevuedudesign.com) - respecter la paternité : vous devez citer le nom de l'auteur original de la création (article, oeuvre...) ou le titulaire des droits qui vous confère cette autorisation, tel qu'il est mentionné (mais pas d'une manière qui suggérerait qu'ils vous soutiennent ou approuvent votre utilisation de l'oeuvre). - pas d'utilisation commerciale : vous n'avez pas le droit d'utiliser cette création à des fins commerciales. - pas de modifications : vous n'avez pas le droit de modifier, de transformer ou d'adapter cette création. À chaque réutilisation ou distribution de cette création, vous devez faire apparaître clairement au public les conditions contractuelles de sa mise à disposition. La meilleure manière de les indiquer est un lien vers la page web Creative Commons. Chacune de ces conditions peut être levée si vous obtenez l'autorisation du titulaire des droits sur cette oeuvre.

Concours design Peugeot 2008 - SVP par Mickael Soubabère (France)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:51:46 +0000

GALapagos par Igor Yastrebov (Fédération de Russie)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:53:24 +0000

OPENA par Jaroslaw Koziel (Pologne)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:54:29 +0000

Peugeot Pure par Pierlot Damien (Belgique)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:54:51 +0000

MoVille par Woo-Ram Lee (France)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:55:11 +0000

MoVille par Woo-Ram Lee (France)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:55:38 +0000

GLOBE par VARUN GOPINATH (Inde)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:56:11 +0000

Vision par Shinji Nukumi (Japon)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:56:39 +0000

OXO par LOU KE (Chine)

La Revue du Design — Tue, 02 Sep 2008 12:57:18 +0000

Director’s Room par Artemide

La Revue du Design — Wed, 03 Sep 2008 02:38:32 +0000

Director’s Room est un concept d’éclairage totalement novateur imaginé par le scénographe Luca Ranconi pour Artemide. Conçu comme une mini-scénographie autonome, il s'agit d'un luminaire en forme de fenêtre qui permet de simuler différentes ambiances en fonction des heures de la journée. De l’aube au crépuscule, en passant par le soleil écrasant de la mi-journée et la nuit étoilée, cet objet propose 11 atmosphères différentes, et une multitude de teintes lumineuses. Il induit surtout un autre rapport à la lumière, brouillant les frontières entre apports naturels et artificiels. Plus d'infos sur http://www.artemide.com/.

© Studio Prisunic

La Revue du Design — Wed, 03 Sep 2008 08:36:01 +0000

© Studio Prisunic

La Revue du Design — Wed, 03 Sep 2008 08:37:13 +0000

© Studio Prisunic

La Revue du Design — Wed, 03 Sep 2008 08:37:41 +0000

La voiture des mégapoles de demain

La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 02:46:38 +0000

Il y a quelques mois était lancé un concours proposant d'imaginer un concept-car pour les grandes cités urbaines de l'avenir. Celui-ci devait en outre, porter les valeurs de la marque Peugeot (l'initiateur du concours), mais aussi intégrer quatre dimensions importantes : le respect de l’environnement, l’harmonie sociale, la mobilité interactive et l’efficacité économique. À l'issue d'une première sélection, 29 finalistes ont été retenus, pour lesquels le public peut désormais voter. Provenant des quatre coins du globe, de l'Argentine à la Chine en passant par la France, la Pologne ou l'Inde, les projets dévoilent les visions de l'avenir de leurs créateurs. Si une certaine homogénéité formelle ("globuleuse" pour certain projets et "star-trekesque" pour d'autres) est parfois à regretter, l'ensemble des propositions est toutefois assez original et donne plutôt envie de se plonger dans ces "grandes cités urbaines de l'avenir". À l'issue de cette phase de vote du public, qui se termine mi-septembre, le gagnant sera dévoilé lors du Mondial de Paris, début octobre. Une maquette de son projet devrait même être présentée au printemps prochain, lors du salon automobile de Pékin. Sources : peugeot.com, news.caradisiac.com, xelopolis.com.

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La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 07:54:00 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 07:55:40 +0000

Robert Stadler. Possible Plateform. Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin.

La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 07:56:33 +0000

Robert Stadler. Possible Meridienne. Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin.

La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 07:57:19 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 09:53:43 +0000

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Stick Chair © Emmanuelle Moureaux.

La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 12:54:11 +0000

Stick Chair © Emmanuelle Moureaux.

La Revue du Design — Thu, 04 Sep 2008 12:54:40 +0000

Maison&Objet, c'est aujourd'hui

La Revue du Design — Fri, 05 Sep 2008 02:27:35 +0000

Du 5 au 9 septembre, le parc des expositions de Paris Nord Villepinte accueille la désormais célèbre édition d'automne de ce salon biannuel, rendez-vous de tous les acheteurs et amateurs de décoration et de design. Au menu : l'ouverture d'une nouvelle gamme Maison&Objet outdoor-indoor, les 20 ans de Scènes d'intérieur, la découverte de Maison&Objet projets (un ensemble de solutions techniques dédiées à l'aménagement), et bien sûr Now design à vivre, avec son hall dédié au design et au mobilier contemporain. En parallèle aux éditeurs connus et installés, comme Alessi, Ardi, Sentou, Authentics, Sifas ou Dedon (parmi de nombreux autres), le salon, réservé aux professionnels, offrira également l'occasion de dénicher de jeunes talents ou de nouvelles maisons d'édition, comme ENO (que nous avions évoquée dans un précédent article). Il permettra également de découvrir ou redécouvrir le travail de trois designers de talent, Zaha Hadid, nommée créatrice de l'année 2008 de l'ensemble du salon Maison&Objet, Patricia Urquiola (dans le hall dédié à Now design à vivre) et Pierre Paulin (dans le hall Meuble Paris). Plus d'informations sur le site de Maison&Objet.

Chaise Catifa par Arper. Photo © Arper.

La Revue du Design — Fri, 05 Sep 2008 14:16:24 +0000

La Stick Chair d'Emmanuelle Moureaux

La Revue du Design — Sat, 06 Sep 2008 02:56:05 +0000

Dévoilée l'an dernier à Tokyo, la Stick Chair d'Emmanuelle Moureaux, une architecte française émigrée au Japon, sera bientôt présentée, pour la première fois en Europe, lors de prochaine édition de 100% Design à Londres. L'inspiration de cette Stick Chair est venue du jeu de Mikado : sept pièces de bois, de 18 mm de diamètre, forment un équilibre d'apparence instable. Leur emplacement, qui parait aléatoire, a cependant été étudié afin de permettre une bonne répartition des charges. Comme l'explique son auteur, "cette architecture-structure est le résultat de nombreuses tentatives pour parvenir à ce que l'on pourrait appeler un équilibre déséquilibré". L'ensemble des tiges de bois se rejoignent dans une épaisse pièce d'acrylique transparente, se jouant des reflets et des difractions. Plus d'infos sur le site d'Emmanuelle Moureaux.

Prisunic et le design

La Revue du Design — Mon, 08 Sep 2008 03:28:36 +0000

Jusqu'au 30 novembre 2008, le VIA accueille l'exposition Prisunic et le design, une aventure unique, célébrant le quarantième anniversaire du lancement du premier catalogue de vente par correspondance de meubles et accessoires pour la maison. L'occasion de découvrir - ou redécouvrir - ces objets, portés par un imaginaire formel et social fort, caractéristiques des années 60. Lancé en avril 1968, le catalogue Prisunic propose un ensemble de pièces - fauteuils, tables, chaises, étagères, accessoires de décoration... - réalisés par de jeunes designers de l'époque : Marc Held, Gae Aulenti, Terence Conran, Marc Vaidis, Danielle Quarante, Jean-Pierre Garrault… Très vite, le succès est au rendez-vous. Non seulement les objets sont accessibles en termes de coût (« qualité + style + prix » est alors la devise de la marque en interne), mais aussi le catalogue ne se contente pas de les vendre : il les met en scène, propose de nouveaux modes de vie, des décors plus colorés, plus ludiques. Les nouveaux matériaux (plastiques, mousses) s'y généralisent, permettant des formes plus originales, plus confortables. L'aventure, qui durera une dizaine d'années, permettra d'ancrer le design dans la société française de l'époque. Elle est présentée au grand public, dans la Galerie VIA, au travers d’une sélection d’une cinquantaine de pièces tirées de ces catalogues. Si vous souhaitez approfondir le sujet, sachez que : - le VIA édite, en partenariat avec les Editions Alternatives, un livre écrit par Anne Bony, intitulé Prisunic & le Design. - un colloque, également organisé par le VIA, est prévu pour fin septembre sur les notions de design et de premier équipement.

L'iPhone summum du Design actuel ?

La Revue du Design — Mon, 08 Sep 2008 07:20:43 +0000

NikeID surfe sur l'image de la marque et la personnalisation

La Revue du Design — Mon, 08 Sep 2008 07:21:36 +0000

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La Revue du Design — Mon, 08 Sep 2008 15:45:00 +0000

Les « Possibles » de Robert Stadler

La Revue du Design — Tue, 09 Sep 2008 02:00:19 +0000

Quelques strates, d’apparences instables, comme en lévitation. Des objets - banquette, table basse, bureau - aux formes inhabituelles. La dernière collection de Robert Stadler, intitulée Possible, est exposée depuis quelques jours et jusqu'au 14 octobre prochain, à la galerie parisienne Emmanuel Perrotin. Membre du collectif Radi Designers, Robert Stadler privilégie les objets à l'esthétique un peu mystérieuse. Il pousse le spectateur, l'utilisateur, à un questionnement. Est-ce bien un objet ? Comment s'en sert-on ? Pourquoi cette forme ? Après une première phase d'acclimatation, d'accommodation, de contacts mutuels et d'interrogations, l'objet et ses fonctions se révèlent peu à peu. Ils se domestiquent et manifestent alors leur évidence. Car les formes proposées par Robert Stadler ne sont jamais gratuites : elles traduisent des habitudes, proposent des comportements, induisent des usages. La série Possible est composée de strates de dimensions inégales et de matériaux différents (répondant tous à des fonctions précises), superposées les unes aux autres. Cet équilibre instable, "qui appelle simultanément l'ordre et le fouillis", qui relève d'un "modèle complexe, volontiers déséquilibré, celui de l'ordre invitant au chaos" (Pierre Doze), dévoile un parti pris créatif original : celui d'un designer qui s'abstrait des archétypes et cherche à établir, par le truchement de formes instables dans leur esthétique comme dans leurs perceptions, des rapports différents avec l'utilisateur. Plus d'infos sur le site de la Galerie Emmanuel Perrotin.

Design des lieux d'accueil

La Revue du Design — Tue, 09 Sep 2008 10:48:26 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Sep 2008 11:54:02 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Sep 2008 11:54:27 +0000

*Designing the Future of Business

La Revue du Design — Wed, 10 Sep 2008 02:27:29 +0000

En réaction à un article paru dans Business Week, intitulé "Designing the Future of Business", La Revue du Design vous propose une analyse signée Olivier Sauvage, consacrée aux liens entre design, économie et stratégie d'entreprise. Le Design comme moteur de croissance Ce qui m'a frappé dans Designing the Future of Business, par Marty Neumeier, c'est la mise en avant de la créativité, de l'innovation et de l'imagination comme moteurs de la croissance. Ce sont ces aspects que traduisent le mot "Design", c'est à dire la capacité à imaginer de nouvelles manières de vendre des produits, de les faire aimer, de séduire avec : en un mot comme en cent, puisque les enseignes et commercants vendent tous la même chose, à peu près, parce que le web crée une sorte de réduction, de proximité de l'espace et du temps - tout est à portée d'un clic en un clic, pensez aux comparateurs de prix, à Google - il devient impossible de cacher la vérité au Client. "In the new century, customer ignorance won't be enough to keep competitors at bay." (Au XXIe siècle, l'ignorance des clients ne suffira plus à tenir à distance la concurrence). Oui, c'est certain, il ne faudra plus, il ne faut déjà plus compter sur l'ignorance du client. Celui-ci devient de plus en plus difficile à tromper ou à cerner, tant il est devenu mobile, loquace, farfouilleur, malin. Il sait utiliser les outils du consommateur moderne, des outils qui n'existaient pas avant : il compare, il recherche, il commente, il donne son avis (quel toupet, quand même !) et le partage avec toute la planète, il va chercher dans le monde entier ce dont il a besoin, il va trouver la perle rare quitte même à payer un peu plus cher parfois un produit qui va faire de lui un être unique, exceptionnel, original, et tout ça, en restant assis confortablement chez lui. Comment alors, dans un tel contexte, pouvoir encore le séduire, l'accaparer et, surtout, le fidéliser ? Comment alors se différencier ? Comment alors se démarquer de ses concurrents, tous de plus en plus nombreux, tous accessibles, tous visibles en un tour de main sur la même place de marché ? "Now people have more buying choices, so they're choosing in favor of beauty, simplicity, and the "tribal identity" of their favorite brands". (Maintenant que les gens ont plus d'options d'achat, ils choisissent en faveur de la beauté, de la simplicité et de "l'identité tribale" de leur marque favorite). Comme les gens ont le choix, ils choisissent en faveur de ceux ou celui qui les différenciera le plus de la masse (individualisme, quand tu nous tiens !). Pensez à Nike, pensez à Apple, pensez à la manière dont il font croire à leurs acheteurs qu'en achetant leurs produits, ils seront originaux et uniques, alors que ces produits sont fabriqués en quantités industrielles et vendus en quantités substantielles. Et pourtant, ça marche ! Pour nous faire bien comprendre la différence entre une entreprise qui est "Design" et une autre qui ne l'est pas, Mike Elgan cite l'exemple bien connu de Steve Ballmer hurlant sur scène en parlant de Microsoft "J'aime cette compagnie" et lui oppose Apple où ce sont les acheteurs qui le crient. Big difference ! "CEO Steve Ballmer is famous for a crazy video in which he yells "I love this company" In the case of Apple, it's the customers who shout that" L'entreprise moderne doit être créative, inventive, ingénieuse. Elle doit sans cesse régénérer son image, la réinventer, la faire vibrer, la rendre attractive, non seulement pour ne pas lasser le consommateur, toujours plus friand de nouveautés, mais pour montrer une image d'innovateur, d'avant-gardiste, d'explorateur, de tendanceur de mode (Pensez au baseline actuel de la FNAC, "agitateur d'idées", il n'y a pas que du post-soixante-huitardisme consumériste là dedans). Il n'est donc plus question de rester assis sur ses concepts, mais au contraire de les réinventer en permanence. Il n'est donc plus question de vendre uniquement des produits, mais de vendre des modes de vie, des styles, des tendances, du rêve et des symboles. Le concept de Design évoqué par Marty Neumeier est vaste et je souhaite n'en retenir que deux aspects : I - La personnalisation ou le design participatif de la marque La personnalisation permet de fabriquer des produits uniques pour chaque acheteur. Chaque produit possède sa part de rêve propre. Une part du concept du produit appartient à l'utilisateur qui y projette et matérialise sa propre vision de la marque. Il la fait vivre et la fait se reproduire à sa manière, de façon infinie (et c'est un peu ce que nous recherchons, non ?), il participe au concept, il a l'impression d'être un acteur conscient de sa propre consommation, il est encensé par son achat. La personnalisation peut se décliner sous de nombreuses formes : personnalisation des produits, personnalisation des concepts, personnalisation des interfaces, personnalisation du service. L'exemple fameux de nikeID nous montre déjà la voix : comment produire à des milliers d'exemplaires des produits totalement uniques en partie conçus par leurs utilisateurs. D'autres s'y mettent aussi et j'avais déjà, dans un précédent article puiblié sur le site Capitaine Commerce, parlé du L-commerce avec la possibilité pour le consommateur de créer de nouveaux produits à partir de produits existants. Mais la personnalisation, c'est aussi l'iPhone avec ses milliers d'applications qui rendent chaque exemplaire unique (du moins à l'intérieur, parce qu'au niveau design extérieur, dans le sens habituel du terme, on sait qu'Apple demeure particulièrement intransigeant, c'est "Touche pas à mon design", à tel point que je n'ai jamais vu autant d'utilisateurs d'ordinateur que ceux d'Apple recouvrir leur "petit chéri" de gaine, d'étui de protection en plastique, de housse moletonée, pour ne pas l'abimer, "ne pas rayer la carrosserie", ce qui montre à quel point la firme à la pomme a atteint des sommets dans le fétichisme de sa marque). En fait, la personnalisation répond parfaitement à ce concept de Design. La personnalisation, c'est "créez votre propre produit à travers ma marque". Autrement dit, "Devenez unique, mais avec mon logo dessus". II - Il faut savoir créer sa légende Portée par Apple, l'image propulse votre marque à des sommets et transforme vos acheteurs non plus en consommateurs, mais en adorateurs. L'image demande beaucoup plus d'investissements que la personnalisation, mais vaut vraiment le coup qu'on y consacre beaucoup d'énergie. Pourquoi ? Parce que l'image fabrique une légende, une légende qui fait rêver, et rien ne vaut le rêve pour vendre. Essayez donc un i-Phone, outre son design (dans le sens "starkien" du terme), son design (dans le sens symbolique) vous transporte rien qu'à sa vue, puis, et c'est encore plus fort, à son toucher. Le toucher est le sens premier de l'iPhone, ce qui en fait un objet extrêmement sensuel qu'il est impossible de ne pas aimer. Je pense, paradoxalement, mais c'est peut être nouveau, que de plus en plus, les marques doivent donner du sens à leurs acheteurs, mais ce sens ne doit pas être réduit à des concepts bobo-écolo comme le développement durable ou la consommation verte, non, ce sens doit toucher plus profondément notre âme. Avec mon iPhone, je me sens une personne brillante, intelligente, au delà de la masse, je montre que j'ai du goût, en bref, je me démarque et j'en suis fier. C'est cet esprit qu'il faut insuffler à votre site. Qu'est-ce qui fait que le produit que je vends transforme son acheteur en une personne épatante, formidable et brillante ? "Design drives innovation, innovation powers brand, brand builds loyalty, and loyalty sustains profits." (Le Design pilote l'innovation, l'innovation propulse la marque, la marque bâtit la loyauté et la loyauté alimente les profits). Le Design, répétons-le, la créativité, l'imagination, le rêve, doivent être le moteur de toute stratégie d'entreprise. Ne vendez pas des aspirateurs, vendez des "accessoires de bien être" (la propreté, c'est du bien être, non ?). Ne vendez pas des PC, vendez des Mac (bon là, c'était facile). ne vendez pas des slips, vendez du sex-appeal. Et caetera. "Creativity in its various forms has become the N°1 engine of economic growth." (La créativité dans ses multiples formes est devenue le moteur n°1 de la croissance économique). Olivier Sauvage L'auteur : après avoir fondé et dirigé pendant 4 ans sa propre Web Agency (OS Systèmes), Olivier Sauvage est désormais Responsable des nouveaux projets webs du groupe 3SI (3 Suisses International). Il est également le fondateur de Capitaine Commerce, un site Internet dédié au ecommerce. L'article présenté ici est d'ailleurs tiré d'un texte publié il y a quelques jours sur Capitaine Commerce. En complément, nous vous recommandons la lecture de l'excellent article "Designing the Future of Business", publié dans Buisness Week le 13 aout dernier.

La douche vue par Ron Arad

La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 04:04:43 +0000

Le magazine Wallpaper de septembre dévoile un prototype de douche-baignoire que Ron Arad a récemment imaginé pour la société italienne Teuco. L'objet, monumental et modulable, est fixé au mur en son centre, et passe de l'un à l'autre de ses deux états par une simple rotation. Le designer, connu pour ses formes sculpturales et enveloppantes, révolutionne ici le concept du bain : en proposant un objet hybride, une coque géante qui tourne autour d'un axe, il renouvelle non seulement le genre, mais aussi et surtout offre aux futurs utilisateurs un plus fonctionnel évident, leur permettant de disposer, selon leurs envies, d'une baignoire suspendue ou d'une douche. Le designer modifie également, au passage, le rapport que ce type d'objet entretien avec son environnement : fixé au mur, il libère le sol de son emprise ; asymétrique et monumental, il polarise l'espace, tout en le laissant ouvert et circulant. Sources : Wallpaper, The Cool Hunter, Muuuz.

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 10:09:29 +0000

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 10:09:49 +0000

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 10:10:17 +0000

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 10:10:39 +0000

logo-la-revue.jpg

La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 10:21:01 +0000

http://revuedesign.files.wordpress.com/2008/09/logo-la-revue.jpg

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 12:21:10 +0000

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 12:21:59 +0000

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La Revue du Design — Thu, 11 Sep 2008 12:22:30 +0000

*Design des lieux d'accueil

La Revue du Design — Fri, 12 Sep 2008 02:50:08 +0000

En exclusivité, Nicolas Minvielle présente aux lecteurs de La Revue du Design son dernier ouvrage, intitulé Design des Lieux d'Accueil et publié aux éditions De Boeck. Il y détaille les possibilités qu'offre le design, au-delà de sa dimension purement esthétique, de devenir un déterminant essentiel des comportements d'achat et des perceptions qu'auront les clients des prestations proposées. ------------ On assiste de nos jours à une extrême professionnalisation de tous les signes de la marque. Du jingle du 118-712 au parfum de certains lieux de vente, on constate que les entreprises sollicitent désormais tous les sens des consommateurs afin de les convaincre, dans un contexte fortement concurrentiel, de s'orienter vers leur offre d'objets ou de services. Dans le cadre de cette tendance lourde, le design revêt désormais une fonction fondamentale dans la mesure où il doit traduire les fondamentaux de la marque au travers de signes immédiatement perceptibles et compréhensibles par le consommateur. Il existe déjà en langue française de nombreux ouvrages sur le design produit, le packaging ou encore le webdesign. À ma connaissance, il n'en existe pas traitant particulièrement du cas des lieux d'accueil. Lieux de contact avec le client potentiel, il s'agit pourtant là d'un important levier de valeur pour les entreprises. Partant de ce constat, il paraissait opportun d'écrire un ouvrage sur le sujet. La première remarque tient au recours que je fais au terme « design des lieux d'accueil » en lieu et place du terme « décoration ». L'acception commune de « décoration » me paraissait en effet inadaptée dans la mesure où, entrée dans un langage commun largement imprécis, elle fait le plus souvent référence à la pratique de quelques personnes qui « décorent » des endroits afin de les rendre simplement plus esthétiques. Cet assemblage de constituants visuels visant à une satisfaction esthétique ne constitue qu'une approche très limitative de la pratique qui ne peut satisfaire à l'ensemble des objectifs visés par l'entreprise et qui se résument, fondamentalement, dans la « captation » finale du client. De ce point de vue, l'esthétique des lieux devient un simple composant d'un ensemble d'analyse intégrant les attentes des clients et des commanditaires, les objectifs de l'entreprise, la diversité des stakeholders (parties prenantes d'une entreprise, qui participent à sa vie économique : salariés, fournisseurs, clients, prescripteurs…), etc. Nombre de questions qui ne semblent pas prises en compte par le terme « décoration » et qui m'ont parues être plus correctement appréhendées par la dénomination « design des lieux d'accueil ». Ceci étant précisé, à l'intérieur de l'ouvrage, et une fois la définition donnée, le terme « décoration » est souvent utilisé. La deuxième remarque tient au choix volontaire de tirer de nombreux exemples de l'hôtellerie. Les raisons en sont multiples, mais la principale réside dans le fait que ces lieux sont extrêmement complexes par la diversité des services qu'ils offrent. Se rajoute à cela des problématiques importantes de ticket d'entrée, de processus de développement ou même de gestion de clientèle. Par ailleurs, la question de l'ambiance des magasins en tant que lieux d'accueil a déjà été largement traitée par la littérature en marketing, même s'il s'agit souvent de simplement tenter de trouver une corrélation entre telle variable et les ventes (impact de la musique ou de l'odeur sur les ventes, etc.). Une fois ces deux points précisés, se pose la question de savoir comment présenter le processus. La première question était bien sûr de savoir pourquoi décorer. La réponse est implicite pour les pratiquants, mais elle l'est malheureusement beaucoup moins pour certains commanditaires et il n'est pas rare d'entendre des hôteliers demander pourquoi la prestation coûte si cher et s'il s'agit vraiment là d'un passage obligatoire. La réponse à cette question passait notamment par la démonstration du fait que, même lorsqu'il n'y avait pas eu recours aux services d'un décorateur, le client percevait le lieu comme ayant été conçu dans un certain sens. S'il l'a mal été, le résultat sera directement impactant pour la marque, et ce de manière négative. Autant alors recourir aux services d'un designer qui a développé une expertise en la matière. Venait ensuite la question de savoir à qui le design s'adresse. La première réaction est de dire qu'il s'adresse aux clients. C'est évidemment le cas, mais si la conception doit être « user oriented », elle doit être développée dans le cadre d'un certain nombre de contraintes visant à satisfaire les stakeholders du projet. Dans le cas du design d'un lieu d'accueil, ces derniers sont nombreux : mairie, actionnaires, chef de projet, marque mère, etc. Autant d'intérêts qui doivent être pris en compte dans le design et qui sont souvent oubliés, laissant notamment de côté des problématiques de rentabilité qui sont pourtant fondamentales. Le deuxième chapitre se tourne vers la question de savoir comment penser la décoration. La question est déjà nettement plus complexe et intéressante. Un des aspects les plus importants pour moi était de tenter de souligner l'importance des questions de polysensorialité, et ceci afin de ce se démarquer de cette approche de la pratique de la décoration comme consistant essentiellement en un agrégat de variables visuelles. Il y a énormément de choses à dire ici et j'ai malheureusement dû limiter l'exercice qui mériterait qu'un ouvrage lui soit spécialement dédié. Cette réflexion doit évidemment être menée dans le cadre de contraintes de coûts importantes et surtout de contraintes d'utilisation. J'en ai profité ici pour souligner les aspects inclusifs de la conception. Le fait que, finalement, la part de la population qui dispose de capacités perceptives complètes est assez faible n'est que rarement pris en compte. Si certaines conceptions sont spécifiques (pour l'usage des handicapés par exemple) et donc basées sur l'application de normes précise, on constate que la grande masse de la population cliente n'est que rarement différenciée en sous-types susceptibles de justifier de stratégies de design spécifiques. Beaucoup reste à faire dans ce domaine. Pour clore ce chapitre, j'ai tenté de présenter quelques stratégies de décoration type. Il s'agissait ici plus d'ouvrir le débat que de le conclure tant il y a de choses à dire sur le sujet et tant il y a peu de choses écrites actuellement. Le recours aux stars du design a évidemment pris une part importante, de par mon background mais aussi de par l'importance des mouvements que l'on observe actuellement en la matière. Le troisième chapitre porte sur le processus de décoration en lui-même, partant du choix du décorateur jusqu'aux problématiques juridiques de la conception des lieux d'accueil. J'ai développé une partie portant sur les problématiques d'engagement qui peut étonner dans un livre sur le design mais elle m'a semblé fondamentale. Trop d'exemples tirés de la pratique montrent à quel point certaines erreurs auraient pu être évitées si le projet avait été recadré ou arrêté à temps. Il en va de même pour le chapitre portant sur les égos, volontairement polémique. La tendance de certaines personnes s'annonçant comme tenantes du modernisme et rejetant par là toute ornementation me semblait tellement inadéquate avec la fonction même de la décoration que j'ai souhaité relever ce hiatus. Dans la conclusion, je tente de souligner le fait qu'une réelle approche du design de lieux d'accueil implique de prendre en considération l'expérience vécue par le client dans une approche chronologique. Cette dernière débutant bien avant l'entrée dans le lieu et se finissant bien après. Nicolas Minvielle L'auteur : docteur en économie (EHESS), également diplômé de Sciences Po Strasbourg (section économie et finances), Nicolas Minvielle a été responsable des marques, responsable d'études et responsable Internet chez Philippe Starck de 2001à 2007. Il a créé, en parallèle, le groupe Design conseil, dédié au conseil pour la gestion du design, de l'architecture et de la décoration (2006-2008). Il est également enseignant à l'ENSCI ainsi qu'à l'école de management Audencia Nantes, et a publié en 2006 un ouvrage intitulé "Design et Croissance" chez Maxima.

“Bateau” Sugar Cube, m3h design, 2005 © m3h

La Revue du Design — Fri, 12 Sep 2008 09:18:11 +0000

“Icon” Crucifix with nails, Eric Morel pour Vlaemsch, 2006 © Vlaemsch

La Revue du Design — Fri, 12 Sep 2008 09:18:36 +0000

“Fetish” Carrier Bag, Peter Jakubik for Comunistar, 2004 © Comunistar

La Revue du Design — Fri, 12 Sep 2008 09:19:32 +0000

Éoliennes design

La Revue du Design — Sat, 13 Sep 2008 02:58:43 +0000

Dévoilés pas le site Ecolopop, deux projets d’éoliennes "design" pourraient bien révolutionner notre rapport à ce type d’objets : plus esthétiques, plus silencieux et optimisés en termes de performance énergétique, ils ont réellement été pensés pour toucher le grand public. L’entreprise suédoise HomeEnergy (image du haut) vient de lancer deux modèles d'éoliennes, d'un et deux mètres de diamètre, réunissant chacun six pales assemblées en sphère. Produisant respectivement 500 W et 2,5 kW, elles fonctionnent avec un vent d'au moins 3 m/s. Leur taille, tout autant que leur acoustique, les rend totalement adaptables en milieu urbain. De son coté, la société Pramac Lifter France, appartenant au groupe italien Pramac (spécialisé dans la fabrication de groupes électrogènes et d’engins de manutention), a prévu de commercialiser dès l’an prochain une mini-éolienne dessinée par Philippe Starck. Plus exactement, ce sont cinq modèles différents qui seront lancés en production. Vendus en grande distribution, distribués en kit et faciles à monter, ils sont destinés à toucher le grand public, permettant au passage d’économiser jusqu’à 60 % des besoins énergétiques individuels (leur puissance variant de 250 W à 5 kW). Dans un cas comme dans l'autre, les deux sociétés mettent en avant le fait que leurs objets s’intègrent tant au plan visuel que sonore dans leur environnement proche, espérant peut-être par là rassurer le consommateur inquiet. Sources : deux articles d'Ecolopop : Energybal, le design s'emballe et Starck démocratise l'éolienne individuelle.

Rangement préhistorique

La Revue du Design — Mon, 15 Sep 2008 00:11:57 +0000

Imaginé par le designer Lincoln Kayiwa, l’ensemble de cintres Dino propose, outre son esthétique décalée et d’inspiration préhistorique, une structure fonctionnelle et modulable permettant d’organiser ses vêtements par taille. À destination des boutiques, des vestiaires, voire même de garde-robes privées, Dino évoque un squelette d’un autre temps, les restes d’un animal échappé d’un musée d’histoire naturelle qui se seraient, au passage, transformés en autant de supports destiné à accueillir des manteaux, chemises ou pull-overs. L’ensemble, livré avec une forme donné, peut cependant être modulé, autorisant l’utilisateur à faire varier les ondulations au gré de ses inspirations ou de ses besoins. Les petites pièces assurant la jonction des différents cintres évitent enfin, tel un cartilage, qu’ils ne s’entrechoquent ou ne se superposent. Les frictions entre les différents vêtements, sources de leur détérioration éventuelle, sont ainsi inexistantes. Diplômé de l’école d’Helsinki en 2007, Lincoln Kayiwa a depuis lancé sa propre maison d’édition, simplement intitulée KAYIWA, qui propose des objets à l’esthétique simple mais souvent originale. Sources : Designboom, Apartment Therapy, Design addict

Les nouveaux et l'ancien

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 00:29:45 +0000

Apple vient de lancer à quelques jours d’intervalle de nouvelles versions de ses iPod Touch et iPod Nano, apportant au passage le lot habituel d’astuces ergonomiques et de design léché. Dans le même temps ou presque, on a redécouvert des origines insoupçonnées à l’iPod, assez éloignées en fait de celles que l’on aurait pu imaginer. Avec son dos légèrement bombé et métallique, l’iPod Touch 2G est assez proche visuellement de l’iPhone 3G. Il l’est aussi au niveau fonctionnel puisqu’Apple met en avant, outre ses caractéristiques techniques permettant la lecture de fichiers MP3, sa capacité à surfer sur Internet ou à visionner des vidéos. De son coté, le nouvel iPod nano (déjà la quatrième génération !) est encore plus fin, plus ludique, plus coloré (sa gamme de coloris a été élargie). Son écran large et sa capacité de stockage supérieure le rendent également apte à stocker et visionner des vidéos. Il est de plus, désormais, doté d’un capteur de mouvements (comme l’iPhone et l’iPod touch), qui est utilisé pour lancer la lecture en mode aléatoire (en « secouant » le baladeur !). Hasard du calendrier, on a récemment appris que l’iPod, que l’on pensait tout droit sorti des cerveaux géniaux de la marque à la pomme, avait en fait été imaginé en 1979 par l’inventeur britannique Kane Kramer, alors âgé de 23 ans. Il avait en effet mis au point, dès le début des années 1980, un prototype alors capable de jouer 3,5 minutes de musique stockées sur une puce. Faute d’investisseurs, Kramer abandonne le projet (et le brevet) en 1998, laissant à Apple (qui lui reconnaît aujourd’hui la paternité de l’iPod) l’occasion de connaître le succès que l’on sait. Un arrangement amiable aurait été trouvé ! Sources : Apple, Core77, Gizmodo.

Nature individuelle © Patrick Nadeau.

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:06:46 +0000

Nature individuelle © Patrick Nadeau.

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:07:16 +0000

Nature individuelle © Patrick Nadeau.

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:07:34 +0000

Nature individuelle © Patrick Nadeau.

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:08:08 +0000

Nature individuelle © Patrick Nadeau.

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:09:16 +0000

iQ © Toyota

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:57:07 +0000

iQ © Toyota

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:57:39 +0000

iQ © Toyota

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:58:00 +0000

iQ © Toyota

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:58:19 +0000

iQ © Toyota

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 08:58:42 +0000

© Alfredo Haeberli / Schiffini

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 10:26:33 +0000

© Alfredo Haeberli / Schiffini

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 10:27:00 +0000

© Alfredo Haeberli / Schiffini

La Revue du Design — Tue, 16 Sep 2008 10:27:17 +0000

*1 chaise = 456 joules

La Revue du Design — Wed, 17 Sep 2008 00:18:48 +0000

Face à l'augmentation des prix de l'énergie et des matières premières, face également aux enjeux écologiques majeurs qui s'annoncent, les designers et maisons d'édition ont à affiner ou à inventer de nouvelles manières de faire. Arper, l'éditeur de mobilier italien, nous fournit quelques pistes. Engagé dans une démarche de développement durable et de conception "raisonnés", Arper a mené en mars dernier, des Analyses du Cycle de Vie (ACV) de deux de ses modèles phares : les chaises Catifa 46 et Catifa 53 (l'ACV d'un produit, ou "écobilan", est une étude détaillant son impact écologique global : de l'extraction des matières premières jusqu'à son traitement en fin de vie). Le résultat : bien que les deux modèles puissent être recyclé à près de 99 %, la Catifa 46 exige 456 Megajoules d'énergie pour être produite, et la Catifa 53 près de 536 Megajoules (ce qui explique peut-être, d'ailleurs, le nom de ces produits !). En d'autres termes, la Catifa 46 nécessite une énergie équivalente à celle utilisée pour transporter en train dix tonnes de matériels sur 100 km ! Ce type de comparaisons est toujours révélateur et donne matière à réflexion. "Pour nous l'ACV est un impératif fondamental. Nous partageons l'opinion de l'Union Européenne lorsqu'elle affirme que 80% de l'impact d'un produit est en lien avec la phase de conception" affirme d'ailleurs Claudio Feltrin, le PDG d'Arper. Si ce type d'approche s'avère nécessaire d'un point de vue écologique, elle pourrait aussi s'avérer pertinente d'un point de vue commercial et communicationnel : en effet, "il y a une demande de produits n'altérant pas la santé de ceux qui les utilisent", ajoute Feltrin. À noter : Arper s'est également engagé à respecter la norme ISO 14001, qui traite du management environnemental (c'est-a-dire des efforts que consent une organisation pour réduire au minimum les effets dommageables de ses activités sur l'environnement et améliorer ses performances en matière environnementale). Sources : le site Internet d'Arper, mais aussi le très bon article publié par Nancy Jehmlich sur le site Stylepark, dont sont tirées les données et citation présentées ici.

Nature individuelle

La Revue du Design — Thu, 18 Sep 2008 00:47:45 +0000

Patrick Nadeau, architecte et designer spécialisé dans le design végétal, expose à partir de ce soir ses dernières créations chez Sabz, distributeur de mobilier extérieur et nomade. Tables, pots, étagères ou murs végétalisés dévoilent ainsi sa vision paysagère (et paysagée) des espaces domestiques. Envahissant le dessous d’une étagère ou le coté d’un bureau, grimpant le long d’un mur-paravent, la nature que propose Patrick Nadeau n’est pas celle, circonscrite, des pots de fleurs ou des jardinières. Ses différentes pièces la mettent en scène, cherchent à établir un dialogue avec elle et lui laissent la possibilité de se déployer librement, en la guidant parfois légèrement comme le ferait un tuteur. Assez simples au niveau formel, les « supports » sont toutefois caractérisés par un dessin et une esthétique soignée : de légères ondulations ou des renflements subtils, des matières nobles (Corian, Dacryl, céramique, cuir…) ou des assemblages élégants viennent ainsi ponctuer leur surface. Le véritable décor vient toutefois du végétal qui, mis en scène, dévoilé sous d’autres aspects (vu de face, à l’envers…), se révèle dans toute sa diversité. Développé avec Vertiligne, une société fondée en 2005 par le biologiste Mathieu Jacobs et spécialisée dans la culture des végétaux hors-sol, ces différentes pièces exploitent des procédés adaptés à la vie des plantes en intérieur : le choix des espèces, mais aussi leur technique de culture (tapis de terreau, billes d’argile…), ont ainsi été étudiés pour faciliter leur développement en milieu domestique. L'exposition "Nature individuelle" est présentée jusqu’au 8 novembre 2008 à la boutique Sabz, 22 rue Rottembourg, 75012 Paris. Sources : Design à Paris, Marie-Claire Maison, Maison à part.

Fauteuil Fold © Marina Bautier

La Revue du Design — Thu, 18 Sep 2008 13:54:28 +0000

Bureau © Marina Bautier

La Revue du Design — Thu, 18 Sep 2008 13:55:15 +0000

Lampe. Photo © Naoki Morimoto/Idee.

La Revue du Design — Thu, 18 Sep 2008 13:55:53 +0000

La cuisine idéale d'Alfredo Haeberli

La Revue du Design — Fri, 19 Sep 2008 00:25:38 +0000

Alfredo Haeberli présentait il y a quelques mois, en partenariat avec la marque Schiffini, sa vision de la cuisine idéale : un pôle central du foyer, flexible, autour duquel s’organiseraient différentes activités. Dévoilée lors du dernier salon du meuble de Milan, cette installation se structure autour de trois grands pôles : stockage, préparation et dégustation. S’inspirant tant du feu de camp – à la fois lieu de rassemblement, de cuisson et de consommation des aliments – que de l’étale du marchand sur lequel les produits sont présentés, presque « exposés », Alfredo Häberli propose une cuisine laboratoire, un lieu convivial mais fonctionnel, informel mais organisé. « Kitchen is the soul of the home ». La cuisine est le centre, l’esprit de la maison nous dit le designer. Elle permet de structurer les activités en même temps qu’elle créé une continuité entre elles. L’apéritif pris dans la cuisine, le repas consommé sur un coin de table ou tranquillement au salon, près du feu… Dans l’espace que nous propose Alfredo Haeberli, les activités s’enchainent comme les formes qui les accueillent. Pour lui, nous avons aujourd’hui besoin de lieux accueillants, flexibles (« Today, we need spaces and volumes as containers »), qui permettent aux différents usagers de se retrouver. À noter que l’exposition SurroundThings, dédiée au travail d’Alfredo Haeberli et présentée au Museum für Gestaltung de Zurich jusqu’au 21 septembre 2008, dévoile un prototype de cette cuisine. Sources : Schiffini, Alfredo Haeberli.

Le design peut-il parfois être amusant, humoristique et non fonctionnel ?

La Revue du Design — Sat, 20 Sep 2008 00:37:43 +0000

Tarte à la crème ou clin d’œil discret, l’humour est un phénomène subjectif et culturel, souvent personnel, toujours difficile à appréhender. Le design y a parfois (et de plus en plus ?), recours : un pouf nain de jardin (Philippe Starck), une banquette chien (Radi designers) ou une lampe ange (Ingo Maurer) sont ainsi devenus des classiques de l’histoire récente de la discipline. Revenant sur les liens spécifiques qui unissent le design et l’humour, le Musée du design de Gand propose, jusqu’au 12 octobre prochain, une exposition intitulée Design with a smile. Partant du surréalisme, l’exposition déploie un panorama historique brossant différentes époques, différents styles, différents créateurs et différents types d’objets. Au total, ce sont près de 150 projets (meubles, luminaires, jouets, ustensiles de cuisine ou accessoires de maison…), provenant d’une dizaine de pays, qui sont présentés. Comme dans un recueil d’histoire drôles, ils sont regroupés par thèmes : dix-sept catégories ont ainsi été identifiées, telles que le jeu, l’alimentation, la religion, la violence, etc. Le propos de Design with a smile tient, comme souvent ave l’humour, à un fil. On nous dit ainsi qu’à la base de l’exposition « gît une grande foi en le design, en l’esprit et la force innovante de tendances et en le fait que le design n’a pas encore perdu son sens. » Pour les organisateurs, l’alliance du design et de l’humour est une tendance de fond de la consommation, qui la rend plus ludique, parfois la dédramatise ou plutôt la facilite en la décomplexant (mais peut-être est-là aussi l’un des objectifs !). Cependant, découvrant cette accumulation de sens, le visiteur se demandera lui si la drôlerie parfois totalitaire d’un design sur-référencé n’a pas finalement tendance à étouffer toute marge d’interprétations. Il se demandera également si la généralisation de liens entre design et humour, et cette volonté a priori partagée que le design fasse sens, n’a pas tendance à substituer l’ironie à l’essentiel, l’évident au subtil, le spectacle à l’usage, et au final le verbiage à la réelle prise de position …

Toyota iQ

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 00:42:17 +0000

Mesurant un peu moins de 3 m de long pour 1,5 m de hauteur, affichant une consommation modérée, la prochaine Toyota iQ se présente comme la citadine des années à venir. Elle sera l’une des attractions du prochain mondial de Paris (du 4 au 19 octobre), et devrait être commercialisée début 2009. Il faut reconnaître qu’il est assez curieux, pour ne pas dire stupide, de constater que la majorité des trajets (urbains notamment), ne concerne qu’une ou deux personnes, sans compter que le citadin pressé aura du mal, dans sa voiture-paquebot, à trouver une place de stationnement une fois arrivée à destination. L’idéal serait en fait le scooter, voire la Smart Fortwo : des solutions efficaces mais relativement peu flexibles (que faire s’il pleut ? si l’on doit transporter une troisième personne ?). Avec sa petite iQ, Toyota propose aujourd’hui un compromis intéressant. Avec ses trois places et demie (trois adultes et un enfant), elle a été conçue autour d’une plateforme spécifique. Les recherches, tant en termes de design que d’architecture mécanique, ont permis le gain de place nécessaire sans rien sacrifier à la sécurité : le réservoir a été placé sous le plancher, les sièges avant ont été particulièrement étudiés afin de réduire leur épaisseur et le moteur a été revu dans sa configuration (le différentiel et le système d’aération notamment), afin de gagner les quelques centimètres cruciaux. Au niveau esthétique, l’iQ est compacte. Avec ses boucliers avant et arrière qui semblent sur-vitaminés, ses optiques saillantes et haut-perchées, ses tours d’ailes élargis et ses grandes jantes 16 pouces, elle revendique même une certaine impression de robustesse. À l’intérieur, un tableau de bord asymétrique se déploie autour d’une console triangulaire centrale. Légèrement en retrait, celui-ci permet au passager d’avancer son siège afin de laisser davantage de place à la personne installée derrière lui. À l’arrière, la banquette rabattable 50/50 devrait permettre d’accueillir un adulte et un enfant, ou alors quelques bagages. Misant sur une consommation raisonnable (environ 4l/100km), une émission de CO2 proche de 100g/km, et visant par ailleurs 5 étoiles au test EuroNCAP, Toyota cherche ainsi à faire de l’iQ la petite citadine de référence : sympathique, pratique, économique et rassurante.

electrolux-design-lab

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:00:28 +0000

Coox - the rollaway cooking table © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:01:09 +0000

e-bag © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:01:43 +0000

ibasket © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:02:21 +0000

sook © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:02:43 +0000

vesta © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:03:03 +0000

drawer kitchen © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:03:28 +0000

flatshare

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:03:47 +0000

scan toaster © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:04:07 +0000

scan toaster © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:04:50 +0000

stratosphere © Electrolux

La Revue du Design — Mon, 22 Sep 2008 13:07:55 +0000

Portrait : Marina Bautier

La Revue du Design — Tue, 23 Sep 2008 00:52:58 +0000

La designer belge Marina Bautier a présenté, lors du festival 100 % Design London qui s'est tenu le week-end dernier, son nouveau fauteuil pliant Fold, ainsi qu’un bureau, une chaise et une lampe produits depuis quelques mois par l’éditeur japonais Idee : l'occasion de découvrir un travail tout en épure, minimaliste et fonctionnel. Née en 1980, Marina Bautier étudie le design en Angleterre, au Buckinghamshire Chilterns University College. En 2002, elle fonde son propre atelier de design à Bruxelles, qu’elle intitule simplement La maison de Marina. Privilégiant les structures et les matériaux simples, facilement industrialisables, elle accorde un soin tout particulier à l'aspect et à la finition de ses réalisations. Ses meubles et objets, souvent très épurés, sont cependant basés sur une observation attentive des usages et des pratiques. Le Bureau qui est aujourd'hui édité par Idée propose ainsi une forme élémentaire, possédant cependant la possibilité de se transformer grâce à l’adjonction – sans vis ni outils – d'élément mobiles en acier laqué : un serre-livres, un bac de rangement et un porte-dossiers. La Lampe se caractérise quant à elle par une certaine évidence formelle, et un nombre de pièces volontairement réduit : quelques pièces en chêne, de section carrée, accueillent un abat-jour en papier non plastifié, découpé à l’emporte-pièce, qui se glisse simplement dans une rainure ménagée dans le bois. Misant sur le même type de simplicité fonctionnelle et formelle, le fauteuil présenté à Londres, sous son aspect massif et confortable, se replie totalement afin de diminuer son encombrement. Pratique et esthétique, presque "évident", il résume finalement bien l'approche de Marina Bautier. Marina Bautier collabore aujourd’hui avec des sociétés telles que Ligne Roset, Idée ou De La Espada, et réalise en parallèle des meubles sur mesure ou des petites séries pour des particuliers.

Electrolux design Lab

La Revue du Design — Wed, 24 Sep 2008 00:09:16 +0000

Le concours annuel de design Electrolux design Lab, dont le thème était cette année l'aménagement de la maison dédié à la "génération Internet", vient de dévoiler ses neuf finalistes, pour lesquels le grand public a la possibilité de voter. Découverte de ces projets, en attendant le classement final le 9 octobre. Réservé aux étudiants en design industriel du monde entier, le concours a reçu cette année plus de 600 propositions, provenant de plus de 49 pays. La sélection du jury dévoile une certaine diversité d'approches, de regards et de solutions techniques assez innovants. Coox est une table de cuisson à roulettes, imaginée par Antoine Lebrun de L'Ecole de Design Nantes Atlantique (France). Adaptable en hauteur, déplaçable, elle permet de faire cuire et sert également de support ou de bureau d'appoint. Privilégiant la cuisson par induction, elle possède également une zone "intermédiaire", permettant de garder les aliments au chaud après la cuisson. Constatant que la vie urbaine va de pair avec une consommation accrue d'énergie, Apore Püspöki, de l'Université des Arts et du Design Moholy-Nagy (Budapest, Hongrie), a quant à lui proposé E-bag, une glacière fonctionnant à l'énergie cinétique. iBasket est un sac à linge sale - machine à laver, qui se déclenche automatiquement ou peut être commandé à distance. Il a été conçu par Guopeng Liang de Université de Tongji (Chine). Sook est un assistant de cuisine sans fil, imaginé par Adam Brodowski du Savannah College of Art and Design (USA). Se basant sur un principe de scan olfactif et tactile des aliments en présence, il propose des recettes à son utilisateur. Plus encore, il lui permet même de les partager, à la manière des réseaux sociaux, en mettant en commun sa propre expérience avec celles des autres propriétaires de Sooks. Vesta est une table de cuisson pliante à induction, intégrant un scanner pouvant lire les puces RFID, qui doivent à terme remplacer les codes-barres sur les emballages. Elles peuvent contenir des informations sur le temps et les températures de cuisson, voire même des suggestions de recettes. Elle a été imaginée par Matthias Pinkert de l'Université des sciences appliquées de Dresde (Allemagne). Drawer Kitchen est un bureau-tiroir-plaque-chauffante-réfrigérateur, proposé par Nojae Parc de l'Université de Chiba (Japon). Pour les personnes vivant dans de petits espaces, qui ne peuvent ou ne souhaitent pas quitter leur écran d'ordinateur, la Drawer Kitchen combine une zone de cuisson, un plan de travail, un réfrigérateur, une surface sur laquelle manger... Flatshare est un réfrigérateur modulaire dédié aux espaces partagés par plusieurs colocataires, dessiné par Stefan Buchberger de l'Université des arts appliqués de Vienne (Autriche). Contenant jusqu'à quatre modules empilables, il offre à chaque utilisateur son propre espace réfrigérateur, qui peut par ailleurs être personnalisé avec différentes couleurs de façades. Les poignées présentes sur les côtés des modules, les rendent de plus faciles à transporter. Scan Toaster est un grille-pain connectable par prise USB, qui imprime les actualités, la météo et tout autre dessin sur les tranches de pain grillé. Il a été pensé par Sung Bae Chang de la Sejong University (Corée du Sud). Enfin, Stratosphere est un valet de chambre / désinfecteur de vêtements proposé par Atilla Sáfrány, de l'Université des Arts et du Design Moholy-Nagy (Budapest, Hongrie). Il s'agit en fait d'un valet qui aspire les germes et éléments micropolluants qui se fixent sur les vêtements, tels que les émanations corporelles ou venant de l'extérieur. L'air passe par un filtre HEPA puis par une chambre à lumière ultraviolette, ce qui permet de désinfecter et de purifier le vêtement. Le jury : Younghee Jung, un haut responsable du design chez Nokia, basé au Nokia Design Studio à Londres. Jiao Mo, fondateur associé et directeur de la conception d'Axis FormLAB, un studio de design spécialisé dans la conception de mobilier d'espaces intérieurs, officiant en Asie et aux États-Unis. Henrik Otto, vice président en charge du Design global chez Electrolux. Yves Béhar, fondateur du studio de création Fuseproject, basé à San Francisco.

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La Revue du Design — Thu, 25 Sep 2008 07:12:52 +0000

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La Revue du Design — Thu, 25 Sep 2008 07:13:26 +0000

Images portables

La Revue du Design — Thu, 25 Sep 2008 07:19:20 +0000

Évoquée sur le sympathique blog Perspectives & Créativité, une nouvelle technique permettant la projection d'images à partir d'un téléphone portable pourrait bien révolutionner (pas moins !) nos petits combinés et l'usage que nous en avons. Plusieurs fabricants de composants électroniques, entre autres Texas Instrument, Optoma (image ci-dessus) ou CKing, se lancent dans la production de pico-projecteurs pour téléphones portables. Cette technologie rend possible, grâce à une puce munie de minuscules miroirs, la projection d'une image possédant une diagonale de plus de 50 cm. Aux oubliettes donc les premiers modèles de mobiles, qui permettaient à peine de visualiser l'ensemble d'un texto. Mis de coté également les combinés plus récents à écrans "géants" : en déconnectant l'image de son support physique, ces sociétés dessinent ce qui va certainement être l'avenir du téléphone portable : un récepteur/émetteur multifonction et multimédia. Elles offrent également de réelles opportunités aux fournisseurs de contenu (vidéo, jeux...), aujourd'hui fortement contraints par les formats d'écrans. Sources : L’article Pico-TI, publié sur le blog Perspectives & Créativité. Pour plus d’informations, le site CrunchGear présente une vidéo de démonstration d’un premier “prototype” réalisé sur une base de Blackberry Curve.

Couverture du d’A n°173, septembre 2008

La Revue du Design — Thu, 25 Sep 2008 07:36:03 +0000

*Le design comme science des systèmes

La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 02:10:47 +0000

À lire absolument, dans le magazine d'A de septembre, cette interview de Marco Steinberg, architecte finlandais et Associate professor à Harvard, qui dévoile un rôle essentiel du design et de l'architecture : la capacité intrinsèque de ces disciplines à comprendre, schématiser et éventuellement remettre en cause des systèmes complexes. Présentation et extraits. Intitulé "Les architectes vont-ils sauver le monde", ce texte décrit plus précisément l'analyse que Marco Steinberg a mené du système de santé américain autour de la ville de Boston. Se dévoile également en filigrane, autour de ce cas très "concret", la manière dont le design et l’architecture peuvent, selon lui, aider à remettre à plat un cahier des charges souvent complexe, parfois contradictoire ou incomplet. Par exemple : "La rationalité économique de la construction prône des chambres doubles. Sur le plan médical, on voit bien que c'est beaucoup plus cher ! En fait, les chambres simples sont plus efficaces si l'on considère la question dans son intégralité. Mais le programme de l'architecte n'intègre jamais ces données de manière ouverte : on lui demande de travailler avec des paramètres déjà décidés, qui l'empêchent de prendre la bonne décision. On se prive ainsi de la capacité à résoudre les conflits qui caractérise le savoir profond dont un architecte est porteur". Autres extraits : "Finalement, si l'on schématise, ce qu'apporte un architecte, un designer, c'est une capacité à visualiser la complexité et d'avoir des techniques de représentation convaincantes" "Il était donc nécessaire de remonter en amont des solutions existantes pour retrouver l'espace beaucoup plus large de la définition des problèmes : c'est ce que l'on appelle du system design. L'objectif n'est pas de concevoir un objet mais de donner une forme au processus de décision, en amont des formes." "Plutôt que de fournir de bonnes solutions à de faux problèmes, notre force a résidé dans le fait que nous posions de bonnes questions". "C'est une perspective plus stratégique. De la préprogrammation, s'il on veut. Il faut donc prendre du recul". L'intérêt de l'article est donc qu'il montre l'intérêt d'une approche plus globale des questions posées, mais aussi qu'il insiste sur le fait que le designer ou l'architecte, avec des savoir-faire qui lui sont propres, est peut-être le plus à-même de proposer cette analyse. Ainsi, à la question des "outils et méthodes" utilisés, Marco Steinberg répond : "Ce sont des principes, parfois des outils ; travailler simultanément à plusieurs échelles. La capacité de réaliser des esquisses, car il faut être capable d'anticiper avant même de commencer à chercher. Ou encore la capacité de décrire le tout en détaillant une partie : le plus important aura été de dessiner une "coupe" dans tout le système de santé." "Le travail du designer ici, c'est de représenter des structures mentales et culturelles qui conditionnent des relations de pouvoir". "Plus que des outils, ce que nous avons importé de l'architecture, c'est une forme d'intelligence des problèmes". "Le dessin d'une coupe permet par exemple de représenter les lieux où les connexions sont critiques, le design nous aide à ne pas subir la complexité. Et les architectes en particulier savent inventer une diversité de compétence autour de la construction d'un système" "Un grand nombre de décisions sont prises sans qu'il y ait un système de prise de décision propre au problème posé. En tant que discipline interrogative, le design se trouve dans une position unique pour répondre à ces besoins stratégiques". Source : d'A n°175, septembre 2008, "Les architectes vont-ils sauver le monde", entretien avec Marco Steinberg réalisé par Marc Armengaud, pp. 18-21?

Couverture du CADI hs © L’École de Design de Nantes Atlantique

La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 07:55:23 +0000

Research journal special issue from l'Ecole de design Nantes Atlantique, Nantes, 2008 Hors s�e du cahier de recherche de l'Ecole de design Nantes Atlantique, Nantes, 2008

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:51:36 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:51:57 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:52:20 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:53:04 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:53:19 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:53:38 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:53:53 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:54:12 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:54:30 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:54:46 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 08:55:05 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 09:37:55 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 09:40:36 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 09:40:55 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Sep 2008 09:41:14 +0000

Le nouveau showroom Kreo

La Revue du Design — Mon, 29 Sep 2008 01:59:51 +0000

La Galerie Kreo a inauguré, il y a une dizaine de jour, son nouveau showroom parisien, plus grand et situé à quelques pas de Saint-Germain de Prés, dans le 6e arrondissement. À cette occasion, seize nouvelles pièces de mobilier étaient exposées, dessinées par quelques stars de la profession. Alessandro Mendini présentait ainsi sa Tavolino, une table basse en fibre de verre recouverte de tesselles Bisazza. Ronan et Erwan Bouroullec dévoilaient quant à eux leur très "zen" Grande table basse, en chêne vernis. Assez étonnante, l’étagère Claustra de François Bauchet, composée de quinze modules en pin d’Oregon, proposait un meuble à l’esthétique stable mais déconstruite. Pierre Charpin présentait son miroir Lune, un imposant disque d’acier poli brillant (122 cm de diamètre). Naoto Fukasawa proposait quant à lui son porte-manteau minimaliste Hanger, une simple planche de chêne percée de gros clous en aluminium. La chaise longue Karbon de Konstantin Grcic, réalisée comme son nom l’indique en fibre de carbone, évoquait quant à elle un hamac : une sorte de matière souple suspendue entre quatre pieds qui assurent sa stabilité. De plus en plus minimaliste (est-ce davantage possible), Jasper Morisson dévoilait ses Object Frames, de simples cadres, profonds, jouant le rôle d’étagères. Avec sa Metal Scum Lamp, une lampe en métal galvanisé, Jerszy Seymour nous proposait une sorte d’expansion à la César, devenue fonctionnelle. Wieki Somers surprenait également avec sa lampe Bellflower, dont l’ensemble de la structure semble avoir été tissé d’un seul matériau (en fait composé de carbone, fibre de verre, epoxy et leds). D’autres projets, réalisés par Martin Szekely, Front Design, Fernando Brizio, David Dubois, James Irvine, Hella Jongerius ou Marc Newson étaient également présentés, visibles sur le site de la Galerie Kreo ou directement dans la galerie, située 31 rue Dauphine, jusqu'au 19 octobre. Source : Iconeye, Designws, Deco-design.

*CADI HS

La Revue du Design — Tue, 30 Sep 2008 00:53:34 +0000

Engagée dans une démarche pédagogique, mais aussi dans la construction d'un regard critique sur le design, la très active École de Design de Nantes Atlantique a récemment publié un numéro hors-série de ses Cadi (Cahiers de recherche en design), présentant six entretiens réalisés avec des experts en sociologie, pharmacie, intelligence artificielle, développement durable... ayant eu à encadrer des projets de fin d'études d'élèves de l'école. L'occasion de découvrir six regards critiques sur le design, et autant de pistes d’intervention potentielles. Passionnant. En une soixantaine de pages, ce numéro de Cadi propose un tour d'horizon permettant de découvrir des "dimensions multiples et parfois surprenantes de la pratique du design". Ne pouvant, évidemment, reproduire ici la totalité de ces entretiens, nous nous contenterons d’en fournir quelques extraits, parmi les plus significatifs, tout en vous recommandant la lecture complète du document, par ailleurs librement téléchargeable. Le premier entretien, réalisé avec Frédéric Kaplan, chercheur en intelligence artificielle à l’École Polytechnique Fédérale de Lausanne, dévoile quelques enjeux du design face aux technologies de l’intelligence artificielle. "Notre futur sera dessiné par des équipes d’ingénieurs et de designers qui auront appris à travailler ensemble." "Aujourd’hui, l’essentiel du processus industriel crée des produits censés rester les mêmes une fois achetés. Un des grands challenges à relever par ce type d’intelligence artificielle est la conception d’objets qui changent et gagnent de la valeur au fur et à mesure que l’on interagit avec eux." "Comme on ne peut pas valider les actions futures de ces objets, la seule manière de garantir qu’ils seront inoffensifs est de s’assurer qu’ils ne pourront blesser personne, quoi qu’ils fassent. Ainsi, on les dote de formes dans lesquelles on ne peut pas se coincer les doigts, on les rend suffisamment légers pour éviter des dégâts qui seraient causés par leur chute éventuelle." "Dans la robotique moderne depuis une vingtaine d’années environ, il y a eu une grande évolution par rapport à l’intelligence artificielle classique. En effet, on a pris conscience de l’extrême importance du corps. Un robot apprend avec son corps et son corps va déterminer ce qu’il peut apprendre." "Pour être capable de reconnaître des objets, il faut être capable d’interagir avec ceux-ci, il faut avoir un corps et ressentir un certain nombre de choses. Ainsi, le corps du robot détermine son intelligence potentielle. À partir de là, le design rentre évidemment en compte puisqu’il va falloir déterminer cet élément de base, le corps, qui va lui-même déterminer tout ce que le robot sera en mesure de comprendre." Puis, la place du design dans des activités plus quotidiennes est évoquée par Annie Hubert, anthropologue spécialisée dans la nutrition et les modes d’alimentation. "Le design n’anticipe pas les évolutions sociales et comportementales, ce sont les évolutions qui se manifestent à travers le design." "Si l’on ne s’adapte pas au public concerné et si l’on ne fait pas un effort d’observation des mœurs, des habitudes alimentaires, de l’habitat et des ressources des populations visées, les messages généraux et standards n’atteindront pas les effets escomptés et l’on ne fera que prêcher dans le désert." "[Le design] est une expression de ce que la société se représente comme beau, confortable, utile, etc. Il est donc indissociable de la vie quotidienne. Les gens qui pensent que le design est une activité à part se trompent. Pour moi, le design englobe tout : c’est ma chaise, mon téléphone… Et si ces objets ont cet aspect c’est parce que selon ma perception, c’est ainsi qu’ils doivent être." "On peut se demander pourquoi les anthropologues, et sociologues ne s’intéressent pas plus aux activités du design. Est-ce qu’ils s’imaginent qu’ils vivent dans un monde sans objets ?" Le troisième entretien, réalisé avec Pascale Gauthier, experte en pharmaceutique, permet de découvrir ce que le design peut apporter au niveau de la perception et de l’usage des médicaments. "Un médicament mieux pris, grâce à un meilleur design, sera plus efficace." "Dans notre secteur, le design recouvre beaucoup de choses, notamment le packaging, les systèmes d’aide à l’observance, qui se sont énormément développés en dix ans, d’ailleurs. Au départ, on avait des systèmes de rappel simples (les reminders) comme l’indication des moments de la prise, apparue tout d’abord sur les pilules contraceptives et figurant désormais sur de très nombreux médicaments. Même les médicaments génériques continuent à l’intégrer. On utilise, par exemple, des pictogrammes, de petites cases correspondant au jour de la prise ainsi qu’une multitude d’autres systèmes qui, s’ils n’étaient évoqués par les designers que comme des champs de possible lors des toutes premières réunions organisées par Pharmadesign, sont désormais massivement utilisés sur les packagings secondaires." "L’usage est primordial et chacun sait que le designer attache une importance fondamentale à la façon dont son produit sera utilisé." "Selon moi, l’avenir verra émerger de nouvelles formes de médicaments. Vont perdurer les formes classiques (substances injectables, comprimés). En outre, de nouvelles formes galéniques se profilent à l’horizon (c’est l’aboutissement de 10 à 15 ans de recherche) : que ce soit la voie nasale, les antidiabétiques par voie orale, les comprimés bioadhésifs, les comprimés ophtalmiques etc. Dans ce cadre là, le design peut être d’une utilité précieuse pour expliquer l’utilisation de ces comprimés qui ne s’avalent pas, de ces aérosols par voie nasale ayant un effet général, etc." L’entretien suivant, réalisé avec Marie-Thérèse Neuilly, chercheur en sociologie et psychosociologie, détaille la capacité du design à s’adapter à des situations d’urgence, des catastrophes naturelles et/ou technologiques. "Il faut que les designers prennent conscience de la dangerosité potentielle de l’environnement dans lequel évoluent les utilisateurs." "Il n’existe pas de standards universels en la matière [des habitats de transition], et au contraire, chaque pays est très dépendant des conditions climatiques et de la géographie, etc. Donc la prévention doit s’opérer au cas par cas." "[La démarche de votre élève] m’a permis de comprendre que le design avait une grande capacité d’adaptation, à un milieu, que ce soit par le travail des matériaux ou des formes. Tout cela peut contribuer à faciliter la prévention. Pour faire à nouveau allusion aux tremblements de terre, une des consignes de base est de ne pas exposer chez soi les objets susceptibles d’écraser un individu (gros meubles lourds etc.) mais de privilégier, au contraire, la souplesse et les formes épurées. Il faut également être capable de trouver des zones de protection dans la maison. En outre, dans les zones de grande vulnérabilité sismique, il faut faire attention à ne pas accrocher d’objets au mur. Il faut prévoir que tout peut bouger. Techniquement, il me semble que le designer est tout à fait apte à faire des propositions pour que le cadre reste agréable malgré ces consignes, et à créer des espaces de mieux-être dans l’agencement de la vie quotidienne. Mais il le fait déjà dans une certaine mesure : je pense que le design anticipe tout ce qui concerne le danger au quotidien. Il s’agit tout simplement pour le design d’élargir le spectre de la dangerosité (rappelons que la maison est le lieu où il se produit le plus grand nombre d’accidents, plus encore que sur la route) et la capacité de réflexion afin d’intégrer cette notion de protection à plus grande échelle." "L’une des forces du design réside dans sa capacité à innover, c’est-à-dire à tirer vers le haut ce qui est de l’ordre du culturel mais aussi de celui du standard, qui menace de vite se rigidifier." Puis, Gaël Guilloux, chercheur et consultant en éco-design au Centre du Design Rhône-Alpes, revient sur l’apport indispensable du design à une nouvelle vision de la conception responsable. "À mon sens, les designers doivent replacer l’utilisateur dans cette démarche d’éco-conception, parce que c’est le principal intéressé par les produits que les entreprises mettent sur le marché." "L’intérêt du design […] est d’apporter une nouvelle vision de l’éco-conception beaucoup plus fluide. En effet, le design permet de prendre des décisions cohérentes avant des phases en aval beaucoup plus quantitatives et souvent considérées comme pesantes, dans la suite des projets de développement "produit". Le design amène les industriels à se poser des questions stratégiques avant de mettre en place des moyens dans l’entreprise (management de projet), à l’inverse des pratiques actuelles, selon lesquelles on choisit l’outil (évaluation environnementale) avant de se donner des objectifs." "Les gens ont bien compris qu’un petit geste, c’est potentiellement soixante millions de petits gestes. Et soixante millions de petits gestes finissent par constituer un geste conséquent." "Les gens ne veulent plus d’un hypothétique futur plein de promesses environnementales, comme celui dépeint lors des salons de l’auto, par exemple, où l’on dit depuis dix ans que "dans quelques années" un véhicule hybride sera commercialisé. Les gens veulent du concret et des solutions tout de suite." "Je pense que nous sommes à un tournant : je le constate dans les entreprises. À l’heure actuelle, il n’existe plus une seule entreprise qui ne prenne pas en compte le développement durable ou, tout au moins, le "développement produit"." "Certains pays avancent très vite, et qu’il y a ici une place à prendre pour le design, qui pourrait servir de porte d’entrée et d’innovation dans l’entreprise. Son rôle consisterait à apporter une innovation plus radicale qu’incrémentale pour faire avancer un peu plus vite les entreprises, sans que cela soit lourd ni coûteux, les rendre concurrentielles plus rapidement et en faire des leaders internationaux." Enfin, la capacité du design à explorer les dimensions culturelles et sensibles du patrimoine numérique est interrogée par Bruno Bachimont, directeur scientifique de l’Institut National de l’Audiovisuel. "On passe d’un régime ancestral de pénurie documentaire (même si l’imprimerie avait déjà bien modifié la donne) à un régime d’abondance, que l’ébriété numérique ne fait que renforcer." "On passe d’une mémoire institutionnelle, construite pour tous par certaines institutions collectives et régaliennes de la mémoire (dépôt légal, bibliothèques, universités), à une mémoire multidimensionnelle, composée des mémoires individuelles et collectives, privées et publiques, patrimoniales et marchandes." "Que ce soient via Wikipédia, Google, ou les bibliothèques en ligne (Gallica, GooglePrint, etc.), on s’oriente vers une disponibilité de la connaissance. L’intelligence ne résidera plus dans la détention de la connaissance, mais dans son discernement : savoir de quoi l’on a besoin, déterminer ce qui est important, réfléchir sur ce qui est essentiel. À celle de l’érudit succède la figure de l’avisé, du sagace de la connaissance. Bref, non pas celui qui sait, le savant, mais celui qui sait comment savoir. Il faut donc construire une culture qui permette de savoir s’orienter et se repérer dans l’océan des connaissances." "Dans cette perspective, le design participerait à la définition des instruments d’orientation et à la construction d’une ergonomie de la connaissance. L’enjeu n’est pas de concevoir des outils faciles d’usage, mais de les penser dans la perspective plus large d’une participation à une culture intellectuelle. Bref, de dépasser l’usage pour tendre vers la pratique : du comportement vers la posture intellectuelle et finalement vers la culture."

Alstom dévoile l'intérieur de son AGV

La Revue du Design — Wed, 01 Oct 2008 00:44:25 +0000

Alstom a dévoilé en début de semaine dernière, dans le cadre du salon InnoTrans qui se déroulait à Berlin, l'intérieur de son nouveau train, l'automotrice à grande vitesse (AGV). Flexibilité, espaces modulables et aménagements sur-mesure étaient au rendez-vous. Conçu pour rouler à 360 km/h en vitesse commerciale, l’AGV associe le principe de la rame articulée, déjà exploité sur les TGV et assurant davantage de stabilité et moins de vibrations, à celle de la motorisation répartie, consistant à placer les moteurs sous les planchers des voitures au lieu de les concentrer dans les motrices de tête et de queue. La capacité du train se voit ainsi augmenter, à longueur de rame égale, de près de 20 %. L’AGV pourra accueillir, selon sa configuration, 7, 8, 11 ou 14 voitures, et de 250 à 650 passagers. Il offrira également la possibilité, ponctuelle ou durable, d'augmenter le nombre de sièges ou d'aménager des espaces dédiés, tels que des salons, des zones de loisirs ou de travail. En bref, il sera possible de l'adapter aux besoins spécifiques des opérateurs et/ou aux caractéristiques des lignes sur lesquelles il devra circuler. À Berlin, plusieurs espaces intérieurs "types" étaient présentés, l'idée étant de proposer une offre ne se limitant pas aux traditionnelles mais limitées première et deuxième classes. Les rames Easy, les plus compactes et les plus "denses", s'apparentent à l'actuelle deuxième classe des TGV. Elle devrait permettre, entre autres petites innovations, de fixer un siège bébé entre les fauteuils. Plus confortable et plus spacieuse, la classe Exclusive rappelle, avec ses sièges-lits inclinables, les premières classes que l'on trouve dans les avions. La classe Make it connected, conçue pour une clientèle d'affaires, proposera l'accès à Internet en Wi-Fi et même une salle de réunion de six places dans les voitures de tête. Les chanceux passagers des rames Make it exclusive ne devraient quant à eux être que 26 par voiture, et bénéficier d'élégants fauteuils en cuir, de prises de courant et d'écrans, ainsi que d'une penderie individuelle pour leurs bagages. "L'AGV est un tube modulable qui permet une totale liberté d'agencements intérieurs", explique Xavier Allard, directeur du design chez Alstom (source lefigaro.fr). Il ouvre de nouveaux horizons en offrant la possibilité, selon les différents moments de la semaine ou de l'année, de faire circuler des trains davantage orrientés "week-end" ou "vacances" ou "business" ou "famille", caractérisés par des équipements intérieurs spécifiques (zones pour les bagages, emplacement pour les vélos, etc.). Si pour l'heure, la SNCF semble privilégier la vocation grand public du TGV, il n'est pas incertain que ces différents niveaux de confort intéressent d'autres clients, comme Air France et Veolia, qui sont amenés à affréter des trains dès 2010 et qui pourraient être tentés de donner à leurs clients le même confort sur les rails que dans les airs. À noter que l'AGV utilise des matériaux recyclables à 98 %, et qu'il met en avant un bilan carbone extrêmement réduit (il n’émet que 2,2 g/km/passager, soit 13 fois moins qu’un bus, 50 fois moins qu’une automobile et 70 fois moins qu’un avion). De plus, son freinage à récupération d’énergie lui permet de produire une partie de sa propre électricité. Source : Alstom; lefigaro.fr.

Design Arte

La Revue du Design — Wed, 01 Oct 2008 19:25:00 +0000

design arte

La Revue du Design — Wed, 01 Oct 2008 19:29:57 +0000

Design sur Arte

La Revue du Design — Thu, 02 Oct 2008 00:48:13 +0000

À partir du 5 octobre et jusqu'au 4 janvier 2009, Arte propose de découvrir chaque dimanche soir, à 20h15, une série de douze documentaires (dont sept inédits) sur le design. Chacun de ces épisodes sera consacré à un objet industriel en particulier et tentera, à travers lui, de décrire les ambitions formelles, mais aussi politiques, sociales, sociologiques et culturelles propres aux différentes époques qui les ont vu naître. Premier épisode : le Concorde. Lancée en 1999, sur une idée originale de Luciano Rigolini, cette collection comporte désormais vingt-six films de 26 minutes chacun. "Des images d’archives, des extraits de cinéma, de variété et de musique populaire, illustrent la situation politique, sociale et culturelle" de chaque époque. "S’y ajoutent l’histoire proprement dite de l’objet, sa conception, ses auteurs, sa fabrication et un fil rouge de narration contemporaine pour faire le pont entre ce passé et notre présent." Programme : Dimanche 5 octobre 2008 : Le Concorde (inédit). Dimanche 12 octobre 2008 : Le Sofa Bubble Club. Dimanche 19 octobre 2008 : Le pouf Sacco (inédit). Dimanche 26 octobre 2008 : Le Bic Cristal. Dimanche 2 novembre 2008 : Le téléviseur Algol (inédit). Dimanche 9 novembre 2008 : La DS 19. Dimanche 16 novembre 2008 : La cafetière Conica. Dimanche 23 novembre 2008 : La bibliothèque Bookworm (inédit). Dimanche 30 novembre 2008 : Le Fauteuil Paimo(inédit). Dimanche 21 décembre 2008 : L’aspirateur Hoover. Dimanche 28 décembre 2008 : Le Walkman (inédit). Dimanche 4 janvier 2009 : La Fiat 500 (inédit). Source : Arte.tv.

© Fauchon/Biercher

La Revue du Design — Thu, 02 Oct 2008 14:51:42 +0000

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La Revue du Design — Thu, 02 Oct 2008 14:52:54 +0000

© Fauchon/Biercher

La Revue du Design — Thu, 02 Oct 2008 14:53:40 +0000

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La Revue du Design — Thu, 02 Oct 2008 14:54:00 +0000

Grand Prix Stratégies du Design 2008

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 00:49:05 +0000

L’aménagement des boutiques Fauchon, réalisé par l’agence Christian Biecher et associés, vient de se voir décerner le 22e Grand Prix Stratégies du Design, récompensant les meilleures créations de l'année en termes d’identité visuelle, de packaging, de design industriel, d’architecture commerciale, d’édition et de web design. Initié en 2007, à la suite d’un premier travail mené dès 2004 par l’agence Desgrippes Gobé, l’aménagement des boutiques Fauchon fait partie d’une volonté de la marque de redynamiser et de moderniser son image. Elle en a alors fortement besoin : lorsque Michel Ducros, fils du fondateur, prend le contrôle l’enseigne en 2004, celle-ci cumule en effet près de 11 millions d’euros de pertes. Et ca marche : ce premier relooking fait bondir le chiffre d'affaires de la boutique de 260 % ! En prenant le parti de la couleur et de la gaieté, Fauchon réinvente le luxe « à la française », et l’exporte même : en Asie, au Maghreb, dans le Golfe. Le challenge qui s’offrait donc à Christian Biecher était d’harmoniser cet ensemble et de recréer une identité globale. Il le fera en utilisant les couleurs vives et chaudes, les matières nobles et réfléchissantes. Allant jusqu’à l’ostentatoire, ses aménagements intérieurs proposent, selon ses termes, « un projet gonflé » : « Fauchon a compris qu'il fallait être segmentant pour exister. On ne peut pas affirmer une identité forte avec un consensus mou ! » affirme-t-il (source : Stratégie). Le projet : Maîtrise d’ouvrage : Fauchon SAS. Maîtrise d’œuvre : Christian Biecher, assisté d’Alexander Bartzsch, Régis Botta, architectes. Projet : aménagement des nouveaux espaces Fauchon (magasins, boulangeries, cafés, restaurants) à Paris, Tokyo, Pékin, Casablanca et Dubaï (surfaces comprises entre 500 et 1500 m²). Source : strategies.fr

Carton Mini LivingColors © Philips

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 09:02:07 +0000

Mini LivingColors © Philips

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 09:02:43 +0000

Mini LivingColors blanche laquée, noire laquée, grise, dorée © Philips

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 09:03:23 +0000

"Certamente", couverts à salade réalisés en fil chromé. Photo © Santi Caleca

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 12:34:59 +0000

"Un attimo & Onu attimo prima », plateaux réalisés en acier inoxydable découpé au laser. Photo © Santi Caleca

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 12:35:50 +0000

"Alle cinque & alle cinque Mezza E", plateaux réalisés en acier inoxydable découpé au laser. Photo © Santi Caleca

La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 12:37:01 +0000

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La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 12:38:08 +0000

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La Revue du Design — Fri, 03 Oct 2008 12:38:27 +0000

La Mini LivingColors est née

La Revue du Design — Mon, 06 Oct 2008 00:04:06 +0000

Après le succès de sa lampe LivingColors, se basant sur la technologie des leds et permettant de moduler facilement la couleur émise (16 millions de possibilité), Philips vient de lancer une version « mini », se déclinant en quatre couleurs différentes (blanc laqué et noir laqué, argenté, doré). Plus « déco » que leur ainée, ces Mini LivingColors se révèlent cependant être, tout comme elle, des véritables concentrés de technologie : conçues pour durer (jusqu’à 20 000 heures d’utilisation), consommant peu d’énergie, elles ne contiennent pas non plus de gaz nocifs pour l’environnement. Dimensions et prix conseillés : 190 x 275 x 200 mm / blanc laqué et noir laqué (99 euros), argent et doré (119 euros). Source : Philips, Deco-design.

Passami il sale

La Revue du Design — Tue, 07 Oct 2008 00:17:04 +0000

Serafino Zani est une entreprise familiale italienne, fondée en 1963 et située dans la petite ville de Lumezzane (au nord du pays). En 2006, elle fait appel à Konstantin Grcic pour développer, après qu’Ettore Sottsass l’ait également fait pour elle, une série d’ustensiles et accessoires dédiés à la cuisine. Les premiers résultats de cette collaboration sont lancés sur le marché en 2007 et courant 2008. Intitulée Passami il sale, cette collection propose un vocabulaire épuré, mettant en avant la simplicité des matériaux chère à Grcic. Dans l’idée d’un développement de la gamme, de nouveaux modèles sont amenés à voir le jour. Une cuillère à risotto et différentes petits couverts (présentés ci-dessous) devraient notamment être présentés lors de la biennale de Courtrai 2008 (du 17 au 26 octobre 2008). Sources : konstantin-grcic.com/, designaddict.com, coscablog.it.

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La Revue du Design — Tue, 07 Oct 2008 11:32:14 +0000

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La Revue du Design — Tue, 07 Oct 2008 11:32:50 +0000

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La Revue du Design — Tue, 07 Oct 2008 11:33:12 +0000

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La Revue du Design — Tue, 07 Oct 2008 11:33:33 +0000

Seconde Nature

La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 08:10:49 +0000

Le designer japonais Tokujin Yoshioka présentera à la fin du mois, lors de l’exposition Second Nature, une chaise intitulée Venus chair, faite de cristaux naturels. Tokujin Yoshioka a invité sept designers et artistes, parmi lesquels Ross Lovegrove et les frères Campana, à réfléchir avec lui à l'avenir du design et à sa possible articulation avec la nature, véritable source d’inspiration à ses yeux. En effet, la beauté contenue dans les formes et processus naturels dépasse souvent notre simple imagination. Elle met en œuvre des forces puissantes et parfois mystérieuses (érosion, stratification, multiplication…) qui façonnent les objets qui la composent. Enfin, la plupart des formes naturelles sont par essence uniques, non-reproductibles. Ce sont ces éléments qui inspirent le designer, affirmant par ailleurs que « le fait d’introduire dans la conception des principes et des mouvements de la nature deviendra quelque chose d'important dans l’avenir du design » (« Incorporating the principles and movements of nature into ideas will become something important in future design »). La chaise qu’il a imaginée pour cette exposition met en œuvre de tels processus : conçue autour d’un squelette mou, en éponge, et plongée dans un bain de cristaux, elle se forme progressivement par accumulation de la matière. En utilisant la technologie, Tokujin Yoshioka crée donc de nouvelles formes, non maitrisées mais pourtant guidées et inspirées, une sorte de « seconde nature ». L’exposition Second Nature se déroulera à la fondation 21_21 Design Sight de Tokyo, du 17 octobre 2008 au 18 janvier 2009. Né en 1967 à Saga (Japon), Tokujin Yoshioka travaille chez Shiro Kuramata et Issey Miyake, avant de créer son propre studio en 2000. Il a collaboré avec diverses sociétés telles qu’Hermès, Swarovski et Issey Miyake. La chaise en papier Honey-pop, sa lampe ToFU ou son téléphone cellulaire Media Skin font partie des collections permanentes de plusieurs musées, tels que le MoMA de New York. Sources : Dezeen, tokujin.com, 2121designsight.jp.

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 13:10:47 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 13:17:40 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 14:33:20 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 14:38:53 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 20:41:23 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 20:41:48 +0000

MAD in NY

La Revue du Design — Wed, 08 Oct 2008 23:01:00 +0000

Après plus de 20 ans passés sur la 53e rue, le Musée des Arts et du Design de New York (MAD) vient de ré-ouvrir ses portes le 1er octobre dernier à une nouvelle adresse, au 2 Colombus Circle, plus grand, plus moderne et plus innovant. Le bâtiment, fruit d’un concours international ayant eu pour lauréat l’agence Allied Works Architecture, dirigée par Brad Cloepfil, abrite un espace d’environ 54 000 mètres carrées, pouvant accueillir plus de 500 000 visiteurs par an. Si l’on pourra discuter l’esthétique de la façade, façon rubik's cube géant tendance rétro-futuriste, entièrement faite de verre irisé et de céramique, le travail sur les espaces intérieurs et la pénétration de la lumière naturelle en font un lieu agréable à visiter, dont la conception et l’organisation se mettent au service des œuvres exposées. Près de deux fois plus grand, le MAD peut enfin présenter une sélection élargie de sa collection permanente, regroupant plus de deux mille objets datant des années cinquante à nos jours. Provenant du monde entier, ils mélangent les domaines de l’artisanat, du design ou des arts décoratifs, une des spécificités du MAD étant sa vision transversale du design, et la volonté (dont on toutefois peut discuter !) de décloisonner les frontières entre Art et Artisanat. Deux expositions sont au programme en ce moment : - Jusqu’au 15 février 2009, Second Lives : Remixing the Ordinary donne carte blanche à 50 artistes contemporains pour transformer des objets du quotidien. - Jusqu’au 31 mai 2009, Elegant Armor : The Art of Jewelry présente près de 200 bijoux provenant de la Tiffany and Co Foundation, exposés pour la première fois au public. Sources : frenchmorning.com, madmuseum.org

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La Revue du Design — Thu, 09 Oct 2008 06:59:26 +0000

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La Revue du Design — Thu, 09 Oct 2008 06:59:46 +0000

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La Revue du Design — Thu, 09 Oct 2008 07:00:04 +0000

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La Revue du Design — Thu, 09 Oct 2008 07:00:36 +0000

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La Revue du Design — Thu, 09 Oct 2008 07:01:02 +0000

Pistes pour un design durable

La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 00:18:16 +0000

Développement durable, design "vert", recyclage et autres démarches éco-responsables ont envahi, en quelques mois voire quelques années, les discours des créateurs tout autant que les catalogues ou les lieux de vente. Mais sous son aspect honorable, que cache ce type de prise de position : un courant porteur sur lequel surferaient designers et industriels, une stratégie marketing intelligente appelant à "mieux" consommer tout en incitant à acheter tout de même, ou une réelle prise de conscience appelant une refonte – peut-être profonde – de la discipline ? Particulièrement observable au niveau du mobilier, cette tendance n'en touche toutefois pas moins toutes les dimensions du design. Ainsi, nombre de produits industrialisés – du dernier MacBook Air à la prochaine Citroën C-Cactus, que nous évoquerons plus loin – revendiquent eux aussi leur aspect ouvertement "durable". Le thème est à ce point dans l'air du temps que les membres de Cumulus, un réseau international d'écoles de design, ont récemment signé la Kyoto declaration, qui les engage dans une démarche de pédagogie, de création et d'innovation en faveur du développement durable. Toutefois, si les objectifs affichés de ce type d'initiatives sont relativement communs – favoriser l'utilisation de matériaux recyclés ou recyclables, réduire les émissions polluantes, miser sur une consommation équilibrée – les manières d'y parvenir semblent être, tant du point de vue stylistique que conceptuel, relativement différentes. RÉCUPÉRATION, RECYCLAGE ET NOUVEAUX MATÉRIAUX Une première articulation possible du design et du développement durable concerne l’utilisation "brute" de matières naturelles ou recyclées. Les exemples de tels projets ne manquent pas. Citons par exemple Charles Kaisin et sa Hairy Chair, faite de chutes de papier provenant d'une déchiqueteuse ; les frères Campana et leur fauteuil Favella, fabriqué à partir de petits morceaux de bois assemblés à la main ; ou encore, plus récemment, la collection PO/08 que le designer américain Stephen Burks a présenté lors du dernier salon du meuble de Milan, en papier recyclé elle aussi, et fabriquée en Afrique par des artisans locaux. Dans une perspective similaire, nous pourrions évoquer de nombreux objets mettant en scène des matières ouvertement naturelles : plastiques bios réalisés à partir de céréales compactées (Céralin®), de paille compressée, de cellulose d’algue compactée, ou même de thym, de romarin, de thé vert… Misant sur l'accumulation, la récupération ou la réparation, ces projets représentent la piste la plus "évidente" d'un design durable, celle qui cherche à valoriser les matières brutes ou les déchets sans pour autant les dissimuler. Hairy Chair par Charles Kaisin (photo © Charles Kaisin). Tabouret PO/0810 par Stephen Burks pour Cappellini (photo © Cappellini). Straw Bowl de Kristiina Lassus pour Alessi Museo, bols et coupes en paille compressée, amidon, pigments alimentaires, eau, cire d'abeille (projet présenté lors de l'exposition du VIA "Matières à cultiver". Photo DR). Une seconde voie consiste à privilégier les économies de matière, la sélection de ressources renouvelables ou la mise en place de modes de production plus respectueux de l'environnement : bois issus de forêts gérées durablement, abandon des colles et solvants toxiques, réutilisation des résidus industriels, etc. Dans ces cas-là, les objets ne revendiquent plus ouvertement leur aspect « durable » et seul un effort de communication, pouvant d'ailleurs prendre la forme d'un argument marketing, permet de faire saisir cette subtilité à l'acheteur. Rien n’indique en effet que la chaise à bascule Ellan de Chris Martin pour Ikea est en bois polymère plutôt qu'en polypropylène. La remarque vaut également pour les tables basses Amazonas qu'Eero Koivisto vient d'imaginer pour Offecct, qui sont 100 % recyclables et dont une partie des recettes sera utilisée pour protéger la forêt tropicale : elles mettent en avant, ne serait-ce qu'esthétiquement, une approche écologique du design, sans pour autant afficher ostensiblement leur dimension durable. De telles démarches, si elles semblent assez simples pour des produits conçus à partir d’un nombre réduit de matériaux, deviennent par contre plus lourdes pour des objets plus complexes. Ainsi, lorsque début 2005, Lafuma a décidé de réfléchir à un sac de randonnée éco-conçu, l’entreprise a relevé un défi de taille car il s’agit d’un produit nécessairement composé de plusieurs éléments (armature, toile, poches…). De plus, il doit à la fois être résistant aux chocs et à l’eau, léger, et posséder une durée de vie assez longue. Après avoir réalisé une Analyse de Cycle de Vie (ACV), ayant révélé que 75% des impacts environnementaux sont liés à la phase de fabrication et au choix des matériaux, l’entreprise a du mettre au point un textile spécial, composé de fils de chanvre et de polyéthylène recyclé. Cela a permis, au passage, d'exploiter des techniques de teinte plus simples et plus rapides que sur un fil synthétique, puisqu'il est plus aisé de colorer une matière naturelle. Ensuite, une armature en acier a remplacé la plaque en plastique habituelle, et deux pans de tissus renforcés sont venus se substituer au traditionnel filet en PVC. Quelques autres trouvailles ingénieuses ont également permis de limiter le nombre de pièces et de coutures (source : LAGADEC Olivier, L’Éco-conception en actions - 2e édition, ADEME, octobre 2006, pp.15-16). Chaise à bascule Ellan par Chris Martin, pour Ikea (photo © VIA/DR). Tables basses Amazonas par Eero Koivisto pour Offecct (photo © Offecct). Sac à dos ECO 40 par Lafuma (photo © Lafuma). MOINS MAIS MIEUX L’éco-conception en appelle généralement, nous l'avons vu, à l'utilisation de matériaux originaux, naturels ou recyclés. Elle amène aussi, souvent, à repenser le produit et à trouver des astuces de conception : quels éléments sont réellement nécessaires, ne pourrait-on pas les remplacer par d’autres, les simplifier… Car plus un produit comporte de pièces, plus il est plus complexe à démanteler et à recycler. La manière de concevoir les objets, le nombre et l’imbrication de leurs différentes parties, apparaît dans ce sens aussi stratégique que le choix des matières elles-mêmes. Dans le secteur industriel – automobile par exemple – ce type de réflexion prend tout son sens. Par exemple, la très faible consommation de la toute dernière Citroën C-Cactus (moins de 3 l/100km), un prototype présenté lors du dernier salon de l'automobile de Francfort, est rendue possible grâce à un nouveau moteur hybride électrique/HDI, mais aussi grâce à une réduction du nombre de pièces amenant un poids inférieur de 15 %. Écologique jusqu’au bout, le modèle propose également un grand nombre de matériaux recyclés ou recyclables, pour le verre des vitres, les pneus, la tôle ou les tapis de sol. Vue extérieure et intérieure de la C-Cactus. Photos © Citroën. À un niveau plus humble, l'entreprise Electrolux réfléchit, depuis plusieurs années, à la simplification de ses produits. Par exemple, le socle du lave-linge AWT 1156 est conçu d’un seul élément réalisé en Carboran, un matériau plastique 100% recyclable, qui remplace à lui seul une trentaine de pièces en plastique, métal et caoutchouc. La marque d’ailleurs a fait de son souci environnemental un argument commercial, dont elle vente les mérites dans un livret qui fut édité à plusieurs dizaines de milliers d’exemplaires et distribué dans les magasins Conforama (source : LAGADEC Olivier, L’Éco-conception en actions - 2e édition, ADEME, octobre 2006, p.12). Ce type de prise de position, évidemment bénéfique pour l’environnement devient également nécessaire pour l'image de marque des entreprises. On se souvient, par exemple, de la polémique lancée il y a quelques mois par Greenpeace au sujet de l’iPhone, dont l'organisation critiquait l'usage de substances chimiques et la faible "recyclabilité" de ses composants (la batterie du terminal, soudée au combinée, rendait difficile le tri). Apple a depuis réagi et se prévalait, lors de la sortie récente de son ordinateur portable MacBook Air, d’avoir une approche résolument tournée vers la protection de l'environnement. VERS UN DESIGN PÉRENNE ? Mais le développement durable ne passe pas uniquement par la maîtrise des déchets et des filières de production. Il doit aussi se fonder – raisonnement qui peut paraitre trivial – sur la durabilité des objets proposés. Or, la généralisation des placages et des revêtements de surface dans le domaine du mobilier (au détriment de matières plus brutes), ou la course à la performance dans les secteurs plus technologiques (informatique, téléphonie...), s'ils peuvent parfois s'expliquer d'un point de vue pratique, esthétique, technique ou financier, ont aussi pour effet de diminuer la durée de vie des objets. Les designers ont, à ce sujet, de réelles prises de positions à imaginer et à revendiquer. Et plutôt que de comprendre le design comme générateur de tendances, dont un des objectifs serait d’amener les consommateurs à renouveler leurs objets saisons après saisons, il serait possible de le concevoir comme une occasion de créer des liens plus forts avec notre environnement matériel. Un exemple : Martino d’Esposito et Alexandre Gaillard proposent à tous les acquéreurs de leur table Till death do us part de s’engager à l’utiliser jusqu’à la fin de leur vie. Pour les rappeler à leurs obligations, un contrat sera signé directement sur le plateau, gravé dans la matière comme dans les tables de la loi. Des liens différents sont ainsi tissés entre le consommateur et le meuble qu’il a acquis, comparables, d’une certaine manière, à ceux que nous entretenons avec un objet auquel nous tenons qui s’est usé, patiné, et que nous avons envie de conserver car il s’est chargé d’une histoire et d’une dimension affective spécifique. Table Till death do us part par Martino d'Esposito et Alexandre Gaillard. Photo © d'Esposito/Gaillard. Ce type de proposition, par certains points provocateur, excessif et "décalé", permet toutefois de sortir d’une logique absconse, d'un point de vue du développement durable, où la performance d'un secteur se mesure principalement en fonction du taux de rotation des objets et de la vitesse à laquelle les consommateurs les renouvellent ("les Français consomment trois fois moins de meubles que les Allemands", rappelait par exemple Henri Griffon, président de l'UNIFA, en janvier 2006). L'obsolescence calculée, qui a fait la fortune du design en permettant de stimuler les ventes et d'éveiller l'appétit des consommateurs, révèle en effet dans le cadre d'une perspective durable des limites évidentes. D'autres modèles économiques et sources de rentabilité sont donc à inventer. D’UNE LOGIQUE DE PRODUITS À UNE LOGIQUE D’USAGES Si le design doit aujourd'hui s'affranchir des effets de mode et réfléchir à une stratégie d'intervention durable, il ne pourra pas le faire sans résoudre un paradoxe profond, lié au fait qu'il participe lui-même, et pour beaucoup, à l’hyperconsommation et la surproduction qu'il semble parfois vouloir dénoncer. Il doit donc, au fond, repenser totalement sa méthode : comment à la fois adopter une volonté éco-responsable, tout en favorisant le développement commercial des marques et des maisons d'édition ? La solution se trouve, nous l'avons évoqué, dans la recherche de matériaux et de filières de production alternatifs. Elle est aussi certainement politique et nous pourrons analyser, d'ici peu, les effets du bonus/malus proposé par Jean-Louis Borloo qui, après une première phase de test sur le secteur automobile, devrait obliger les distributeurs à indiquer l’empreinte écologique d'un certain nombre de produits courants. Elle relève également d'une éducation des consommateurs : de plus en plus sensibilisés aux problématiques environnementales, ils pourraient en effet massivement orienter leurs achats vers des produits « propres », et ainsi obliger les producteurs à réagir. Mais elle réside peut-être, aussi, dans une refonte plus profonde des mentalités. Dans ce sens, la réflexion menée par quelques chercheurs sur d'autres stratégies de croissance pourrait s'avérer pertinente. Dominique Bourg, philosophe et membre du comité de veille scientifique de la Fondation Nicolas Hulot, constate par exemple que "tant que le chiffre d'affaires est corrélé à la vente d'un bien, il n'y a aucune incitation pour l'entrepreneur à réduire sa production physique. En revanche, s'il vend la fonction, son intérêt est que le support dure le plus longtemps possible, en y intégrant régulièrement des innovations technologiques". Évoquant les entreprises Michelin ou Xerox, le chercheur dessine ainsi les contours d’une économie où la notion de service vient peu à peu se substituer à celle de produit (source : "Stratégie pour une croissance non catastrophique", interview réalisée par Laurence Caramel, Le Monde, 21 octobre 2007). Si les applications semblent évidentes dans des secteurs à forte valeur ajoutée technologique (informatique, automobile, électroménager, électronique...), de tels scénarios sont également envisageables à un niveau plus large. Il suffit d'ailleurs d'observer quelques tendances déjà à l'œuvre, pour comprendre que la consommation est en train de muter. Plusieurs exemples, à méditer, peuvent ainsi être évoqués. Pensons au succès parisien du Vélib, proposant à chacun d'utiliser un vélo lorsqu'il en a besoin (n'existe-t-il pas, dans le même sens, un certain nombre d'objets qu'il n'est pas nécessaire de posséder de façon permanente ?). Constatons également le succès du troc et la revalorisation des objets de seconde main (sites Internet tels qu’Ebay, Priceminister…), favorisant la mise en place de nouveaux intermédiaires commerciaux et permettant de générer du profit à partir de ventes opérées entre particuliers. Remarquons, dans le même sens, qu'Internet participe à une redéfinition de certains circuits de distribution et à un rapprochement de l’offre et de la demande : il est par exemple aujourd'hui possible d'acheter en ligne des chemises sur mesure pour quelques dizaines d'euros, un prix souvent inférieur au prêt-à-porter traditionnel. La raison : une mise en relation directe entre producteur et consommateur. Évoquons, pour finir, les locations longue durée, les reprises de produits usagers, les contrats d'entretien... qui sont des principes existant déjà dans d’autres contextes (automobiles d'entreprise, assurance, maintenance de matériel, etc.) mais qui pourraient être envisagés dans le cadre plus large de la consommation d'objets. Il ne s'agit là que de simples exemples, qui pourtant constituent autant de manières de réintroduire les marques, les distributeurs, mais aussi les designers dans le circuit de vie des produits, et d'imaginer des sources de rentabilité nouvelles. Car le développement durable ne pourra pas se limiter à une réflexion sur la production au sens industriel du terme. Il devra englober, très rapidement, une refonte des circuits de distribution, et des notions mêmes de produit et de service. Il appellera enfin, cela sera nécessaire, à la mise en place de nouveaux modèles économiques, qui restent à inventer, à détourner ou à perfectionner, permettant de produire mieux ou moins, de consommer intelligemment, et de générer de la croissance autrement. Alexandre Cocco

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La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 09:40:16 +0000

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La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 09:40:39 +0000

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La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 09:40:55 +0000

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La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 09:41:12 +0000

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La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 09:41:42 +0000

Bic Daisy Vase © Giffin & TerMeer

La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 12:02:50 +0000

Bic Daisy Vase © Giffin & TerMeer

La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 12:03:38 +0000

Bic Daisy Vase © Giffin & TerMeer

La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 12:03:58 +0000

Bic Daisy Vase © Giffin & TerMeer

La Revue du Design — Fri, 10 Oct 2008 12:04:38 +0000

Un fauteuil pour deux

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 00:45:20 +0000

Panta Rhei est un fauteuil pour deux personnes imaginé par le designer autrichien Florian Baptist Gypser. Massif mais élancé, d’inspiration futuriste, il se caractérise par une large assise pouvant accueillir deux personnes simultanément. Également, il est modulable et permet, lorsqu’il est regroupé avec d’autres, de créer de petits ilots pour 2, 4 ou 6 personnes. Entièrement réalisé à la main, le fauteuil se compose d’un châssis en résine et fibre de verre renforcée, laquée en noir ou en blanc, que complète une assise molletonnée de couleur noir, jaune ou rouge. Ondulant légèrement, le dossier offre la possibilité à deux personnes de cohabiter sur cette assise aux formes généreuses, offrant par là la possibilité de nouveaux comportements, plus détendus ou plus intimes. Lorsque plusieurs Panta Rhei sont assemblés, naissent de petits ilots permettant d’accueillir, selon leur configuration, de deux à six personnes. Détournant la forme traditionnelle du fauteuil, Florian Baptist Gypser propose donc un système ouvert et adaptable à différentes situations : il permet à deux personnes de se lover l’une contre l’autre dans l’intimité d’un lieu privé, ou alors de cohabiter temporairement dans un lieu à vocation plus publique. À ce jour, Panta Rhei est fabriqué à la demande, et distribué à Dubaï, en Espagne et aux États-Unis (peut-être bientôt en France). Une version destinée à l’extérieur est également à l'étude. Dimensions : L105, P105, H80cm. Poids 47kg. Diplômé en architecture de l’Université des Arts Appliqués de Vienne, Florian Baptist Gypser vit et travaille aujourd’hui à Bangkok, en Thaïlande. Il se consacre à des aménagements intérieurs ou extérieurs, et à la conception et l’édition de petites séries de mobiliers et accessoires. Source : Design obsession.

Uno e Zero © Della Rovere / Karim Rashid

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 08:37:01 +0000

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Uno e Zero © Della Rovere / Karim Rashid

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 08:37:57 +0000

Uno e Zero © Della Rovere / Karim Rashid

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 08:38:39 +0000

Uno e Zero © Della Rovere / Karim Rashid

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 08:39:05 +0000

Uno e Zero © Della Rovere / Karim Rashid

La Revue du Design — Mon, 13 Oct 2008 08:39:38 +0000

Bic et chic

La Revue du Design — Tue, 14 Oct 2008 00:02:11 +0000

Imaginé par les designers américains Jess Giffin et Jim TerMeer, ce Bic Daisy Vase est conçu à partir d'un simple stylo Bic, soufflé et façonné à la main. Tous deux titulaires d'un BFA obtenu au Kansas City Art Institute, Jess Giffin et Jim TerMeer ont également suivi des scolarités propres, Jess ayant obtenu un MFA en print media de la Cranbrook Academy of Art, et Jim une maîtrise en design à la Design Academy d'Eindhoven. Ils s'associent en 2003 et, privilégiant l'approche conceptuelle et l'observation/détournement du quotidien, ils produisent de petites séries d'objets oscillant entre art et design. Ils vivent et travaillent à Concord, New Hampshire, Etats-Unis. Sources : designboom, fubiz.

Mirage © Tronconi / Lorenzo Longo

La Revue du Design — Tue, 14 Oct 2008 08:12:32 +0000

Mirage © Tronconi / Lorenzo Longo

La Revue du Design — Tue, 14 Oct 2008 08:13:13 +0000

Mirage © Tronconi / Lorenzo Longo

La Revue du Design — Tue, 14 Oct 2008 08:13:44 +0000

Bureau cocon

La Revue du Design — Wed, 15 Oct 2008 00:36:34 +0000

Uno e Zero est la nouvelle collection que l'éditeur italien Della Rovere, spécialisé dans l'aménagement de lieux de travail, a dévoilé en avril dernier à Milan. Egalement présenté lors du salon Orgatec 2008, qui se déroulera du 21 au 25 octobre prochain, cet ensemble comportant un bureau et une table de travail met en avant des formes fluides, apportant rondeur et sensualité dans des univers habituellement plus orthonormés. Tout en courbes et contre courbes, asymétriques, le bureau Uno et la table Zero, dessinés par Karim Rashid, enveloppent l'utilisateur, lui proposant au passage une sorte de cocon ou de nid rassurant. Entièrement réalisées en plastique, avec une fibre de verre similaire à celle utilisée pour la conception de bateaux, les coques apportent fluidité et rondeur : deux qualités habituellement peu présentes dans l'univers professionnel. Comme des enveloppes, imposantes mais non massives, sensuelles et organiques, ces formes n'en sont pas moins pratiques : un léger renflement ponctue ainsi le dessus du bureau, permettant de polariser cette grande surface lisse et d'y placer quelques éléments. En dessous, un petit espace de rangement parallélépipédique permet de ranger fournitures ou dossiers. Sources : Della Rovere, Designerblog.

Mirage

La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 00:07:37 +0000

Mirage est la dernière née des lampes de Tronconi édite en cette fin d'année 2008. Conçue par Lorenzo Longo, de l'agence De-Signum, sa face avant hologrammatique évoque un archétype de lampe de table. À l'arrière, un verre opalisé permet la diffusion d'une lumière plus diffuse et plus douce, idéale pour la lecture. De dimensions modestes (l24,5 x p12, 5 x h28 cm), elle est disponible en blanc, noir ou violet. Sa structure est en métal laqué, et elle contient deux ampoules 6W T5 fluorescentes. L'agence De Signum Studio-Lab a été fondée à Milan en 2006 par Lorenzo Longo et Alessio Romano, deux jeunes designers issus de l'Istituto Europeo di Design. Leur champ d'activité s'étend du design à l'architecture en passant par le mobilier, l'aménagement intérieur, le luminaire... Sources : Le-design, Tronconi.

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La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:01:27 +0000

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La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:01:56 +0000

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La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:02:23 +0000

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La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:02:53 +0000

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La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:03:56 +0000

Purely porcelain

La Revue du Design — Thu, 16 Oct 2008 22:08:24 +0000

Depuis près d’une semaine, le Design Museum de Londres accueille une exposition de porcelaines de Patricia Urquiola, l’une des designers les plus actifs et de ces dernières années. Élaboré en partenariat avec le fabriquant allemand Rosenthal, cet ensemble, qui a pris plus de deux ans pour être mis point, allie évidence formelle et recherches sur les textures et les contours. Les pièces imaginées par la designer, présentées pour la première fois au Design Museum, dévoilent son approche extrêmement fine du design et de la matière : transparences, translucidité, jeux sur les épaisseurs et les contours, surfaces lisses ou texturées, génèrent une variété presque infinie de décors sensibles, complexes, variant selon les modèles. L’exposition, présentée jusqu’au 25 Janvier 2009 dévoile l'ensemble de ce processus de création, des premières idées aux prototypes finaux, en passant par les diverses expérimentations et collaborations qui ont amené le projet à évoluer en cours d’élaboration. Sources : Designmuseum, Designboom, Artdaily.

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La Revue du Design — Sat, 18 Oct 2008 23:06:33 +0000

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La Revue du Design — Sat, 18 Oct 2008 23:07:20 +0000

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La Revue du Design — Sat, 18 Oct 2008 23:07:52 +0000

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La Revue du Design — Sat, 18 Oct 2008 23:08:59 +0000

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La Revue du Design — Sat, 18 Oct 2008 23:10:44 +0000

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Multiplier

La Revue du Design — Sun, 19 Oct 2008 23:20:26 +0000

La Galerie DMA vient juste d'ouvrir ses portes à Rennes. Ayant pour ambition de décloisonner le design et de l'interroger dans son rapport à d'autres pratiques ou d'autres disciplines, elle accueille une première exposition intitulée Multiplier, qui réunit une vingtaine de designers, sculpteurs, peintres ou photographes... Présentation de quelques projets exposés : Grues Grise, Jaune et Verte, lampadaires en métal et socle béton, par l'Atelier A4 (Frédéric Laroche, Johan Praud, Gwenaëlle-Vinciane Vinouse et Thomas Guyot). Lampe Bobine, en verre moulé opale satiné, par Philippe Daney pour Cinna. Mμ, coque de résine sur châssis bois et lampes, par Benoit Fournier Mottet (designer), 2005. Mind Screens, écrans conçus comme de libres surfaces de projection mentale, par Erwan Mahéo (sculpteur), 1994. Bureau Feuilles par Erwan Mevel et Antoinette Parrau (designers), 2008. Bibliothèque KC 2007 par Gregory Parsy et Camille Debons (designers). Chaise TUYO Colors en gaine polypropylène par Gregory Parsy et Camille Debons (designers), 2007. Specchio One et Specchio Three, miroirs en acier poli par Bertrand Pincemin (designer) Initiée par Nicolas Prioux, designer diplômé de l'école des beaux-arts de Rennes 1994, la galerie DMA se veut être un lieu pédagogique et ouvert, cherchant à "dévoiler l'intelligence du réseau créatif, afin de le soutenir et de valoriser la dynamique par laquelle designers, artistes et penseurs se nourrissent des travaux des uns et des autres" (Raphael Edelman dans le communiqué de presse) Lauréat de plusieurs commandes publiques, Nicolas Prioux collabore avec diverses institutions (Le Théâtre National de Bretagne, Les Régions Bretagne et Pays de la Loire, la Ville de Rennes...), et ses créations sont proposées à des éditeurs tels que Cinna/Roset, Markbhein, Pépin le Malin, Piance, Sféra... Se définissant comme un designer "social", il est également enseignant à l'Ecole de design de Nantes Atlantique, et fondateur du projet Matériopole (une matériauthèque libre).

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La Revue du Design — Mon, 20 Oct 2008 11:44:25 +0000

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La Revue du Design — Mon, 20 Oct 2008 14:51:21 +0000

Design d'objets

La Revue du Design — Tue, 21 Oct 2008 00:50:01 +0000

Dédiée à la création francophone, la collection des Cahiers du designer fête son vingtième numéro avec un ouvrage entièrement consacré design produit, regroupant les témoignages de dix designers expliquant la genèse d'une de leurs créations, de ses origines à sa fabrication. Présentation. Des premiers croquis aux prototypes fonctionnels, en passant par l'élaboration du cahier des charges, la prise en compte des contraintes techniques, le choix des matières et des couleurs, ces différents projets - ordinateur, tabouret, lampe ou encore poubelle ou pâtisserie - sont décortiqués dans un mode et selon une présentation donnant la parole aux designers. Leurs remarques et réflexions apparues au cours de l'élaboration du projet sont mis en avant, donnant une profondeur au projet de design, qui est souvent absente des ouvrages plus traditionnellement dédiés au sujet se concentrant eux davantage sur le résultat final. La mise en page, si elle parait parfois presque "pédagogisante", plus proche du cahier de vacances que du beau livre, possède au moins l'avantage et le mérite de dévoiler, dans l'accumulation des démarches qu'elle présente, la dimension protéiforme, parfois empirique mais toujours structurée, du design. Liste des projets présentés : Jean-François Blanc - Un ordinateur Stéphane Bureaux - Du culinaire Emmanuel Cairo - Une poubelle Cédric François - Un objet cosmétique nomade Vincent Jalet - Des saladiers Patrick Jouin - Un tabouret Ferdinand Lecomte et Anne Lelong - Des jouets Neil Poulton - Une lampe Fred Rieffel - Un canapé Design d'objets, éditions Eyrolles 2008, 78 pages, 22 €.

MYchair par Ben van Berkel

La Revue du Design — Tue, 21 Oct 2008 23:50:10 +0000

MYchair est le nouveau fauteuil de l'architecte Ben van Berkel, de l'agence UNStudio. Edité par Walter Knoll, il est présenté depuis hier au public du salon Orgatec 2008 de Cologne, qui se déroule jusqu'au 25 octobre prochain, et il dévoile la vision kaléidoscopique des formes chère à l’architecte. Son piètement, une barre d'acier chromé serpentant dans l'espace, supporte une assise aux courbes complexes, faite d'une épaisseur de mousse prise en sandwich entre deux couches de tissu ou de cuir. Asymétrique, l'objet dévoile la vision et les préférences formelles de van Berkel, dont les espaces architecturaux dialoguent souvent, parfois se pénètrent, et toujours dévoilent, selon la position de l'observateur, des aspects différents. Cette approche des formes est liée à ce que van Berkel appelle "l'après-image" (after-image), un concept se référant à la capacité des objets en trois dimensions de produire des impressions différentes lorsqu'ils sont vus sous des angles différents. "L'approche architecturale du mobilier est différente de celle du designer industriel, dans ce sens que l'architecte commence par l'espace et l'environnement auxquels la chaise appartiendra" précise-t-il d'ailleurs. ("The architectural approach to furniture is different from that of the industrial designer as the architect begins with the space and the environment that the chair will become a part of").

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La Revue du Design — Wed, 22 Oct 2008 07:45:29 +0000

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La Revue du Design — Wed, 22 Oct 2008 07:46:34 +0000

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La Revue du Design — Wed, 22 Oct 2008 07:47:17 +0000

Le Cube d'Yves Béhar

La Revue du Design — Wed, 22 Oct 2008 23:44:33 +0000

Dessiné par Yves Béhar de l'agence Fuse Project, l'un des designers industriels les plus talentueux du moment, "le Cube" est le nouveau décodeur haut de gamme que va lancer Canal+ le 4 novembre prochain, pour fêter ses vingt-quatre ans d'existence. D'un point de vue formel, le boîtier a été particulièrement soigné : les assemblages invisibles entre les parties noire et blanche, l'intégration des boutons de commande, l'aspect vif des arêtes, participent au minimalisme élégant de l'ensemble. Epuré, et le mot est faible, ce concentré de technologie propose par ailleurs un écran LCD affichant diverses informations (programme, météo, température, heure, alarme...), qui possède la faculté de basculer selon la position du boîtier, une fonctionnalité ludique bien connue des utilisateurs du iPhone. Sa luminosité s'adapte de plus à la luminosité ambiante. Souces : w3sh, Mocoloco.

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:32:10 +0000

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:32:38 +0000

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:33:05 +0000

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:33:28 +0000

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:33:50 +0000

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La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 11:34:14 +0000

Portrait : Khodi Feiz

La Revue du Design — Thu, 23 Oct 2008 23:29:59 +0000

Khodi Feiz est né en Iran, en 1963. Après avoir travaillé aux Etats-Unis dans le domaine du design industriel (pour Texas Instruments notamment), il rejoint en 1990 le département design de Philips, aux Pays-Bas. En 1998, il fonde sa propre agence, alternant les projets de design industriel et de mobilier. Simple sans être minimaliste, son approche dévoile une esthétique riche, fouillée et élégante. Présentation de quelques-uns de ses projets récents. Chaise Flevo pour Conseil (2008) : Banquette Peel pour Conseil (2008) : Lampe Tak pour Light Green (2007). Equipée de leds, elle existe en lampe à poser, lampadaire et suspension : Haut-parleur portable MD-6 pour Nokia (2007) : Collection Prism pour Nokia (2007) : Plus d'informations sur le site de l'agence : feizdesign.com.

Vieques VAS911 © Patricia Urquiola / Agapes

La Revue du Design — Fri, 24 Oct 2008 09:12:50 +0000

Vieques VAS911 © Patricia Urquiola / Agapes

La Revue du Design — Fri, 24 Oct 2008 09:13:38 +0000

Vieques VAS911 © Patricia Urquiola / Agapes

La Revue du Design — Fri, 24 Oct 2008 09:14:01 +0000

Vieques VAS911

La Revue du Design — Sun, 26 Oct 2008 23:09:31 +0000

Ovale, évoquant un bidon que l'on aurait déformé et étiré, la nouvelle baignoire Vieques VAS911 que la prolixe Patricia Urquiola vient de dessiner pour l'éditeur italien Agape renouvelle assurément le genre. Ni l'ancestral émail ni le plus récent acrylique ne sont utilisés, pas plus que les traditionnelles formes courbes. Entièrement réalisée en acier, bichromique - blanche à l'intérieur et gris foncé à l'extérieur - cette baignoire est accompagnée de quelques accessoire en teck : un dossier adaptable et un support latéral. Inhabituel, l'objet surprend mais pourtant ne dérange pas. Il témoigne, tout simplement, de la grande aisance avec laquelle Patricia Urquiola réussit à s'inspirer de formes populaires et à les détourner avec finesse et pertinence. Sources : Trendir, Kbtrends.

Stretch par Alain Monnens. Photo Julien Lanoo.

La Revue du Design — Mon, 27 Oct 2008 13:35:24 +0000

Stretch par Alain Monnens. Photo Julien Lanoo.

La Revue du Design — Mon, 27 Oct 2008 13:36:27 +0000

Stretch par Alain Monnens pour TossB.

La Revue du Design — Mon, 27 Oct 2008 13:37:08 +0000

Stretch

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 00:32:58 +0000

Dessinée par le designer belge Alain Monnens, la suspension Stretch, éditée par TossB, a été récemment lauréate Lauréat d'un Red Dot design Award 2008. Semblant flotter dans l'espace, en tension, ce luminaire se prête à des utilisations, tout autant qu'à des perceptions, différentes. Réalisé en polyéthylène, son diffuseur central accueille plusieurs emplacements desquels partent des câbles métalliques permettant l’accroche. Par son mode unique de suspension, ce luminaire se prête donc aux positionnements et aux applications les plus divers : il peut être placé horizontalement entre plusieurs murs ou verticalement entre le sol et le plafond. De dimensions réduites (environ 30 cm de diamètre), il forme un petit objet lumineux assez curieux, une sorte de tache de lumière sous tension, étirée de part et d'autre. Enseignant au University College of West-Flanders de Courtrai, Alain Monnens est diplômé en design industriel de la Media&Design Academy de Genk. Il a fondé son agence, intitulée Idam en 2006. Sources : Designanddesign, Designboom, Mocoloco.

© Apartamento

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 09:48:45 +0000

© Apartamento

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 09:49:19 +0000

© Apartamento

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 09:49:41 +0000

© Apartamento

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 09:50:01 +0000

Apartamento, magazine deco post-matérialiste

La Revue du Design — Tue, 28 Oct 2008 23:40:27 +0000

Déplorant l’aridité et la l’« irréalité » des espaces mis en scènes et habituellement présentés dans les revues de décoration, Apartamento, définit par le New-York Times comme le premier « post-matérialist Interior Magazine », propose des espaces dans leur jus, habités. Un autre rapport au design, à l’habitat et à l’image en découle. Lancé il y a quelques mois par deux espagnols travaillant à Milan, Omar Sosa et Nacho Alegre, Apartamento s’éloigne en tous points des canons du genre : pas de papier glacé, pas d’espaces luxueux ou de présentation des derniers hôtels à la mode, mais des lieux de vie occupés, avec leurs qualités et leurs défauts, pas plus ni moins. Regrettant que les lieux présentés dans les magazines de décoration traditionnels soient beaucoup trop éloignés du lecteur, les deux fondateurs optent en effet plutôt pour des espaces de vie, habités et occupés par leurs habitants, des images qui ne sont pas mises en scène. Ce faisant, ils facilitent la projection du lecteur, plus apte à tisser des parallèles avec sa propre vie, sa propre manière d’occuper l’espace. L’objectif est de montrer comment les gens vivent réellement. Et pour les deux fondateurs, ce type de support n’existe pas dans le marché de la presse actuelle. Car que l'on feuillette AD, Ideat ou Interiors, dans une moindre mesure les magazines de design (qui ne présentent jamais ou presque les objets en situation) ou ceux d’architecture (qui ne présentent jamais ou presque les lieux occupés), les espaces sont toujours idéalisés, totalement cliniques. Évitant soigneusement les chaussettes traînant à côté du lit, les traditionnels mais nécessaires câbles électriques courrant dans la pièce, les objets trop vieux ou trop abîmés, tout y est somptueux, souvent pompeux, parfaitement mis en place. Propice au rêve et à la projection ? Ce n’est pas certain, car tout ce qui semble superflu, qui est pourtant souvent nécessaire et inévitable, est évacué de l'image. Au final, ne se revendiquant ni source d’inspiration ni précurseur de tendances, Apartamento dévoile, comme le ferait une coupe dans une fourmilière, dans une sorte d’inventaire à la Perec, ce qui fait le quotidien d’un intérieur : les usages et les habitudes, des petites mises en scènes et des perceptions, qui peuvent nourrir l’imaginaire du designer en présentant des objets en situation réelle et non fantasmée. Tiré à 5 000 exemplaires, le premier numéro d’Apartamento est déjà épuisé. La revue est disponible en France, à Paris, chez Colette et au Palais de Tokyo. Sources : Shift, The moment blogs nytimes, Sueddeutsche

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:55:51 +0000

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:56:36 +0000

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:56:54 +0000

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:57:13 +0000

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:57:31 +0000

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La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 08:57:48 +0000

Renault Sand’up. Photo © Renault

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 09:00:21 +0000

Renault Sand'up

La Revue du Design — Wed, 29 Oct 2008 23:49:17 +0000

Dévoilé sur le salon de Sao Paulo depuis quelques jours, le concept car Renault Sand'up, imaginé par le centre design de Renault au Brésil, est un nouveau 2+2 polyvalent. Dérivé du Dacia Sandero Stepway, un modèle "urban sport" uniquement distribué en Argentine et au Brésil, le Sand'up passe facilement d'une configuration de coupé à celle d'un pick-up ou d'une décapotable. Ludique, avec ses courbes affirmées, presque "surlignées", le Sand'up se caractérise avant tout par deux arceaux de toit en aluminium, se déployant du pare-brise avant aux feux arrières. Massif, malgré sa petite taille, donnant presque l’impression de vouloir rassurer, le Sand’up associe un vocabulaire formel courbe à des éléments plus marqués et massifs. A l'intérieur, sobriété et aspect ludique ont également été privilégiés : une teinte chaude, mettant en valeur certains éléments fonctionnels, est associée à un camaïeux de gris. Lorsque les deux sièges arrières sont rabattus, les équipes de Renault Design America Latina ont imaginé un système astucieux permettant d'allonger le plancher du véhicule, alors en configuration pick-up, de 40 cm. Le Sand'up propose ainsi, malgré ses dimensions réduites (4,1 m de longueur), un volume de chargement plus que convenable. Avec sa typologie mixte, relevant presque du mariage d'une Twingo et d'un Q7, teinté de Nissan Qashqai, le Sand'up possède cependant une identité forte : des lignes extérieures imposantes mais fluides (portes entièrement vitrées, rétroviseurs remplacés par de petites caméras) et une réelle flexibilité. Sources : Leblogauto, Lefigaro.fr, Xelopolis

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La Revue du Design — Thu, 30 Oct 2008 23:09:24 +0000

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La Revue du Design — Thu, 30 Oct 2008 23:11:39 +0000

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La Revue du Design — Thu, 30 Oct 2008 23:12:12 +0000

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La Revue du Design — Thu, 30 Oct 2008 23:12:42 +0000

Peigne de plage - jeu de plage pour Louise, 7 ans © Le bureau baroque, mars 2006

La Revue du Design — Thu, 30 Oct 2008 23:14:36 +0000

Portrait : Le bureau baroque

La Revue du Design — Fri, 31 Oct 2008 00:01:10 +0000

Mêlant art et design, installations, micro-architectures et photographies, le collectif bordelais Le bureau baroque exposera ses créations à la librairie Mollat du 9 au 30 novembre prochain. Présentation. Composé de plusieurs architectes bordelais, Le bureau baroque propose des installations sans prétention, souvent urbaines, souvent figuratives, mettant en scène de petites histoires, des scénarii improbables aux accents surréalistes. Pourtant, toujours très simples, elles manifestent toutes une sorte d'évidence, évitant l'écueil de la surenchère de sens ou formelle. Le plongeur (image du haut) est par exemple une installation in-situ réalisée à partir d'un panneau de contreplaqué et d'impressions en couleur. Le corps, en apesanteur, suspendu dans le temps et dans l'espace, perturbe le champ visuel du passant qui se demande si cette scène - comme un arrêt sur image - est bien réelle. Autre projet, réalisée à l'occasion du concours design Agora ville de Bordeaux, C'est la faute à Prévert présente une ménagerie d'animaux sauvages en ombre chinoises, rythmant et jalonnant un parcours urbain. Également réalisé pour le concours design Agora ville de Bordeaux, dont il fut d'ailleurs lauréat, le projet Mise en pli propose une série de dossiers métalliques aux formes simples, presque "origamiques", permettant au passant de s'adosser ou de s'accouder. Enfin, plus humble mais significatif de l'attention portée par le groupe aux détails, aux comportements infimes ou qui semblent insignifiants mais qui pourtant forment le quotidien et fondent (ou devraient fonder) de nombreux actes de création, le Peigne de plage est un objet ludique pour enfant, permettant de tracer dans le sable toute une série de motifs. Plus d'informations sur bureaubaroque.fr.

N° 12. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:06:52 +0000

N° 12. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:07:40 +0000

N° 36. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:08:07 +0000

N° 41. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:09:09 +0000

N° 43. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:09:33 +0000

N° 62. © James Leftwich,

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 14:09:54 +0000

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La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:05:00 +0000

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La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:05:31 +0000

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La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:06:10 +0000

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La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:06:52 +0000

Collection Pop - Bande dossier siege avant. © Agrum Design

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:50:01 +0000

Collection Baroudeur - fourreau de ceinture. © Agrum Design

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:50:55 +0000

Collection Frou-Frou - Souflet de levier de vitesse. © Agrum Design

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:51:25 +0000

Collection Corset - Fourreau pare-soleil. © Agrum Design

La Revue du Design — Mon, 03 Nov 2008 15:52:00 +0000

Face of things

La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 00:04:20 +0000

Dévoiler la face cachée des objets qui nous entourent, leur "personnalité". C'est là l'ambition de Jinwich et de sa série de photo Face of things. Inspirant ! Analysant les objets comme certains observent les nuages, en y voyant tantôt un visage ou un petit personnage, un zombi ou un extra-terrestre, cette série de photographies met en lumière des détails, des proportions, souvent non "designées". Poétique, malgré son sujet purement technique, elle n'est pas sans rappeler certains objets spécifiquement dessinés pour être ludiques (comme le tire-bouchons Anna G d'Alessandro Mendini pour Alessi, 1994), à cette différence près qu'elle substitue l'inattendu à l'évident, la surprise au clin d'oeil formel. Source : Le blogartdeco.

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 10:48:20 +0000

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 10:48:41 +0000

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 10:49:49 +0000

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 11:29:14 +0000

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 11:30:04 +0000

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La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 11:30:41 +0000

Bruno Munari à Rome

La Revue du Design — Tue, 04 Nov 2008 23:55:13 +0000

Le Museo de l’Ara Pacis de Rome consacre, jusqu'au 22 février 2009, une importante exposition à Bruno Munari, créateur milanais polyvalent à la fois designer, illustrateur, peintre, sculpteur, créateur de jeux ou de livres et passionné par la pédagogie. L’exposition, foisonnante, dévoile toute la diversité créative de Bruno Munari (1907-1998), depuis ses Macchina Inutile, des structures en trois dimensions faites de figures géométriques simples reliées par de fines cordes, laissant le spectateur observer leurs mouvements internes, jusqu'à ses objets réalisés en collaboration avec Danese dans les années 1960, comme les très connus cendrier Cubo (1957) ou lampe Fakland (1964). Dès la naissance de son fils Alberto, en 1940, Munari s'intéresse également à la pédagogie et imagine des concepts pour développer la conscience du monde chez les enfants, au moyen d'interfaces ludiques et visuelles. Il conçoit ainsi de nombreux jeux et ouvrages pour enfants. L'exposition, organisée en zones thématiques, ni chronologiques ni typologiques, présente toute la diversité créative de Murani. On y découvre son approche protéiforme et un certain souci de non-cloisonnement des disciplines, mais aussi une volonté unique, toujours tournée vers l'utilisateur. En France, on pourra également découvrir à la Cité des Sciences une exposition consacrée au créateur. Partant d'une question simple : « Un livre, qu’est-ce que c’est ? A quoi ça sert ? », Murari développe une réflexion globale sur la forme et le contenu, produisant de véritables livres-objets qui suscitent toujours l’étonnement. Sources : Shift, Les cahiers d'Alain Truong.

Eric Schmitt à la galerie Cat Berro

La Revue du Design — Wed, 05 Nov 2008 23:43:14 +0000

La galerie Cat Berro accueille du 6 novembre à fin décembre une exposition d’Eric Schmitt, designer dissident du groupe de créateurs « En attendant les Barbares ». À mi-chemin du design et de la sculpture, d’une réflexion mêlant ornementation et formes « essentielles », le créateur nous présente une série de dix pièces de mobilier, réalisées en série limitée. Après les formes à angle droit de sa précédente collection, dévoilée dans la galerie new-yorkaise Ralph Pucci , il expose ici des pièces toutes en rondeur, parfois tronquées, amputées ou incomplètes, mais toujours massives et stables, presque « sourdes » ou « silencieuses » comme pourrait l’être une couleur. Des matières nobles – bronze, marbre, albâtre – y côtoient les matériaux de synthèse, comme la résine de polyester. Travaillant à la façon d’un sculpteur, ôtant ou ajoutant de la matière pour parvenir à un certain équilibre formel, ne reniant ni la dimension esthétique ni décorative de ses pièces, Eric Schmitt résume ainsi son approche : « Bien sûr, vous pouvez considérer mon travail comme étant de l'Art Décoratif, mais un Art Décoratif qui utilise d’autres effets que la simple ornementation » (Of course you can consider my work as Decorative Art but using different effects than ornamentation). Vous trouverez plus d’informations sur le travail d’Eric Schmitt sur son site Internet.

Décoration : jusqu'où ira-t-on ?

La Revue du Design — Thu, 06 Nov 2008 23:37:58 +0000

Une société marseillaise vient de se lancer dans la décoration et la customisation d'intérieurs de voitures. Alors, êtes-vous plutôt Pop, Baroudeur, Froufrou ou Corset ? Personnaliser l'habitacle de son moyen de locomotion, comme certains le font de leur téléphone portable et d'autres de leur caniche, il fallait y penser. Agrum Design, lancée en 2006 par une styliste amatrice de mode et un designer "amoureux du monde automobile" relève depuis peu le défit. Se définissant comme une marque de prêt-à-porter pour automobile, ils proposent différentes collections, du plus urbain-branché au plus glamour, venant compléter une offre de base souvent assez peu flexible en termes d'option. Car le duo a observé attentivement le marché automobile et certaines de ses contraintes : "Souvent, lors d'un achat de voiture, nous optons pour une couleur classique, le noir, le gris ou le beige", en pensant à la revente de son véhicule... relèvent-ils non sans pertinence. L'idée semble d'ailleurs séduire les constructeurs, puisqu'Agrum Design est en contact avec certains d'entre eux, pour être référencé dans leur réseau de concessions. C'est pour cela, on adhère ou pas, qu'ils proposent une série de modèles - fourreau pour levier de vitesse ou pour rétroviseur, housse de sièges, accessoires... - qui viennent offrir un petit "plus" à des utilisateurs toujours plus avides de personnalisation. Car "posséder un modèle AGRUM design, ce n’est pas seulement disposer d'un habillage séduisant, c’est aussi entrer dans un cercle réservé, l’occasion de vivre des expériences nouvelles" nous dit leur site Internet ! "Aujourd’hui nous cherchons tous à nous démarquer, à nous différencier les uns des autres" observent-ils également, toujours à juste titre. Mais n'est-ce pas bien là, parfois, le problème ? Source : L'Usine Nouvelle.com

Des lavabos vallonnés

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 08:30:46 +0000

La marque allemande Kanara produit des lavabos aux formes ondulantes et organiques, transformant un geste simple - faire couler un peu d'eau - en un petit spectacle domestique. Imaginée par l'agence d'architecture Graft, ces produits évoquent des paysages, avec leurs collines et leurs valons, au sein desquels l'eau s'écoule. Réalisés en acier émaillé et disponibles en plusieurs dimensions, du plus petit évier au lavabo double, ils proposent un autre rapport à l'élément liquide et à l'utilisation qui en est faite en milieu domestique, en particulier dans la salle de bains - lieu fonctionnel tout autant que de détente. "Nous avons consciemment brisé les stéréotypes en matière de lavabos, et nous sommes très heureux que les experts et les consommateurs nous aient suivis" affirme ainsi Christian Kaldewei, le fondateur de Kanera ("We have consciously broken into new ground in the world of bathrooms with the design of our washbasins... And we are very pleased to see that the experts and our customers alike are gladly accompanying us along this path."). Cet ensemble, lauréat d'un Red Dot Design Award en 2008, a été récemment nommé pour le Design Award of the Federal Republic of Germany, le plus haut prix allemand pour le design.

© Kanera

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 09:26:14 +0000

© Kanera

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 09:26:49 +0000

Séries 1H, 1D et 1E © Kanera

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 09:31:54 +0000

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La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:32:26 +0000

Vue d’ensemble de la Cité Radieuse Le Corbusier de Briey-en-forêt

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:32:59 +0000

© Dito

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:34:04 +0000

Le grenier (contenant et lumière) © Dito

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:34:42 +0000

Le lit adulte © Dito

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:35:16 +0000

La salle de bains © Dito

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 10:35:39 +0000

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La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 11:08:49 +0000

Joints © Nathan Wierink

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 11:09:35 +0000

Joints © Nathan Wierink

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 11:10:08 +0000

Joints © Nathan Wierink

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 11:10:30 +0000

Appartement 101

La Revue du Design — Mon, 10 Nov 2008 23:31:31 +0000

Le collectif de design Dito présente, jusqu’au 9 janvier prochain, sa réflexion concernant l’aménagement d’un appartement type de la Cité Radieuse Le Corbusier de Briey-en-forêt. Initiant un dialogue inédit avec l’architecture du maître, le projet propose une relecture complète d’un des appartements et pose, en filigrane, la question des modalités d’un dialogue entre deux disciplines différentes – design/architecture – et aussi entre deux époques différentes. A découvrir absolument ! Invités par Vincent Dietsch et Steven Vitale de l’association Première rue, Dito a mené une réflexion in situ. Installés sur place pendant plusieurs jours, visitant les appartements toujours occupés et observant la manière dont les habitants les vivaient au quotidien, les membres du collectif ont investi le bâtiment le temps d’un workshop de trois jours. Cette prise de relation intime avec le lieu leur a permis d’analyser son potentiel, sa perception, ses « lignes de force », ses pratiques… Fidèle à sa dimension collégiale, Dito a ensuite mélangé les points de vue, et élaboré différentes hypothèses d’occupation. Le résultat : un ensemble de dessins présentant différents objets à vocation « spatiale » – c'est-à-dire définissant des zones d’usages, affichés dans un appartement type de la Cité Radieuse. Pour faciliter la « projection » du spectateur, sont également figurées au sol et sur les murs des lignes colorées marquant la volumétrie des différents aménagements proposés en dessin. Mais laissons le collectif nous présenter une visite de l'appartement tel qu’ils l’ont imaginé : "Au rez-de-chaussée et à l’entrée de l’appartement se situe la cuisine dans laquelle se trouve une très longue table avec, à une de ses extrémités, un plan de préparation. Un module indépendant de cuisson et d’évier est placé à proximité. À l’étage, du côté sud, se trouve un espace de rencontre créé par une couverture épaisse et moelleuse qui traverse la pièce d’un mur à l’autre, passant au-dessus et au-dessous de volumes rigides créant ainsi des assises et des plateaux." "Au centre, encastrée entre les deux gaines techniques, la salle de bain laisse un large passage et une vue traversante. On pénètre à l’intérieur en modifiant sa volumétrie par des systèmes de coulisse. Ce changement de volume et sa paroi faite de trames vient perturber l’espace rectiligne." "En vis-à-vis, une large enveloppe murale en feutre se déploie dans l’espace pour définir provisoirement un lieu de travail isolé. Un peu partout dans l’appartement sont suspendus au plafond des modules de rangement. Ils exploitent le peu de hauteur sous-plafond en étant accessibles et en laissant la possibilité de passer en dessous." "Et enfin, au centre de la pièce côté nord, se trouve le lit composé de plusieurs volumes imbriqués. Ces volumes dessinent à différentes hauteurs des plates-formes qui deviennent lit, assise, dossier, séparateur..." Plus audacieux qu’une précédente expérience (Peut-on remeubler la villa Savoye ?), qui avait consisté à introduire dans un bâtiment uns sélection d’objets déjà produits, la démarche initiée ici interroge non seulement la capacité de l’architecture de Le Corbusier à accueillir des éléments exogènes (ce dont on la sait capable depuis les enquêtes de Philippe Boudon à Pessac dans les années 1960), mais également la possibilité pour de jeunes designers d’intervenir dans de tels lieux définis, typiques et mais aussi caractéristiques d’une époque et d’idéaux de vie particuliers (vue sur la nature, importance donnée aux circulations…). La proposition de Dito, humble, collective, par essence et par volonté partielle, donne quelques éléments de réponse. Le collectif DITO est composé de 12 jeunes designers (Ionna Vautrin, Eric Blondin, Guilaume Delvigne, Henry Gagnaire, Michaël Radix, Pierre-François Brichet, Joachim Jirou-Najou, Juliette Liberman, Marion Biais-Sauvêtre, Fabien Leligois, Arnaud Sabatier, Caroine Ziegler) animés par le désir de produire ensemble une force de proposition créative rompant avec les usages courants et individuels dans la conception du design. Leurs réflexions s'orientent vers la théorie, l'expérimentation et la pratique. Ils sont lauréat 2007 de la Bourse Agora délivrée par le Ministère de la Culture pour leur projet "Ensemble d'objets et de meubles issus d'une réflexion collective".

Joints

La Revue du Design — Tue, 11 Nov 2008 23:44:38 +0000

Le bureau Joints, imaginé par Nathan Wierink, dévoile, malgré son apparente simplicité formelle, un travail de menuiserie d'une finesse incroyable. Entièrement réalisé en acajou, il a été fabriqué grâce à un routeur CNC, une nouvelle technologie associant modélisation numérique et outils de façonnage, permettant des assemblages d'une étonnante précision. Dans le passé, la menuiserie était entièrement réalisée à la main, explique Nathan Wierink. C'est pourquoi elle a été maintenue à un niveau relativement simple. Pourtant, avec les machines contemporaines, il est possible d'imaginer des formes beaucoup plus précises, et plus rapidement exécutées. ("In the past the joinery was all made by hand. For this it was kept relatively simple. With the present day machines it is possible to make these joints faster and more accurate", Nathan Wierink in Dezeen). En proposant d'utiliser d'associer à ce savoir-faire ancestral des technologies nouvelles, le designer nous laisse imaginer le potentiel formel et fonctionnel de ce type d'applications. Les assemblages, souvent réduits à des rôles techniques, pourraient ainsi, par exemple, devenir figuratifs dans du mobilier pour enfant, ou encore fournir des indications sur la nature ou le montage du meuble (imaginons, par exemple, un meuble en kit dont la forme elle-même fournirait les indications de montage !). Le meuble présenté ici n'est dans ce sens, aux yeux de son créateur, qu'un prototype censé dévoiler toutes les possibilités formelles de cette approche. Ce faisant, Nathan Wierink nous laisse entrevoir un rôle essentiel du designer, celui de "relecteur" de techniques, transformant des technologies existantes en formes usuelles et esthétiques potentielles. Nathan Wierink a fondé, en 2005, un studio de création avec Tineke Beunders, intitulé Ontwerpduo. Tous deux sont diplômés de la Design Academy Eindhoven. Sources : Dezeen, Blog.2modern, Interiordesignroom, Boesem.

L'Equerre et le Compas, dernière !

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 10:30:46 +0000

A écouter, sur le site de France Culture, la dernière édition de L'Equerre et le Compas, tribune de la critique architecturale, qui fut enregistrée au centre Pompidou le 7 novembre et diffusée mercredi dernier, le 12. Après soixante-huit ans d'existence, cette émission enregistrée en public, une fois par mois, au centre Pompidou, va s'arrêter, l'institution ayant décidé de ne pas reconduire cette manifestation. Cette dernière émission, passionnante, est consacrée à la critique architecturale en France. Plusieurs invités de marque y interviennent : Paul Ardenne, Dominique Boudet, Emmanuel Caille de la revue d'A, Frédéric Edelmann du Monde, Sophie Flouquet de L'Œil et du Journal des Arts, Françoise Fromonot de Critikat et Claude Eveno, qui aujourd'hui enseigne à l'école de paysage de Blois. L'émission, qui dure une heure, offre l'occasion de revenir sur quelques thèmes forts de l'architecture contemporaine : l'apparition et la généralisation des "starchitectes", la dimension marketing actuelle de la discipline, la difficulté à cerner une discipline de plus en plus insérée dans des problématiques plus globales (urbaines notamment), le faible intérêt du grand public pour la question, le peu de doctrines architecturales contemporaines, mais aussi l’opportunité que cela offre de rasseoir la critique sur le réel (écouter à ce sujet l’intervention de François Fromonot, à la fin de l’émission)... Un regret : même si l'apparition d'un nouvel espace d'expression - Internet - a été rapidement évoqué par l'animateur de l'émission, François Chaslin, et même si à ce jour Internet ressemble (certes) à un lieu davantage dédié aux commentaires plus qu’à la critique pure, on pourra regretter que le sujet n'ait pas été plus approfondi, à une époque où la presse traditionnelle - grand public ou spécialisée - connaît des heures sombres et qu'en parallèle le nombre de blogs, de sites, de webzine est en constante évolution. La mutation de l'information, et donc peut-être donc de la critique (de sa nature et de ses lieux d’expression), qu'appellent ces nouveaux médias - plus réactifs mais donc aussi peut-être plus "périssables" - auraient en effet pu constituer un élargissement intéressant du débat. A noter : vous pouvez télécharger l'émission pendant une semaine et l'écouter librement pendant un mois, sur le site de France culture.

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La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 10:46:27 +0000

Dos à dos sofa © Pierre Paulin / galerie Perimeter

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 12:22:34 +0000

Face à face sofa © Pierre Paulin / galerie Perimeter

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 12:23:36 +0000

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La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 12:25:49 +0000

Cathedrale Table 1982 – 2008 © Pierre Paulin / galerie Perimeter

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 12:26:21 +0000

Fauteuil et pouf Pumpkin © Pierre Paulin / Ligne Roset

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 12:26:59 +0000

Intérêts éventuels et écueils probables du néo-rétro-design

La Revue du Design — Thu, 13 Nov 2008 23:15:50 +0000

Pierre Paulin, créateur incontournable des années 1960 et 1970, totalement oublié ou presque depuis une vingtaine d’années, revient sur le devant de la scène. Après deux grandes rétrospectives présentées à la villa Noailles de Hyères durant l'été 2007 et au Musée des Gobelins début 2008, la galerie parisienne Perimeter lui consacre une exposition jusqu'au 10 janvier prochain, dévoilant au passage quatre modèles inédits. Dans le même temps l'éditeur de meubles Ligne Roset distribue pour la première fois une série de canapés, fauteuils et poufs de la série Pumpkin, imaginée à la fin des années 1950. Chez Perimeter, Pierre Paulin présente deux banquettes intitulées Face à Face et Dos à Dos, dont les formes ondulantes et colorées, en mousse recouverte de tissu, rappellent le vocabulaire formel exploité par le créateur dans les années 1960, à l’époque notamment de sa collaboration avec la marque néerlandaise Artifort. Deux modèles de tables, plus tardifs (datant du début des années 1980), sont également exposés. Réalisés en aluminium laqué, leurs piètements supportent des plateaux de verre transparents, révélant une structure quadrillée façon nid d’abeilles. Chez Ligne Roset, la série Pumpkin (potiron) se décline quant à elle en un grand canapé trois places, un petit canapé, un fauteuil et un pouf. Composées de socles en plastique ABS thermoformé supportant de gros coussins de mousse, massives mais galbées, ces assises sont produites en grande série et possèdent donc une certaine vocation « grand public », contrairement aux objets évoqués plus haut, respectivement tirés à cent exemplaires pour chacune des banquettes et à huit pour chacune des tables. L'inscription temporelle du design Si le collectionneur ou le consommateur peuvent se réjouir de ces rééditions, et de la réhabilitation d’un créateur si important, l’observateur attentif du monde du design se posera lui quelques questions : Pourquoi ces pièces en particulier, et pourquoi maintenant ? Pourquoi n'avaient-elles pas été éditées lors de leur création ? Pourquoi avoir tant attendu ? N’y avait-il pas, aujourd’hui, d’autres objets à imaginer ? Plus largement, quelle est la valeur culturelle et la pertinence historique d'une réédition ? Pierre Paulin est assurément l'un des designers français les plus importants du XXe siècle. Ses nombreux projets, tout autant que son rôle de pionnier dans l'utilisation de nouveaux matériaux, en témoignent : meubles ou accessoires édités par Artifort, Thonet ou Allibert dès la fin des années 1960, aménagement des appartements privés du couple Pompidou à l'Elysée en 1975, du bureau de François Mitterrand en 1984, Grand prix de la création industrielle en 1987, etc. Pourtant, si l'on considère que tout projet de design est une réponse ponctuelle à un problème donné, ou tout au moins la cristallisation d'enjeux propres à une époque et à la perception que le créateur en a, la réédition ad litteram d'objets imaginés il y a une quarantaine d'années, que l'on présente comme des « nouveautés », n'est pas sans donner un curieux sentiment d'ubiquité, incompatible avec l'idée que l'on se fait d'une certaine pertinence historique du design. Autrement dit, rééditer, n’est-ce pas abstraire la production d’un designer de son contexte, et ce faisant lui ôter une partie de son intérêt ? La nostalgie facile Surfant sur la vague du « rétro » et de la nostalgie bienvenue, notre époque, peut-être par certains aspects en panne d'inspiration, surtout soucieuse d'en donner à tous et pour tous les goûts, semble ainsi ne pas trouver curieux d’aller rechercher quelques anciens modèles dans les cartons, de ré-exploiter de vieux filons. Comme on le fait dans le domaine de la chanson, en proposant à des stars des années 1960 - Richard Anthony, Demis Roussos, Frank Alamo, Michèle Torr… - de remonter sur scène pour interpréter leurs vieux tubes devant un public déjà conquis, on imagine de nouveaux destins pour ces vieux projets, les voyant déjà peut-être devenir les nouveaux « classiques » d'une histoire fabriquée. Il est certes important que les modèles évoqués plus haut soient connus du grand public. Mais ne serait-il pas plus intéressant d'entendre ce que leur concepteur - toujours vivant - aurait à nous dire sur le design contemporain, de savoir quels projets il imaginerait aujourd’hui, à une époque davantage marquée par les problématiques environnementales que par la découverte du plastique ou de la mousse polyuréthane, à une époque où Internet, la mondialisation, les matériaux intelligents ou la domotique, l'épuisement des ressources naturelles, l'inégal accès aux bien de consommation courante devraient plus que jamais inspirer les créateurs… À l'échelle du design et plus particulièrement du mobilier, ne concernant par sa taille que des enjeux relativement réduits, ce type d'incongruité peut passer inaperçu. Mais imaginons un instant qu'il soit appliqué à d'autres sujets ou d'autres disciplines, qu'un bâtiment soit aujourd'hui construit selon des plans et avec des techniques de constructions vieilles d'un demi-siècle, ou qu'un artiste propose demain une oeuvre dénonçant la société de consommation telle qu'on la percevait dans les années 1960 ! Vu sous cet angle, sous prétexte de revaloriser certains aspects de l'histoire du design, ce type d'initiative semble surtout décrédibiliser la pertinence historique de cette discipline et son éventuel rôle social. Alexandre Cocco

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La Revue du Design — Sat, 15 Nov 2008 17:44:49 +0000

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La Revue du Design — Sat, 15 Nov 2008 17:45:40 +0000

Bee's project, Susana Soares, 2007 © Susana Soares

La Revue du Design — Sat, 15 Nov 2008 17:46:27 +0000

Splight table lamp par Matali Crasset, 2005.

La Revue du Design — Sat, 15 Nov 2008 17:51:02 +0000

Les dernières acquisitions design du MoMA

La Revue du Design — Sun, 16 Nov 2008 23:47:19 +0000

Comme tous les ans, l'institution new-yorkaise s'est livrée à son grand marché du design, retenant les pièces les plus marquantes afin de les intégrer à sa collection permanente. Au menu cette fois, des incontournables, des plus ou moins "attendus", et aussi quelques bonnes surprises. En dehors de pièces historiques (Thonet, Breuer, plusieurs meubles de Prouvé et Paulin), le MoMA a retenu quelques objets étonnants, à l'esthétique affirmée, comme par exemple la lampe PizzaKobra de Ron Arad (ci-dessus), qui devrait se voir consacrer une exposition en 2009, la chaise Myto de Konstantin Grcic, la Splight table lamp de Matali Crasset, ou encore la Bellflower Lamp de Wieki Somers. Plusieurs autres pièces, plus surprenantes et moins "conventionnelles", ont également été retenues, comme les robots de la série Robots project des designers Anthony Dunne et Fiona Raby, ainsi que le Bee's project de Susana Soares. Quelques mots à leur sujet : Partant du constat que les robots sont amenés à jouer un rôle plus important dans notre vie quotidienne dans les années à venir, Dunne et Raby questionnent la manière dont nous allons interagir avec eux, se demandent quel(s) type(s) de nouvelles interdépendances et de relations pourraient apparaître. Ils proposent quatre hypothèses, autant de robots, prenant des formes esthétiques et fonctionnelles loins des codes du genre. Susana Soares a étudié au Design Interactions Department du Royal College of Art de Londres. Son projet, intitulé Bee's project, exploite quant à lui les capacités olfactives des abeilles qui pourraient, simplement si on les habituait à reconnaître des odeurs spécifiques, être utilisées dans la détection de maladies ou d'infections. Sources : le D.Must de Gervais Jassaud, Moma.org, We make money not art.

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La Revue du Design — Mon, 17 Nov 2008 12:29:22 +0000

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La Revue du Design — Mon, 17 Nov 2008 12:29:50 +0000

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La Revue du Design — Mon, 17 Nov 2008 12:30:19 +0000

Carrosserie souple

La Revue du Design — Mon, 17 Nov 2008 23:31:14 +0000

Le concept-car Gina, imaginé par le constructeur allemand BMW, propose de substituer aux traditionnelles tôles embouties un textile souple. Littéralement, Gina signifie "Geometry and functions In ‘N’ Adaptions". Il s'agit d'un principe permettant la réalisation d'une carrosserie à partir d'un textile souple. Dépassant de loin la lourdeur esthétique de ses modèles des années 1980, et les formes compliquées voire maniérées de certains de ses modèles plus récents, BMW propose là une véritable nouveauté, telle que le design automobile n'en avait plus connue depuis maintenant quelques décennies. Avec sa peau intelligente, Gina renouvelle assurément le genre. Imaginé par l'équipe de Chris Bangle, directeur du design de BMW, ce principe permet non seulement de nouvelles approches formelles, mais évite aussi quelques désagréments fonctionnels : chocs de chariots de supermarché ou petites rayures disgracieuses...

Varappe (détail) © Vegetal Design

La Revue du Design — Tue, 18 Nov 2008 14:01:09 +0000

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La Revue du Design — Tue, 18 Nov 2008 14:05:36 +0000

Brike et Varappe © Vegetal Design

La Revue du Design — Tue, 18 Nov 2008 14:06:01 +0000

Brike et Varappe, détails techniques © Vegetal Design

La Revue du Design — Tue, 18 Nov 2008 14:07:44 +0000

Vegetal design

La Revue du Design — Tue, 18 Nov 2008 23:54:16 +0000

Imaginés par Séverine Szymanski et produits par la société Vegetal Design, les produits Brike et Varappe permettent l'intégration de végétaux dans l'habitat. Posés au sol, ou fixés au mur, ils génèrent ainsi de nouveaux comportements décors domestiques. Vendus depuis peu chez Sabz/, LA boutique parisienne dédiée au design d'extérieur, Brick et Varappe ont par ailleurs, été lauréats des Aides à la Création du VIA. Ces deux projets exploitent des technologies assez simple : les plantes se fixent aux différents modules, réalisés en céramique, par le biais de crochets ou alors directement sur les petites excroissances qui ont été prévues à cet effet. Le système Brike intègre un système d’irrigation. Il peut être placé en pleine terre ou alors sur un bac à roulettes spécifique. Les modules de Varappe se montent quant à eux directement sur des tasseaux fixés à un mur. L'arrosage se fait manuellement, au niveau du pied de la plante.

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 09:51:14 +0000

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 09:51:54 +0000

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 09:52:14 +0000

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 10:04:40 +0000

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 10:05:17 +0000

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La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 10:05:33 +0000

No discipline - Ron Arad à Beaubourg

La Revue du Design — Thu, 20 Nov 2008 10:10:23 +0000

Le Centre Pompidou accueille, à partir d'aujourd'hui et jusqu'au 16 mars 2009, une grande rétrospective dédiée à Ron Arad, designer d'origine israélienne aujourd'hui installé à Londres... L'occasion de revoir ses projets les plus marquants, mais aussi de découvrir ses dernières créations. Lorsque l'on évoque le nom de Ron Arad, on pense immédiatement à quelques objets comme l'étagère Bookworm (1993), la chaise Tom Vac (1997), ou le plus récent fauteuil Voido (2006), devenus des icônes du design de ces quinze ou vingt dernières années. Fonctionnelles mais révélant également une esthétique forte, frôlant parfois l'abstraction, les créations de Ron Arad, souvent sinusoïdales, elliptiques ou ovoïdes, allant de la pièce unique à la production industrielle, semblent se jouer des classifications établies. Créateur libre et sans contraintes ni frontières, il navigue sans complexes, comme l'évoque le communiqué de presse, entre le design, l'architecture et les arts plastiques, se définissant lui-même comme "No discipline". La rétrospective proposée par le Centre Pompidou présente les pièces majeures du designer, mais aussi plusieurs prototypes, des objets produits en séries limitées ou industriellement, ainsi que de nombreux projets d'architecture. Ron Arad a reçu en 2007 le Compasso d’oro pour le fauteuil MT3 produit par Driade et le Red Dot Award pour la lumière pour la lampe Pizzakobra produite par iGuzzini. A noter qu'Arte diffusera, ce dimanche soir, une émission de 26 minustes consacrée à la Bookworm, à partir de 20h15. Sources : Prestigium.com, Le blog d'Artaban.

Sedus Crossline par Marus Dörner © Sedus

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 08:49:25 +0000

Sedus Crossline par Marus Dörner © Sedus

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 08:50:19 +0000

Sedus Crossline par Marus Dörner © Sedus

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 08:50:51 +0000

Sedus Crossline par Marus Dörner © Sedus

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 08:51:17 +0000

Sedus Crossline

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 08:54:40 +0000

Jeudi dernier, le magasin Silvera accueillait le temps d'une journée le designer Markus Dörner, afin qu'il présente en détail son dernier siège de travail Crossline, édité par Sedus et porteur d'un nouveau mécanisme permettant un confort optimal. Les différentes pièces de la série Crossline - fauteuil de travail avec dossier standard ou appui nuque, sièges de conférence, sièges visiteurs, à quatre pieds, piètement central ou luge - sont structurées autour d'un mécanisme appelé "Similar Plus", qui a été développé avec des ingénieurs et des ergonomes (du département de cinématique de l’université de Chemnitz notamment). Grâce à son mécanisme permettant d'équilibrer les forces, les dossiers Crossline restent en contact permanent avec le dos de l’utilisateur. Cette partie "dynamique" du dossier est reliée au reste du fauteuil par des pivots, ce qui permet à l'ensemble d'être solidaire, tout en garantissant une liberté de mouvement, mais aussi maintien et confort, quelle que soit la position adoptée.

Chaise Perspective par Pharrell William

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 20:40:31 +0000

Eléments de la collection Blason par Pharrell William pour Louis Vuitton

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 20:41:25 +0000

Pharrell Williams chez Domeau & Pérès. Vidéo © Sébastien Jousse

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 20:42:29 +0000

Breloques-breloques

La Revue du Design — Mon, 24 Nov 2008 23:37:51 +0000

Le chanteur-producteur Pharrell Williams, alias Skateboard P, fait ses premiers pas dans le design en proposant la chaise Perspective en collaboration avec Domeau & Pérès. Les amateurs du genre pourront observer sa création à la galerie Emmanuel Perrotin du 21 octobre 2008 au 10 janvier 2009 ! Initiateur des groupes The Neptunes et Nerd, Pharrell Williams a également écrit des chansons pour Justin Timberlake, Britney Spears, Madonna ou encore Maria Carey. Depuis quelques années, il développe également divers partenariats dans le milieu de la mode. Il a ainsi créé, en 2005, deux lignes de vêtements de luxe, l'une nommée Billionaire Boys Club et l'autre Ice Cream, tous fabriqués au Japon en série très limitée ! Il a également collaboré avec Louis Vuitton en inspirant, en 2005, la ligne de lunettes intitulées Millionnaire puis, suite à cette collaboration, il a cosigné avec Camille Miceli, créatrice des bijoux Louis Vuitton, vingt-six modèles pour la nouvelle ligne de joaillerie Blason, sortie au début de l'année 2008 (discrétion assurée). Pas réellement bling-bling, faussement provocatrice, Perspective est une version mal digérée de la Chaise fétichiste d'Allen Jones et de l'assise Bouloum d'Olivier Mourgue (toutes deux de de 1969!), le tout étant inspiré (nous dit-on) du travail sur les coques de Charles et Ray Eames... Inspiration, quand tu nous tiens... Pour les plus grands fans, une vidéo est accessible en ligne, montrant le projet en train d'être réfléchi.

Élément de la série Corked, dédié à la décantation et au service © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:22:59 +0000

Élément de la série Corked, dédié à la décantation et au service © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:23:52 +0000

Élément de la série Corked, dédié à la décantation et au service © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:24:17 +0000

Valet © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:25:00 +0000

Marcel © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:25:27 +0000

'Pro wine' color index of wine © Sebastian Bergne

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 21:26:00 +0000

In design veritas

La Revue du Design — Wed, 26 Nov 2008 23:18:54 +0000

La galerie londonienne Aram accueille, à partir de demain, une exposition de travaux de Sebastian Bergne, intitulée CRU et dédiée à des objets en relation avec le vin. De par sa convivialité, le vin et ses pratiques ont vocation à rassembler les gens : se retrouver autour d'un verre, d'une bouteille, sont les comportements qui ont guidé le designer dans ses créations. Plusieurs objets en rapport avec le transport, le stockage, la décantation, le service ou la dégustation ont ainsi été imaginés. L'exposition est à découvrir jusqu'au 10 janvier prochain, à la Aram Gallery. Sources : Mocoloco, Designboom.

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:49:52 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:51:46 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:52:03 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:52:22 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:52:52 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:53:14 +0000

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La Revue du Design — Thu, 27 Nov 2008 16:53:33 +0000

Dormir à Saint-Étienne

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 00:06:16 +0000

Dans le cadre des 10 ans de la biennale de design de Saint-Étienne, quatre hôtels stéphanois ont accepté de réfléchir, à l'initiative de Céline Savoye, au "redesign" de certaines de leurs chambres. Cet événement, intitulé HôtelD, interroge la capacité du design à apporter une alternative à l'hôtellerie "classique". Plus exactement, il s'agit d'une action de fond qui dépassera en durée le temps de la biennale. Destinée à requalifier l'offre existante et proposer différents scénarios possibles d'aménagement, cette initiative aura valeur d'exemple et sera par la suite communiquée aux autres hôteliers de la région, par le biais de la Chambre de Commerce et d'Industrie de Saint-Étienne / Montbrison. Quatre hôtels et une maison d'hôte ont été accompagnés dans ce projet par La Cité du Design, qui les a associés à un ou deux designers pour transformer et décorer une ou plusieurs de leurs chambres. En détail : - Mercure : une chambre par Philippe Million. - Hôtel Continental : une chambre par Maude Rondard et une autre par Pascaline de Glo de Besses. - Hôtel du Golf : une suite par François Bauchet, et une autre par Nicolas Tourette. - Hôtel du Cheval Noir : modification de la réception et d'une chambre avec terrasse par l'Atelier Cahen & Gregori. - Hôtel Terminus : une chambre "expérimentale" par Nicolas Tourette en partenariat avec IKEA. - La Maison des Arts : 1 chambre d’hôte par Marie Arnaudon. Quelques images des projets : NB : la dixième biennale de design de Saint-Étienne est ouverte jusqu'à dimanche 30 novembre 2008. Si vous avez l'occasion d'y passer, nous vous recommandons particulièrement les expositions City ecolab, Demain c'est aujourd'hui [part2], Dedans, dehors, autour, états du corps, Design et compagnies et Habiter demain.

ILoveSketch

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 13:35:18 +0000

ILoveSketch

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 13:35:53 +0000

ILoveSketch

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 13:36:28 +0000

© Vitra

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 14:00:53 +0000

© Vitra

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 14:01:20 +0000

© Vitra

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 14:01:52 +0000

© Vitra

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 14:02:20 +0000

© Vitra

La Revue du Design — Fri, 28 Nov 2008 14:02:47 +0000

ILoveSketch

La Revue du Design — Sun, 30 Nov 2008 23:37:19 +0000

Découvert sur le site Muuuz, le logiciel ILoveSketch rend possible la création de modèles 3D à partir de simples croquis à main levée. Il annonce une petite révolution dans le monde de la modélisation informatique, jusqu'à présent souvent contrainte par les outils qu'elle proposait. Mis au point par trois chercheurs de l'Université de Toronto - Seok-Hyung Bae, Ravin Balakrishnan et Karan Singh - et encore en phase de développement, le logiciel permet de retranscrire, sur écran et de manière intuitive, des lignes tracés sur une tablette graphique. La vidéo de démonstration, accessible ci-dessous, est bluffante : le logiciel "comprend" les coups de crayons et les modélise en trois dimensions. Le créateur a ensuite la possibilité de modifier son angle de vue pour rectifier ses lignes. Ainsi rendue possible, la 3D ouvre des voies intéressantes pour le designer qui pourra, très simplement, vérifier les différents angles de vue de ses créations. Sources : Muuuz, Dynamic Graphics Project.

Nouveautés Vitra 2009

La Revue du Design — Mon, 01 Dec 2008 23:59:14 +0000

Avec un peu d’avance, La Revue du Design présente les nouveaux modèles de la marque Vitra, qui seront disponibles en début d'année prochaine. Encore une fois, ceux-ci s'inscrire dans le concept Net’n Nest mis en place par la marque il y a quelques mois et dont l’idée est d’offrir, dans un même espace, des éléments permettant tantôt la réunion, la communication et le travail en équipe (Net), tantôt la concentration voir l’isolement (Nest). Imaginé par Ronan et Erwan Bouroullec, Playns est un système de mobilier réglable en hauteur et "cloisonnable", permettant à l'utilisateur de travailler debout ou assis, et de bénéficier de différents degrés d'intimité. Plus organique, le système Ace, dessiné par Antonio Cittero, est un mobilier de direction caractérisé par des courbes douces et des matériaux et finitions haut de gamme : aluminium, bois, et une matière minérale innovante. Également développé par Antonio Cittero, les sièges Skape et AC 4 proposent deux version de l'assise au travail : l'une est classique et élégante, avec son revêtement en cuir, l'autre est plus simple et aussi plus discrète, tout en étant aussi confortable grâce à une technologie brevetée de dossier tendu sur une structure suspendu et stabilisée par un rembourrage cloisonné. Enfin, imaginé par Arik Levy, Workfit est un système de bureau simple et rationnel offrant, grâce à ses éléments de liaison, plusieurs organisations possibles à partir d'un nombre de pièces restreint. En milieu de table, des écrans coulissants permettent de modifier les vis à vis et de favoriser, ou non, les échanges et la communication.

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La Revue du Design — Tue, 02 Dec 2008 14:04:04 +0000

Splitpack © Altran Pr[i]me

La Revue du Design — Tue, 02 Dec 2008 14:59:54 +0000

Splitpack © Altran Pr[i]me

La Revue du Design — Tue, 02 Dec 2008 15:00:18 +0000

Splitpack © Altran Pr[i]me

La Revue du Design — Tue, 02 Dec 2008 15:00:41 +0000

Les Ateliers de la recherche en design

La Revue du Design — Tue, 02 Dec 2008 23:01:27 +0000

Après Nîmes, Nancy, Bordeaux et Nantes, la ville de Tour accueille la cinquième édition des Ateliers de la recherche en design, demain et après-demain. En novembre 2006 s’est tenue à Nîmes la première édition des Ateliers de la recherche en design, ayant pour ambitions de dresser un état des lieux de la recherche en design, en France notamment, mais aussi de donner une dimension pratique et concrète à cette recherche en invitant de jeunes chercheurs à exposer leurs thèmes de recherches, leurs problématiques, leurs modèles, méthodes et conclusions. L'objectif avoué était double : former et fédérer une communauté de chercheurs francophones capables de se joindre à la communauté internationale de la recherche en design, mais aussi susciter des rencontres, des partenariats, en tous cas une émulation capable de faire aller ces recherches plus en contact avec ceux qui pratiquent le projet au quotidien. Car il est étonnant, pour ne pas dire incroyablement incompréhensible, que l'ergonomie, les sciences de la conception, la sociologie, la psychologie de la perception ou encore le marketing ne soient pas davantage enseignés en école de design, et très souvent tellement éloignés des pratiques quotidiennes des designers. Comme le remarquait Alain Findeli, enseignant canadien et l'un des initiateurs de ces Atelier, cette situation, tout comme l'imperméabilité existante entre cursus de recherche en design et écoles de design en France à l'heure actuelle, est d'autant plus paradoxale "qu’il se publie dans le monde une douzaine de revues savantes consacrées au design ; que se tiennent plus d’une dizaine de colloques internationaux d’envergure dans l’année; qu’il existe actuellement une bonne vingtaine de programmes universitaires de doctorat en design; que le très actif site internet consacré aux questions des enseignants-chercheurs et des doctorants en design est consulté par plus de mille abonnés; qu’enfin le bulletin mensuel de la première et plus importante société savante, la Design Research Society, est envoyé à près de huit mille lecteurs. Tout ceci sans compter l’intérêt que suscitent auprès du public les expositions et les musées consacrés au design." Ces Ateliers offre l'occasion, durant deux jours, de combler ce manque. Quatre thèmes ont été retenus pour cette cinquième édition (extraits du programme) : Retour vers le futur des recherches en design en France Ces sessions seront initiées par une présentation des initiateurs des Ateliers de la recherche en design (Brigitte Borja de Mozota et Alain Findeli), capitalisant sur les éditions précédentes et ouvrant des perspectives de réflexion et de travail. Au cours de cet atelier, nous donnons la parole à deux pionniers français de la recherche en design : (noms à confirmer). Éveil des consciences : élargissement du champ conceptuel du design Atelier consacré à des présentations thématiques choisies dans des domaines et des disciplines pertinents pour le design (par ex. : droit, écoconception, philosophie, comptabilité, sciences sociales), susceptibles d’élargir le champ conceptuel et d’enrichir les problématiques de la recherche en design, d’une part, et de féconder la pratique du design, d’autre part. Éveil intellectuel (renouveau conceptuel) : recherches en cours dans le champ du design C’est au cours de cette période que nous donnons la parole aux doctorants et/ou jeunes diplômés sur des thèmes ouverts concernant des problématiques propres au design : de projet, de création, de réflexion méthodologique, de présentation de modèles. Un appel à communication a été préparé à cet effet. Un fichier des thèses soutenues et en cours est en préparation et sera présenté. Éveil des sens : contributions locales aux enjeux du sensoriel en design Cet atelier est réservé aux travaux réalisés dans le domaine des technologies du sensoriel et de leurs aspects anthropologiques dans les processus d’innovation, où nous constaterons que, pour paraphraser Rabelais, « sens sans conscience n’est que ruine de l’âme ». Ce sera l’occasion d’en savoir plus sur l’évaluation sensorielle au service du plaisir de la dégustation et sur l’évaluation sensorielle orientée vers la conception (« design sensoriel ») ou « design émotionnel ». À noter que les textes des interventions des deux premières sessions sont librement téléchargeables sur le site de l'Université de Nimes. Nous vous recommandons d'ailleurs particulièrement la lecture des textes d'Olivier ASSOULY ("L’indiscipline de la recherche en design"), Marc BREVIGLIERI ("L’usage, le design et l’architecture : l’éthique professionnelle dans la conception d’un monde habitable") et Dominique LASSARRE ("Les relations de l’homme à son environnement matériel : évolution des conceptions théoriques en psychologie sociale") pour la première édition (à Nîmes), et de Perrine DEMONGEOT ("Quel rôle pour les designers dans les processus d’innovation ? Proposition d’une démarche de recherche"), Jocelyne LE BOEUF ("De l’histoire de l’art à l’histoire du design industriel"), Agnès LEVITTE ("Piéton et sécurité : le design visité par les sciences cognitives") et Céline MOUGENOT ("Inspiration et créativité : Étude ethnographique de l’activité des designers dans la phase informationnelle") pour la seconde édition (Nancy). Plus de renseignements sur le site de l'Université de Tour.

Splitpack : packaging intelligent

La Revue du Design — Wed, 03 Dec 2008 23:01:18 +0000

Labellisé par l’Observeur du Design 2009, le nouveau packaging Splitpack, imaginé et breveté par Altran Pr[i]me, permet une réduction importante des déchets et favorise, de par sa conception intelligente, le tri lors du recyclage. Dédié à la conservation des liquides frais, Splitpack est né d'un constat : le carton dédié à la conservation des liquides frais est habituellement blanchi, pelliculé de plastique et recouvert d'encres. Il devient donc un matériau hybride, difficilement recyclable en tant que tel. Inspiré par la philosophie du Cradle to Cradle (voir plus bas), Altran Pr[i]me a ainsi dissocié la fonction structurelle de l'emballage, assurée par le carton, de la fonction étanchéité (le plastique). D'un point de vue technique, Splitpack est donc composé d’éléments mono-matière facilement séparables, donc plus facilement recyclables. De plus, la recherche formelle inaugurée pour ce projet permet de ne plus utiliser de colles, d’encres ni de bouchon. Splitpack possède ainsi une empreinte écologique trois à quatre fois inférieure à un emballage classique. Splitpack est exposé à la Cité des Sciences et de l’Industrie, jusqu’au au 9 mars 2009, dans le cadre de l’Observeur du Design 2009, événement organisé par l’APCI (Agence pour la Promotion de la Création Industrielle). Source : Obdesigner. * Cradle to Cradle : En 1987, l'architecte Bill Mc Donough et le chimiste Mickael Braungart inventent leur théorie du Cradle to Cradle (du berceau au berceau), incitant à concevoir des produits qui, à l’image des cycles naturels, ne produisent pas de déchets. Ils incitent ainsi à imaginer des produits biodégradables et/ou recyclables à l’infini, et préconisent d'appliquer ce type de vision au circuit de industriel habituel (du berceau à la tombe). En 2002, ils vont plus loin en créant la certification internationale "Cradle to Cradle – C2C", dont l'objectif est d’encourager la conception de produits ne cherchant plus à avoir un impact minimal, mais à être bénéfique pour l’environnement.

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:20:44 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:21:03 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:21:22 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:21:40 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:22:19 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:22:39 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:23:02 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 18:23:20 +0000

Les meubles en verre de Karim Rashid pour Tonelli

La Revue du Design — Thu, 04 Dec 2008 23:25:46 +0000

Depuis quelques années, Karim Rashid poursuit une collaboration avec l'éditeur italien de meuble en verre Tonelli. Sa dernière création, une table basse entremêlant trois ovales de couleurs différentes (cf. image ci-dessus : table basse Kut, 2008), s’inscrit dans une recherche esthétique renouvelant les formes habituellement données à ce type de mobilier. Présentation de ces quelques projets. Etagère lotus (2005) : Meuble bas Plasmatik (2005) : Tables basses Dekon 1 et Dekon 2 (2006) : Miroir Snowhite (2006) : Sources : Deco-design, Mocoloco.

© Anglepoise

La Revue du Design — Sun, 07 Dec 2008 22:05:46 +0000

© Anglepoise

La Revue du Design — Sun, 07 Dec 2008 22:06:19 +0000

© Anglepoise

La Revue du Design — Sun, 07 Dec 2008 22:06:48 +0000

© Anglepoise

La Revue du Design — Sun, 07 Dec 2008 22:07:17 +0000

Variations autour du même thème

La Revue du Design — Sun, 07 Dec 2008 23:47:11 +0000

Dernière née d'une série de réinterprétations de la fameuse lampe d'architecte Anglepoise 1227 conçue par George Carwardine en 1930, le modèle Fifty a été imaginé, il y a quelques mois maintenant, par le jeune designer britannique Anthony Dickens. Réalisée en polycarbonate moulée, elle consiste en une sorte de "capture" de la forme mythique du modèle 1227, dont elle conserve l'inclinaison de 50°, qui la caractérise sur de nombreuses photos et publicités. La lampe ressemble ainsi à un négatif, ou plutôt une empreinte, de la forme originale. Elle en présente toutefois une relecture originale, puisqu'elle est asymétrique : l'une de ses faces est tridimensionnelle tandis que l'autre est totalement plate ! Il y a quelques années, à l'occasion des 70 ans du modèle 1227, Anglepoise avait déjà surpris en en présentant une version agrandie et survitaminée. Sources : Anthonydickens.com, Anglepoise.com.

Horloge Kehai par Makoto Koizumi (présentée à la MCJP). Photo © Hiroyuki Shinohara.

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 21:02:11 +0000

Tabouret Butterfly en contreplaqué moulé par Sori Yanagi, prototype de 1953. © Atelier Sori Yanagi, Tokyo

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 21:03:26 +0000

Bouilloire, début du XXe siècle. Fonte de fer et motif de grêlons. © Nihon Mingeikan, Tokyo.

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 21:03:50 +0000

Okurin (sacs fabriqués à partir de matériaux recyclés) © Innocence Inc.

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 21:04:20 +0000

Râpe à radis blanc par Shunji Yamanaka. © OXO International.

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 21:04:45 +0000

Automne nippon

La Revue du Design — Mon, 08 Dec 2008 23:52:26 +0000

Deux importantes expositions mettent le Japon à l'honneur cet automne à Paris. Revenant sur plus d'un siècle de création, elles révèlent, au delà des clichés et commentaires traditionnels sur les formes épurées, les matériaux naturels ou le souci de la finition, les racines d'une approche esthétique et philosophique proposant une dialectique particulière entre arts ou artisanats traditionnels et design. L'esprit Mingei Le musée du Quai Branly présente, jusqu’au 11 janvier 2009, L’esprit Mingei au Japon, une sélection de près de 150 pièces inspirées de la théorie que Soetsu Yanagi (1889-1961), penseur et critique, développa durant la première moitié du XXe siècle au Japon. Célébrant la sobriété, l’élégance et la douceur des lignes, le design "anonyme" des objets quotidiens (getemono), dépourvus de toute virtuosité technique, Soetsu Yanagi et par la suite son fils Sori, le premier designer japonais d’après-guerre (et inventeur du fameux tabouret Butterfly), définiront leur théorie du Mingei, une abréviation de minshuteki kogeï qui signifie littéralement "l’artisanat ou l’art populaire fait par le peuple et pour le peuple." Valorisant les notions de toku (vertu), de kakujitsu (sûreté), de chôsei (fidélité), de seijitsu (sincérité), cette pensée connaîtra un rayonnement international, puisque durant la première moitié du XXe siècle, plusieurs créateurs internationaux d’importance viendront travailler au Japon : l’allemand Bruno Taut dans les années 1930, la française Charlotte Perriand dans les années 1940, ou encore l’américain Isamu Noguchi dans les années 1950. Alors consultés pour activer les exportations nipponnes, ces créateurs apporteront leur vision du design industriel mais seront également marqués par les théories de Soetsu Yanagi, avec qui ils collaboreront. Épure et kawaii À quelques rues de là, la Maison de la Culture du Japon propose, jusqu’au 31 janvier 2009, WA : l’harmonie au quotidien, une exposition mettant en lumière les créations d’Isamu Noguchi, Naoto Fukasawa, Tokujin Yoshioka et quelques autres designers incontournables de ces cinquante dernières années. Au total, près d’une centaine d’objets du quotidien sont présentés: montres, théières, sacs, bicyclette, mobilier, fournitures de bureau, appareils photos numériques, robot humanoïde miniature… Six concepts fédérateurs sont mis en avant : kawaii (mignon) ; craft (l’influence de l’artisanat) ; kime (la finesse de grain et la qualité de la finition) ; tezawari (sensations tactiles) ; minimal (la beauté des formes dépouillées) et kokorokubari (la « prévenance »). Regards croisés Au-delà de leurs dimensions purement historiques ou "ethnographiques", ces deux expositions mettent non seulement en lumière l’importance d’une observation des savoir-faire traditionnels, mais aussi elles révèlent une dynamique féconde entre approches asiatique et européenne. Car si Soetsu Yanagi est un lecteur assidu de littérature occidentale et un observateur attentif du mouvement anglais des Arts and Crafts, qui prôna à la fin du XIXe siècle un rapprochement entre concepteurs et utilisateurs, sa vision du design a, en retour, influencé plusieurs générations de créateurs occidentaux, comme par exemple le designer anglais Jasper Morrison qui affirme dans le catalogue de l’exposition que le design est aujourd’hui "trop lié aux medias, à l’impact immédiat […] Il y a ces designers qui veulent être connus pour vivre, on les comprend, et des magazines qui veulent vendre : voilà l’équation. Les designers dessinent pour les magazines et les magazines publient des objets qui ne seront jamais faits pour la vie quotidienne." À méditer ! Alexandre Cocco Ce texte est un résumé d'un article paru dans d’A n°178 (décembre 2008).

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La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 13:14:04 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 13:15:56 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 13:16:18 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 13:17:10 +0000

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La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 13:17:42 +0000

Found Muji - résultats du concours Muji 2008

La Revue du Design — Tue, 09 Dec 2008 23:03:15 +0000

Le dernier concours MUJI AWARD 03, dont le thème était Découvert (par la nature, par nos aînés, par notre propre culture, consciemment ou inconsciemment)*, a récemment dévoilé ses résultats. Au menu : minimalisme et évidence, deux notions chères à la marque japonaise. Le premier prix a été attribué à Yuki Iida (Japon) pour son projet Straw straw (images ci-dessus et ci-dessous). Partant du constat que les tiges de blé peuvent servir de pailles pour la consommation de liquides (on aurait d’ailleurs trouvé des traces de cet usage en Mésopotamie), le designer propose simplement d’utiliser cet objet produit par la nature, en le re-conditionnant. D’autres projets ont également été récompensés (entre autres) : Trashpack, de Ken Sugimoto et Eri Sugimoto (États-Unis), est un sac poubelle triangulaire, stable et autoportant, s’inspirant de l’emballage triangulaire originaire de Suède, qui a été utilisé pendant de nombreuses années au Japon pour servir le lait dans lors des repas scolaires. Le projet de Masashi Watanabe (Japon), intitulé Grandpa's nail hook, est un écho à une pratique de son grand-père : planter un clou dans un mur pour y suspendre divers éléments. A ce clou de base, le designer a simplement ajouté une petite pièce permettant d’obtenir un angle et une longueur fixe. La couverture Second Skin de Jean-Baptiste Sénéquier (France) possède deux faces différentes : sa couche extérieure est imperméable et sert de protection, et la couche interne est plus douce et plus confortable, l’ensemble étant, au final, caractérisé par une certaine flexibilité : tantôt serviette, tantôt paravent, vestiaire, sac hydrofuge ou poncho. Enfin, lorsque vous utiliser une agrafeuse, vous ne pouvez pas positionner précisément l’agrafe. Pour répondre à ce problème, l’objet imaginé par Joonhyun Kim (Corée du sud) possède une empreinte tridimensionnelle intégrée. Le concours MUJI AWARD 03 a été ouvert aux candidats du 26 mai au 31 juillet 2008. Il a reçu 1986 projets, provenant de 35 pays différents. * Thème exact du concours : "Found" … from nature; knowledge from those that came before us; from one's own unique culture; or from people's consciousness of the unconscious. Sources : Muji, Designboom, Todayandtomorrow.

« Dans le domaine alimentaire, le design est la seule clé de différenciation »

La Revue du Design — Thu, 11 Dec 2008 23:32:55 +0000

En exclusivité, La Revue du Design publie une interview de Céline Gallen, à paraitre dans le prochain numéro de CADI. Docteur en sciences de gestion et enseignante en marketing fondamental et modes de consommation alimentaire, elle nous dévoile sa vision de l’évolution du design alimentaire et culinaire. --- CADI : Vous avez étudié l’influence du design des produits dissonants sur la perception cognitive des consommateurs. Quelles observations à propos de l’impact du design avez-vous pu faire lors de cette étude ? Je suis justement en train de rédiger un chapitre à ce propos pour un ouvrage à paraître fin 2008 qui s’appelle La couleur et l’alimentation. Le design n’a commencé à investir les produits alimentaires que depuis peu. Jusque très récemment, le design alimentaire ne s’appliquait qu’au packaging mais assez peu aux produits eux-mêmes. Depuis les années 2000, un mouvement est en émergence, amorcé par les grands chefs et relayé par des bureaux de style, des centres d’art et de design spécialisés dans l’alimentation. J’ai travaillé avec deux de ces structures : avec le bureau de style Enivrance (fondé par un acteur du marketing) sur un sablé épinard-framboise, puis plus récemment avec un centre d’art et de design créé par un professionnel issu du design, La cuisine. Leur approche est très différente mais la confrontation de ces différentes perspectives s’est révélée très intéressante. On constate que les acteurs du marketing privilégient la perspective visuelle du design alors que les designers ont une approche poly-sensorielle du produit. Pour eux, le design d’un produit alimentaire inclut son goût, sa texture et pas uniquement son aspect visuel. La recherche en marketing devrait ainsi s’attacher à enrichir la conception purement visuelle grâce à la démarche du design. Néanmoins, ces deux collaborations montrent de façon étonnante que le design visuel est celui qui impacte le plus l’imaginaire du consommateur. Pour réaliser mes observations, j’ai procédé avec 4 focus groups de 8 à 10 personnes, soit plus de trente personnes au total. Deux des focus groups commençaient le test en aveugle et les deux autres commençaient par le test visuel du produit. Je pensais, à tort, que la perception sensorielle des participants ayant commencé le test en aveugle ne serait pas trop influencée par le design. Mais il s’avère qu’Au cours de l’expérience, les sujets ayant goûté en aveugle le produit oublient complètement leur perception gustative initiale pour former leurs attentes uniquement sur les aspects visuels. La couleur influence notamment très fortement la perception du goût. CADI : Pourtant, comme le rappelle Anne Ripaud [élève de l’École de design de Nantes Atlantique, ndlr] dans son mémoire, d’après Brillat Savarin : « Le goût est le sens qui nous procure le plus de jouissance. » On pourrait donc imaginer que le goût prévaut sur les autres sens en matière de design alimentaire. Mais vous avez apparemment observé le contraire. Le goût a une importance primordiale dans le design alimentaire, c’est indéniable. Mais il est influencé par le design visuel. Le design a un pouvoir très fort sur l’imaginaire. Quand il conduit à la « dissonance » (cf. la Badoit rouge, le sablé épinard-framboise etc.) cela fait peur au consommateur (le risque perçu) mais cela fait surtout appel à un imaginaire faisant référence au non comestible. Une fraise bleue, par exemple, suscitera chez le consommateur des évocations appartenant au registre non comestible. Ainsi, cette dissonance peut s’avérer dangereuse car elle empêche le consommateur de s’approprier le produit. CADI : Comment faire pour que le consommateur dépasse sa perception visuelle ? Il faut trouver la « bonne dose » de dissonance. En effet, s’ils sont en attente de nouveauté, les consommateurs ne sont pas encore habitués aux produits alimentaires « designés ». Il faut donc leur proposer des solutions innovantes tout en les rassurant, en veillant à ne pas trop perturber leur acte d’achat et faire en sorte qu’ils saisissent le message que l’on veut faire passer à travers ce design, donner du sens au produit. Les produits trop incongrus sont à proscrire car ils génèreront du risque perçu qui entraîne chez le consommateur un rejet du produit. Il y a cinq dimensions dans le risque : le risque physique (lié à la santé), le risque sensoriel (lié au goût), le risque psychologique (risque que le produit ne vous corresponde pas), le risque social (risque d’être mal jugé à travers l’achat ou la consommation de ce produit, du fait de la rigidité des codes sociaux), et enfin le risque financier (le risque de payer trop par rapport à la jouissance tirée du produit). CADI : Comment cette originalité ou excentricité en cuisine est-elle reçue par les consommateurs ? Les consommateurs sont encore assez frileux et se comportent de manière ambivalente. Si certaines études publiées montrent qu’il y a une forte attente de nouveauté (nouveaux goûts, nouvelles textures), il faut cependant conserver des schémas classiques. Ainsi, lorsqu’on propose des produits alimentaires excentriques au consommateur lambda, il considère que ces derniers ne lui correspondent pas. Il attribue ces produits à des consommateurs plus jeunes, urbains (voire parisiens) bobos, branchés, frimeurs … qui aiment épater leurs convives. En province, les consommateurs sont prêts à acheter ce genre de produits mais seulement dans des lieux spécialisés où l’on s’attend à trouver des articles hors du commun (épiceries spécialisées, musées par exemple). Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le sablé épinard-framboise (conçu par Enivrance mais fabriqué par le pâtissier Daniel Mercier) avait été commercialisé au Lafayette Gourmet Paris. Nombre de produits alimentaires « designés » sont en vente à la Grande Épicerie du Bon Marché, par exemple, ou dans des épiceries de luxe comme Fauchon et Hédiard. CADI : Il semblerait que les consommateurs soient à la recherche d’une dimension expérimentale. Oui, tout à fait. C’est typiquement la recherche d’une expérience par l’alimentaire qui pousse le consommateur à tester ce genre de produits. C’est d‘ailleurs le thème du projet d’Anne Ripaud. Mais, pour l’instant, ce genre de tendances ne s’observe que chez une partie des consommateurs. L’alimentation est une activité ayant trait à la survie et la plupart des consommateurs n’osent pas encore trop chambouler leurs habitudes alimentaires. Tous les consommateurs ne sont pas prêts à vivre une expérience à travers le produit alimentaire même s’ils le sont avec d’autres produits de consommation. Lorsqu’il s’agit du produit alimentaire, les mécanismes se complexifient. CADI : L’alimentation reste au stade de besoin naturel et nécessaire. Pour certains consommateurs, oui. De nombreux consommateurs m’ont dit à propos des produits que j’ai étudiés que ceux-ci ressemblaient trop à des objets de décoration, voire des objets d’art. Or un produit alimentaire n’a pas pour vocation de décorer. CADI : On ne badine pas avec la nourriture… La notion de jeu avait effectivement été abordée dans les tests consommateurs. Le consommateur lambda n’admet pas que l’on puisse jouer avec la nourriture. Ce que l’on attend en premier lieu d’un produit alimentaire, c’est qu’il soit bon. CADI : Un excès d’originalité paraît dommageable à la substance ingurgitée ? C’est vrai pour certains sujets. Mais d’autres sont clairement en recherche d’expériences nouvelles. Prenez par exemple les gens qui se rendent chez Ferran Adria [Cuisinier catalan, célèbre chef du restaurant El Bulli (le bouledogue), à Roses, sur la Costa Brava. Sacré « meilleur cusinier au monde », il est l’un des tenants de la gastronomie moléculaire ; il expérimente sans cesse de nouvelles technologies et des textures et des saveurs surprenantes même s’il préfère parler de « cuisine espagnole d’avant-garde »]. CADI : Quelle est la différence entre design culinaire et design alimentaire ? Le design culinaire relève du domaine de la cuisine, des produits conçus par le cuisinier, le grand chef, les artisans des métiers de bouche mais aussi par certains amateurs armés d’audace. Le design alimentaire investit davantage le champ de l’industrie et s’applique à des produits alimentaires de grande consommation ; il englobe également le packaging, l’aliment dans sa globalité. CADI : Vous faisiez allusion au projet de fin de cycle d’Anne Ripaud, « Expérience alimentaire », visant à « interroger les valeurs intrinsèques de l’homme face à la nourriture pour répondre aux attentes d’un consommateur à la recherche de produits innovants. » Pourriez-vous nous expliquer ce qui vous a intéressée dans cette initiative ? Ce projet ne pouvait que plaire à un marketer comme moi, s’intéressant à la perception du consommateur puisqu’il proposait une démarche de designer à partir d’un questionnement commun avec mes activités de recherche en marketing. J’étais donc curieuse de voir les résultats qu’obtiendrait Anne, en cherchant à anticiper ce qui se passe dans la tête des consommateurs. Comment leur faire vivre une expérience à travers le design du produit alimentaire ? Jusqu’où la conception de produit va nous mener ? Alors que pour ma part, je ne me penche sur la façon dont le consommateur perçoit le produit qu’une fois qu’il est conçu. Nos deux démarches sont complètement différentes mais complémentaires. La mienne se situe en aval, la sienne en amont. Lors du jury, on se rend compte que l’on a des angles de vue et des préoccupations différentes. CADI : Qu’est-ce que le design peut apporter au marketing appliqué aux modes de consommation alimentaire ? Tout à l’heure, j’ai mentionné des produits très typés, très dissonants mais le design peut se manifester de manière beaucoup plus simple. Par exemple, lorsque Danone travaille avec des designers, ils ne conçoivent pas quotidiennement des produits extravagants. Le design a forcément un fort impact sur les ventes d’un produit dans la mesure où son approche est poly-sensorielle. Une barre chocolatée, même si elle est très classique, en forme de parallélépipède, nécessite tout de même une réflexion de design. Le design est indispensable pour penser forme, couleur et texture en étant plus ou moins sophistiqué, plus ou moins atypique ou plus ou moins dissonant. Mais il est indispensable, ne serait-ce que pour se différencier par rapport aux concurrents, pour créer l’image de marque, assurer la reconnaissance du produit par le consommateur. Un yaourt doit avoir une forme de yaourt. Ce sont les codes introduits par le design qui permettent au consommateur d’identifier le produit. CADI : D’autant que dans la société de l’hyper-choix dans laquelle nous vivons actuellement, il est indispensable de bien baliser chaque produit pour guider le consommateur. Oui, c’est un des aspects bénéfiques du design pour le marketing. Avec l’arrivée de grandes chaînes comme IKEA, le design est devenu très accessible aux particuliers. Nombre de consommateurs qui ne s’intéressaient pas du tout à la décoration, il y a encore quelques années osent désormais équiper leur intérieur de manière plus originale, plus chaleureuse, plus personnelle. On observe la même tendance pour le prêt-à-porter avec des enseignes comme H&M ou Zara qui copient les marques de créateurs. Ainsi, l’originalité et les articles insolites deviennent de plus en plus accessibles et le consommateur accorde davantage d’importance à l’aspect visuel des objets qu’il achète. Il montre une sensibilité accrue pour l’esthétique. Aujourd’hui, le design est présent absolument partout et commence à susciter l’intérêt des consommateurs même dans le domaine alimentaire. CADI : À travers les marques distribuant des objets conçus par des designers, la dimension esthétique des produits est venue aux consommateurs. Oui, notamment grâce aux pays nordiques. Mais les produits alimentaires étant les seuls produits de consommation que l’on ingère, avec le médicament, il y a une barrière psychologique très forte. Anne l’a d’ailleurs très bien montré dans son mémoire : on devient ce que l’on mange avec le phénomène de « pensée magique ». CADI : Pourriez-vous revenir sur le terme de « pensée magique » ou « magie sympathique »? Les deux termes sont équivalents. Ils font référence à un mode de pensée longtemps considéré comme primitif et étudié par les anthropologues au XIXè siècle. L’étude de ce phénomène remonte donc à très loin, mais on a longtemps cru que c’était lié aux populations primitives (qui jetaient de sorts, qui s’adonnaient à des sacrifices d’animaux etc.). Or on s’aperçoit que cet imaginaire lié à la nourriture existe même s’il se présente différemment. L’eucharistie à l’église pendant la messe en est un exemple typique. Quand le prêtre dit « Ceci est mon corps, ceci est mon sang », il s’agit de pensée magique. CADI : Oui, en ingurgitant le corps de l’être sacré, on pourra atteindre la grâce. On devient ce que l’on mange. Oui. La pensée magique se pratique donc dans les cultes religieux, mais elle agit également de manière inconsciente dans le quotidien. Par exemple, lorsque vous regardez une publicité pour un yaourt, vous croyez au slogan qui vous assure que vous deviendrez belle en le mangeant. Les marketers vous font croire en un bénéfice produit selon lequel vous deviendrez plus belle ou plus mince en mangeant ce produit. Ce principe est poussé à l’extrême à travers cette tendance appelée la « cosmeto-food », la cosmétique par la nutrition. Ces nouvelles tendances basées sur l’identification à une icône représentant le produit alimentaire découlent de la pensée magique : croire en un phénomène de transfert par l’ingestion d’un aliment, de ses propriétés physiques mais également morales et symboliques. Dans le même ordre d’idées, on n’aime pas manger un plat préparé par une personne hostile par crainte de contamination de la nourriture et de transfert de ses défauts sur soi. CADI : Apparemment, la magie sympathique est soumise à un principe de contagion et de similitude. Le phénomène de magie sympathique est en effet régi par deux lois. Il y a tout d’abord la loi de la similitude qui consiste à dire que les objets sont ce qu’ils semblent être : le consommateur interprète un objet selon ce qu’il en perçoit. Un chercheur américain appelé Paul Rozin a tenté de faire manger des chocolats en forme d’excrément canin à des étudiants. Même s’ils savaient qu’il s’agissait de chocolat de très bonne qualité, les sujets ont manifesté une réticence très forte. Il a également effectué des études consistant à faire mordre des sujets dans un caoutchouc ayant un aspect de vomissure. Une autre de ses études célèbres consistait à demander à des sujets de mettre du sucre en poudre dans deux bouteille d’eau puis à leur fait coller une étiquette « eau sucrée » sur l’une et « cyanure -poison » sur l’autre. Ensuite, il leur demandait de noter de 1 à 10 l’envie de boire le contenu de chacune d’elle. La bouteille étiquetée « poison » a récolté une note basse et inférieure à la bouteille d’ « eau sucrée ». Pourtant les sujets savent pertinemment que les deux flacons contenaient de l’eau sucrée. La loi de la contagion renforce la loi de la similitude selon laquelle en mangeant un aliment j’intègre ses propriétés à la fois physiques, morales et symboliques de cet aliment. Je suis contaminé par cet aliment. Si je mange quelque chose de répugnant, je deviens moi-même répugnant. Ces deux lois complémentaires forment la pensée magique. Si la loi de la similitude n’est pas propre à l’homme (on la retrouve chez les animaux), la loi de la contagion ne s’applique qu’à l’homme et ne prend effet que chez les individus à partir de trois ou quatre ans. Ceci explique pourquoi les enfants n’éprouvent aucune répugnance à ramasser et mettre dans leur bouche de la nourriture ayant traîné par terre ou à mordre dans de la nourriture déjà entamée. Pour ma part, lorsque je montre à mes étudiants la photo du même sandwich entamé par une vieille dame édentée ou par une femme blonde plantureuse, ils sont plus tentés de consommer celui entamé par la jolie blonde. Pourtant, aucune information relative à l’hygiène de ces deux consommatrices ne leur a été communiquée. CADI : Quel mécanisme cognitif fait qu’un consommateur est répugné par un aliment qu’il sait sain ? Ce phénomène n’est pas du tout rationnel. D’où le terme de pensée magique. Il s’agit d’une impression de contamination, parfois fondée (si le produit a été léché par un animal, par exemple) mais parfois pas du tout (dans le cas du chocolat en forme d’excrément canin). Notre cerveau est constitué de catégories mentales. Un chocolat ayant une forme douteuse aura beau être de bonne qualité, voire fabriqué sous les yeux du sujet, ce dernier n’en sera pas moins révulsé par cette forme associée dans son cerveau à un objet répugnant et non comestible. En interprétant ces stimuli visuels, le cerveau classe cet objet comestible dans une catégorie d’objets non comestibles répugnants. Ensuite, le consommateur en déduit que s’il ingère ce produit considéré comme non comestible et répugnant, il deviendra lui-même répugnant. CADI : Vous qui avez étudié l’influence du design sur le sensoriel et les facultés cognitives des consommateurs, comment pensez-vous que le secteur du design alimentaire va évoluer au cours des prochaines années ? Le design alimentaire investit peu à peu le secteur industriel. À l’origine, cette tendance était l’apanage des grands chefs avant de s’étendre jusqu’aux bureaux de conception créant des produits de manière confidentielle commercialisés dans des points de vente haut-de-gamme très ciblés, réservés à une clientèle très restreinte. À l’heure actuelle, des progrès sont déjà en marche dans le secteur : certains groupes alimentaires s’attachent à élaborer de nouvelles textures, de nouvelles formes de produits en collaboration avec des designers. Mais cette évolution ne pourra être que progressive car la pensée magique et autres invariants propres à la nature humaine freinent quelque peu la mutation des modes de perception des consommateurs. Cependant, nous vivons dans un environnement favorable à ces évolutions car l’esthétisme et la recherche de nouveauté y prennent de plus en plus de place. Cette progression ne s’effectuera qu’à deux conditions : que le produit soit bon et que le consommateur comprenne pourquoi on « injecte » du design dans l’alimentaire. Pour dépasser l’image quelque peu snob véhiculée par le design alimentaire auprès de certaines catégories de population, il faut expliquer au consommateur la raison et le sens qui sous-tendent la démarche du design alimentaire, et ce que l’on cherche à lui apporter à travers ce produit. Il faut créer une relation poétique avec le produit. « Si le produit est excellent, le consommateur pourra passer outre certaines excentricités qui lui paraissent injustifiées. » Cependant, les producteurs se doivent de susciter l’achat et le réachat. Certains consommateurs achèteront une première fois par curiosité, mais il faut ensuite les fidéliser. Il est donc indispensable de créer une consonance entre tous les éléments du produit et une convergence des sens au niveau de l’apport possible du design. CADI : Quels produits alimentaires sont les plus enclins à bénéficier de la valeur ajoutée du design ? Les produits à forte connotation de plaisir et sans doute les aliments sucrés (desserts, snacking). A contrario, je me souviens de l’échec d’une initiative consistant à intégrer des codes-barres sur la peau des fruits. Les fruits (au même titre que la viande) ne sont pas des produits marketés, mais des produits bruts, dénués de packaging visant à vendre le produit. Cette technique consistant à dépigmenter une partie de la peau du fruit fait partie de ces méthodes auxquelles les consommateurs sont totalement réfractaires. Le design alimentaire devrait tout d’abord s’emparer des produits hédoniques, les boissons, par exemple. On peut citer le véritable succès commercial rencontré par la Limonade Lorina qui propose des produits colorés avec des goûts originaux. Plus que toute forme de communication média, ce sont le design de la bouteille et de son contenu qui ont fait la notoriété de la marque. Un cas de figure où le design suffit à rendre un produit attrayant (à condition que ce dernier soit bon, évidemment). CADI : L’alimentaire est un secteur où de nombreuses contraintes se posent pour les designers. Oui, dans le domaine alimentaire, le design aujourd’hui une des seules clés de différenciation. Mais si le produit brise les codes, il faut fournir des clés au consommateur pour qu’il comprenne le pourquoi de cette rupture. La Revue du Design remercie Céline Gallen, qui nous a proposé cet article, ainsi que l’École de Design de Nantes Atlantique. Interview réalisée le 24/06/08, transcription juillet 2008 et rewriting septembre 2008. À paraitre dans le prochain Hors Série de CADI, cahier de recherche édité par l'École de design Nantes Atlantique. Céline Gallen est docteur en sciences de gestion, maître de conférences à l’Université de Nantes (Institut d’Economie et de Management de Nantes-IAE) depuis 2002 où elle enseigne le marketing fondamental, le comportement du consommateur et les modes de consommation alimentaire. Ses travaux de recherche portent sur l’étude des comportements alimentaires et notamment les mécanismes de perception du design alimentaire et culinaire.

Page d’accueil du site www.design-colbert.fr

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 09:57:33 +0000

Campagne de publicité de Desalto © Desalto / Photo Ramak Fazel

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 19:18:42 +0000

Campagne de publicité de Desalto © Desalto / Photo Ramak Fazel

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 19:19:52 +0000

Kloe par Marco Acebis pour Desalto © Desalto

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 19:20:21 +0000

Fluid par Arik Levy pour Desalto © Desalto

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 19:21:15 +0000

Kloe et Fluid

La Revue du Design — Sun, 14 Dec 2008 23:17:22 +0000

Edité chez Desalto et présenté lors du dernier salon du meuble de Milan, le fauteuil Kloe, conçu par Marco Acerbis, étonne par son jeu complexe de pleins et de vides, mettant en scène une assise qui semble suspendue. Objet étonnant, massif mais léger, il fait partie, avec le module Fluid d'Arik Levy, de la nouvelle campagne de communication de l'enseigne (images ci-dessus). Réalisé en nylon (finition laquée) ou en polyéthylène (finition matte) rotomoulés, Kloe est un meuble utilisable en intérieur ou extérieur, qui existe en différents coloris De son côté, Fluid est un élément pouvant à la fois être utilisé comme table basse, étagère ou tabouret. Ajouré comme une cage à oiseau, il est réalisé en tiges de métal assemblées à l'aide de petits joints en plastique, et peut être superposé ou combiné à un petit coussin. Étonnants, ces deux objets ont été choisis comme emblèmes par la marque, qui espère ainsi communiquer sa vision technique et pleine de créativité du design. La campagne de publicité elle-même, élaborée comme un rébus, est destinée à interroger le spectateur et à l'inciter à marquer une pause. Source : Desalto.it

Étagère REK par Reinier de Jong © Reinier de Jong

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 20:44:19 +0000

Étagère REK par Reinier de Jong © Reinier de Jong

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 20:44:44 +0000

Étagère REK par Reinier de Jong © Reinier de Jong

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 20:45:17 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau pour Suikosha © Anything-design.com 2008 All rights reserved.

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 21:17:30 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau pour Suikosha / Scissors © Anything-design.com 2008 All rights reserved.

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 21:17:52 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau pour Suikosha / Alarm Clock © Anything-design.com 2008 All rights reserved.

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 21:18:53 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau pour Suikosha / Tape dispenser © Anything-design.com 2008 All rights reserved.

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 21:19:37 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau pour Suikosha / Ruler, set square, protractor © Anything-design.com 2008 All rights reserved.

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 21:20:14 +0000

Le Fiasco du « Comité Colbert »

La Revue du Design — Mon, 15 Dec 2008 23:23:08 +0000

Éditeur de livres d’artiste et ancien directeur de l’École Supérieure d’Art et de Design de Reims, Gervais Jassaud nous propose sa vision de la récente exposition du Comité Colbert, dévoilant les résultats de ce concours annuel associant maisons de luxe et écoles de design. Décoiffant. --- Le "Comité Colbert" rassemble nombre de maisons de luxe de la France qui portent partout dans le monde une image de l'élégance et du "way of life" français et qui représentent une ressource importante de notre commerce extérieur. De plus, il faut reconnaître que ces sociétés soutiennent la création "française" depuis des années, notamment à travers le concours de création dit du "Comité Colbert" qui encourage les étudiantsdes écoles de design à devenir les fers de lance de la création mondiale. Une initiative généreuse qui peut être un tremplin pour les jeunes talents de demain mais aussi pour l'image du luxe "made inFrance". Pour avoir assisté au cours des dix dernières années aux différents "shows" des lauréats du"Comité Colbert" et avoir apprécié les scénographies qui portaient les créations des lauréats signées Matali Crasset, Christian Ghion, Electronic Shadows... la version 2008 dans le cadreprestigieux du Palais de Tokyo n'était-elle pas une opération suicidaire ???? En effet, elle m'est apparue comme une provocation gratuite vis à vis des entreprises qui portenthaut et fort l'image du luxe français et désobligeante vis à vis des jeunes designers lauréats qui pour partie représentent l'avenir de la création française. Cette affirmation est partagée par nombre des invités, alors essayons d'en analyser le pourquoi ? L'exposition: 1°Les projets lauréats: C'est d'abord l’aventure merveilleuse d'un graphiste dont j'ignore le nom qui tout en dentelles met en scène les projets lauréats à tel point qu'on ne voit que son graphisme et qu'on cherche désespérément les créations lauréates. Y-a-t-il le nom du lauréat? Y a- t-il le nom de la Maison dont il est le lauréat ? Moi, je n'ai rien vu! En résumé: les lauréats peuvent dire merci au graphiste d'avoir préservé leur anonymat, d'avoir occulté le sens de leur création et les maisons sponsors de même pour les avoir laissées en dehors de toute publicité institutionnelle. 2° Les photos des lauréats!! Voilà de très belles photos. Mais oui, il s'agit des lauréats. Pour les voir vous n'avez qu'à traverser les 30 mètres qui vous séparent du mur d'en face!! Au pas de course, s'il n' y a pas de visiteurs c'est 6 secondes . Oui, ils sont tous là. Elles sont belles, ils sont beaux, toujours dans un cadre bo-bo sans identité marquante. Bon, on passe d'une photo à l'autre sans savoir qui est qui, sans savoir de quelle société il ou elle est lauréat ?!!!!!! Tout cela n'a pas d'importance dira le photographe mes photos sont de l' "ART" Il a peut-être raison mais nous sommes là pour découvrir des créations, des créateurs et des entreprises qui ont parié sur leur talent présent et à venir. 3° Le grand écran: La vidéo présentation des projets lauréats. Ah, oui une vidéo artistique (Pourquoi pas?): Une image de début avec le lauréat en scène et une succession d'écorniflures. "Oui, nous sommes dans l'art et nous vous emmerdons tous !" pourrait-il dire. Et oui, une vidéo qui nous emmerde! Bravo, l'artiste-vidéaste. J'espère au moins pour lui que sa facture sera nettement plus significative que sa prestation !!!. 4° Le site internet : Et oui l'on repart chez soi avec un certain désenchantement mais aussi avec un certain espoir que le carton "design-colbert.fr" qui nous a été remis à la sortie nous renseigne enfin!. Là encore c'est une nouvelle désillusion qui nous attend devant l'écran de notre ordinateur. C'est à coups de clic et de re-clic que l'on retrouve la vidéo de l'exposition. On s'y attarde davantage, on écoute un commentaire en complet décalage avec les projets primés. Peut-être l'auteur a-t-il pensé que seuls les imbéciles cherchent à comprendre? Plus fort encore : Saint-Louis se diversifierait-il dans la cosmétique???. En effet, on sait pas trop si, c'est ce verre caché sous la dentelle ou ce qui ressemble à un tube de rouge à lèvres qui s'agite en bas de l'image, qui est la création récompensée. Il y aurait bien d'autres exemples mais arrêtons nous là. Un fiasco ai-je dit au départ ? Comment peut-il en être autrement puisque nous sommes dans la négation absolue du design, de sa pensée et de son contenu, puisque les designers lauréats sont renvoyés aux frontières de l'anonymat, puisque l'image des grandes maisons sponsors est mise en transparence mais peut-être pas leurs carnets de chèques!! Je me pose la question: Comment est-il possible au plus haut niveau de détourner une opération de valorisation des entreprises du « Comité Colbert » et de confisquer la création des jeunes designers ? Gervais JASSAUD

Étagère REK par Reinier de Jong

La Revue du Design — Tue, 16 Dec 2008 23:41:54 +0000

Imaginée par le designer hollandais Reinier de Jong, la bibliothèque REK s'agrandi à mesure des livres que l'on veut y placer. Comme un jeu de construction géant, ses différents éléments coulissent les uns dans les autres pour ne former, une fois totalement "compressés", qu'une colonne massive finement striée. Composée de cinq éléments disposés en quinconce, REK se déploie et s'adapte en termes de volumétrie à l'espace de la pièce tout autant qu'aux éléments qu'elle est amenée à contenir. Sources : le-design.fr, Trendsnow.net, Design-obsession.fr.

Logo de la BID

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:42:19 +0000

Vases de Susana Soares (Portugal)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:42:44 +0000

Bombonnes de gaz de Carlos Aguilar (Portugal)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:43:06 +0000

Tabouret de Fernando Brizio (Portugal)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:43:29 +0000

Buffet de Boca do Lobo (Portugal)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:43:54 +0000

Luminaire de Fernando Prado (Brésil)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:44:23 +0000

Lampe de Rodrigo Alonso (Chili), dans laquelle le packaging lui-même est l'objet

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:44:57 +0000

Étagère de Stone Design (Espagne)

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 12:45:24 +0000

Collection Anything par Michael Sodeau

La Revue du Design — Wed, 17 Dec 2008 23:17:08 +0000

Michael Sodeau, designer britannique, vient de signer une collection d'accessoires de bureau intitulée Anything pour la marque japonaise Suikosha. Avec ses lignes arrondies et ses couleurs vives, cette collection comprend une paire de ciseaux, un dévidoir à scotch, une agrafeuse, une série de gommes en forme d'étoiles, une horloge et un set de règle, équerre, rapporteur. Deux ans de développement auront été nécessaire à l'élaboration de cette gamme, destinée à évoluer au cours du temps. Sources : Anything-design.com, Michaelsodeau.com, Core77.com, deco-design.biz.

BID, la première Biennale ibéro américaine de design à Madrid

La Revue du Design — Thu, 18 Dec 2008 23:38:56 +0000

Jusqu’au 1 février 2009, le Matadero, un espace madrilène réservé aux expositions et manifestations artistiques, accueille la première édition de la BID (bienal ibero-americana de design). Mêlant graphisme, stylisme et design, plus de 300 projets provenant de 22 pays différents y sont présentés. L’objectif de cette manifestation est de fédérer les énergies et les approches des pays d’Amérique Latine, d’Espagne et du Portugal, entre lesquels existent des liens linguistiques et culturels forts. La BID est organisée par DIMAD, l’association des designers de Madrid. Elle a vocation à être reconduite tous les deux ans, et à être entourée de diverses manifestations, activités et conférences. Son objectif est de devenir l'un des principaux outils de la promotion du design contemporain Ibéro-américain. Quelques projets : Plus d’informations sur le site bid-dimad.org. Source : Le Site des Industries Créatives Européennes (european-creative-industries.eu).

Affiche de l'exposition Orgueil et Colère

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 09:59:57 +0000

Olivier Sidet. Miroir Supercheries (Orgueil)

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 10:00:30 +0000

Kacper Hamilton. 7 Deadly Glasses (Orgueil et Colère)

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 10:01:22 +0000

Frank Tjepkema. Vases Do Break et Shock Proof (Colère)

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 10:02:50 +0000

Benedetto Bufalino,Tous les matins, je suis un grand designer (Orgueil)

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 10:03:13 +0000

Kacper Hamilton 7 Deadly Glasses (Orgueil et Colère)

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 10:14:40 +0000

dito-appartement101

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 12:21:01 +0000

Canapé Duo par Fred RIeffel pour Arfa.

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 20:56:54 +0000

Canapé Duo par Fred Rieffel pour Arfa.

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 20:57:48 +0000

Duo doublement récompensé

La Revue du Design — Fri, 19 Dec 2008 23:43:21 +0000

Déjà récompensé par un label VIA en 2006 et un label de l’Observeur du design en 2008, le canapé Duo de Fred Rieffel vient de se voir décerner un Red Dot Design Award et un label Good Design du Museum of Architecture and Design de Chicago. Permettant une double assise - profonde et confortable d'un côté, plus temporaire de l'autre (un peu à la manière d’un Chesterfield revisité) - le canapé Duo a été conçu pour la marque bourguignonne Arfa, spécialisée dans les sièges rembourrés. Un très beau succès, international, couronne donc cette collaboration. Source : Fredrieffel.com.

Orgueil et Colère

La Revue du Design — Sun, 21 Dec 2008 23:23:30 +0000

C'est le nom d'une exposition présentée jusqu'au 31 janvier 2009 dans les murs de la galerie du Centre de Design Marseille. Mettant en scène, entre autres, des créations d'Olivier Sidet, Matali Crasset, Piet Houtenbos ou Karim Rashid, elle propose de découvrir une vingtaine de créations se jouant de ces deux notions et révélant, par là, des approches originales et parfois inattendues du design. Après Gourmandise & Luxure, le Centre Design Marseille poursuit donc sa mise en image des sept péchés capitaux, dévoilant au passage les réflexions de douze designers plus sept "invités" (voir la liste plus bas). Sont ainsi mis en évidence l'orgueil, une notion que les créateurs, artistes reconnus ou en devenir, connaissent finalement assez bien (parfois l'assument et d'autres fois s'en jouent), et la colère, sentiment puissant et ultime révélant des comportements assez éloignés des usages lisses et "conformes" avec lesquels les designers sont souvent obligés de composer lorsqu'ils imaginent une création destinée au plus grand nombre. Plusieurs pièces, assez amusantes, ont ainsi retenu notre attention:

Les miroirs Supercheries d’Olivier Sidet donnent lieu à une expérience d’illusionniste, car il laissent apparaître, lorsque l'on se tient juste en face d'eux, une image qui vient distraire la réflexion de sa propre image. Le miroir Ghost, quant à lui, ne reflète que l’environnement, laissant la partie central de l'objet, là où l’observateur devrait normalement se contempler, curieusement vide. Les vases Do Break et Shock Proof de Frank Tjepkema sont basés sur le même principe : une couche de silicone à l’intérieur du vase permet de le violenter sans qu’il tombe en morceaux. Chaque nouvelle craquelure, née par exemple d'une scène de ménage, participe ainsi à son esthétique. Avec son miroir pré-imprimé intitulé Tous les matins, je suis un grand designer, Benedetto Bufalino propose à chacun, l’espace d’un instant, de faire la couverture d’Intramuros, le fameux magazine dédié au design. Enfin, la collection de verres à vin 7 Deadly Glasses, de Kacper Hamilton, est inspirée des 7 péchés capitaux, chaque verre représentant un péché qui est révélé à travers la façon de boire. Le verre Colère en forme de goutte acérée, nécessite un geste brusque, presque violent, du poignet afin d’accéder au précieux nectar. Le verre Orgueil, ostensiblement démesuré, est quant à lui le plus grand et le plus contenant de tous. Source : designmarseille.org Designers exposés : - Olivier Sidet, miroir Supercherie et Ghost - Florence Doléac, la Chaise mise à nu - Matali Crasset, miroir Spline - Thomas Libé et David Puel, Selfkiss - Kacper Hamilton, verres 7 Deadly Glasses - Yve Thelermont et David Hupton, Stuck on you - Frank Tjepkema, Shock Proof et Do Break - Fred & Friends, $100 Confetti - Piet Houtenbos, Hand Grenade Oil Lamp - Karim Rashid, Globalight - Jennifer Fréville, miroir Moucharabieh - Sophie Levy, les Bijoux de Sophie Designers invités : - Fabrice Koukoui, chaise Dali - Florence Schmidt, couverts Colère de tous les jours - Valentina Pilia et Caroline Issard - Benedetto Bufalino, miroir Tous les matins, je suis un grand designer - Delphine Huguet, chocolats Deuxième chance - Pierre Juvigny, service de table Coup d’éclat - LN Boul, série d’assiettes Tous nos vœux de bonheur

noel-copie

La Revue du Design — Tue, 23 Dec 2008 15:03:19 +0000

couv

La Revue du Design — Tue, 23 Dec 2008 15:07:50 +0000

Joyeuses Fêtes

La Revue du Design — Tue, 23 Dec 2008 23:24:30 +0000

La Revue du Design vous souhaite de joyeuses fêtes et marque une pause de quelques jours. Retour le 2 janvier 2009, avec une nouveauté !

La Revue du Design - Hors Série n°1 - mai-decembre 2008

La Revue du Design — Wed, 31 Dec 2008 08:04:12 +0000

La Revue du Design - Hors Série n°1

La Revue du Design — Thu, 01 Jan 2009 23:29:39 +0000

Plusieurs fois par an, La Revue du Design vous proposera, par le biais d’un hors série téléchargeable, une sélection des meilleurs articles, analyses ou nouveautés publiés au cours des derniers mois. Le numéro 1, dédié au second semestre de l’année 2008, est à découvrir dès aujourd’hui. Vous pouvez l'ouvrir et le télécharger en cliquant sur l'image ci-dessous : (si cela ne fonctionne pas, vous pouvez cliquer sur ce lien). Nous vous souhaitons une excellente lecture, et restons ouverts à vos commentaires, suggestions, propositions ou réactions.

MX-Libris © Alberto Villareal.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 09:28:12 +0000

MX-Libris © Alberto Villareal.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 09:29:01 +0000

MX-Libris © Alberto Villareal.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 09:29:28 +0000

2009-01-05-a1

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 10:43:33 +0000

Alder © Brent Comber.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 10:44:08 +0000

Alder (détail) © Brent Comber.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 10:44:38 +0000

Shattered © Brent Comber.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 10:45:21 +0000

Hechima 4. Photo © Ryuji Nakamura.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 15:45:48 +0000

Hechima 4. Photo © Ryuji Nakamura.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 15:46:19 +0000

Hechima 4. Photo © Ryuji Nakamura.

La Revue du Design — Fri, 02 Jan 2009 15:46:59 +0000

Concept-taxi MX-Libris

La Revue du Design — Sun, 04 Jan 2009 23:18:32 +0000

Né sous le crayon d'Alberto Villareal, le concept-taxi MX-Libris a récemment été récompensé par un Red Dot Design Award. Véhicule propre privilégiant l'habitabilité, il est caractérisé par un design simple, "cubique" et malin. Conçu pour les villes d'Amérique du sud, connues pour leur taux de pollution élevé et leur circulation dense, le MX-Libris fonctionne grâce à des piles à combustible. L'espace ainsi gagné au niveau du moteur, associé à un design intelligent réduisant au maximum les porte-à-faux avant et arrière, a permis d'optimiser les dimensions intérieures tout en conservant un encombrement global modeste. Quatre passagers ont la possibilité de prendre place dans ce taxi, l'un d'entre eux étant situé à coté du chauffeur, dos à la route. Ne ressemblant pas - heureusement - à une voiture ordinaire, MX-Libris propose un principe qui n'est pas sans rappeler celui des Cabs anglais. En effet, les innovations automobiles et autres concept-cars s'intéressent rarement aux taxis, un mode de déplacement urbain pourtant incontournable dans la plupart des villes, et caractérisé par des besoins propres qu'une berline ou un monospace, aussi bien conçus soient-ils, ont parfois du mal à combler. Sources : red-dot.sg, turbo.fr.

PAPIER bag © Stephan Diez / Authentics

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:44:27 +0000

PAPIER bag © Stephan Diez / Authentics

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:45:31 +0000

Moroso BENT | ©2007 by Ingmar Kurth

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:46:00 +0000

Elmar Flötotto COUCH | ©2006 by Ingmar Kurth

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:46:39 +0000

Jens Biegle OYSTER ©2007 by Oliver Spieß

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:47:08 +0000

Bar-Stool pour Thonet © Stephan Diez

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:48:03 +0000

Moroso BENT ©2007 by Ingmar Kurth

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 13:49:23 +0000

Alder & Shattered

La Revue du Design — Mon, 05 Jan 2009 23:35:16 +0000

Le designer canadien Brent Comber utilise le bois de manière inhabituelle, en s'intéressant davantage à sa tranche qu'à son fil. Agglomérant des morceaux les uns aux autres puis y taillant des formes géométriques, il révèle la beauté intrinsèque de ce matériau naturel, en créant des motifs aux formes irrégulières. Sa série Alder (cf. images ci-dessus), fabriquée à partir de branches ayant conservé leurs écorces, se décline ainsi en différents modules pouvant faire office de tabourets ou de tables basses. Élaborée à partir d'un principe similaire, la série Shattered ("brisé", cf. image ci-dessus) substitue aux branches précédentes des pièces de bois déjà sectionnées, évoquant ainsi dans leur accumulation une surface brisée comme le serait une plaque de verre. Pour produire ses pièces, le designer utilise le plus possible des déchets de bois venus de l'industrie ou des morceaux récupérés. Il les sèche ensuite au four, tout en leur conservant un certain degré d'humidité naturelle et leur applique un vernis ou une huile spécifiques contre les tâches et les éraflures. Sources : r-echos.net, monoscope.com, designboom.com.

Hechima 4

La Revue du Design — Tue, 06 Jan 2009 23:43:52 +0000

Légère, presque transparente, l'assise Hechima 4 du designer et architecte japonais Ryuji Nakamura est entièrement réalisée en papier vulcanisé (fibre t2.4). Présenté à Londres lors de la dernière édition de 100 % Design, ce fauteuil fait partie d'un ensemble de recherche plus vaste que le créateur mène sur des matières "structurées", dont l'assemblage génère résistance et volume. Source : ryujinakamura.com.

Portrait : Stephan Diez

La Revue du Design — Wed, 07 Jan 2009 23:43:52 +0000

Né en 1971 et diplômé de l'Academy of Fine Arts de Stuttgart, Stephan Diez créé son agence en 2003 à Munich. Il collabore aujourd'hui avec de grands noms du design européen - Moroso, Authentics, Rosenthal, Promosedia, Thonet -, et propose des objets caractérisés par une forte évidence formelle et un minimalisme savamment dosé (l'influence de Konstantin Grcic, pour qui il travailla pendant deux ans, n'est pas si loin). Quelques projets : Réalisés en papier plastique, les PAPIER bag qu'il vient de dessiner pour la marque allemande Authentics, consistent en deux sacs dont les poignées sont formées à partir de la matière elle-même, comme si elle s'était dé-assemblée. La série Bent, imaginée pour Morosoen 2006, est quant à elle réalisée en tôle colorée, perforée au niveau des pliures. Un curieux jeu formel vient ainsi marquer les arêtes de ces volumes, comme s'ils étaient dessinés en pointillés. Le canapé Couch (Red Dot design award en 2005), conçu pour la marque allemande Elmar Flötotto, évoque un vieux canapé Chesterfield. Réalisé en tissu polyester résistant, rempli de billes et flocons de mousse (Ergofill), sa surface est parsemée de petits capitons directement thermoformés dans la housse. Tout aussi (faussement) simple, le collier Oyster, développé pour le joaillier Biegel, évoque de petites pièces de mécanique, toutes identiques, dont l'accumulation forme un motif. Enfin, les courbes complexes du tabouret Bar-Stool, qui vient d'être imaginé pour Thonet, rappellent celles d'une selle de cheval. Alliant confort et ergonomie, il devrait être disponible au printemps prochain. Sources : todayandtomorrow.net, yatzer.com.

Vers un design relationnel

La Revue du Design — Thu, 08 Jan 2009 23:49:09 +0000

Pour finir la semaine, évoquons un article qu’Andrew Blauvelt, directeur et conservateur du Walker Art Center de Minneapolis, a publié il y a quelques semaines dans l’excellente revue en ligne Design Observer, et dans lequel il porte un regard global sur l’histoire du design et propose quelques clés de lecture de la discipline actuelle et de ses enjeux. Morceaux choisis. Dans ce texte, Andrew Blauvelt se demande tout d’abord s’il existe une approche qui permettrait de saisir, d’un seul mouvement, les différentes disciplines que sont l’architecture, le design et le graphisme. Is there an overarching philosophy that can connect projects from such diverse fields as architecture, graphic and product design? Or are we beyond such pronouncements? Should we even expect such grand narratives anymore? Il propose, ensuite, de structurer l’histoire de ces disciplines en trois temps, le premier débutant au début du XXe siècle avec la recherche d’un vocabulaire et d’une syntaxe formelle élaborés rationnellement et à vocation universels. The first phase of modern design, born in the early twentieth century, was a search for a language of form that was plastic or mutable, a visual syntax that could be learned and thus disseminated rationally and potentially universally. This phase witnessed a succession of “isms” - Suprematism, Futurism, Constructivism, de Stijl, ad infinitum - that inevitably fused the notion of an avant-garde as synonymous with formal innovation itself. Le second temps, né dans les années 1960, s’est intéressé au design comme acte pouvant produire du sens. Ce mouvement a connu son apogée dans les années 1980 et 1990, avec des designer-stars délivrant leurs créations comme autant de regards ou de commentaires sur la société. Importantly, in this phase of design, the making of meaning was still located with the designer, although much discussion took place about a reader’s multiple interpretations. In the end though, meaning was still a “gift” presented by designers-as-authors to their audiences. If in the first phase form begets form, then in this second phase, injecting content into the equation produced new forms. La troisième phase, que nous connaissons aujourd’hui, est quant à elle caractérisée par un renversement assez profond de ces disciplines. Influencée par les technologies numériques, elle a notamment amené à considérer différemment l’utilisateur (avec les notions d’interactivité, de réseaux sociaux, de collaboration, d’open-source…), mais aussi à s’éloigner des expérimentations formelles ou sémiologiques en tant que telles. However, the new practices of relational design include performative, pragmatic, programmatic, process-oriented, open-ended, experiential and participatory elements. This new phase is preoccupied with design’s effects — extending beyond the design object and even its connotations and cultural symbolism. Nous sommes ainsi passés, aux yeux de l’auteur, d’une projection idéalisée d’"usages" à une observation et une mise en scène plus fine d’une multiplicité de "comportements": l’utilisateur s’est dévoilé dans toute sa diversité et sa créativité, comme une composante essentielle du projet. Le contexte, également, a influencé la manière de penser les créations, comme étant lui aussi un facteur actif. Even in most instrumental forms of design, the audience has changed from the clichéd focus group sequestered in a room answering questions for people hiding behind two-way mirrors to the subjects of dogged ethnographic research, observed in their natural surroundings — moving away from the idealized concept of use toward the complex reality of behavior. Andrew Blauvelt en appelle ainsi à des créations plus souples et plus ouvertes, et à un designer devenu programmateur et projeteur de situations plutôt qu’ingénieur ou simple inventeur. Just as the role of the user has expanded and even encompasses the role of the traditional designer at times (in the guise of futurist Alvin Toffler’s prophetic “prosumer”), the nature of design itself has broadened from giving form to discrete objects to the creation of systems and more open-ended frameworks for engagement: designs for making designs. Yesterday’s designer was closely linked with the command-control vision of the engineer, but today’s designer is closer to the if-then approach of the programmer. Devenu chef d'orchestre, arbitrant différentes contraintes (économiques, techniques...) tout autant que les apports du contexte de l'utilisateur, le nouveau designer se considère moins "artiste" et s’intéresse aux endroits où le design peut s’autoproduire tout autant qu'aux manières dont il peut le faire. Il conçoit ainsi un design qu'Andrew Blauvelt appelle "relationnel". Relational design is obsessed with processes and systems to generate designs, which do not follow the same linear, cybernetic logic of yesteryear. Ce nouveau design, qu’il imagine plus ouvert – comme peut l’être un projet en cours d’élaboration – revêt ainsi de multiples facettes et possibilités. Il donne une nouvelle importance, nous l’avons dit, au contexte, et offre surtout des possibilités inédites de s’abstraire du dictat de la forme comme principale expression de la créativité (et de la pertinence) du designer. If the first phase of design offered us infinite forms and the second phase variable interpretations - the injection of content to create new forms - then the third phase presents a multitude of contingent or conditional solutions: open-ended rather than closed systems; real world constraints and contexts over idealized utopias; relational connections instead of reflexive imbrication; in lieu of the forelorn designer, the possibility of many designers; the loss of designs that are highly controlled and prescribed and the ascendency of enabling or generative systems; the end of discrete objects, hermetic meanings, and the beginning of connected ecologies. Pour découvrir l’article complet : Towards Relational Design sur designobserver.com

Philippe Starck terrorise les chefs !

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 08:30:41 +0000

C'est le titre d'un article publié sur le site Internet de Madame Figaro, relatant le réaménagement récent du restaurant parisien Bon, auquel Philippe Starck est associé. Comme d'habitude, il nous parle un peu de design, pas mal de cuisine, et beaucoup d’autres choses. Aménagé en quatre sous-espaces - vinothèque, salle cheminée, boudoir et bibliothèque - le lieu comporte également un fumoir rappelant que "tout de même, fumer n'est pas recommandé pour la santé". Présentant rapidement le concept du restaurant, bio, diététique, l'article interroge le designer sur sa vision de la cuisine, biologique et diététique. On y apprend qu'il a définitivement supprimé le beurre et la charcuterie de son alimentation, et qu'il est "addict" par crises, mangeant tantôt de la poutargue, de la truffe blanche, ou du blanc d’oeuf (en ce moment, se sont les flans au chocolat qui ont sa faveur, élaborés à partir de chocolat basque, "le meilleur du monde"). L'article donne également une idée du point auquel le nom du créateur est désormais associé à une marque, presque un concept, qui se décline à la chaîne. "Aux États-Unis, on est numéro un, récompensé de plusieurs Awards par endroits, nous apprend ainsi le créateur. Et d'ajouter : En Californie, on en ouvre carrément un par mois." ! Ce texte nous amène aussi à voir à quel point le rôle du designer peut s'étendre : de celui qui aménage le lieu, il devient celui qui définit précisément son concept et impose sa vision des produits et des pratiques. On comprend alors la pertinence du titre de l'article, lorsque Starck nous explique, très docte, qu'il "terrorise les chefs, qu’ils soient petits ou grands. Ils sont obligés d’en passer par le sermon de Philippe Starck qui leur apprend leur métier. On voit dans leurs yeux un mélange de stupéfaction et de haine pour ce crétin qui fait des brosses à dents et leur explique la diététique de demain." Source : Madame.lefigaro.fr.

Fumoir © Restaurant BON / Starck.

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 09:35:05 +0000

Vinothèque © Restaurant BON / Starck.

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 09:36:54 +0000

Salle cheminée © Restaurant BON / Starck.

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 09:37:29 +0000

Salle cheminée © Restaurant BON / Starck.

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 09:38:07 +0000

What to produce if not "cars"

La Revue du Design — Mon, 12 Jan 2009 23:11:25 +0000

Christian Guellerin, directeur de l’Ecole de Design de Nantes, vient de publier sur le site Admirable design (et également sur son blog personnel), une lettre ouverte aux fabricants d'automobiles, les invitant à questionner leur outil de production dans le but, non d'imaginer de nouveaux modèles, mais de voir en quoi il pourrait être utilisé différemment. Cet article, intitulé The question for GM : What to produce if not "cars", propose en particulier à General Motors et Renault, deux fleurons des industries américaine et française par ailleurs soumis à d'importantes difficultés conjoncturelles, de profiter des subventions qui vont leur être accordées pour remettre à plat leur politique produit. "S’il s’agit de soutenir l’industrie automobile pour qu’elle continue de fabriquer des automobiles, alors il se pourrait que l’effort consenti soit vain : Il n’y a pas de raisons pour que les dirigeants de General Motors et de Renault deviennent meilleurs gestionnaires qu’ils ne l’étaient déjà, que les employés deviennent soudainement plus productifs, que les marchés se retournent, que les commerciaux trouvent des débouchés sur d’autres planètes." Par contre, si les constructeurs automobiles envisagent le problème sous un autre angle, en questionnant les importantes ressources et possibilités de productions qu’ils ont à leur disposition, il se pourrait qu'ils mettent en place des produits tout autant que des stratégies commerciales nouvelles. Christian Guellerin identifie à ce propos trois de leurs savoir-faire principaux : la technologie du moteur à explosion, l’organisation de la chaîne d’assemblage et des réseaux de distribution particulièrement performants. "Qu’est ce que l’on peut faire avec cela à la condition qu’il ne s’agisse pas d’automobile ?", questionne l'auteur, affirmant par ailleurs que les designers pourraient avoir, dans cette transformation, toute leur place. Il appelle d'ailleurs pour finir les designers de tous les pays à s'unir : "l’industrie automobile, conclut-il, n’a jamais eu autant besoin de vous… pour faire autre chose que des voitures et pour que vive 2009". En quelques lignes, Christian Guellerin cristallise ainsi quelques enjeux du design contemporain en temps de crise et face à un appauvrissement de la demande : sa capacité à tirer parti d'outils de production et de savoir-faire préexistants pour renouveler l'offre, et plus seulement élargir les gammes, apparaît ainsi comme un élément essentiel de stratégies de développement à venir. Sources : Christianguellerin.lecolededesign.com, Admirabledesign.com.

Blog déco du mois

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 00:07:13 +0000

La Revue du Design participe au concours "Blog déco du mois" organisé par Marie Claire Maison. Pour plus de précisions, et aussi découvrir les nombreux autres blogs en lice, vous pouvez visiter cette page.

Vegetal chair © Vitra

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 16:30:35 +0000

Vegetal chair © Designboom

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 16:31:24 +0000

© Ronan et Erwan Bouroullec

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 16:31:58 +0000

Workbay © Vitra

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 16:32:39 +0000

Deux assises des frères Bouroullec

La Revue du Design — Tue, 13 Jan 2009 23:29:56 +0000

Ronan et Erwan Bouroullec viennent de signer un fauteuil de bureau et une chaise pour Vitra témoignant, l'un et l'autre, de quelques unes de leurs préoccupations fortes : la possibilité pour des objets de créer des sous-espaces dans un lieu plus vaste, et la capacité de structures à générer, dans leur accumulation, des formes signifiantes. La Végétal chair, présentée lors de la manifestation Designer’s Saturday 2008, est réalisée en polyamide teinté. Son assise, tressée, donne l'impression d'avoir poussé presque naturellement : trois niveau de bandes ressemblant à des branches s’y entrelacent de manière asymétrique. Quatre années de développement et de nombreux modèles "test" auront été nécessaires pour assurer stabilité et légèreté à l'objet, tout en lui conférant un bon confort d'assise et en lui donnant un aspect esthétique satisfaisant. Cette chaise devrait être disponible au printemps 2009. A son sujet, Ronan Bouroullec nous dit : "En tant que designers, nous avons pour mission de trouver de nouvelles structures et de nouvelles formes de construction. Cette chaise est bien plus qu’un simple motif c’est avant tout une structure." Workbay, siège de bureau "cocon", se place quant à lui dans la continuité de la série Worknest que les frères Bouroullec avaient également imaginé pour Vitra. Avec son dossier haut et courbé, il forme une niche permettant une isolation visuelle et acoustique, idéale notamment lors d'une configuration type open-space, aujourd'hui largement remise en cause. Sources : vitra.com, designboom.com, form.de, crdecoration.com.

Macaron "Je participe au blog déco du mois Marie-Claire Maison"

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 08:58:15 +0000

Machine à café Coffee.It' par Wiel Arets pour Alessi (co-lauréat) © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:50:24 +0000

Chauffe-eau Ciussai par G Di Tullio et S Ragaini (co-lauréat) © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:50:58 +0000

Créations de Patrick Norguet © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:51:24 +0000

Restaurant Banq par Office dA © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:51:47 +0000

Final Wooden House par Sou Fujimoto © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:52:08 +0000

Fenêtre Bloomframe par Hofman Dujardin Architects © Wallpaper

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 10:52:30 +0000

Concours Wallpaper 2009, les résultats

La Revue du Design — Wed, 14 Jan 2009 23:45:32 +0000

Le magazine Wallpaper vient de dévoiler les gagnants de son grand concours annuel de design. Sélectionnés par un jury prestigieux (Jean Nouvel, Marc Newson, Inès de la Fressange, Kanye West, Sir Ken Adam et Stefano Pilati), les lauréats se répartissent en plusieurs grandes catégories : électroménager, mobilier, aménagement intérieur… Quelques images (sélection) : Meilleur nouvel appareil électroménager : le radiateur Ciussai de Giorgio Di Tullio et Stefano Ragaini pour Ragaini (image ci-dessus), dont le flexible peut se déployer librement dans l'espace, et la machine à café Coffee.It' par Wiel Arets pour Alessi (co-lauréats). Meilleur designer mobilier : Patrick Norguet. Ce designer français a notamment été récompensé pour sa facilité à assembler des matériaux différents, que ce soit par exemple pour sa dernière collection imaginée pour Silvera, dans laquelle il mêle matériaux naturels et néoprène, ou encore pour l’éditeur Poltrona Frau, pour lequel il a imaginé un tabouret garni de cuir et, au choix, de marbre blanc, chêne naturel ou ébène. Meilleur nouveau restaurant : Banq, aménagé par l’agence d’architecture Office dA à Boston. Aménagé dans une ancienne banque, le lieu propose un ensemble de reliefs d’inspiration morphologique, réalisés en plaques de contreplaqué de bouleau. Meilleure nouvelle maison : la Final Wooden House de Sou Fujimoto (Japon). Utilisant des pièces de bois monumentales, empilées les unes sur les autres, l’architecte propose un espace façon mécano géant. Produit changeant le plus la vie : la fenêtre Bloomframe par Hofman Dujardin Architects. Cette ingénieuse fenêtre s’ouvre sur l’extérieur pour se transformer en petit balcon. Vous pouvez découvrir l'ensemble des lauréats et autres participants sur wallpaper.com.

Table Black Stone par Luca Nichetto et Massimo Gardone © Moroso

La Revue du Design — Thu, 15 Jan 2009 09:14:30 +0000

Table Black Stone par Luca Nichetto et Massimo Gardone © Moroso

La Revue du Design — Thu, 15 Jan 2009 09:15:17 +0000

Table Black Stone par Luca Nichetto et Massimo Gardone (détail) © Moroso

La Revue du Design — Thu, 15 Jan 2009 09:15:38 +0000

Black Stone

La Revue du Design — Thu, 15 Jan 2009 23:09:46 +0000

La table Black Stone, dessinée par le jeune designer vénitien Luca Nichetto et éditée par Moroso, est composée d'un plateau réalisé en verre trempé et porcelaine stratifiée, sur lequel ont été imprimées par sublimation des images florales réalisées par le photographe Massimo Gardone. Une rencontre intime et poétique entre design et photographie... La table se décline en trois dimensions : carré (100x100cm) et rectangulaires (100x180cm ou 100x240cm). Une version pour extérieure existe également, substituant aux pieds en acier laqué des pieds en inox brossé. Luca Nichetto et Massimo Gardone avaient déjà imaginé, il y a deux ans, une autre table également éditée par Moroso, intitulée Around The Roses et associant elle aussi design et photographie : une base en acier verni blanc ou noir effet caoutchouc supportait un plateau en acrylique englobé d'un tissu imprimé. Plus de renseignements sur moroso.it.

Plastic Nature © Alexander Pelikan

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 08:40:28 +0000

Plastic Nature © Alexander Pelikan

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 08:41:19 +0000

Plastic Nature © Alexander Pelikan

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 08:41:48 +0000

Plastic Nature

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 08:45:49 +0000

La série Plastic Nature du designer Alexander Pelikan se propose d'associer bois et résine dans des assemblages originaux : des pièces de bois, défoncées de manière irrégulière, constituent autant de points d'accroche pour de la résine. Deux films, accessibles sur le site Internet du créateur, permettent de mieux saisir leur technique de fabrication (voir ci-dessous). Les premières pièces de cette série sont nées lors du diplôme qu'Alexander Pelikan a passé à la Design Academy d'Eindhoven, en juin 2006. Il a depuis développé son principe, qu'il a appliqué à une plus grande gamme de meubles : tabouret, table et chaise. Associant deux vocabulaires esthétiques fortement liés au domaine du meuble - en plastique et en bois - il tire également partie des spécificités techniques propres à chacun de ces matériaux. Comme évoqué plus haut, deux films présents sur le site Internet du créateur permettent de mieux comprendre ce principe. Sources : pelidesign.com, notcot.org, belowtheclouds.com, mais aussi Le site de la galerie Priveekollektie, qui a présenté ces pièces plus quelques autres lors de la dernière session de Design Miami.

Universal Plug © Kim Seung Woo

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 15:41:34 +0000

2009-01-20-b1

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 15:43:35 +0000

Universal Plug © Kim Seung Woo

La Revue du Design — Mon, 19 Jan 2009 15:44:16 +0000

Prise Universal Plug par Kim Seung Woo

La Revue du Design — Tue, 20 Jan 2009 00:35:10 +0000

Imaginée par Kim Seung Woo, cette prise électrique permet non seulement d'extraire facilement la fiche du mur grâce à son trou central, mais elle indique également, par le biais d'une petite lumière interne, si le fil est alimenté en courant électrique ou non. Elle permet ainsi, en un coup d'oeil, de distinguer les appareils consommant de l'énergie. Ce projet a été lauréat d'un Red Dot Design Award en 2008. Sources : red-dot.sg, likecool.com, blogdecodesign.fr.

Senz XL Storm Umbrella © Senz

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 08:48:04 +0000

Senz XL Storm Umbrella

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 08:51:42 +0000

Le parapluie Senz XL est le premier parapluie aérodynamique. Grâce à sa forme asymétrique, il résiste plus facilement aux rafales et se positionne toujours correctement face au vent (il ne tourne pas). Sa forme et sa technique de construction, imaginées par Gerwin Hoogendoorn et Niels Heijman, brevetées, résistent à des vents allant jusqu'à 100 km/h. Autre avantage : la réflexion qui a été menée sur les angles des baleines permet de protéger les yeux de l'utilisateur, tout en lui garantissant une couverture arrière maximale. Un beau projet de design, démontrant qu'il faut parfois savoir détourner légèrement les standards pour offrir une importante valeur ajoutée usuelle. Lauréat de nombreux prix (dont une étoile de l'Observeur du design,), cet objet est également nominé pour le Brit Insurance Product Award 2009, dont nous reparlerons prochainement. Sources : senzumbrellas.com, newzy.fr, apci.asso.fr.

Chaise Naked © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:17:24 +0000

Chaise Naked © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:17:57 +0000

Paravents Dune © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:18:29 +0000

Chaise Naked © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:19:07 +0000

Paravent Dune © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:19:49 +0000

Paravent Dune © Out of stock design

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 12:20:21 +0000

Karbon K-6228-CP © Kohler

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 15:41:57 +0000

Karbon K-6227-CP © Kohler

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 15:42:23 +0000

Karbon K-6227-CP © Kohler

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 15:42:51 +0000

Karbon (détail) © Kohler

La Revue du Design — Wed, 21 Jan 2009 15:43:30 +0000

Naked & Dunes

La Revue du Design — Thu, 22 Jan 2009 00:07:26 +0000

Imaginés par le collectif Out of stock design, la chaise Naked et la série de paravents Dunes sont présentés jusqu'au 25 janvier 2009 sans les allées du salon IMM Cologne 2009. Naked est une chaise très légère dont le mode de construction particulier devient le motif. Son ossature réalisée en hêtre dialogue avec des tôles d'acier plié, qui viennent combler ses interstices. Grâce à de simples vis et écrous papillons, elle peut être montée sans outils. Dunes est quant à lui un ensemble d'écrans/paravents modulaires et empilables, inspiré par les ondulation des dunes de sable. Réalisé en cordes élastiques de couleurs légèrement différentes, tendues sur un cadre en acier, Dunes joue sur les transparences et l'effet de moirage produit par la superposition des trames. Établi à Barcelone, le collectif Out of stock design est composé de Gabriel Tanet et de Wendy Chua (diplômés de la National University of Singapore), Gustavo Maggio (University of Buenos Aires), Luciano Betoldi (Europeo di Design Barcelona) et Sebastián Alberdi (Istituto Europeo di Design Barcelona).

2009-01-23-def

La Revue du Design — Thu, 22 Jan 2009 09:39:41 +0000

Domovision 2009-2014

La Revue du Design — Fri, 23 Jan 2009 00:33:28 +0000

Le VIA vient de publier Domovision 2009-2014, un ouvrage prospectif sur les courants d'évolution du cadre de vie. Destiné à ceux - industriels, distributeurs, éditeurs, designers - qui souhaitent intégrer les facteurs d’évolution dans leur politique de développement, l'ouvrage décrit quelques tendances à l'oeuvre et en propose la synthèse. Présentation. Dans une première partie, Domovision décrit quelques facteurs d’influence à moyen et à long terme. Ce chapitre fait en premier lieu un point sur la crise (et même les crises) actuelle(s) et à venir (économique, écologique, alimentaire…), soulignant des éléments de tension à prendre en compte, comme par exemple, en termes d’alimentation, l’augmentation du nombre de personnes mal nourries (qui représentaient 500 millions en 2006 sont aujourd’hui 1 milliard), mais aussi le fait que 80 % des océans sont aujourd’hui pollués, que l’eau devient une denrée coûteuse (+ 300 % d’augmentation du prix entre 1985 et 2005) et rare (en 2025, une personne sur deux risque d’en manquer d’eau), qu’un seul pays, les États-Unis, représentant moins de 5 % de la population mondiale, consomme près de 50 % de l’énergie de la planète, que l’écart entre les pays riches et les pays pauvres s’accentue (il est de 1 à 30 en 1960 à 1 à 80 aujourd’hui). Malgré tout, les raisons d’être optimiste (et même "écoptimiste") existent puisque, selon les auteurs de l’ouvrage, nous devrions passer d’une économie de forces brutes, à une économie de l’intelligence. L’un des enjeux des années à venir sera ainsi "d’apprendre à transformer l’information en connaissance". Ainsi " la crise de la fin de la première décennie du siècle devrait accélérer la transformation vertueuse de la masse inouïe de connaissances accumulées en facteurs d’amélioration de la vie quotidienne des hommes sur terre". On pourrait ainsi voir arriver, grâce à des technologies nouvelles moins gourmandes en énergie, "des micro-usines produisant des micro-engrenages, des opérations chirurgicales, des implants mammaires par intraveineuse, des missiles de croisière ramollissant des chars, des machines à produire des légumes survitaminés, la dissolution des astéroïdes avant leur arrivée sur terre, la reconfiguration chimique de l’atmosphère terrestre, des véhicules sans conducteurs, etc.". Les robots seront également de plus en plus intégrés à notre quotidien, "le Japon ayant fait d’ores et déjà de la robotique domestique une de ses priorités pour ce siècle et la Corée du Sud ayant prévu un robot dans chaque foyer dès 2015". Egalement, le marché mondial des produits et services environnementaux se développera, pour approcher les 3 000 milliards de dollars en 2020. De nombreuses initiatives, vertueuses, portent déjà leurs fruits : "les automobiles européennes, par exemple, polluent dix fois moins qu’il y a dix ans. Des moteurs hybrides accessibles devraient voir le jour ainsi que des voitures électriques avec un déploiement massif à partir de 2010-2012 ; des centrales solaires jour/nuit sont en construction en Espagne avec stockage de chaleur par du sel fondu, etc." Cinq grandes familles sont ainsi mises en avant - bien-être, ergonomie, origines, plaisir et altérité - qui sont considérées comme déterminantes dans l’évolution de notre cadre de vie. Concernant le bien-être et le rapport au corps, on évoque des revêtements de surface retardant le dépôt d’impuretés, des meubles de plus en plus adaptés au corps, l’utilisation de matériaux antichoc, le développement de textiles biocides et protecteurs, de solutions de détente (spas, thalassothérapie) ou de bien-être (appareils de fitness et de musculation reliés au corps) à domicile, l’aspiration des mauvaises odeurs, la luminothérapie et la chromathérapie, etc.). L’ergonomie ou le rapport aux choses sont également mis en avant, entre autres, avec des valeurs comme le confort, l’assistance (capteurs, robots), le tout, tout de suite (services en ligne, services à domicile), la mobilité (facilité d’usage, résistance, légèreté, intelligence artificielle), la praticité et l’accessibilité (libre-service, achat/livraison 24 heures sur 24, location évolutive-prêt, options dimensionnelles des lits, tables, fauteuils). Dans une deuxième partie, l’ouvrage insiste sur une modification importante de nos sociétés occidentales quant à leur population, à la fois vieillissante (les plus de 65 ans sont environ 10 millions en France en 2008, soit près de 20% de la population), mais aussi de plus en plus segmentée. A une ancienne et relativement homogène catégorie (les "seniors") succèdent une variété d’usagers et de pratiques, pour cette catégorie de la population qui condense une grande partie de ses richesses et du pouvoir d’achat (les seniors détiennent actuellement 45 % du pouvoir d’achat en France, et ils représentent 72% des contribuables soumis à l’ISF. D’ici vingt ans, cette tranche d’âge possédera les deux tiers du patrimoine français). Plusieurs besoins, amenés à se développer, sont ainsi présentés : modularité et adaptation aux espaces, autonomie et services à domicile, domotique… qui sont autant d’opportunités de développement de nouveaux produits, agencements et services. Enfin, dans la dernière partie qui dresse dans un premier temps un panorama du marché mondial du meuble, l’ouvrage décrit quelques grands courants de création d’aujourd’hui, et leurs tendances à venir. Présentés comme autant de sources d’inspiration, ce chapitre dévoile une grande diversité de pratiques et de registres d’expression. Quatre grandes familles de courants de création sont ainsi mises en avant. Les influences technologiques et fonctionnelles, insistant sur "les qualités structurantes et mécaniques des matériaux, les performances des nouvelles technologies et des procédés de fabrication", le design expérimental… Les influences socioculturelles représentent le second courant présenté, pour lequel "le produit est support d’un esprit, d’une posture qui inspire un discours narratif". Les objets, davantage décoratifs, s’inspirent des styles historiques, revisités (néobaroque, ornementaliste, rétro, ethnique, transcendé ou non par les nouvelles technologies). Les influences éthiques , mettant en avant les matières brutes ou naturelles et l'approche "éco", sont également évoquées, ainsi que les influences artistiques, fruits d’expérimentations et "à la recherche de l’exceptionnel, de la rareté, voire de l’unique pour intéresser en premier lieu les collectionneurs, les galeries, les marques". Au-delà de l’aspect prophétique de certaines idées avancées, l’ouvrage met ainsi à plat un certain nombre de tendances et de développements engagés ou probables, dont nous constatons déjà, aujourd’hui, les fondements. Il fournit aussi, chiffres à la clé, un ensemble de données sur le type ou les comportements des consommateurs, qu’il est toujours bon, en tant que designer, d’intégrer à tout projet à venir. Conçu et dirigé par Gérard Laizé, directeur du général du VIA, Domovision est co-écrit par Frédéric Loeb, directeur du cabinet d’études prospectives Loeb&Innovation (prix de l’ouvrage : 100 euros).

Robobinet

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 00:31:13 +0000

Avec ses robinets de la série Karbon, le fabriquant Kohler étonne et propose des objets d'une étonnante technicité, permettant des inclinaisons et positions totalement différentes. Avec leur aspect futuriste, ces robinets - muraux ou sur pied - sont basés sur une triple articulation. Ils permettent de remplir, sans éclaboussures, casseroles ou verres d'eau, bouteilles ou bassines diverses. Ils peuvent également se tirer vers le bas si l'on souhaite laver des légumes, ou se replier le long du mur lorsque l'on en a plus besoin. Une petite trouvaille, et un design, bien ingénieux. Sources : trendir.com, us.kohler.com

Air chair par Samuel Accoceberry © VIA/ Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 21:07:59 +0000

Air chair par Samuel Accoceberry © VIA/ Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 21:08:32 +0000

Lamellé-décollé par Salomé de Fontainieu et Godefroy de Virieu © VIA/ Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 21:08:57 +0000

Lamellé-décollé par Salomé de Fontainieu et Godefroy de Virieu © VIA/ Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 21:09:22 +0000

Dancing chair Constance Guisset © VIA/ Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 26 Jan 2009 21:09:56 +0000

Bois en folie

La Revue du Design — Tue, 27 Jan 2009 00:58:00 +0000

Les dernières Aides à projet du VIA, dévoilées dans les allées du salon Meuble Paris qui vient de s'achever, mettent le bois à l'honneur. Détourné de ses usages habituels, retravaillé et revisité par la technique, il devient souple, courbe, fluide. Présentation de trois projets, trois assises, qui ont retenu notre attention. La chaise Air chair, de Samuel Accoceberry, est composée de sept lattes de bois courbes, de hauteur décroissante. Emboitées les unes dans les autres, elles sont parfois collées et d'autres fois plus espacées générant alors, au lieu d'une simple tranche, une épaisseur qui devient dossier. La matière, réduite à l'essentiel, génère cependant un rythme visuel assez inhabituel. L'assise Lamellé décollé de Salomé de Fontainieu et Godefroy de Virieu est une autre interprétation inédite du contreplaqué. Ici la matière, par endroit évidée également, génère une souplesse maîtrisée. Au niveau du dossier notamment, les lattes de bois se courbent et se tendent, jusqu'à un moment précis où elles arrivent en butée. Le troisième projet, la chaise à bascule Dancing' chair de Constance Guisset, est toute en courbes. Sa structure ample et légère, réinterprétation contemporaine du rocking-chair, accueille une coque tapissée qui semble presque y flotter. Ces trois projets témoignent, chacun à leur manière, des multiples possibilités offertes par un matériau. Ils insistent également sur le rôle de "relecteur" de techniques et de technologies, sinon de modèles formels (on pourra peut-être d'ailleurs le regretter), qui caractérise souvent l'approche du designer. Plus d'informations sur via.fr.

R60 (2008). Copyright © messenger-light.com All rights reserved. Photographe Seung-il Kim.

La Revue du Design — Wed, 28 Jan 2009 08:30:19 +0000

R60 (2008). Copyright © messenger-light.com All rights reserved. Photographe Seung-il Kim.

La Revue du Design — Wed, 28 Jan 2009 08:30:57 +0000

Grid chair (2008). Copyright © messenger-light.com All rights reserved. Photographe Young-tak Han.

La Revue du Design — Wed, 28 Jan 2009 08:31:21 +0000

R60 et Grid chair

La Revue du Design — Wed, 28 Jan 2009 08:36:54 +0000

Avec ses assises R60 et Grid chair, toutes deux imaginées l'an dernier, le designer coréen Jaebeom Jeong propose des constructions filaires évoquant tant l'histoire de l'architecture et les constructions métalliques, que les possibilités plus récentes de modélisation en trois dimensions. Les objets qui en résultent, curieux, interrogent le spectateur sur sa perception du plein, du vide et des volumes. R60 (Reflex 60°), est réalisée en acier inoxydable et en plaques de polycarbonate (pour les assises et les dossiers des chaises "transparentes"). Cet objet est conçu comme une multiplication, à l'identique, d'un modèle que l'on aurait répété six fois avec un angle de 60° à chaque fois, opérant ainsi une révolution complète. Un seul des éléments est "plein", plaqué d'une fine couche de bois, accentuant ainsi le contraste avec ses cinq jumeaux semi-virtuels. Grid chair évoque quant à elle une chaise que nous avons tous connu ou aurions tous pu connaitre. Egalement réalisée en fil d'acier inoxydable et bois, son volume se "cristallise", là encore, à l'endroit précis où sa fonction est la plus importante, au niveau de l’assise, ne représentant finalement "rien de plus que le minimum fonctionnel". Sources : messenger-light.com, mocoloco.com, designboom.com, yankodesign.com.

Design gratuit ?

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 00:30:12 +0000

Hubert de Malherbe, fondateur de l’agence de design global Malherbe design, a publié il y a quelques jours un article étonnant sur le site Admirabledesign. Pour lui, nous serions entourés de produits gratuits... Dans son article, intitulé Les produits gratuits ?, Hubert de Malherbe questionne dans un premier temps le lecteur sur le concept même de gratuité. Il évoquant ainsi la nouvelle enseigne britannique Primark qui, dans son magasin branché et haut de gamme situé sur Oxford street à Londres, propose des vêtements et accessoires réellement low-cost, à un tarif comparable au pourboire que l'on laisserait dans un taxi ou un restaurant. Il conclue ainsi qu'"il existe pour chacun d’entre nous un seuil de valeur en dessous duquel un produit nous apparaît comme gratuit" et invite le lecteur à s'interroger : "Posez-vous maintenant la question en fonction de vos revenus de savoir à partir de quelle valeur une voiture neuve est-elle gratuite ? Pour ce qui me concerne, je pense qu’elle est gratuite en dessous de 1000€". De plus, au delà de cette gratuité "ressentie" et subjective, Hubert de Malherbe met en avant le fait qu'il existe, dans les produits que nous achetons, bon nombre d'élements qui peuvent être déjà considérés comme gratuits. En effet, il affirme que "jusqu’à 70% des fonctionnalités de produits technologiques comme les téléphones portables et les ordinateurs ne sont jamais utilisées. Ces fonctions là sont bien gratuites puisque le client qui n’en avait pas conscience au moment de l’achat ne les a donc pas achetées". Plus largement, ces technologies, produits ou services "gratuits" (autrement dit, rentabilisés ou payés par ailleurs), se retrouvent partout, et ce sont "autant la soupe populaire que les salons Air France, autant les services des hôtels que la Sécurité sociale" qui peuvent être considérés comme tels. Pour l'auteur, en envisageant les choses sous cet angle, c'est tout un nouvel horizon commercial qui s'ouvre, un nouvel horizon qui pourrait concerner "des produits dont le prix est tellement bas que l’on ne réfléchit pas quand on l’achète", mais aussi des produits que l'on aurait simplifiés en les épurant de toutes leurs fonctionnalités inutiles qui ont pour effet d'augmenter leur cout de développement et leur prix de vente (il prend à ce sujet, et à juste titre, l'exemple de l'automobile, affirmant que "si ces voitures n’étaient vendues que sur internet sans publicité et les objectifs de rentabilité standards revus à la baisse... nous serions sidérés du prix auquel elles pourraient être commercialisées"). Pour lire l'article complet : admirabledesign.com.

Thisway © Torkel Dohmer

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:28:56 +0000

Thisway © Torkel Dohmer

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:29:26 +0000

Thisway © Torkel Dohmer

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:30:01 +0000

Thisway © Torkel Dohmer

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:30:36 +0000

Longue Structure © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:39:07 +0000

Lune © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:39:54 +0000

Parabola © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:40:51 +0000

Plus Plus © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:41:19 +0000

Monolith © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:41:41 +0000

Suspension © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:42:06 +0000

Cockle © Pierre Charpin / Kreo

La Revue du Design — Thu, 29 Jan 2009 13:42:31 +0000

Thisway par Torkel Dohmer

La Revue du Design — Fri, 30 Jan 2009 00:15:36 +0000

Le vélo Thisway, imaginé par le designer Torkel Dohmer, a récemment été désigné comme lauréat du concours "Communter bike for the masses", dont l'objet était la conception d'un vélo à destination des non-initiés et nombreux "potentiels cyclistes"... Fabriqué à partir de matériaux légers (fibres de carbone ou de lin, aluminium, pour un poids total d'environ 11 à 12kg), Thisway propose de nombreux éléments de protection destinés à protéger son utilisateur, en ville notamment. Des LED, situées à l'arrière et à l'avant, alimentées par l'énergie solaire accumulée par un panneau sur le toit, permettent de plus de signaler sa présence. Le vélo dispose également d'un espace pour les bagages, que l'on peut ajouter à l'arrière. Son toit, amovible, permet de protéger le cycliste du mauvais temps. Le designer, conscient du coût élevé de fabrication et de vente de son projet, le conçoit cependant réellement comme une alternative plus complète à d'autres moyens de locomotion urbains. C'est dans ce sens, selon lui, que le projet est à comprendre. Si ce projet vous intéresse, vous trouverez de nombreux commentaires de son créateur sur bicycledesign.blogspot.com. Sources : designboom.com, dezeen.com.

Lavenham © Patricia Urquiola / Depadova

La Revue du Design — Fri, 30 Jan 2009 14:28:24 +0000

Lavenham © Patricia Urquiola / Depadova

La Revue du Design — Fri, 30 Jan 2009 14:28:57 +0000

8½ : Pierre Charpin chez Kreo

La Revue du Design — Mon, 02 Feb 2009 00:42:16 +0000

Depuis samedi, Pierre Charpin expose ses dernières pièces réalisées en série limitée pour la galerie Kreo, à Paris. Intitulée 8½, comme pour signifier que le projet de design est toujours incomplet et en devenir, cette collection comporte différentes pièces de mobilier sculpturales, toutes très différentes les unes des autres, mais démontrant toutes l'aisance de ce designer à s'abstraire des archétypes et à jouer avec les formes, les matières et les couleurs. L'étagère Longue structure, présentée ci-dessus, est réalisée en aluminium laqué. Le miroir Lune, réalisé en acier inoxydable poli, est un disque géant suspendu dans l'espace. Il avait été déjà été présenté dans les murs de la galerie Kreo, en septembre dernier. La lampe Parabola comporte un gros diffuseur en résine dégageant une lumière légèrement teintée de rose, perché sur un piètement réalisé en tube métallique. Le contenant Plus Plus est lui réalisé en aluminium laqué vert (pour la partie haute) et en acier peint en blanc (pour le socle). Tout aussi sculptural, le portemanteau Monolith est composé d'un gros bloc de résine tubulaire noir, arrondi à ses extrémités, et posé sur une fine plaque de métal. La Table Suspension, en lévitation, évoque quant à elle une sorte de toupie agrandie. Enfin, la table basse Cockle, en aluminium, semble elle aussi flotter dans l'espace. Ses assemblages visibles, comme des coutures ou des cicatrices, marquent les arêtes douces de son plateau aux bords arrondis. Très différents les uns des autres, ces objets n'en témoignent pas moins une certaine parenté, en tous cas une continuité affirmée avec les précédentes réalisations du designer, dans leur manière très formelle et "esthétique" (même si ce mot peut paraitre dangereux) d'interroger le regard et les usages. Pierre Charpin le dit lui-même : "Pour cette nouvelle exposition, j’ai délibérément cherché à dessiner un ensemble de 8 pièces toutes différentes les unes des autres. En fait, plus qu’un ensemble d’objets, j’ai le sentiment d’avoir davantage dessiné un ensemble de choses. Si je ne cherche pas précisément à situer la distinction entre ce qui définit un objet et ce qui définit une chose, cela me convient de penser que les objets répondent à des fonctions, alors que les choses proposent des usages, que les fonctions sont à utiliser, alors que les usages sont à imaginer, que les objets ont une définition précise, tandis que la définition des choses, elle, reste, toujours plus ou moins vague, floue, et toujours dépendante de celui ou celle qui s’y confronte. On peut considérer les choses que j’ai dessinées pour cette exposition comme des matérialisations de pensées, des objets de méditation, comme des suggestions, des objets disponibles à l’interprétation.[...] Dans telle chose, c’est la surface extrêmement brillante et le lustre du matériau qui absorbe notre attention, stimule notre perception et nous invite au toucher. Dans telle autre, c’est l’agencement répétitif du matériau, des plaques d’aluminium laquées, qui crée une vibration cinétique et nous incite au déplacement. Dans telle autre, c’est le vide créé par le dessin de sa base, espace laissé vacant, sans affectation précise, qui permet à un volume compact et colorer de léviter. Dans telle autre, c’est la forme en suspension qui intrigue quant à sa stabilité, quant à sa matérialité, quant à son usage, etc." (Pierre Charpin, novembre 2008). Sources : galeriekreo.com, iconeye.com.

Cordula © Stephanie Jasny

La Revue du Design — Mon, 02 Feb 2009 16:16:30 +0000

Cordula © Stephanie Jasny

La Revue du Design — Mon, 02 Feb 2009 16:16:53 +0000

Cordula (détail) © Stephanie Jasny

La Revue du Design — Mon, 02 Feb 2009 16:17:15 +0000

Lavenham

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 00:27:06 +0000

La très "bourgeoise" chaise Lavenham, imaginée par Patricia Urquiola pour Depadova, évoque le motif d'un fameux sac Chanel que l'on aurait agrandit. Seule subtilité, de taille : les capitons du cuir ont ici été remplacés par du plastique moulé. La designer espagnole, très à l'aise avec les jeux sur les codes formels, nous propose cette chaise en version blanche ou noire (intérieur brillant et extérieur mat). L'assise est perchée sur des tubes d'acier chromés, peints en blanc ou en noir mat. On pouvait redécouvrir cet objet dans les allées du dernier salon Maison et Objets. Plus d'informations sur depadova.it.

Lazy Bastard © Bertjan Pot / Montis

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 08:39:37 +0000

Lazy Bastard © Bertjan Pot / Montis

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 08:40:02 +0000

[F]utiles collection © Sam Baron / Secondome

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 15:55:49 +0000

[F]utiles collection © Sam Baron / Secondome

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 15:56:37 +0000

[F]utiles collection © Sam Baron / Secondome

La Revue du Design — Tue, 03 Feb 2009 15:57:02 +0000

Good or bad design ? The verdict(s)

La Revue du Design — Wed, 04 Feb 2009 00:51:46 +0000

Dans un article publié la semaine dernière dans les colonnes de l'International Herald Tribune (et intitulé "Good or bad design ? The verdict(s)"), Alice Rawsthorn, la spécialiste design du journal, revient sur un débat qu'elle a animé lors du Forum économique mondial de Davos, dont l'objet était de définir ce que l'on peut définir à l'heure actuelle comme "bon" et "mauvais" design. Regroupant quelques acteurs importants de la profession - Tim Brown (président d'IDEO), Brian Collins (président d'une société de conseil), Paola Antonelli (haute commissaire au design à l'architecture au MoMA), Hilary Cottam (designer social et directeur fondateur de Participle) et Yves Béhar (responsable de l'agence Fuseproject), ce débat consistait à proposer à chacun de ses participants d'amener un exemple de ce qu'il considérait comme un "bon" et un "mauvais" projet. Dévoilant quelques éléments attendus et entendus, comme l'importance de répondre précisément à un besoin ou une fonction, la nécessaire prise en compte de l'aspect écologique et durable..., l'article propose également quelques moments savoureux dans lesquels, pour une fois, la langue de bois est oubliée. On y apprend ainsi, par exemple, qu'aux yeux d'Yves Béhar la Smart, petite citadine qui se veut sympa, est de loin battue au niveau esthétique par le pourtant bien peu sexy Hummer ("even the gas-guzzling Hummer beat it on aesthetics"). Plus largement, l'article revient sur une des difficultés inhérentes au projet de design, qui tient à l'articulation d'innovations techniques ou fonctionnelles à des habitudes ou préférences culturelles des usagers. L'exemple du bus de Londres, abandonné au profit d'un nouveau modèle plus économe en énergie, plus ergonomique mais pourtant décrié par la population, est ainsi donné. L'article, à lire, est finalement assez salutaire, mettant en avant une approche que l'on pourrait souhaiter voir se généraliser consistant à dire ouvertement (quitte à ce que cela soit critiquable et critiqué), ce qui semble plutôt "bon" ou plutôt "mauvais". Il permettrait ainsi d’élargir les débats, voire de responsabiliser certains créateurs ! Source : iht.com.

Cordula

La Revue du Design — Thu, 05 Feb 2009 00:12:56 +0000

La lampe Cordula, imaginée par la designer Stephanie Jasny, consiste en un gros abat-jour/diffuseur qui joue également le rôle d'enrouleur, permettant ainsi de stocker un câble d'une longueur de 10 mètres. Cette réserve permet de placer la lampe à une certaine distance de sa prise de courant. De plus, une articulation lui permet de pivoter à 90 degrés. Elle est munie d’ampoules fluorescentes, peu gourmandes en énergie. Ce projet, de part son évidence formelle et fonctionnelle, s'inspire du matériel de chantier. Il a été exposé lors du salon IMM Cologne 2009. Sources : stephaniejasny.com, dezeen.com, yatzer.com.

Lazy Bastard

La Revue du Design — Fri, 06 Feb 2009 00:43:30 +0000

Rempli de billes de polystyrène, comme le fameux pouf Sacco dont il propose une sorte de version "sur pattes", le siège Lazy Bastard imaginé par le designer néerlandais Bertjan Pot pour Montis, évoque le confort et s'adapte à toute position assise. Sa forme souple et molle fait penser à un objet qui a déjà vécu, et dans lequel on vient se nicher avec plaisir. Elle est revêtue d'un tissu entièrement déhoussable, disponible en vert, bleu et noir. Sources : designboom.com. stylepark.com.

Polar screen © Korban/Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:49:05 +0000

Polar screen © Korban/Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:49:40 +0000

Array © Korban/Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:50:17 +0000

Hex screen © Korban/Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:50:48 +0000

Polar screen © Korban/Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:51:19 +0000

Les paravents de Korban et Flaubert

La Revue du Design — Mon, 09 Feb 2009 08:58:58 +0000

Stefanie Flaubert et Janos Korban ont fondé en 1993 un collectif australien au sein duquel ils interviennent dans divers projets : architectures, produits, sculptures... Ils ont, entre autres, imaginé une série de paravents jouant sur les effets de transparence, de profondeur et de perception optique. Fabriqués en aluminium ou en acier inoxydable, ces paravents sont autoportants (ce que ne laisse pas forcément penser les images présentées ici). Ils sont en effet travaillés dans l'épaisseur, afin de leur offrir une certaine stabilité. Chacun joue, d'une certaine manière, sur la perception que nous avons de l'espace, en le divisant, le segmentant, le fractionnant. Leur perception varie d'ailleurs lorsque l'on tourne autour d'eux. Polar Screen : Array : Hex screen : Polar screen : Sources : korbanflaubert.com.au, designboom.com, dailyicon.net.

Crutch et Coat Hook © Nicola Enrico Stäubli

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 08:14:16 +0000

Crutch © Nicola Enrico Stäubli

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 08:14:39 +0000

Coat Hook © Nicola Enrico Stäubli

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 08:15:05 +0000

Coat Hook © Nicola Enrico Stäubli

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 08:15:32 +0000

En tension

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 08:21:00 +0000

Le designer Nicola Enrico Stäubli, que nous avons déjà évoqué dans La Revue du Design pour son projet de meubles en carton à monter soi-même Foldschool, a présenté deux nouveaux projets lors de la dernière Stockholm Design Week (qui s'est déroulée du 4 au 8 février). Deux projets qui, chacun à leur manière, jouent sur des matières en tension afin de donner une forme précise à l'objet et à lui assurer une certaine stabilité. Les tréteaux Crutch (Béquille), sont positionnés aux quatre coins de n'importe quelle planche possédant une épaisseur comprise entre 24 et 30 mm. Reliés par des sangles très solides, tendues, l'objet ainsi produit est en équilibre. Tout en étant composé d'éléments distincts et facilement démontables, il possède cependant une unité formelle évidente. La patère Coat Hook est quant à elle composée d'une simple bande de métal à laquelle il suffit d'opérer une torsion pour obtenir la forme définitive. Ces deux projets, encore à l'état de prototypes, sont guidés par une économie de moyen évidente. Ils sont également caractéristiques d'une réflexion sur le stockage et le transport des objets. Ils occupent en effet, lorsqu'ils sont démontés, qu'un espace minimal comparé à leur encombrement une fois mis en forme. Source : nicolafrombern.com.

Image issue du site Internet du FRAC centre © FRAC centre / Ugo la Pietra

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 13:22:24 +0000

Image issue du site Internet du FRAC centre © FRAC centre / Ugo la Pietra

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 13:23:35 +0000

Image issue du site Internet du FRAC centre © FRAC centre / Ugo la Pietra

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 13:23:58 +0000

© Ugo la Pietra

La Revue du Design — Wed, 11 Feb 2009 13:24:18 +0000

Abitare la città

La Revue du Design — Thu, 12 Feb 2009 00:05:09 +0000

A partir de demain, le FRAC centre d'Orléans accueille une exposition dédiée au travail d'Ugo La Pietra , architecte, designer et artiste italien, né en 1938, et membre de la scène radicale des années 1960 et 1970. Théoricien et homme de revues, membre de Global Tools à partir de 1973 (laboratoire expérimental et contre-école d'architecture et de design, qui a compté dans ses rangs les plus importants créateurs italiens des années 1970 : Alessandro Mendini, Ettore Sottsass et Gaetano Pesce entre autres), il participera à une critique du modernisme et à l'apparition d'une « contre-architecture » à un niveau international. Il participera à de nombreuses expositions et manifestations, notamment la fameuse "Italy : The new domestic landscape" présentée au MoMA en 1972… Il a également collaboré à plusieurs revues : "In" (fondée en 1969), "Domus" et "D'Artigianato tra arte e design" entre autres, et a rédigé de nombreux d’articles. L'exposition présentée au FRAC dévoile quelques uns de ses projets fondamentaux des années 1960 et 1970, ainsi que plusieurs objets et films, dans une scénographie originale conçue par le designer lui-même. --- Le texte suivant est issu du site Internet du FRAC centre --- Dès le début des années 1960, il s’intéresse aux expérimentations des architectes viennois (Hollein, Pichler…). Explorant le thème de la « synesthésie des arts », il œuvre au décloisonnement des formes et des disciplines par le dessin, la peinture ou l’architecture. À partir de 1967, il radicalise sa critique du fonctionnalisme et des valeurs consuméristes qui « asphyxient » selon lui l’individu. Ugo La Pietra met en place un « système déséquilibrant » qui, à travers objets, environnements audiovisuels, immersions, vise à étendre notre champ de perception et à rendre actif le spectateur. À partir des années 1970, le territoire urbain devient son objet privilégié d’expérience. Muni d’« outils de décodage », La Pietra arpente la ville dans ses moindres interstices, en quête de « degrés de liberté ». Utilisant la photographie, le film, le dessin ou le photomontage, il détourne et réinterprète méthodiquement l’espace urbain. La ville est pour lui tissée de nos comportements et de nos choix : « Habiter la ville, c’est être partout chez soi ».

A Restless Chairacter © Pepe Heykoop. Photo Lutz Strenstein.

La Revue du Design — Thu, 12 Feb 2009 15:22:10 +0000

2009-02-13-a1

La Revue du Design — Thu, 12 Feb 2009 15:23:57 +0000

A Restless Chairacter © Pepe Heykoop

La Revue du Design — Thu, 12 Feb 2009 15:34:46 +0000

A Restless Chairacter

La Revue du Design — Fri, 13 Feb 2009 00:25:14 +0000

Dévoilée lors du salon IMM Cologne 2009, dont elle a d'ailleurs obtenu le prix de l'innovation, la chaise A Restless Chairacter imaginée par Pepe Heykoop est étonnante : elle est entièrement recouverte de polyuréthane, une matière souple qui joue le rôle de peau mais également de joint entre les différentes parties du châssis, réalisées en aluminium. La chaise est ainsi flexible, au sens propre : elle se tord sous le poids et les actions de l'utilisateur, comme le ferait une vieille chaise un peu bancale. Une petite vidéo, accessible sur le site de Pepe Heykoop, permet de visualiser toute la souplesse dont peut faire preuve cet objet.

Utiles et [F]utiles

La Revue du Design — Mon, 16 Feb 2009 08:00:08 +0000

Sam Baron a récemment dessiné une collection de pièces en verre - carafes, coupes, plats - pour la galerie italienne Secondome. Plus exactement, elle se décline en deux versions. L'une, épurée et très orthogonale, dénomée Utiles. Et l'autre, d'inspiration plus baroque, toute en volutes et en contre courbes, intitulée [F]utiles. Quelques formes de bases composent ces collections, principalement des cylindres et des cônes tronqués, auxquels s'ajoutent des poignées qui sont, selon le cas, très simples ou plus dessinées. La collection [F]utiles (image ci-dessus) se compose ainsi de quatre pièces : un vase à double anse, deux carafe set une coupe à fruit. Et la collection Utiles de six pièces : trois coupes à fruit, un vase aux dimensions imposantes et l'autre plus petit, pouvant être transporté, et une carafe. Quelques images supplémentaires : Plus d'informations sur : sambaron.blogspot.com et secondome.eu (source : yatzer.com).

Garden furniture © Kilian Schindler

La Revue du Design — Mon, 16 Feb 2009 13:41:38 +0000

Garden furniture © Kilian Schindler

La Revue du Design — Mon, 16 Feb 2009 13:42:14 +0000

Garden furniture par Kilian Schindler

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 00:40:46 +0000

Passé par la Karlsruhe University of Arts and Design et l'Ecole Nationale Supérieur des Arts Décoratifs de Paris, le designer allemand Kilian Schindler présentait, lors de la dernière édition d'IMM Cologne 2009, un prototype de chaise de jardin plutôt original. A la fois familière et étrange, évoquant un sentiment de déjà-vu légèrement brouillé, sa chaise rappelle les modèles en plastique qui sont vendus par la plupart des grandes surfaces. Elle est cependant réalisée dans un matériau original, de la tige métallique laquée, qui lui confère un aspect léger, transparent et presque "squelettique". L'objet propose ainsi une forme à la filiation non immédiate, caractérisée par une forte contemporanéité tout en étant également inscrite dans notre imaginaire collectif. Sources : mocoloco.com, notcot.org, playmedesign.com.

Table Dune (2007) © Zaha Hadid. Courtesy David Gill galleries.

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 10:25:37 +0000

Lockheed Chair de Marc Newson (1986). Photo © Christie’s.

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 10:26:32 +0000

Série Clay par Marteen Baas (2006). © Marteen Baas.

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 10:27:23 +0000

Arbre à spots © 5.5 designers / Coincasadesign

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 11:17:32 +0000

Double jeux © 5.5 designers / Coincasadesign

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 11:18:05 +0000

2009-02-20-c1

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 11:18:31 +0000

Double jeux © 5.5 designers / Coincasadesign

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 11:18:57 +0000

Trina © 5.5 designers / Coincasadesign

La Revue du Design — Tue, 17 Feb 2009 11:19:23 +0000

5,5 designers pour Coincasadesign

La Revue du Design — Wed, 18 Feb 2009 00:15:54 +0000

L’enseigne de magasins Italiens COIN édite depuis 3 ans des accessoires et du petit mobilier pour la maison. Elle avait, en 2007, fait appel à une sélection de designers italiens pour sa première collection, puis en 2008 aux étudiants de l’ECAL. C'est cette année le tour du collectif français 5.5 designers, qui propose une série de plusieurs petits projets originaux, simples et sans prétention. L'Arbre à spots (ci-dessus) consiste en un support réalisé en bois brut, sur lequel viennent se pincer plusieurs spots traditionnels. Les câbles électriques, non dissimulés, sont ici assimilés à des lianes, pendant depuis les différentes branches et ramifications stylisées. Avec ce projet, l'utilisateur peut faire naître, en intérieur, sa petite forêt lumineuse. La série Double jeux est quant à elle composée d'une portion de table, à laquelle il manque un pied, que viennent compléter plusieurs "tiges" ou "béquilles" fonctionnelles. L'ensemble devient ainsi, en fonction des modules choisis, une lampe, une cage à oiseaux ou un porte-revues. Enfin, la lampe Trina est constituée de trois abat-jour superposés de couleurs différentes, permettant de choisir et de moduler sa lumière. Ce sont donc en fait trois lampes en une seule, possédant chacune son interrupteur propre. Composites, évidents, souvent ironiques, misant sur l'articulation d'éléments simples et proposant une compréhension et un usage "immédiats", les projets des 5.5 designers sont caractéristiques de l'approche du collectif, préférant l'ironie et l'efficacité aux longs discours ou aux formes verbeuses.

2009-02-19-def-2

La Revue du Design — Wed, 18 Feb 2009 08:36:30 +0000

Bonnes et mauvaises pratiques du web

La Revue du Design — Thu, 19 Feb 2009 00:34:42 +0000

Qu'Internet ait bouleversé notre rapport à l'information et à la connaissance, plus personne n'en doute. Qu'il ait également, dans le domaine du design, permis à des créateurs de se faire connaître plus rapidement, à des auteurs ou critiques d'exprimer leurs points de vue, à des écoles de communiquer différemment n'est pas non plus discutable. Mais quand il devient un lieu ou seules comptent l'autopromotion et la chasse au référencement, et qu'une école de design et de décoration nous contacte en nous proposant le marché suivant : "parlez de nous et nous parlerons de vous", quelques questions commencent à se poser. Les échanges de liens sont, on le sait, une pratique courante d'Internet, destinée avant tout au fonctionnement du moteur de recherche de Google qui se base principalement sur le PageRank d'un site, c'est à dire (globalement) le nombre de fois où ce site est mentionné dans d'autres sites. Cette pratique, dont on peut facilement imaginer quelques dérives, arrive cependant globalement à s'autoréguler, grâce à la complexité des outils de référencement qui associent, dans le calcul du PageRank, d'autres critères plus fins. Elle a par contre amené une modification de certaines stratégies de communication, comme celle que nous évoquons en introduction. Voici donc le message en question. Une école se doit évidemment de communiquer. Elle doit aussi, notamment si elle est privée, être suffisamment "visible" pour attirer à elle le nombre d'élève suffisant à sa rentabilité et à son modèle économique. Cependant, nous pensons qu'une école de design, discipline se préoccupant d'interfaces entre des objets, des espaces ou des contenus d'un côté, et des utilisateurs de l'autre, doit plus que toute autre maîtriser son imager, soigner ses outils de communication et les fonder sur ses propres pratiques plutôt que sur une recherche pure de visibilité. Nous conseillerions donc à cette école, pour finir, de relire Mac Luhan lorsqu’il disait que la forme du message définira son contenu, tout au moins la manière dont il sera perçu. Car nous pensons que ce questionnement sur la mise en forme du message ou du projet, sur la manière dont ils seront reçus par l’utilisateur ou le destinataire finaux, c’est justement le travail du designer. Alexandre Cocco

Seracs sofa © Alfredo Häberli / Fredericia

La Revue du Design — Thu, 19 Feb 2009 20:41:49 +0000

Seracs sofa © Alfredo Häberli / Fredericia

La Revue du Design — Thu, 19 Feb 2009 20:42:17 +0000

Seracs sofa © Alfredo Häberli / Fredericia

La Revue du Design — Thu, 19 Feb 2009 20:42:44 +0000

Seracs sofa (détail) © Alfredo Häberli / Fredericia

La Revue du Design — Thu, 19 Feb 2009 20:43:09 +0000

Canapé Seracs sofa par Alfredo Häberli

La Revue du Design — Fri, 20 Feb 2009 00:41:03 +0000

Que votre salon soit petit ou grand, de forme plutôt allongée ou carrée, le nouveau canapé Seracs qu'Alfredo Häberli a dessiné pour la société danoise Fredericia s'y intègrera parfaitement. Composé de plusieurs éléments modulables, il offre une grande variété formelle et peut être ajusté en longueur. Chaque canapé est, potentiellement, unique. Les cinq différents éléments - deux assises de largeurs différentes, deux accoudoirs bas et un accoudoir haut - imaginés par le designer peuvent en effet s'assembler de manières différentes, pour s'adapter à leur espace d'accueil. Au niveau des matériaux et des couleurs, le choix est large également puisque différentes teintes et différents aspects de surface peuvent être associés. Source : Stylepark.com, Fredericia.com.

Histoires de design

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 00:50:16 +0000

Quel est le lien entre le projet de design et sa « communication » ? Comment se fait-il qu'un objet puisse être caractérisé par un échec commercial, et tout de même devenir un icône de l'histoire du design ? Sur fond de questionnements pédagogiques, Jocelyne Leboeuf, historienne du design et directrice des études de L'Ecole de Design de Nantes Atlantique, nous livre sa vision des liens que le design entretien avec sa mise en scène. ---------- Les belles histoires du design Sottsass raconte que « Valentine », petite machine à écrire portative conçue par lui et Perry A. King pour Olivetti (1969), devenue « icône » du design et pièce de musée, fut un échec commercial. L’objet plaisait aux intellectuels, mais pas au marché. Il "n’avait pas les réelles qualités de produit pour le plus grand nombre", alors que l’idée au départ était de proposer un produit populaire, un objet léger et nomade, pas cher, "pour devancer les productions chinoises". Après quelques mois, Olivetti a donc dû arrêter la production. Cependant une vaste campagne de communication avait su capter l’air du temps et orchestrer la mise en scène d’une "Valentine", féminine bien sûr, "pop" et en phase avec la jeunesse contestataire. Elle a gagné sa place parmi les icônes des années 1970. "C’est devenu un objet Pop Art ! C’est ridicule. (…) Encore la question des apparences…". (Sottsass, lors d’un entretien avec Michèle Champenois dans Le Monde du 30 août 2005). Les histoires d’icônes, comme celle de Valentine, sont portées par une vision médiatique du design valorisant une dimension artistique du métier dont les designers ont eu bien du mal à "se débarrasser" pour être pris au sérieux par les entreprises. Car l’artiste ne peut qu’être éloigné des questions économiques, des cahiers des charges, des contextes de production, du travail d’équipe… inhérents aux pratiques de design industriel. Oui mais, et nous pointons là un paradoxe du design, cette référence au créateur fait partie des arguments de vente. La firme IKEA, par exemple, prend soin de placer des portraits de ses designers au milieu des produits standardisés de ses magasins. Certes, dans l’exemple d’IKEA les portraits se suivent et se ressemblent. Et Lars Engman, qui a longtemps été designer manager de la firme, dit bien que "le design n’est pas un one man show(1)"… Les designers d’IKEA insistent sur le partage des valeurs de l’entreprise, le travail d’équipe et le suivi de projets jusqu’à la fabrication. Mais les compétences (sur les questions d’usage, de coûts et de technologie) et les responsabilités revendiquées (respect de l’environnement, souci d’offrir de bons produits pour le plus grand nombre) sont à la base d’une stratégie commerciale, qui assure avoir fait passer dans la réalité les rêves des Modernes en garantissant la réussite de la trinité design-éthique-esthétique(2). Qu’une entreprise de produits industriels mette en avant une signature est avant tout une stratégie de communication pensera t-on, cependant il faudrait aussi s’interroger sur ce qu’elle signifie. Est-ce la nostalgie de l’artisanat qui favorisait une proximité entre le fabricant et l’usager ? Est-ce l’illusion d’une possible réconciliation entre l’aspiration à posséder un objet unique de créateur et la réalité d’une production de masse qui propose les mêmes produits à tout le monde ? La signature du designer continue à alimenter nos représentations collectives du design… C’est ce qu’a bien compris notre designer charismatique national, Philippe Starck. Il est à ce sujet assez drôle de voir le philosophe Michel Onfray (auteur d’un "Traité d’athéologie"), dans son article "Anatomie de quelques sortilèges", Écrits sur Starck (catalogue du Centre Pompidou, Paris, 2003), se lancer dans une rhétorique quasi-religieuse pour parler de Starck comme de l’artiste "(…) qui procède du démiurge (…)" et ainsi offrir le soutien de la philosophie à nos petites mythologies contemporaines. Et un peu d’histoire Design, art et technique Le rayonnement de la branche artistique du design, portée par un projet social et le prestige des premières écoles comme le célèbre Bauhaus en Allemagne dans les années 1920, ont donné naissance à toute une célébration médiatique qui tend à ne retenir que quelques lieux communs, éloignés des réalités complexes dans lesquelles les débats de La Modernité prenaient place. Celle-ci occulte aussi le fait qu’une bonne partie du design (au sens d’activité de conception) du XXe siècle n’a pas grand chose à voir avec des icônes déclinées comme autant de chefs-d’œuvre et présentées dans les vitrines des musées, que l’on soit du côté du design associé aux théories de l’art ou du côté du design des ingénieurs. Les designers artistes du XIXe siècle et des débuts du XXe siècle ont surtout travaillé pour la production de meubles et d’objets décoratifs. Dans le domaine du design industriel, l’exemple de la firme allemande AEG ("Allgemeine Electrizitäts-Gesellschaft" fondée par l’industriel Emil Rathenau), embauchant l’artiste Peter Berhens au début du XXe siècle pour la conception de ses produits et pour renforcer son image de marque, reste une exception. AEG avait compris que le rapprochement entre art et industrie bouleversait aussi la représentation de l’objet industriel et celle de l’entreprise. Cette dimension de représentation qui suppose une interprétation formelle à partir des contraintes d’un cahier des charges était, dans le design industriel technique, soumise avant tout aux contraintes de fonctionnement, de matériaux, de procédés de fabrication. Cela n’empêchait pas la réussite esthétique et les qualités d’usage, ainsi qu’en témoignent de nombreux beaux objets des musées d’art et d’industrie. Mais des formations nouvelles, issues des arts appliqués et nourries des théories qui avaient favorisé le rapprochement entre art et technique, s’avérèrent nécessaires dans les années 1950 dans tous les pays industrialisés, pour faire face à la complexité croissante des technologies industrielles et aux besoins d’une économie de marché qui appelait de nouvelles formes de créativité autour des contraintes d’usage, de technique et de représentation. Issues du socle épistémologique de "la beauté utile" et des idéaux de la Modernité, celles-ci se sont élaborées en assimilant et discutant les nouveaux apports des sciences sociales et du marketing. Les postures méthodologiques et théoriques évoluèrent alors sur fond de débats idéologiques où se confrontaient cultures artistiques, techniques et marchandes. D’un côté, le design était la voie qui permettait d’innover en mettant la technique au service de l’humain, en lui donnant du sens, de l’autre elle était aussi celle qui par le spectre plus ou moins large de son pouvoir de représentation, permettait d’accroître le pouvoir d’attraction des produits mis sur le marché. Sottsass encore, dans l’article déjà cité, dit que lorsqu’il travaillait pour Olivetti dans les années 1960, sur des projets d’ordinateurs, la "dimension de séduction, vendre à un marché, ne se posait pas. Seules se posaient les questions d’usage et de technologie". Au-delà du design industriel, c’est à la maîtrise de ces questions d’usage, de technologie et de représentation, et à la compréhension des contextes dans lesquels ils s’insèrent que de nouveaux métiers de conception vont véritablement se mettre en place dans ces années 1950-60. Nouvelles formations, nouveaux métiers du design Lorsqu’il fonda en 1954 le premier syndicat français des stylistes (terme utilisé à l’époque pour designers), Jacques Viénot(3) écrivait dans sa revue Esthétique industrielle(4) que ces nouveaux professionnels "( …) ne sont, en principe, ni des architectes, ni des carrossiers, ni des décorateurs, ni des ingénieurs, ni des graphistes. Ils sont apparentés à ces différentes activités, mais constituent une profession distincte, nettement spécialisée, ayant à connaître d’art autant que de technique, d’ambiance de travail autant que de présentation et de problèmes de vente". Cette définition est symptomatique de la difficulté à cerner ce nouveau métier qui émergeait dans les années 1950. Il s’agissait pour Viénot de donner des clefs pour comprendre l’activité de design de produit et d’aménagement d’espace. Mais d’autres métiers du design se développaient à la même époque, dans d’autres domaines comme celui du graphisme par exemple, même si les designers industriels, en France tout au moins, ont eu tendance à revendiquer pour eux-mêmes le terme design. Dans tous les pays industrialisés, des formations spécifiques se mettaient en place. Une des écoles les plus importantes de l’après-guerre fut l’École d’Ulm en Allemagne. La Hochschule für Gestaltung, ouverte en 1953 à Ulm, est née d’une idée d’école supérieure sociale et politique à l’initiative d’Inge Scholl, dont le frère et la sœur, Hans et Sophie Scholl, avaient été exécutés par les Nazis. Ulm reprit le flambeau des idées humanistes du Bauhaus, en complétant les enseignements artistiques et techniques par de nouvelles disciplines (ergonomie, mathématiques, économie, sémiotique, sociologie…), sur la base d’un programme rationaliste de conception. Le cursus ulmien comportait aussi bien un enseignement de design de produit que de design d’information, de communication visuelle, de film et d’architecture. Malgré une existence relativement courte (l’École est fermée en 1968), son influence fut déterminante pour le développement de l’enseignement du design à partir des années 1960, bien au-delà de l’Allemagne(5). Parallèlement au développement de la société de consommation, dont l’économie repose sur le continuel renouvellement des produits offerts sur les marchés et qui a besoin du design pour séduire l’acheteur, les différents développements de la sémiotique ont fait prendre conscience des limites d’un design rationaliste dans une société de marché, au profit d’une valorisation des valeurs imaginatives et symboliques(6). C’est ce que les grands créateurs de l’Art nouveau comme Émile Gallé avaient déjà compris…, mais qu’il faut resituer dans un tout autre contexte, celui de la production de masse et de la toute-puissance du marketing et de la publicité. Le design aujourd’hui La formation et la culture du designer ou des équipes de designers, la culture et les besoins des différents services avec lesquels sont développés les projets, la place du design dans ces services et la nature des projets, sont en fait déterminants quant à la façon d’envisager les questions d’usages, d’innovation, de méthodologie, de rapport à la technologie, d’écriture formelle et d’éthique. La force de proposition inhérente au design repose sur une sensibilité et un mode de questionnement propres à des apprentissages reliant les questions esthétiques, anthropologiques, techniques et économiques. C’est ce qui peut permettre au designer de revendiquer une fonction fédératrice au sein d’une équipe de conception, un rôle d’explorateur de nouveaux territoires et de guide vigilant pour une économie respectueuse de l’humain, aux côtés des autres acteurs du projet. Si l’on s’accorde sur la finalité ultime qui est de rendre notre monde plus "habitable" pour tous, l’aventure du projet de design nécessite non pas l’intervention de démiurges détenant la bonne parole, mais celle d’équipes multidisciplinaires impliquées dans la résolution des problèmes complexes soulevés par les grandes questions environnementales et économiques actuelles. Ne nous laissons pas leurrer par l'inflation médiatique qui continue à assimiler design et style, en nous proposant du "design éthique" ou du design "développement durable"... Les apprentis designers doivent apprendre à être à la fois modestes et ambitieux car les bonnes réponses ne sont pas là a priori et peuvent toujours être provisoires. Une ouverture critique est nécessaire pour décrypter les discours ambiants et maîtriser ses choix, pour que l'humanisme toujours revendiqué dans l'enseignement ne soit pas uniquement "tendance". Jocelyne Le Bœuf Jocelyne Le Bœuf est directrice des études à L'Ecole de Design de Nantes Atlantique où elle enseigne également l'histoire de l'art et du design. Elle est notamment l'auteur d’un ouvrage sur Jacques Viénot (Jacques Viénot, Pionnier de l’Esthétique industrielle en France édité aux PUR), et d’un chapitre consacré au design dans l'ouvrage 1950-2000, Arts contemporains publié pur les éditions Autrement et le SCEREN en 2002. ---------- Notes : (1) A dialogue with IKEA Designers, November 2, 2005, video téléconférence, http://www.designinnovationinstitute.org (2) Ce qui n’a pas été sans susciter un certain nombre de polémiques retracées dans l’ouvrage, Ikea : un modèle à démonter, Olivier Bailly, Denis Lambert, Jean-Marc Caudron, Éd. Luc Pire, Belgique, 2006. (3) Jocelyne Le Bœuf, Jacques Viénot (1893-1959), Pionnier de l’Esthétique industrielle en France, PUR, 2006, p. 118. (4) Esthétique industrielle, n° 14, janv.-fév. 1955, " Les statuts du syndicat", p. 21-25. (5) Voir par exemple Silvia Fernandez, "The Origins of Design Education in Latin America : from the hfg in Ulm to Globalisation", revue Design Issues, We are all African, volume 22, n° 1 Winter 2006, p. 3-19. (6) Voir le chapitre "Design and Methodology", History, theory and practice of product design, Bernhard E. Bürdek, Birkhaüser, Publishers for Architecture, Basel, Boston, Berlin, 2005. Cet ouvrage présente à la fois un éclairage historique, mais aussi offre un large panorama sur l’actualité mondiale du design, les courants de pensée, les différents métiers du design qui se développent et sur les contextes économiques qui les accompagnent.

2009-02-24-a

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:24:59 +0000

Toyota iQ © Science Museum

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:25:44 +0000

Daihatsu Tanto © Science Museum

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:26:21 +0000

Mitsubishi i-MiEV © Science Museum

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:26:52 +0000

Honda Iinsight

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:27:34 +0000

Toyota iREAL

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:28:00 +0000

Design et Crime

La Revue du Design — Mon, 23 Feb 2009 21:31:01 +0000

Japan Car, créations pour un monde saturé

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 00:22:24 +0000

Après avoir fait un détour par Paris fin 2008, l’exposition "Japan Car, créations pour un monde saturé" est présentée au Science Museum de Londres pendant encore près de deux mois. Y sont dévoilés quatorze modèles de véhicules, manifestant tous une volonté particulières quant à la situation urbaine et matérielle qui nous guette. Trois axes sont développés dans cette exposition : 1. Une taille réduite Il y a longtemps que les designers japonais ont commencé à imaginer des véhicules "micro", particulièrement adaptés à la densité des villes nipponnes, mais aussi aux activités et modes d’utilisation urbains de ces véhicules. La dénomination "véhicule léger" correspond même à un standard établi : une longueur inférieure à 3,40m, une largeur à 1,48m, une hauteur à 2,00m et une cylindrée de 660cc maximum. Particulièrement ingénieux et fonctionnels, les modèles présentés témoignent du savoir-faire japonais en la matière. 2. L’environnement Très tôt également, les industries automobiles japonaises ont intégré dans leurs stratégies de développement une réflexion environnementale. La Toyota Prius fit figure de pionnière, mixant électricité et essence. Puis ce fut au tour d’autres marques, comme Honda par exemple, de s’intéresser à tous les modes de motorisation alternatifs, comme les piles à combustible par exemple. 3. Des cellules urbaines en déplacement Mais plus largement, la réflexion sur le futur du déplacement implique aussi une remise en cause plus large de l’objet "voiture", que l’on va à la fois inscrire dans un système plus vaste de contrôle des villes et des routes. Avec des technologies comme le GPS par exemple, la voiture est en train de devenir autre choses que la simple propriété du conducteur : un terminal d’information, et des technologies d’interactions entre l’homme et la voiture d’une part, et entre la voiture et la ville d’autre part, sont en train d’émerger. Ces trois axes sont les fondements de l’exposition, qui fait également la part belle aux modèles présentés, quatorze au total comme nous l’avons dit, de six marques différentes : Toyota, Nissan, Honda, Daihatsu, Suzuki, Mitsubishi et Mazda. L’exposition est présentée au Science Museum de Londres, jusqu’au 19 avril 2009.

Cielo. Photo © Yosuke Owashi

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 09:38:40 +0000

Cielo. Photo © Yosuke Owashi

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 09:39:16 +0000

Brio. Photo © Yosuke Owashi

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 09:40:01 +0000

Brio. Photo © Yosuke Owashi

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 09:40:25 +0000

Ruminant Bloom © Julia Lohmann

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 22:36:32 +0000

Ruminant Bloom © Julia Lohmann

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 22:36:56 +0000

Ruminant Bloom © Julia Lohmann

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 22:37:30 +0000

Ruminant Bloom © Julia Lohmann

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 22:37:49 +0000

Territoires déterritorialisés. Vue globale.

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 23:00:30 +0000

Module Ventilation. Photo © A Dupuis

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 23:01:16 +0000

Module Eclairage. Photo © A Dupuis

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 23:01:48 +0000

Module Chauffage.

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 23:02:15 +0000

Mobilier

La Revue du Design — Tue, 24 Feb 2009 23:02:39 +0000

Design atmosphérique

La Revue du Design — Wed, 25 Feb 2009 00:53:59 +0000

L'architecte suisse Philippe Rahm, lauréat de la dernière carte blanche du VIA (l’une des plus intéressantes de ces dernières années) dévoilait lors du dernier salon Maison&Objets sa vision "atmosphérique" du design, consistant à intervenir tout autant sur des éléments "matériels" (les objets en eux-mêmes) que sur d'autres plus immatériels et sensibles (l’air, la chaleur, la lumière…). Intitulée Territoires déterritorialisés, sa carte blanche proposait quatre modules, destinés à modifier notre rapport à l’espace et à la nature. Le premier, le module Ventilation est une structure proposant une aération douce par renouvellement d'air double flux. Elle extrait l'air extérieur et le préchauffe en le mettant en contact avec l’air chaud sortant du bâtiment. Inversement, l'humidité et l'air vicié ambiant, qui ont servi à réchauffer l'air extérieur, sont rejetés vers l'extérieur. Ce principe, réversible, est le plus efficace au niveau énergétique. Des lamelles de bois, insérées dans l’appareil, participent à la régulation de l’humidité ambiante, en absorbant ou en rejetant de la vapeur d’eau. Les essences utilisées sont celles présentes dans le Bassin parisien, et elles ont été choisies en fonction des vents arrivant dans la capitale. Le module Eclairage propose de reproduire le cycle journalier lumineux d’un 15 mai à Paris (avec des levers de soleil artificiels à 6h07 et des couchers à 21h26). L’idée de Philippe Rahm est de nous "reconnecter" avec les rythmes naturels, plus satisfaisants d’un point de vue physiologique. Un interrupteur manuel permet toutefois, selon les besoins, de sélectionner une heure de cette journée type. Le module Chauffage est quant à lui composé de deux structures, une haute et une basse. Il existe, entre elles deux, une différence de température : celle qui est fixée au plafond est à 22°C et celle qui est posée sur le sol à 18°C. Cette différence créer une tension thermodynamique amenant un déplacement de masses d’air, assimilable à un vent intérieur, qui a pour effet de mieux répartir la chaleur dans la pièce et de baisser la moyenne de température des radiateurs, donc la consommation d’énergie. Là encore, Philippe Rahm a sélectionné des roches provenant du Bassin parisien. Pour profiter de ces différents "microclimats", caractérisés par des chaleurs, des luminosités, des vents… différents, l’architecte a imaginé trois assises situées à des hauteurs différentes. Comme aime à le rappeler Philippe Rahm, l’eau qui coule dans nos robinets est souvent plus propre et plus "naturelle" que celle de nos rivières. Une "seconde nature" est ainsi créée, artificiellement. C’est ce principe, poussé et amplifié, qu’il proposait dans sa carte blanche. Car selon lui, ce que nous avions coutume d’appeler le "naturel", au sens de ce qui n’a jamais été modifié par l’homme, n’existe plus. Et si nous voulons le retrouver à nouveau, c’est à nous de le recréer, artificiellement. Sources : philipperahm.com, via.fr.

Design et Crime

La Revue du Design — Thu, 26 Feb 2009 00:55:27 +0000

Hal Foster, journaliste et critique américain, a publié il y a quelques mois un ouvrage intitulé Design et Crime, aux éditions Les Prairies Ordinaires. Nous n’avions pas eu l’occasion de l’évoquer jusqu’à présent, réparons donc cette injustice. Le livre est en fait un recueil de huit textes, scindés en deux grandes parties. Il s’agit pour la plupart d’articles précédemment publiés dans la presse anglo-saxonne et regroupés puis traduits en français pour la première fois. D’intérêt assez inégal, à nos yeux tout du moins, nous retiendrons tout particulièrement la première partie, qui traite davantage du "design" tel que nous l’envisageons (les articles suivants s’intéressent à des thèmes plus généraux liés à l’histoire de l’art ou au statut de critique aujourd’hui). Les trois premiers textes, à eux seuls, méritent le détour ("Vers l’indistinction", "Design et crime", "Maître bâtisseur"). Hal Foster y dénonce un design total, dans lequel l’emballage et la communication ont fini par remplacer le produit et ses qualités supposées. Il dessine également les dérives et écueils d’un design qui, omniprésent et totipotent, réduit à l’état de logo, de signe distinctif ou de signature, s’étend aujourd’hui à toutes les échelles et dans toutes les disciplines, de la petite cuillère au politicien candidat à une élection quelconque. Quelques citations : "Avec l’avènement de l’économie post-fordiste, ses produits ciblés et ses marchés de niche, nous vivons aujourd’hui dans un circuit sans fin de production et de consommation. Dans ce nouvel ordre des choses, l’étalage ou l’exposition (display), joue un rôle essentiel". (p5) "Après l’âge d’or du designer Art nouveau, le modernisme érigea en héros l’artiste ingénieur et l’auteur producteur : puis ce héros perdit son statut avec l’ordre industriel dont il était la créature ; dans le monde consumériste d’aujourd’hui règne à nouveau le designer. Mais un designer qui est à mille lieux de l’ancien". (p31) "Le design favorise l’avènement d’un circuit de production et de consommation en voie d’atteindre la perfection, sans laisser beaucoup d’ "espace de jeu" pour quoi que ce soit d’autre" (p31) Cet ouvrage, à lire, interroge les statuts récents de l’architecture et du design, devenus objet de consommation et de communication. Il questionne, en filigrane, les relations qu’entretiennent la culture et le capitalisme contemporain. Design et Crime, Hal Foster, 192 pages, 14 €.

Cielo et Brio

La Revue du Design — Mon, 02 Mar 2009 00:36:54 +0000

Découvertes dans les pages du dernier numéro du magazine Intramuros, les chaises du designer japonais Mikiya Kobayashi étonnent par leur simplicité et leur légèreté visuelles. Né en 1981 et diplômé de l'Université des Arts de Musashino, Mikiya Kobayashi ouvre très rapidement, en 2006, son propre studio. Dès 2007, il expose ses créations en Europe, à Francfort et sur le salon Satellite à Milan où il reçoit le Design Report Award. En 2008, il y dévoile ses collections d’assises Cielo (ci-dessus) et Brio (ci-dessous), réalisées en acier tressé, fil de rotin et tissu. Plus d’informations sur mikiyakobayashi.com.

Design et marché de l’art

La Revue du Design — Tue, 03 Mar 2009 00:25:14 +0000

Y voir clair dans les rapports qu'entretiennent l'art et le design pourrait paraître, de prime abord, assez simple. On confierait à l’un la création d’objets ou de mises en scènes spécifiques, destinés à éveiller chez l’homme un état de plaisir, de réflexion ou de contemplation. De l’autre, on attendrait des produits à la fois fonctionnels, esthétiques et conformes aux impératifs d’une production industrielle. Ce n’est évidemment pas si simple et les frontières, tout autant que les définitions, se mêlent lorsque des designers se mettent à créer des pièces uniques et que le marché de l’art vend, en galerie ou sur des foires internationales, des meubles aux prix de toiles de maîtres. Il y a maintenant plusieurs années que les pièces rares de design s’arrachent en galeries, ventes aux enchères ou sur les foires d’art contemporain. Cela a commencé par un engouement pour les créateurs des années 1950 et ce que l’on a appelé le design "vintage" : Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Serge Mouille, Poul Kjaerholm… Puis, ce mouvement s’est accéléré pour concerner des créateurs plus proches de nous dans le temps, des années 1970 (Pierre Paulin, Roger Tallon) voire même 1980 et 1990 (Ettore Sottsass, Philippe Starck). Tout ce qui est rare – pièces uniques ou petites séries d’origines – est devenu cher, participant d’un mécanisme aujourd’hui incontournable du design, qu'il soit ancien ou contemporain. Car même les productions plus récentes y sont soumises, amenant ainsi, années après années, des records en termes de tarifs : 56 000 euros pour une table en béton fibré de la collection Concrete de Martin Szekely (galerie Kreo, 2008), 330 000 euros pour la table Dune en aluminiumor de Zaha Hadid (galerie David Gill, 2008), et même 1 million d’euros pour la Lockheed Lounge Chair de Marc Newson (conçue en 1986 et vendue chez Christie’s en octobre 2007). La pièce « unique » et la spéculation deviennent la norme Ne nous y trompons pas : le design de galerie ou les petites séries ont toujours existé. Ce qui est par contre nouveau, c’est le phénomène de spéculation qui les entoure. Lorsque des objets nécessitent l’emploi de matériaux "exceptionnels" (marbre, Corian®…) et des temps de construction assez longs, et surtout lorsque la rareté est organisée en système (pièces uniques ou éditions limitées à huit ou dix exemplaires), les appétits s’aiguisent et les prix s’envolent. La distinction, pratique, qui consistait à dire que, de par sa nature historiquement liée à l'industrie, le design se basait sur la reproductibilité de ses modèles, ne vaut plus. C’est, plus que l’originalité ou la pertinence du projet, son aspect "rentable" ou "communicable" qui est pris en compte. Les lieux du design Duchamp l’avait déjà compris : c’est le lieu qui fait l’œuvre d’art. Ron Arad ne dit pas autre chose lorsqu’il affirme que "le marché a montré qu'il y a une clientèle pour ces objets, quelle que soit la catégorie dans laquelle on les range [...] La question n'est peut-être plus comment on les appelle, mais où on les montre". Et force est de constater que c’est aujourd’hui en galerie (Patrick Seguin, Jousse, Gagosian, Thaddaeus Ropac) ou en salle des ventes (Drouot, Christie’s, Artcurial) qu’il faut chercher les projets forts du design. Cette discipline possède même, depuis quatre ans, une section spécifique à la FIAC, depuis trois ans à la foire Art Basel Miami, et elle sera présente, pour la première fois, dans les allées de la prochaine foire d'antiquité Tefaf Maastricht (en mars prochain). Décoratifs, appliqués ou autres Cette revalorisation des démarches individuelles et des séries limitées, voire du "fait-main", a incité la génération actuelle, parfois en manque d’opportunités industrielles mais aussi à l’étroit dans la case "design", à répondre à la demande du marché. Encouragés par un monde marchand qui a trouvé, depuis plusieurs années maintenant, tant la manière de vendre ces projets que la clientèle intéressée , ces créateurs découvrent l’opportunité de développer, en s’abstrayant des contraintes habituelles, des projets différents, novateurs, pouvant exploiter des matières ou des techniques de fabrication exceptionnelles. Nous pensons, par exemple, à la série de meubles en marbre massif, pesant pour certains plusieurs centaines de kilos, imaginé par Marc Newson et exposés à la galerie Gagosian en 2007. L’unique, l’original, la réédition, la copie À la différence de l’artisan ou de l’artiste, le designer n’intervenait que rarement, jusqu’à présent, directement sur la matière. Historiquement lié à l’industrie et à ses capacités de production en série, sa discipline se basait en effet, stricto sensu, sur la duplication d’un modèle dessiné sous forme de plans. Avec le design de galerie, les choses deviennent moins évidentes car son public, y mettant le prix, recherche une certaine "authenticité", incompatible par définition avec toute reproduction sérielle. Cette authenticité, appelant une production limitée, réduira nécessairement le public concerné par ces créations. Elle pourra aussi amener d’autres aspects plus négatifs. Car en empruntant à l'art ses codes, ses prix et ses réseaux, le design pourrait aussi en adopter quelques travers. Ainsi, comme le révélait il y a peu Clarisse Fabre dans les colonnes du Monde, un talentueux ébéniste ukrainien vient d'être arrêté pour avoir fabriqué des dizaines de copies de meubles de créateurs illustres du XXe siècle, lesquels auraient été vendus par des galeristes de renom en France et aux à l'étranger. Une copie de table Prouvé aurait même trouvé preneur aux États-Unis, pour près de 180 000 dollars ! Quel design pour qui ? Ron Arad a raison de s’emporter lorsqu’on lui demande si certains de ses projets sont plutôt "de l’art" ou "du design". Il est en effet préférable de laisser ce débat, et sa part d’inutilité, aux spécialistes. Car au final, designer ou artiste, œuvre d’art ou projet de design, la question semble moins compter que la qualité des objets dont nous pouvons, quotidiennement, nous servir en tant qu’utilisateurs. Et c’est précisément cette qualité, tout autant que l’impossibilité pour la majeure partie du grand public de la côtoyer ailleurs que sur les pages glacées des magazines, que nous pourrions interroger. Car les quelques mouvements ou tendances que nous décrivons plus haut ne nourrissent pas seulement un élargissement des "possibles" du design. Ayant souvent valeur d’exemple, et étant considérés comme ce que cette discipline compte de plus contemporain et "pointu", ils participent plus globalement une recomposition de ses champs d'appréciation : sa capacité à satisfaire le plus grand nombre, son accessibilité (et donc son rapport qualité/prix), l’adaptabilité de la créativité à des contraintes de fabrication en grande série sont ainsi abandonnés, pour le pire ou pour le meilleur, à d’autres valeurs telles que la communicabilité du projet et son potentiel spéculatif. Mutation que l’on peut, au final, résumer en une simple question : vaut-il mieux rêver d’objets exceptionnels ou avoir chez soi des objets satisfaisants ? Alexandre Cocco Ce texte est un résumé d'un article publié dans le magazine d'A n°179.

Ruminant Bloom

La Revue du Design — Thu, 05 Mar 2009 00:32:45 +0000

La série de lampes Ruminant Bloom, de la designer allemande Julia Lohmann est réalisée en estomacs de moutons. Etrange ! Les fleurs intestinales sont belles, nous dit la designer, qui a par ailleurs fait des études toutes traditionnelles de design produit au Royal College of Art de Londres (achevées en 2004). Avec leurs typicités et leurs structures uniques, leurs matières irrégulières opaques, elles génèrent en effet des jeux de transparences et de luminosité assez étonnants. Plus d'informations sur julialohmann.co.uk/.

Camisole. Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:19:10 +0000

Camisole. Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:23:02 +0000

Vide grenier. Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:29:05 +0000

Vide grenier. Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:29:56 +0000

Bernhardo et les autres. Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:30:30 +0000

Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:31:12 +0000

Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:31:59 +0000

Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:32:32 +0000

Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:33:37 +0000

Photo © Geoffrey Cotteanceau & Romain Rousset

La Revue du Design — Sun, 08 Mar 2009 20:33:57 +0000

Camisole

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 00:39:04 +0000

Le Centre d'art contemporain d'Enghien les Bains expose, jusqu'au 22 mars 2009, deux projets de la designer Matali Crasset , intitulés Hyperactif et New territories. A cette occasion, la designer a demandé aux photographes Geoffrey Cottenceau et Romain Rousset, avec qui elle avait déjà collaboré sur un projet précédent ("Liebe, sex & aids"), de concevoir deux images autour de l'idée de la maison comme camisole de force. L'occasion de découvrir l'univers de ces deux artistes interrogeant, à leur manière, les relations que nous entretenons avec notre environnement matériel. Les deux photos sont celle présentée en introduction de cet article, et la suivante : Une visite sur le site Internet des deux photographes, que nous vous conseillons vivement, permet aussi de découvrir d'autres de leurs séries, toutes aussi intéressantes. Par exemple : Vide grenier. Série réalisée pour l'exposition cohabitations, Biennale Internationale de Design de St-Etienne 2006. Bernhardo et les autres Série réalisée pour le magazine Mode Depesche N°5, janvier 2007, Cologne. Habits: Veronique Branquinho, Kris Van Assche et Berhard Willhelm. Touching Surface Série réalisée pour le magazine Form N°203, juillet/août 2005. Animaux Travail de diplôme, 2001, Ecal, Lausanne. Plus d'informations sur le site des photographes : gneborg.org Les informations suivantes concernent les deux projets de Matali Crasset, qui sont visibles jusqu'au 22 mars prochain au Centre d'art contemporain d'Enghien les Bains.

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hyperACTif Il y a des projets qui réveillent, il y a ceux qui endorment et qui flattent dans le bon sens. Il y a ceux qui accompagnent dans le contemporain, en proposant un autre type de confort. Si l’on prend un peu de recul on s’aperçoit qu’à force de micro-évolution, ce que nous appelons confort n’est bien souvent qu’une entrave à notre nature. Sommes-nous sur cette terre pour légumer sur un sofa, trois heures par jour durant. Notre maison est notre camisole de force. Nos structures actuelles proposent un mode de vie figé, dépassé alors que l’époque demande de se reprendre en main. Prenons du recul et faisons l’hypothèse que nos mobilier deviennent complices de notre développement, qu’il nous réveille, nous redonne de la curiosité. Un mobilier soucieux de nous apporter des structures pour faire. Car Faire est le propre de l’homme. Devenons Hyperactif domestique, il y a tant à faire, il est tant d’agir. Retrouvons l’état d’esprit d’ouverture et d’optimisme qui est enfoui au fond de nous. Quittons notre camisole de force et retrouvons l’énergie d’orienter le progrès. L’exposition regroupe des projets qui placent l’action au centre de notre vie quotidienne. Nouveaux territoires Les images numériques nous ouvrent de nouveaux territoires insoupçonnés, des espaces mentaux à expérimenter. Tel des pionniers qui arpentent, analysent le sol, étudient la faune et la flore, nous ajustons nos codes de lecture et réinventons nos clefs d’interprétation à chaque découverte. Etre pionnier demande d’être à la recherche de sensations nouvelles ou alors avoir épuisé toutes les ressources d’un lieu et en chercher un autre pour survivre. Être en quête de nouveaux horizons. Quand le plaisir est au rendez-vous on se sent comme augmenté, en prise avec notre temps. A chaque période correspond un type de créativité. Faisons confiance à l’élasticité de notre pensée. L’exposition regroupe des animations qui sont des tentatives d’apprivoiser les outils et leur rendus pour y inscrire ma propre sensibilité. Il y a peu d’effets, le rythme n’est pas hyper accéléré, juste une impression de lumière qui se colore quelque fois au service d’une narration. Ce sont mes SOFT FICTION. Ce sont des mondes irréels mais qui bien que complètement artificiel semble pacifié. Le blanc y domine comme pour retourner à la page blanche et doucement y faire apparaître des mondes imaginaires. L’humain se soumet au même concept. Le but n’est pas d’y lire un monde meilleur mais simplement de partager une hypothèse. Un catalogue est publié à cette occasion avec des textes de Stéphane Corréard et Laurence Dreyfus.

Steelwood et Trattoria © Magis

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 10:40:33 +0000

Steelwood (détail) © Ronan et Erwan Bouroullec / Magis

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 10:41:34 +0000

Steelwood (détail) © Ronan et Erwan Bouroullec / Magis

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 10:42:16 +0000

Trattoria (détail) © Jasper Morisson / Magis

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 10:42:56 +0000

Trattoria (détail) © Jasper Morisson / Magis

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 10:43:31 +0000

2009-03-11

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 11:37:45 +0000

Photo © vvank

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 13:27:51 +0000

Photo © vvank

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 13:28:27 +0000

Photo © vvank

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 13:29:16 +0000

The Crate Series (2007). Jasper Morrison pour Established and Sons. Photo © Gavin Proud.

La Revue du Design — Mon, 09 Mar 2009 13:29:49 +0000

Steelwood et Trattoria

La Revue du Design — Tue, 10 Mar 2009 00:39:29 +0000

L'éditeur italien Magis va présenter, lors du prochain salon du meuble de Milan, un portemanteau et une chaise respectivement imaginés par les designers français Ronan et Erwan Bouroullec d'une part, et l'anglais Jasper Morrison de l'autre. Ces deux créations, assez minimalistes, mettent le bois à l'honneur en lui associant deux matériaux différents, du métal et du plastique. Le portemanteau Steelwood est constitué de trois montants verticaux en bois reliés par des structures métalliques simples. Il appartient à la même série que la chaise du même nom, dévoilée en 2007 et associant elle aussi bois et métal. La chaise Trattoria possède elle aussi une forme simple, presque évidente, associant à un cadre en bois un dossier et une assise réalisés en plastique translucide et tramé. Sources : designboom.com, designcorner.blinkr.net.

iPhone © Apple

La Revue du Design — Tue, 10 Mar 2009 09:12:30 +0000

2009-03-13-b

La Revue du Design — Tue, 10 Mar 2009 09:13:10 +0000

2009-03-13-c

La Revue du Design — Tue, 10 Mar 2009 09:14:22 +0000

2009-03-13-d

La Revue du Design — Tue, 10 Mar 2009 09:14:43 +0000

Capital Innovation invente le robinet écolo

La Revue du Design — Wed, 11 Mar 2009 01:36:42 +0000

Découvert sur le site Internet du Figaro, le robinet "écolo" inventé par la société Capital Innovation promet de révolutionner notre consommation, et d'éviter que de l'eau ne coule inutilement. La société, fondée par les inventeurs-designers Mathias d'Estais et Jean-Yves Corbin et spécialisée dans l'innovation, vient en effet d'imaginer un nouveau type de mitigeur, basé sur un constat et une idée très simples : afin de réduire le volume d'eau déversé lors d'un usage ponctuel, ils ont l'idée de proposer un nouveau type de cartouche, appelé Ecopush et permettant d'obtenir un "petit coup d'eau". Car cette pièce en céramique, inconnue du grand public, est le cœur du robinet : c'est en son sein que s'effectue le mélange entre eau chaude et eau froide, ainsi que le contrôle du débit. En plus du réglage horizontal de la chaleur de l'eau, qui fonctionne comme un robinet traditionnel, Ecopush permet, d'obtenir un filet d'eau qui se coupe tout seul : il suffit de pousser le levier vers le bas, celui-ci libère l'eau et revient automatiquement à sa place, fermant le débit. Plusieurs mètres cubes d'eau sont ainsi économisés (jusqu'à 6 m3 par an et par mitigeur pour une famille de quatre personnes). Le procédé, breveté, n'induit aucun surcoût de production. Au format standard, la cartouche devrait même n'impliquer que de petites modifications mineures dans la conception des robinets. Le marché promet donc d'être mondial, dans la mesure où les fabricants de robinets font le plus souvent appel à des entreprises extérieures pour leur fournir les éléments internes de leurs produits. C'est donc à un fabricant de cartouches que Capital Innovation compte vendre la licence d'exploitation de son brevet. En attendant, le fameux robinet sera présenté pour la première fois au salon ISH de Francfort (du 10 au 14 mars 2009) sur le stand de Flühs, un des leaders mondiaux de la fabrication de cartouches en céramiques. Source : lefigaro.fr.

Les 4 champs du design industriel

La Revue du Design — Thu, 12 Mar 2009 00:09:18 +0000

Dans un texte paru début janvier sur le site américain Core77 et intitulé "The 4 fields of Industrial Design", Bruce et Stephanie M. Tharp, tous deux designers et enseignants à Chicago, tentent de définir, au delà des segmentations habituelles (mobilier, transport, électronique...), quatre axes d'intervention du design. Nous livrons, ici, l'essentiel de leur analyse. Leur premier constat est de dire que le design est une discipline manquant de définitions propres et de postulats précis. Et ce flou, tout autant que la multiplication des vocables employés, est de nature à nuire au design et à son intelligibilité vis à vis des industriels (les clients des designers) tout autant que des usagers finaux. "The discipline is relatively young, immensely broad, and ever expanding. What is hard to reckon with, however, is the confusion that exists even within the profession of industrial design: What activities do product designers recognize, champion, or even legitimize? What are the frameworks around our practice, and how are those communicated to the outside world?" C'est pourquoi les auteurs proposent une mise à plat précise, faisant ressortir quatre axes qui, selon eux, sont caractéristiques du design tel qu'il se pratique aujourd'hui. Commercial design Le premier est l'axe "commercial". Il représente une part importante du design produit aujourd'hui, et correspond globalement à ce que l'on a coutume d'appeler le "design industriel". Les objets qu'il génère ont pour objectif principal d'être vendus. L'iPhone d'Apple, ou encore le fauteuil Louis Ghost de Philippe Starck, tous deux vendus à plusieurs centaines de milliers d'exemplaires, sont tous deux caractéristiques de cette approche. "Commercial Design is what is commonly understood as industrial/product design and comprises the overwhelming majority of our professional activity. This is design work oriented toward, and driven by, the market." Responsible design Le design "responsable" comporte une dimension sociale ou sociétale. Il concerne des projets mus par des ambitions humanitaires ou citoyennes. Le concepteur, animé par une certaine compassion et une certaine philanthropie, travaille ici à fournir un service utile à des personnes qui sont souvent oubliées par le marché. Même si l'objectif principal de ce type de projet est d'être vendu, il ne recherche pas tant le profit que le fait d'améliorer la vie de ses usagers. "Responsible Design encompasses what is largely understood as socially responsible design, driven by a more humanitarian notion of service. Here the designer works to provide a useful, useable, and desirable product to those who are largely ignored by the market. Issues such as ethics, compassion, altruism, and philanthropy surround the work, be it for users in developing or developed countries." Experimental design La troisième catégorie est celle du design "expérimental", dont l'objectif est d'explorer, sans visée commerciale (du moins dans un premier temps), une technologie, une matière, un procédé de fabrication, un certain type de forme... Assez éloigné de la demande et des contraintes de production industrielles, le design expérimental pourra toutefois trouver certains débouchés commerciaux, pour des segments de marché spécifiques par exemple. "Experimental Design represents a fairly narrow swath within the broad field of design, and its primary intention is exploration, experimentation, and discovery. Experimental Design is defined perhaps more by its process than its outcome. In its purest form it is not driven by an overly specific end-goal of application, but instead is motivated by a curiosity—an inquiry into, for example: a technology, a manufacturing technique, a material, a concept, or an aesthetic issue." Discursives design Le design "discursif" fait référence à la création d'objets dont le but principal est de communiquer des idées, d'encourager un discours. Ceux-ci sont destinés à communiquer une ou plusieurs informations au public, et les sensibiliser à des problématiques ou des thématiques particulières. Ce type de design, bien que fonctionnel, se frotte parfois de près à l'art et se rencontre plus souvent dans les musées ou galeries que sur le marché. "Discursive Design refers to the creation of utilitarian objects whose primary purpose is to communicate ideas—they encourage discourse. These are tools for thinking; they raise awareness and perhaps understanding of substantive and often debatable issues of psychological, sociological, and ideological consequence. Discursive Design is the type of work that is generally less visible in the marketplace (though it can certainly exist there), but rather is most often seen in exhibition, print, and film. This is where design rubs up most closely against art." Le chevauchement Ces catégories, pour pertinentes qu'elles soient, ne sauraient assurément résumer l'ensemble des démarches de design. Les auteurs de l'article le disent bien : elles sont avant tout des directions, des axes, et il est évident que, la plupart du temps, un projet recoupe plusieurs d'entre elles. Ils appellent cette notion l'overlap, c'est à dire le "chevauchement". "In presenting the aforementioned product examples from the four fields, we chose more "pure" versions of each. As mentioned, this framework is based upon the primary intention of the designer, yet we fully recognize the reality of multiple motivations. It important to emphasize that the categories are not entirely distinct from one another—there is overlap. In fact, it is rare for any product to be "pure," in the sense that it is a result of a single intention (e.g., profitability, service, experimentation, or voice)." De même d'autres catégories, peut-être plus transversales, peut-être plus "spécifiques", peuvent exister ou apparaître. Celles présentées ici permettent cependant de structurer un tant soit peu le discours et les ambitions des designers, mais aussi d'apprécier leurs productions qui ne sauraient, de part la nature industrielle du design et sa vocation à toucher un large public, se résumer à quelques intentions d'un créateur/artiste que nous n'aurions qu'à accepter en bloc. "Once we understand the various intentions and roles that we can take on, the better we can clarify and be taken as seriously as we often wish we would be." "Names and frameworks are powerful. Our hope is that understanding the design landscape through these four, simple categories—Commercial Design, Responsible Design, Experimental Design, and Discursive Design—will help the profession, our "consumers," and ourselves better understand design activity and ultimately its potential in an increasingly complex world of ideas and objects." Source : core77.com.

Do it yoursel, or not !

La Revue du Design — Fri, 13 Mar 2009 00:31:48 +0000

Si vous souhaitez un lecteur de CD comme celui qu'a dessiné Naoto Fukasawa pour Muji, vous pouvez soit aller l'acheter dans un magasin Muji, pour 150 € environ. Vous pouvez aussi, armé d'un peu de carton et de patience, le construire vous-même, comme le propose le site vvank. Ce site, contenant quelques astuces permettant de réaliser, au choix, des extensions de crayons Ikea ou des briquets à partir de bouteilles vides, donne l'ensemble du matériel nécessaire ainsi que quelques astuces de fabrication permettant de réaliser, très simplement, ce lecteur. Mais il pose également, sous son aspect un peu "gadget", la question d'un consommateur/acteur de son environnement. Car le design, notamment lorsqu'il est formellement et structurellement simple (nous pensons par exemple à la Crate Series de Jasper Morrison pour Established and Son), ne pourrait-il pas parfois être produit par les usagers eux-mêmes, avec quelques outils et matériaux ? Que se passerait-il si des designers intégraient cette donnée et proposaient des produits destinés à l'auto-fabrication ? La surenchère formelle, que nous constatons parfois comme un travers de la discipline, serait certainement remise à plat. Le détournement, la réutilisation et la simplicité constructive, dont on sait qu'elle est importante du point de vue du recyclage des matériaux, seraient certainement privilégiés. Les intermédiaires commerciaux seraient mis de coté, apportant une réduction importante des coûts. A une époque où le bricolage et les activités manuelles semblent être revenues à la mode, l'idée est à méditer ! Sources : vvank.com, nosmarties.com.

Clouds. Photo © Paul Tahon and R & E Bouroullec

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:00:40 +0000

© Wallpaper / R & E Bouroullec

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:01:40 +0000

© Wallpaper / R & E Bouroullec

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:02:04 +0000

© Wallpaper / R & E Bouroullec

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:02:26 +0000

© Wallpaper / R & E Bouroullec

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:02:47 +0000

Clouds on Wallpaper

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 09:08:05 +0000

Ronan et Erwan Bouroullec, qui ont imaginé il y a quelques semaines un très beau projet pour la société Kvadrat l'ont par ailleurs présenté, en anglais, par le biais de quatre vidéos publiées sur le site du magazine Wallpaper. Celles-ci offrent l'occasion de découvrir plus en détail les modalités de la collaboration entre les designers et la marque suédoise, mais aussi la genèse du projet et ses différentes utilisations... Un design "mis en scène" et contextualisé, passionnant. Le projet Clouds consiste en un ensemble de formes géométriques, existant dans différentes couleurs, combinables les unes avec les autres et qui permettent de former des volumes aux formes diverses, légers, pouvant être posés ou suspendus. Les designers français poursuivent ainsi leur exploration de formes simples pouvant, dans leur accumulation, structurer un espace, définir des passages et des cloisons. La première vidéo raconte comment la collaboration entre les frères Bouroullec et la marque Kvadrat est née (pour accéder aux vidéos, cliquez simplement sur les images). La seconde montre comment l'idée est née, et comment elle est devenue réalité. La troisième vidéo dévoile comment ce projet peut être utilisé dans un environnement domestique. Et la dernière montre ce que Clouds peut faire. Ce projet a par ailleurs reçu un Wallpaper award. "Best use of textile" en 2009. Source : wallpaper.com.

Roman © François Bauchet / Cinna

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 15:27:53 +0000

Roman © François Bauchet / Cinna

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 15:28:16 +0000

Roman © François Bauchet / Cinna

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 15:28:39 +0000

Roman © François Bauchet / Cinna

La Revue du Design — Mon, 16 Mar 2009 15:29:00 +0000

La nouvelle gamme "Roman" de François Bauchet pour Cinna

La Revue du Design — Tue, 17 Mar 2009 00:16:31 +0000

Outre sa ligne fluide obtenue grâce au cintrage d’une feuille de métal, la particularité de la gamme "Roman" tient dans son ingénieux système d'assemblage imaginé par le designer François Bauchet pour Cinna . Celui-ci consiste à découper au laser selon un crénelage précis les plaques, puis à les assembler les unes au dessus des autres, le tout étant retenu par une glissière interne. Cette technique permet d'obtenir une longueur impossible d'un seul tenant. Distingué par un label VIA, la gamme se compose d'une console, d'un meuble TV, d'un miroir, d'une petite étagère, d'un secrétaire et d'une bibliothèque. L'ensemble est disponible en noir, blanc ou noir intérieur laqué rouge.

© Sensitiv Object

La Revue du Design — Wed, 18 Mar 2009 16:11:37 +0000

© Sensitiv Object

La Revue du Design — Wed, 18 Mar 2009 16:11:59 +0000

Design du bout des doigts

La Revue du Design — Thu, 19 Mar 2009 00:10:23 +0000

La société française Sensitiv Object, fondée en 2003, travaille au développement de plusieurs technologies "haptiques", c'est à dire explorant le toucher comme médium déclenchant des processus informatiques. C'est en particulier le cas de ReverSysTM, un principe exploitant la reconnaissance des ondes acoustiques qui se propagent dans un objet lorsque on le touche. L'avantage de cette technologie est de pouvoir transformer n'importe quel objet en télécommande. Elle se révèle ainsi, comme le précise le site Perspective et Créativité d'où cette information est tirée, "bien plus sensible que notre ami iPhone qui ne réagit, fin connaisseur, qu’à la pulpe de vos doigts". "Les écrans tactiles que Sensitiv Object nous propose peuvent ainsi être commandés par tout contact physique de quelque objet que ce soit (gant, stylo, clé, chaussette, faux ongles, Capitaine Crochet, etc.)." La société propose à ce jour plusieurs produits, notamment un clavier d'ordinateur (intitulé VBK), ainsi que des digicodes ou des écrans tactiles. Les perspectives offertes semblent importantes, tant en termes de produits que de secteurs d'application. Les produits restent utilisables même si l'utilisateur porte des gants (industrie agro-alimentaire, pharmaceutique, climats froids...), et permettrait de dissimuler bon nombre de déclencheurs tels qu'interrupteurs (imaginons une lampe qui s'allume lorsque l'on touche son fil électrique, une télévision qui se met en route lorsque l'on touche un capteur situé à quelques mètres de là, une sonnette qui se déclenche lorsque l'on touche une porte...). Le site Internet de Sensitiv Object nous donne davantage d'informations : "Un très léger impact sur un objet produit une série d’ondes sonores qui se diffusent à l’intérieur du matériau. Ces ondes créent une signature acoustique qui est unique, caractéristique de la localisation du point d’impact. Cette propriété a été découverte lors de l’étude du phénomène physique connu sous le nom de Retournement Temporel des Ondes Acoustiques. Ce phénomène peut être utilisé pour identifier précisément la source des ondes émises. Nous utilisons des capteurs acoustiques reliés à un ordinateur ou une carte équipée d’un processeur numérique de signal (DSP) pour capturer les vibrations sonores à l’intérieur d’un objet et générer les signatures acoustiques correspondantes. Les produits Sensitive Object permettent de créer des "boutons virtuels" que les utilisateurs peuvent paramétrer à leur guise pour créer leurs propres dispositifs. De plus, grâce à la technologie Virtual Matrix, encore plus élaborée, toute la surface d’un objet peut devenir active, et pré-calibrée. La technologie ReverSysTM peut être utilisée sur une large gamme de matériaux (bois, verre, métal, plastiques…) et les objets peuvent avoir n’importe quelle forme. La plupart de ceux-ci peuvent ainsi devenir des écrans tactiles ou des panneaux de contrôle capables de capter les actions d’un utilisateur afin de transmettre des informations et/ou de contrôler des dispositifs électroniques ou électromécaniques." Sources : sensitiveobject.fr, creartivity.wordpress.com.

© Nendo

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:05:32 +0000

Socket Deer © Nendo

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:06:06 +0000

Socket Deer © Nendo

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:06:58 +0000

Socket Deer

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:22:43 +0000

Singeant des bois de cerf, ces cache-prise électrique imaginés par le designer japonais Nendo offrent à la fois un aspect décoratif inédit, mais ils permettent également de supporter ou suspendre quelques éléments (des clés, un téléphone portable pendant qu'il se recharge...). Trois formes différentes, réalisées en plastique (caoutchouc uréthane) sont proposées, déclinées en trois couleurs (noir, blanc et marron). Source : swiss-miss.com, cubeme.com, blog.sub-studio.com.

© Front design / Moroso

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:54:05 +0000

© Front design / Moroso

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:54:34 +0000

© Front design / Moroso

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:56:27 +0000

© Front design / Moroso

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 11:57:11 +0000

Figure 1

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 13:17:09 +0000

Figure 2

La Revue du Design — Fri, 20 Mar 2009 13:18:24 +0000

Front design pour Moroso

La Revue du Design — Mon, 23 Mar 2009 00:59:25 +0000

L'éditeur italien Moroso va dévoiler, le mois prochain lors du salon du meuble de Milan, une collection imaginée par collectif de designer suédois Front design. Présentation en avant-première. La gamme comprend deux canapés, un fauteuil, une table basse et un tapis. Comme d'habitude, les quatre designers étonnent par leur simplicité et leur capacité à produire des formes inhabituelles, sortant des sentiers souvent "épurés" et esthétisants du design. La collection, jouant sur les notions de légèreté et le détournement d'images, trouble les apparences, transformant un drapé ou un ensemble de coussins en canapés, proposant un tapis qui semble jouer avec les ombres d'une fenêtre imaginaire... Sources : designboom.com, mocoloco.com, dezeen.com.

Cloud umbrella © Joonsoo Kim

La Revue du Design — Mon, 23 Mar 2009 13:25:09 +0000

Cloud umbrella © Joonsoo Kim

La Revue du Design — Mon, 23 Mar 2009 13:26:05 +0000

Cloud umbrella © Joonsoo Kim

La Revue du Design — Mon, 23 Mar 2009 13:26:30 +0000

Le modèle du design orienté utilisateur

La Revue du Design — Tue, 24 Mar 2009 00:15:26 +0000

Un outil efficace du Design Management et pour le questionnement d'une profession. par Brigitte Borja de Mozota. De nos jours, le design se tourne vers les sciences humaines et sociales pour enrichir sa démarche de conception. Certaines agences de design font même de cette démarche leur positionnement stratégique (ex. In Process). Cette tendance est en phase avec une innovation de plus en plus orientée vers la recherche de nouveaux usages. Philips Design définit notre période actuelle comme « people driven innovation » après la période du « brand driven » innovation.. Le Design Management Institute réédite l'ouvrage « Designing for people » écrit par Henry Dreyfuss en 1955. L'agence design IDEO, emblème du nouveau courant, est partout dans la presse et même au sommet de Davos. (Pendant 4 semaines, chaque mardi, nous allons proposer un texte de Brigitte Borja de Mozota sur les thèmes du design management ou de la stratégie du design, ndlr). ----- La montée en puissance d’un Design Orienté Utilisateur est à replacer dans un contexte - d'une économie de la personne qui supplante l'économie industrielle, - d'une demande de personnalisation de l'offre par les consommateurs, - de la valorisation des services au client et de l'expérience client, - de l'imaginaire et du nouveau pouvoir du design dans les projets d'innovation, - du recours aux utilisateurs dans des processus de co-conception. Deux ouvrages des mêmes auteurs illustrent cette nouvelle tendance vers l’innovation pragmatique. Creating breakthrough products et, plus récemment The design of things to come : how ordinary people create extraordinary products. (Vogel, Cagan, Boakwright, 2005) « Innovation is all about people not products. It is about the team inside the company that has the role of innovating as well as the people outside the company who interact with and are impacted by the innovation… The rest of the activities in innovation are best learned by doing them. » Comment peut-on analyser ce courant du Design Orienté Utilisateur ? Dans un premier temps, nous rappellerons l'histoire des théories du projet design, puis nous chercherons à comprendre les avantages de ce modèle dans les pratiques du design management et enfin nous replacerons ce modèle dans l'ensemble plus large des sciences de la conception. 1. Typologie des théories du projet design et place du nouveau modèle dans l'histoire des modèles du projet Le théoricien du design Alain Findeli parle actuellement de « L'éclipse de l'objet dans le projet design » (Conférence d'ouverture du colloque European Academy of Design EAD 6 publiée dans Design Journal 2005 Volume 8 issue 1, page 42). A partir d'une étude très complète des théories du projet design, il regroupe l'ensemble des modèles théoriques en trois types principaux : - le premier regroupe les théories centrées sur l'objet ou le produit du projet de design, - le second type rassemble les théories centrées sur le processus, le cheminement, la structure logique (méthodologique et/ou épistémologique) à adopter ou adoptées au cours du projet, - enfin dans le troisième type se retrouvent les théories centrées sur les acteurs, les agents et les parties prenantes du projet de design. On remarque par ailleurs que ces trois types apparaissent chronologiquement dans le paysage théorique. Figure 1. L’éclipse de l’objet en amont du projet. Modèle typologique, Alain Findeli 2005. L'apparition de ce dernier type dans la dernière décade du 20e siècle ne signifie pas que les précédents disparaissent complètement même s'ils connaissent une éclipse significative. Le Design Orienté Utilisateur s'inscrit donc dans les théories du projet design dont il en est la phase ultime. Il est ancré dans l'histoire et dans la philosophie du projet design. On retrouve dans cet historique des théories du projet design, les trois dimensions du signe telles que définies par la sémiotique de Peirce : dimension symbolique, dimension structurelle, et dimension pragmatique. Ainsi chaque période privilégie une dimension de la triade du signe et ici, c'est la dynamique de l'objet dans sa relation avec les acteurs ou la dimension pragmatique. 2. Le modèle du Design Orienté Utilisateur : fondement et outils De nombreux chercheurs ont travaillé sur ce modèle de « user oriented design » ou « user centered design ». Dans les définitions du Design Orienté Utilisateur, on utilise indifféremment le terme de consommateur (consumer) ou d'utilisateur (user) ou de design « centered » ou « oriented ». Il faut aussi comprendre que l'utilisateur peut être à l'extérieur dans un marché ou à l'intérieur dans l'entreprise. Ce modèle de « user oriented innovation » est d'ailleurs celui adopté en informatique pour le design des systèmes d'information. Un design « centré sur l'utilisateur » signifie d'abord que l'on concentre son attention sur un point central dans la conception. Le designer aurait tendance à ajouter que ce point central est le « design de l'expérience globale d'un utilisateur ». Le modèle du « user oriented design » est à rapprocher du développement de la phase amont du projet design et de son enrichissement par des études design ou « Design research ». D'ailleurs, dans l'ouvrage Design Research, Brenda Laurel (Art Center of Design Pasadena) commence par ces méthodes issues des sciences humaines avec un large éventail : du marketing qualitatif des « focus group » jusqu'aux techniques d'observation. Ces techniques au départ intuitives (un designer sait voir, regarder et observer) ont tendance à se sophistiquer en s'enrichissant des savoirs des sciences humaines et en particulier de la sociologie et de l'ethnologie. Afin de mieux comprendre l'utilisateur, le design va avoir recours à différents outils issus des sciences humaines (voir aussi les autres articles dans la partie Design Management du magazine Design plus Magazine n°25, ndlr) : - l'observation : soit en observant soi-même sur place en situation d'usage soit en interprétant des vidéos faites par des utilisateurs à distance : « ethno design », - la participation à la conception surtout pratiquée quand il s'agit d'utilisateurs handicapés ou âgés mais élargie au « design for all », - les interviews : on réinvente les « focus groups » et on va plus en profondeur dans les histoires et les liens entre les produits et les styles de vie des gens ; on travaille directement sur les « verbatim » de l'interviewé et sur son imaginaire, - des narrations : des consommateurs ou utilisateurs cibles, à partir de caméras mises à disposition, enregistrent eux-mêmes ce qu'ils pensent important à un moment donné et inventent des histoires. Les données recueillies par ces techniques sont partagées par tous les membres de l'équipe d'innovation. Ainsi, chaque membre partage les mêmes données et donc une image mentale se construit du problème. À partir de ces données communes, on les interprète par des dessins, des scénarios d'usage. On invente une « persona » ou archétype d'utilisateur qui aide à préciser l'objectif du projet de conception et facilite ainsi la créativité et l'étape des tests de concept. Ces méthodes issues des sciences humaines enrichissent en amont la compréhension du problème par le designer et stimule sa créativité à partir de données réelles recueillies en situation d'usage. Ce modèle de « design orienté utilisateur » est donc utile et pertinent pour la qualité du processus créatif du designer. Qu'en est-il de sa pertinence en science de gestion et en management de l'innovation ? 3. Les avantages du modèle « Design Orienté Utilisateur » en gestion Quels sont les avantages de ce modèle en gestion de l'innovation ? Nous en avons proposé quatre dans un article publié par le Journal of Product Innovation Management. Figure 2. User-Oriented Design Impact on NPD (Veryzer & Borja 2005) Proposition 1 : Le Design Orienté Utilisateur améliore la collaboration dans une équipe d'innovation Le modèle dominant en innovation est celui de l'équipe projet pluridisciplinaire. Les outils à disposition de ces équipes issues du management de projet sont des outils qui décrivent le processus d'innovation (voir Magazine Design Management n° 8). Ce sont des modèles qui définissent les phases du processus de conception et les points clés de décision entre les différentes phases et leurs « delivrables ». Le Design Orienté Utilisateur permet de focaliser les décisions de cette équipe projet vers un seul objectif : l'amélioration de la satisfaction d'un utilisateur. Cet objectif s'impose alors à tous les acteurs de l'équipe projet et améliore la collaboration entre les différents métiers de l'innovation. Or, une meilleure coordination de l'équipe projet augmente les chances de succès de l'innovation. Proposition 2 : Le Design Orienté Utilisateur améliore la gestion des idées et la créativité. Le Design Orienté Utilisateur part souvent de la pollinisation croisée d'opportunités issues d'une veille design et d'une veille de tendances sociétales et de données issues de l'observation des usagers. Il facilite donc la collaboration entre le marketing stratégique et la recherche design (souvent appelé planning stratégique dans les agences) sur la gestion des idées et la créativité en particulier dans la valorisation des marques. Le design va chercher à inventer de nouvelles visions du marché. On sort d'une innovation contrainte par un couple produit/marché existant. On parle d'innovation pragmatique qui permet de sortir des cadres qui structurent les gammes. Un Design Orienté Utilisateur va susciter l'innovation qui explore des pistes plus originales et plus avant-gardistes et donc des idées créatives hybrides entre les marchés : « designers as knowledge brokers ». Ces idées se concrétisent par des produits concepts qui sont autant de nouvelles visions du marché et qui souvent viennent d'un processus de pollinisation croisée des nouvelles technologies, des nouveaux usages de la mode et l'art. Or l'on sait qu'il faut brasser beaucoup d'idées pour trouver la combinaison d'idées qui va définir le système de spécifications optimum du nouveau produit ou service. Proposition 3 : Le Design Orienté Utilisateur conduit à une innovation de produit ou service « supérieur » Le Design Orienté Utilisateur est simultanément centré sur la qualité des processus et la qualité du produit et vient donc augmenter les chances de succès de l'innovation. En effet, l'une des bases de la réussite du projet d'innovation est de ne pas dissocier l'objectif du projet : un produit supérieur demande la gestion rigoureuse du projet. - Supériorité du produit : le Design Orienté Utilisateur oriente la conception sur l'expérience du client ou de l'usager et le multi sensoriel. Il facilite une orientation marché de l'innovation qui est un gage de succès. - Supériorité du processus : le Design Orienté Utilisateur permet plus de collaboration dans une équipe pluridisciplinaire. Il est basé sur une ouverture de l'équipe vers la société et suscite un travail en réseau avec des experts externes ce qui est aussi une façon d'augmenter les probabilités de succès. Proposition 4 : un Design Orienté Utilisateur conduit à des produits qui seront plus facilement acceptés par les utilisateurs On sait que l'une des causes d'échec de l'innovation est la non-appropriation de l'innovation par le marché et la société (Théorie de la traduction, voir Design Management Magazine n°8). Le modèle du Design Orienté Utilisateur conduit à faire entrer la société, les parties prenantes et les usagers dans le processus de conception dans toutes les phases du projet de l'idée, du concept aux tests, ce qui conduit à une innovation qui sera plus facilement acceptée par l'entreprise et dont l'insertion dans la société sera plus fluide. En résumé, le Design Orienté Utilisateur s'inscrit dans les bonnes pratiques de la gestion d'innovation en équipe projet pluridisciplinaire. Il crée de la valeur dans les modèles d'innovation. 4. Replacer le modèle du Design Orienté Utilisateur dans les sciences de la conception Cette théorie du projet design orienté vers les acteurs ou le concept de Design Orienté Utilisateur est à replacer dans les sciences de la conception. Le modèle de conception réglée et systématique en étapes convenait à un « dominant design » avec des fonctionnalités bien identifiées et des segments de marché connus. Mais l'univers actuel des produits nouveaux a changé, les acteurs traditionnels de la conception et de l'ingénierie sont déstabilisés et doivent faire face à un impératif d'innovations rentables et simultanément à l'inexorable montée des coûts de conception. Cela conduit à une nouvelle ère de la conception innovante et à l'émergence d'une fonction innovation que se situe dans l'organisation entre le « R » et le « D » : R I D selon Armand Hatchuel. Les designers ne doivent pas oublier qu'un projet d'innovation est à la fois une recherche de concept et une réorganisation et création de connaissances. Armand Hatchuel développe la théorie CK ou une théorie unifiée de la conception qui distingue deux espaces : celui des concepts (C) et celui des connaissances (K) dans le (I) de l'innovation. L'organisation de la conception industrielle implique donc de maîtriser la double expansion du concept et du knowledge (ou connaissance) et la réutilisation des C et des K. Le projet design qu'il soit orienté vers l'objet, le processus ou les acteurs (Figure 1) tend à se limiter aux « C ». Or, la co-évolution des compétences (K) et des produits (C) sont deux notions clé des modèles de conception. Elle seule crée des lignées et garantit les rentes d'apprentissage par l'invention de nouveau « dominant design ». Ainsi, IDEO l'a très bien compris : il ne faut pas raisonner projet mais raisonner projet et « knowledge » : idées et banque de données. La question clé pour la profession du design est la capitalisation des connaissances inter-projets. Et cette question se pose quelle que soit la théorie du projet à laquelle on se réfère. Le modèle du Design Orienté Utilisateur va forcément améliorer les connaissances sur les utilisateurs. Or un projet design va sélectionner quelques idées. Que faire des autres connaissances ? - des concepts explorés et mis en suspens, - des connaissances produites utilisées ou non mais valorisables sur un autre produit. A-t-on une banque de données que l'on peut activer à tout moment des connaissances générées et des idées non-utilisées dans les précédents projets ? Réfléchir au-delà du projet design aux savoirs accumulés dans les projets est un exemple du changement de paradigme actuel de la profession de designer qui passe de « project based » à une profession de « knowledge based ». Les agences design qui font du Design Orienté Utilisateur chacune de leur côté pour leurs projets et leurs clients auraient probablement intérêt à se poser la question suivante pour devenir des acteurs plus crédibles : « Ne suis-je pas en train de réinventer la roue ou de jeter des connaissances utilisables dans d'autres projets ? »… Intérêt aussi à travailler en réseau entre agences, à inventer des laboratoires de recherche communs de « Design Research » ou des « joint ventures » avec des laboratoires en sciences sociales d'université pour créer des ponts entre les « C » et les « K ». L'humain est entier et n'a rien à voir avec une logique de projet qui veut l'observer par tranches d'usage. Il est temps d'inventer une économie de la personne. Pourquoi observer un jour un homme dans son achat d'eau et le lendemain observer le même homme dans son usage de téléphone portable ? Pourquoi ne pas plutôt créer un laboratoire qui observe cet homme unique dans son parcours de vie dans un temps donné et vendre ensuite les observations à plusieurs marchés. En résumé, réinventer les études de marché et rapprocher les études qualitatives et la création design. Le Design Orienté Utilisateur enrichit de données fiables de recherche, le « fuzzy front end » ou l'avant-projet dans la phase de définition du problème. Il s'approprie les savoirs des sciences humaines (K), il crée des concepts (C), mais il oublie de rendre aux sciences humaines les nouvelles connaissances qu'il a accumulées par l'observation ou de les enrichir des « C ». Le design, hélas, agit encore en contrebandier à moins qu'il se préoccupe d'être à l'avenir un designer de la cognition tourné vers l'homme et vers l'amélioration de son intelligence. Conclusion En résumé, la dernière strate des théories du projet design, celle du Design Orienté Utilisateur ou Design Orienté vers les Acteurs est un outil clé de design management efficace. Il est aussi en phase avec une société de plus en plus tournée vers la pointe supérieure de la pyramide des besoins selon Maslow : le besoin d'accomplissement personnel ce qui veut dire l'envie pour chacun de créer et de concevoir sa vie comme un designer et donc du besoin d'un Design Orienté vers Moi. Borja de Mozota Docteur en Sciences de gestion et maître de conférences HDR, Brigitte Borja de Mozota est spécialiste des questions de design management, design & marketing, design & stratégie, design & innovation, design & performance de l’organisation. Elle a publié plusieurs ouvrages et articles, dont The four powers of design : a value model in design management (Design Management Review, Spring 2006, pp. 44-53) et Design management (éditions D’Organisation, 2001). Elle collabore régulièrement à la revue Design Plus Magazine, publiée par le Centre du Design Rhône-Alpes. ---------- Bibliographie : Laurel Brenda, editor, Design Research:methods and perspectives, The MIT Press, 2003 Musso Pierre, Ponthou Laurent, Seuillet Eric, Fabriquer le futur : l'imaginaire au service de l'innovation, Village Mondial 2005 Vogel Craig, Cagan Jonathan, Boatwright Peter, The Design of things to come : How ordinary people create extraordinary products,Wharton School publishing , 2005 Veryzer Robert & Borja de Mozota Brigitte, The impact of User Oriented Design on New Product Development : an examination of fundamental relationships, Journal of Product Innovation Management, volume 22, pages 128-143, 2005 ---------- La Revue du Design remercie Brigitte Borja de Mozota, qui lui a proposé cet article, ainsi que le Centre de Design Rhône-Alpe, qui l'a publié une première fois dans sa revue Design Plus Magazine n°25.

Les auteurs

La Revue du Design — Tue, 24 Mar 2009 01:31:43 +0000

Ils contribuent ou ont contribué à La Revue du Design : Brigitte BORJA DE MOZOTA : Docteur en Sciences de gestion et maître de conférences HDR, Brigitte Borja de Mozota est spécialiste des questions de design management, design & marketing, design & stratégie, design & innovation, design & performance de l’organisation. Elle a publié plusieurs ouvrages et articles, dont The four powers of design : a value model in design management (Design Management Review, Spring 2006, pp. 44-53) et Design management (éditions D’Organisation, 2001). Elle collabore régulièrement à la revue Design Plus Magazine, publiée par le Centre du Design Rhône-Alpes. Alexandre COCCO : designer de formation et titulaire d’un DEA d’urbanisme, Alexandre Cocco est l’initiateur de La Revue du Design, dont il assure également la coordination éditoriale. Il est aujourd’hui responsable pédagogique d’une école d’arts appliqués à distance. Il est également l’auteur de plusieurs articles sur le design et l’aménagement intérieur, publiés dans le magazine d’A ou d’autres supports tels que Le Visiteur, XXe siècle revue d'histoire… Thibaut DEVEREAU : ingénieur (IFMA) et titulaire d'un MS Marketing, Design et Création, Thibaut Devereau est l'un des fondateurs du site Design Plateform. Il anime par ailleurs un blog intitulé Entreprise et talents. Design, management, marketing… et les autres! A l'heure du 2.0. Jean-Louis FRECHIN : Jean-Louis Frechin est le fondateur de l’agence de design numérique NoDesign.net, spécialisée dans la création, l’innovation et les réflexions stratégiques centrées sur les pratiques et les usages des technologies de l’information et de la communication. Jean louis Frechin est également enseignant et chercheur à L’ENSCI_Les Ateliers, où il a fondé et développé le concept de design numérique. Il intervient régulièrement dans des conférences sur l’innovation, la création et les usages dans les NTIC. Il a également été lauréat de la Carte Blanche du Via 2008. Céline GALLEN : docteur en sciences de gestion, maître de conférences à l’Université de Nantes (Institut d’Economie et de Management de Nantes-IAE) depuis 2002 où elle enseigne le marketing fondamental, le comportement du consommateur et les modes de consommation alimentaire. Ses travaux de recherche portent sur l’étude des comportements alimentaires et notamment les mécanismes de perception du design alimentaire et culinaire. Clément GAULT : Diplômé en 2007 en design industriel à l'École de Design de Nantes, Clément Gault a découvert durant son projet de fin d'étude que le design et la recherche était un enjeu important pour l'avenir de cette discipline. Après quelques mois à l'École Polytechnique Fédérale de Lausanne où il a travaillé avec des chercheurs, il mène actuellement une thèse sur le design. Hébergée à l'École de Mines de Nantes et financée par Orange Labs, l'objectif de son travail de recherche est d'étudier la coopération entre chercheurs et designers. Il tient également un blog intitulé Design et recherche rassemblant idées et analyses sur le design contemporain. Christian GUELLERIN est directeur de L'École de design Nantes Atlantique et président de l'Association Cumulus. Il tient également un blog, intitulé Free opinion about design education. Calogero GIARDINA : docteur ès-lettres, Calogero Giardina est l’auteur de deux ouvrages et d’une série de travaux de critique littéraire publiés en France, en Italie, en Belgique, en Angleterre et aux Etats-Unis. Il est spécialiste de stylistique et ces travaux portent aussi bien sur des auteurs comme Raymond Radiguet (auquel il a consacré sa thèse), Antoine Furetière, Ionesco, Jules Laforgue et Boris Vian. Ses domaines de recherche sont la création verbale et l’utilisation du cliché dans la littérature française. Son intérêt pour les formes et le style dans la littérature l’a amené à s’intéresser aussi au design. Calogero Giardina a enseigné à l’université de Dijon, à la faculté de lettres de Besançon et à l’université Lyon 3. Quentin HIRSINGER : Quentin Hirsinger est le co-fondateur de MatériO, le premier centre Européen indépendant d’information sur les matériaux et produits innovants. Gervais JASSAUD : depuis les années 1970, Gervais JASSAUD édite sous le nom de "Collectif Génération" des livres d’artistes réunissant des écrivains et des artistes plasticiens contemporains. En 1977, le Musée National d’Art Moderne du Centre Pompidou à Paris expose ses premiers livres avec des œuvres originales d’Arman, Ben, Viallat, Buren, etc. A partir du milieu des années 1980, le champ de ses collaborations s’étend aux Etats-Unis (Sol Lewitt, Marcia Hafif…), au Japon (Kenji Nagakami, U Fan Lee), au Canada, en Australie. Ces livres, conçus comme œuvres originales, sont présents dans de nombreuses collections privées et publiques parmi lesquels le MoMA de New York et la British Library. Il a été Directeur de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design de Reims jusqu'en 2005. Stéphane LAURENT: ancien élève de l'école Boulle et de l'Ecole Normale Supérieure de Cachan, Stéphane Laurent a enseigné dans plusieurs universités, dont Paris IV-Sorbonne et Berkeley. Agrégé, il a obtenu un doctorat puis une Habilitation à Diriger des Recherches (HDR). Depuis 1999, il est maître de conférences en Histoire de l’art à l'Université de Paris I Panthéon-Sorbonne et, depuis 2009, Professor à la Zayed University de Dubai. Il est l'auteur de nombreux ouvrages sur les arts décoratifs, le design et l’enseignement artistique. Il signe régulièrement les entrées "design" de l’Encyclopaedia universalis et participe à de nombreux colloques internationaux. Il collabore à plusieurs revues d'art dont la Gazette de l'Hôtel Drouot, les Dossiers de l’art et Connaissance des arts. Jocelyne LE BOEUF : Jocelyne Le Bœuf est directrice des études à L'Ecole de Design de Nantes Atlantique où elle enseigne également l'histoire de l'art et du design. Elle est notamment l'auteur d’un ouvrage sur Jacques Viénot (Jacques Viénot, Pionnier de l’Esthétique industrielle en France édité aux PUR), et d’un chapitre consacré au design dans l'ouvrage 1950-2000, Arts contemporains publié pur les éditions Autrement et le SCEREN en 2002. Nicolas MINVIELLE : docteur en économie (EHESS), également diplômé de Sciences Po Strasbourg (section économie et finances), Nicolas Minvielle a été responsable des marques, responsable d'études et responsable Internet chez Philippe Starck de 2001 à 2007. Il a créé, en parallèle, le groupe Design conseil, dédié au conseil pour la gestion du design, de l'architecture et de la décoration (2006-2008). Il est également enseignant à l'ENSCI ainsi qu'à l'école de management Audencia Nantes, et a publié en 2006 un ouvrage intitulé "Design et Croissance" chez Maxima. Elodie PALASSE: journaliste indépendante (Connaissance des arts, L’Art aujourd’hui, L’Express…) et responsable éditoriale dans le secteur du livre illustré, Elodie Palasse est diplômée de Christie’s Education, école de la maison de ventes britannique, en Histoire & marché de l’art et en Arts décoratifs. Spécialisée en Histoire du design, elle a fondé le blog Sleek Design en 2009 . Olivier SAUVAGE : après avoir fondé et dirigé pendant 4 ans sa propre Web Agency (OS Systèmes), Olivier Sauvage est désormais Responsable des nouveaux projets webs du groupe 3SI (3 Suisses International). Il est également le fondateur de Capitaine Commerce, un site Internet dédié au ecommerce. Pour trouver les articles d'un auteur en particulier, vous pouvez simplement saisir son nom de famille dans la case "Rechercher" située sur la droite de cette page.

Parapluie Cloud umbrella

La Revue du Design — Wed, 25 Mar 2009 00:20:16 +0000

Le concept "Cloud umbrella", imaginé par le designer coréen installé aux Pays-Bas Joonsoo Kim, propose un nouveau type de parapluie, gonflable, filant la métaphore météorologique et se présentant sous la forme d'un petit nuage. Lorsqu'il est replié, ce parapluie se résume à un simple tube qui sert également, telle une pompe à vélo, à gonfler la structure haute dès les premières gouttes de pluie. L'aspect poétique indéniable du projet, dont on peut par ailleurs questionner la résistance face à des pluies ou des vents violents, possède cependant le mérite de renouveler le genre, ce type d'objet étant finalement assez questionné aux niveaux pratiques et esthétiques. Sources : joons.co.kr, trendsnow.net, dontstopdesign.blogspot.com, dvice.com.

© Qantas / M. Newson

La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:56:17 +0000

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© Qantas / M. Newson

La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:56:56 +0000

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La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:57:28 +0000

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La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:57:55 +0000

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© Qantas / M. Newson

La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:58:25 +0000

© Qantas / M. Newson

La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 12:59:29 +0000

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L'intérieur de l'A380 vu par Marc Newson

La Revue du Design — Thu, 26 Mar 2009 13:00:39 +0000

Marc Newson vient de signer, pour la compagnie aérienne australienne Qantas, l'aménagement complet d'un Airbus A380. Affirmant qu'il souhaite restaurer le glamour dans les airs, le designer propose effectivement, comme le montrent nos photos, un aménagement particulièrement soigné. La seconde classe se révèle spacieuse, notamment grâce à des sièges plus fins réalisés avec une mousse spécifique. La business class comporte une série de sièges coques, permettant de s'isoler presque totalement. Enfin, la première classe (image d'introduction et ci-dessous) possède ses propres "lounges", de vraies petites pièces séparées du reste de l'espace par des cloisons à mi-hauteur. Le siège, pivotant, donne par ailleurs accès à un média center, avec écran tactile. Pour plus d'informations, vous pouvez consulter cet article, de l'International Herald Tribune (iht.com), et une interview publiée sur iconeye.com (en anglais).

Mommy's Chairs © Lucy Merchant

La Revue du Design — Mon, 30 Mar 2009 09:32:10 +0000

Mommy's Chairs © Lucy Merchant

La Revue du Design — Mon, 30 Mar 2009 09:32:29 +0000

Mommy's Chairs © Lucy Merchant

La Revue du Design — Mon, 30 Mar 2009 09:34:29 +0000

Mommy's chairs

La Revue du Design — Mon, 30 Mar 2009 09:38:15 +0000

La designer Lucy Merchant, diplômée de la Kingston School of Art de Londres en 1997, a récemment présenté sa collection Mommy's Chairs, inspirée de dessins d'enfants et réalisée en tiges d'acier recyclé laqué. Sources : freshome.com, designersblock.blogspot.com, trendhunter.com.

© Moleskine

La Revue du Design — Mon, 30 Mar 2009 11:56:37 +0000

Le design de demain se prépare aujourd'hui dans la Silicon Valley : « Design thinking » « dschool » université de Stanford

La Revue du Design — Tue, 31 Mar 2009 00:24:44 +0000

Par Brigitte Borja de Mozota. Les idées ne suffisent plus. Les entreprises doivent se donner de la flexibilité pour expérimenter de nouveaux modèles d'affaires. Ce qui implique de lutter contre la tendance à coller au business model existant. La Silicon Valley nous montre l'exemple d'une innovation partagée entre de nombreux acteurs dans une logique de flux des idées au sein d'un cluster. À travers deux entreprises qui réinventent leur business model grâce au « design thinking » (SAP et Procter & Gamble) observons le cercle vertueux des liens entre design, recherche design, et entreprise autour de l'université de Stanford. Qui sont les acteurs du réseau de la nouvelle « dschool » ? Pourquoi Hasso Plattner, fondateur de SAP, géant allemand du progiciel de gestion en est-il le principal financeur ? Comment s'organise le lien entre SAP AG et le Hasso Plattner Institute of Design ou « dschool » dirigé par David Kelley, co-fondateur d'IDEO, sur le campus de Stanford ? Nous avons voulu comprendre. Autour du schéma du cluster dessiné par Samuel Yen, responsable du Design Services Team chez SAP, analysons le système complexe des interactions entre les différents acteurs que nous avons rencontrés à Stanford entre le 15 et 27 avril 2007. Quelle est cette passion commune pour le pouvoir du « design thinking » ? 1. Hasso Plattner Hasso Plattner, chef d'entreprise allemand, est l'un des fondateurs du géant du progiciel SAP AG. Depuis longtemps il s'est engagé dans l'éducation, d'abord avec la création du Hasso Plattner Institute, spécialisé dans l'ingénierie des systèmes informatiques et localisé à Palo Alto et à Potsdam. Ensuite avec la fondation Hasso Plattner à but non lucratif dans laquelle il a engagé 50 millions d'euros à titre personnel. Il est aussi très actif dans le soutien aux entrepreneurs dans le domaine informatique. En octobre 2005 pour 35 millions de dollars US, il crée le Hasso Plattner Institute of Design à l'université de Stanford où des étudiants de diverses disciplines vont pouvoir découvrir le « design thinking ». Lui-même découvre IDEO et le design dans l'article publié par l'hebdomadaire Time en 2004 intitulé « The power of design ». Depuis il est devenu un fan inconditionnel de la méthodologie « user oriented design » et « dirty prototyping » de l'agence design IDEO. Ainsi en 2006, devant l'ensemble des collaborateurs de SAP réunis en convention Sapphire à Altlanta, il défend une nouvelle philosophie de l'entreprise basée sur les différentes étapes du design process ; quelques verbatim de sa conférence : Adopter une vue à 360° des problèmes. « Il faut se baser sur des faits, adopter une vision « user oriented design » de l'organisation, chercher des utilisateurs clés, leur rendre visite sur place dans leur environnement, aller voir comment ils font. Les gens vous disent quelque chose et agissent différemment. Observez. Ressentez. » Prototype. « Pour trouver le bon équilibre entre la désirabilité et la faisabilité, la réponse est le prototypage de manière itérative. Entre chaque phase de l'innovation, revenez vers les utilisateurs. Cherchez à faire remonter leurs besoins émotionnels. Observez ce qui leur vient à l'esprit et ce qui change dans leur manière de penser. » Implication des designers. « L'implication des designers ne doit pas se terminer avec les spécifications design. Le « design thinking » doit être appliqué à toutes les étapes du processus de développement. Il est important que l'équipe soit multidisciplinaire avec des profils différents de personnes. Il faut sortir du cadre habituel pour innover. L'espace de travail doit être aménagé pour stimuler la collaboration. Si l'on adopte une mentalité tournée vers la prise de risque, on aura une culture créative. » Ensuite, Hasso Plattner montre des applications du « design thinking » pour le business de SAP dans le futur. « Dans ce monde totalement informatisé, l'enjeu sera le chevauchement entre les modèles de gestion des données et les modèles de gestion des processus. Il va falloir inventer une nouvelle synchronisation entre les données. Dans le passé, dans le software design, nous avons toujours réagi en construisant des systèmes de plus en plus gros, des briques au dessus les unes des autres . Nous devons maintenant comprendre qu'il n'y aura plus jamais un seul système ; nous devons passer plus de temps sur le design des systèmes. Exemple : pour la gestion des données d'une ville : l'observation des utilisateurs des systèmes SAP sur le terrain a abouti à des nouveaux services qui visent à relier les données géographiques et les données intellectuelles. Plusieurs municipalités ont investi dans des plateformes interactives qui permettent aussi une réinvention de la citoyenneté, par exemple pour la gestion de l'eau. » Et en conclusion, Hasso Plattner préconise une innovation « co-design ». « Nous avons raisonné dans notre industrie du software avec la métaphore des briques « lego ». Ce n'est pas la bonne direction pour notre industrie. La technologie informatique a totalement changé. SAP a été inventée à un moment technologique qui fait désormais partie de l'histoire. Il faut revoir tout notre business model et inventer des collaborations avec d'autres entreprises. » 2. Dschool Directeur fondateur : David Kelley David Kelley crée l'agence design IDEO après ses études d'ingénieur à l'université de Stanford. Il continue d'enseigner à Stanford et est nommé professeur en 1991. Il y conçoit le projet de la « dschool » qu'il dirige maintenant et va chercher son financement auprès de Hasso Plattner. La « dschool » a pour objectif d'adjoindre la compétence en « design thinking », ou pensée intégrative, à la compétence en pensée analytique déjà enseignée à Stanford. L'idée est de donner à des étudiants d'autres disciplines à Stanford la possibilité de créer et de vivre des expériences design et ainsi de promouvoir une culture de l'innovation. « We believe true innovation happens when strong multidisciplinary groups come together, build a collaborative culture and explore the intersection of their different points of view.We believe having designers in the mix is key to success in multidisciplinary collaboration and critical to uncovering unexplored areas of innovation. Designers provide a methodology that all parties can embrace. Design thinking is the glue that holds these kinds of communities together and makes them successful. » Ainsi la conviction derrière la « dschool » est que les innovateurs et les leaders doivent être des « design thinkers ». Portée vers des problématiques générales et plutôt vers l'innovation radicale et la « big picture », la « dschool » adopte aussi une méthodologie design basée sur l'observation de l'humain. Ce projet « dschool » a eu un retentissement mondial. Des business schools partout dans le monde commencent à intégrer des programmes de « design thinking » dans leur cursus de MBA à l'image de la Rotman school of Management dirigée par Roger Martin à Toronto. Sur place à Stanford les locaux encore provisoires de la « dschool » ressemblent à n'importe quelle école de design avec ses espaces dédiés aux projets. Ce qui est nouveau, c'est la variété des disciplines représentées dans l'équipe pédagogique et l'ouverture de la « dschool » à des étudiants non designers. 3. SAP et la « dschool » Le cours « Software design experiences » « CS 447 » Spring 2007 Dans ce cours, SAP est représentée par Samuel Yen qui dirige le Design Services Team de SAP et co-anime le cours avec un enseignant de l'Institut du Design de Chicago. Quand nous étions sur place, les étudiants avaient terminé la première phase du « design thinking » ou vue à 360° en adoptant différentes techniques de recherche de besoins (interviews, observation, enquête auprès d'experts). Ils débutaient la deuxième phase de recherche, à savoir la sélection de l'angle de vue ou focus. Deux équipes de 12 étudiants travaillaient en parallèle pour deux municipalités de la Silicon Valley. Finalement, les thématiques choisies pour ce cours furent : sauver la planète pour une équipe, réinventer le lien social et la citoyenneté pour l'autre équipe. 4. La Silicon Valley La Silicon Valley remonte à la grande époque des pionniers de l'ouest américain. Des gens un peu fous. C'est l'endroit du monde qui a eu le plus tôt des relations avec l'Asie. L'Est des USA est basé sur la hiérarchie. Dans la Silicon Valley, par contre, la hiérarchie est minimale. Aussi, on n'a pas peur de partager des idées. La protection de l'innovation n'est pas leur préoccupation parce que l'on sait que mettre en oeuvre une idée dans un autre contexte que celui de la Silicon Valley prendra 10 ans. Ils connaissent la force de leur cluster sur le plan de l'innovation mais aussi la force des liens de proximité avec les financeurs. En Europe, l'innovation est un processus à gérer. Ici, dans la Silicon Valley, l'innovation est le résultat d'un flux continu d'idées dans un environnement favorable à cette atmosphère ludique autour des idées. 5. Samuel Yen, directeur Design Services Team DST SAPLabs, Palo Alto Voilà comment le département design intégré chez SAP se présente dans les écoles design : Design is a) ? b) ! « Les questions et les réponses sont les fondamentaux de l'innovation. Le design est là pour articuler le problème ou la solution. L'objectif du Design Services Team (DST) de SAP est de répondre à cette question. Le DST travaille pour toute l'entreprise SAP et se sert du design pour impacter la stratégie de SAP, ses produits mais plus important encore, les gens. Nous concevons et développons des solutions innovantes de processus et des outils qui sont techniquement faisables, économiquement viables et du point de vue de l'utilisateur très désirables. En travaillant avec les cadres de l'entreprise, les clients et le personnel, la mission du Design Services Team est simple : changer la manière dont SAP construit les softwares. Si vous pensez que le design mérite une place au comité de direction générale rejoignez la révolution design chez SAP. Intégrez le DST. » L'équipe conduite par Samuel Yen est responsable de projets « Innovation Led Design ». Elle est installée dans un espace de travail très mobile et qui suscite la créativité ; ils conduisent aussi dans cet espace des recherches sur les utilisateurs. Le Design Services Team est rattaché directement à la direction générale. Pour Sam, sa mission est éducative ; il s'agit de préconiser un nouveau management basé sur l'expérimentation et sur la pensée intégrative du designer appliquée à chaque étape du développement d'une innovation. Pour lui, le « design thinking » est une pensée holistique, itérative, centrée sur l'humain,empathique, basée sur des prototypes et ambidextre (cerveau droit et cerveau gauche ensemble), « outside in »,multidisciplinaire. Toute étude commence par une vue à 360° du problème. 6. Stanford University Truman Building Faculty of Engineering ME 310 course « Team based design with corporate partners » Responsable du module : Larry Leifer Chaque équipe d'étudiants est comme une « start up » qui ne sait pas où va se terminer le projet. Un état d'esprit entrepreneurial prédomine. Le cours se déroule sur toute une année avec une dizaine de partenaires industriels. Entreprises 2006-2007 : Audi, CEE, Daimler Chrysler, Deutsche Bahn, GM, Panasonic, SAP, VW, Nokia, DCI. Chaque projet apporté par une entreprise dispose de deux équipes de 4 étudiants : une équipe à Stanford et une équipe dans une autre école ou université partenaire répartie dans le monde entier. Les étudiants disposent d'un cadre pédagogique très sophistiqué. Tout d'abord, les étudiants font un test de personnalité (test Myers Briggs) et disposent d'un temps de workshop en commun pour apprendre à se connaître. Les entreprises viennent ensuite présenter leur projet et les étudiants notent leurs préférences. Les équipes finales sont constituées par l'équipe pédagogique à partir des résultats du test de personnalité et de la grille des choix. La juxtaposition de profils différents de personnalités est aussi importante que le CV ou l'expertise métier de chaque étudiant pour la qualité de la performance de l'équipe. D'octobre à juin, les équipes vont travailler en parallèle pour un projet d'entreprise. Ils ont un coach dans l'entreprise et un coach au sein de l'équipe pédagogique. L'important est de conserver la motivation et la fluidité de la création. En plus, un temps plus convivial d'échange collectif est prévu tous les jeudis soir avec l'équipe pédagogique. Des outils technologiques pointus de communication permettent la liaison entre les équipes situées à l'étranger et des visites sont organisées sur les campus respectifs pour que les équipes échangent. Dans le cours ME 310, on crée des équipes multidisciplinaires qui simulent la situation des équipes d'innovation en entreprise. Il y a des ingénieurs électronique ou mécanique, ingénieurs informatique spécialistes de « human interface », des spécialistes en art ou en marketing, des spécialistes en ethnographie. Les étudiants business ou MBA ne sont pris que s'ils acceptent la règle du jeu, coopèrent et ne tentent pas d'imposer une culture du business. À la fin du module en juin, devant les entreprises partenaires, les équipes auront exploré le problème de plusieurs façons, enrichi les connaissances sur le sujet et réalisé un prototype fonctionnel du concept final qu'ils ont choisi. 7. Exemple de Projet d'entreprise pour le ME 310 course Coach entreprise SAP : Samuel Yen (DST) SAP « User interface for an executive decision context device » Think. Le projet : la plupart des cadres n'utilisent pas leur ordinateur quand ils sont dans un contexte où ils doivent prendre des décisions. Considérons qu'ils ont de bonnes raisons pour agir ainsi et donnons leur un objet mobile qu'ils auront envie d'utiliser. En analysant le problème de la prise de décision en entreprise, on constate que les cadres se basent sur des documents, des conversations téléphoniques et des réunions, ce qui introduit potentiellement un biais qui privilégie l'information verbale sur l'information visuelle. Objectif de l'objet à concevoir : faire mieux que le papier, concevoir un objet qui inspire confiance et qui permet de visualiser l'effort collaboratif derrière toute décision. 8. Larry Leifer, directeur Center for Design Research, CDR Une communauté de chercheurs qui se concentrent sur la recherche en innovation, en engineering design et en éducation design. Ce centre de recherche abrite plusieurs laboratoires dont le Design Thinking Research Lab « Design theory and methodology. Engineering and design education ». The Design Thinking Research Laboratory dirigé par Larry Leifer se consacre à la recherche sur le process design. Il permet l'investigation de ce process design par l'observation d'équipes de designers in situ. Ces études concernent la dynamique des équipes, le leadership, les espaces design, les technologies de collaboration pour le management des savoirs. Avec un focus sur des équipes de développement produit distribuées globalement sur la planète, le laboratoire cherche à développer des mesures objectives de la performance de l'équipe design selon différentes méthodologies et en utilisant divers outils informatiques. Interview avec le professeur Larry Leifer, Verbatim Quelle est votre définition du « Design Thinking » ? « Not helpful to define design thinking, but most helpful to use the phrase in order to avoid the question of “What” ». Utiliser la formulation « design thinking » ou pensée design vous permet d'éviter la sempiternelle question quand on parle de design à savoir la question du QUE ? Parlez de design à quelqu'un et tout de suite il vous demandera QUE ? WHAT ? Quel design ? Quel objet ?… « Parler de « design thinking » ou de pensée design vous permet de contourner le problème et aussi par cette formulation basée sur la réflexion, les frontières du champ d'application du design s'élargissent. Pour expliquer la pensée design ou « design thinking », je prends souvent la métaphore du corps ou de la respiration et je dis qu'à chaque étape du processus design, on passe par trois états : - inhaler : vous respirez le chaos, - diverger : avec vos bras vous cherchez dans toutes les directions, - convergez : vous expirez, vous trouvez une solution. La pensée design est une dynamique, un flux, un peu comme dans l'industrie du film où il faut changer de plan toutes les 7 secondes. Cela pose une question aux chercheurs qui font des modèles car il faudrait que ces modèles soient plus dynamiques pour les rendre plus humains ». 9. Procter & Gamble Exemple d'entreprise entretenant des liens suivis avec le design à Stanford / Claudia Kotchka, Vice President Design Innovation and Strategy Face à la mission de P&G , comment faire pour que le design qui avait un rôle limité dans l'entreprise entre dans les gènes de l'organisation ? Conférence campus de Stanford. Verbatim : « Pour faire changer la culture design chez P&G j'ai adopté une politique en trois phase successives : Phase 1. Expliquer ce qu'est le design (2000) En faisant venir des conférenciers extérieurs, en montrant des exemples de la valeur ajoutée du design aux ingénieurs, en recrutant des designers expérimentés et en les plaçant dans les départements R&D pour qu'ils travaillent sur des projets. « Companies almost always set out to create something that everyone will love, but end up with something that nobody will hate. » Phase 2. Pratiquer le design « Les designers sont différents quand ils (ou elles) regardent une personne, ils la voient ! » Différentes actions furent menées en parallèle : - Création de binômes designer/ manager ou designer/ marketer qui vont ensemble sur le terrain, dans les magasins etc. L'idée est pour le manager ou marketer d'« écouter ce que le designer voit ». - Constitution d'un « External Design Board » : ce Design Board se réunit trois fois par an environ ; il est constitué de 6 personnes reconnues dans le monde du design. Les designers présentent leurs projets et peuvent compter sur le soutien de ce Design Board pour aller plus loin dans leur créativité (alors que l'équipe projet aurait tendance à stopper la créativité). - Enseigner le business aux designers, pour qu'ils puissent comprendre les mots et le jargon du business et s'insérer dans les réunions. - Susciter des Workshops créatifs : application de la méthodologie du « design thinking » transfert de IDEO et de la Stanford University. Phase 3. Design comme stratégie Dans cette étape qui a lieu actuellement, on a recours à d'autres outils pour toujours améliorer l'intégration du design dans l'ADN de l'organisation. - Enseigner le design aux managers : les business leaders sont conviés à des séminaires design. Généralement, ils pensent qu'ils vont créer un packaging. Ils découvrent qu'ils vont « faire le design de leur stratégie » pendant un séminaire de 3 jours conçu par David Kelley, Dschool, Patrick Whitney, IIT school of design Chicago et Roger Martin, Rotman school of Management,Toronto. « Ils n'avaient aucune idée de ce qu’était le design mais ils vont en faire l'expérience. » Les designers avaient peur qu'enseigner le « design thinking » aux managers les conduisent à ne plus vouloir travailler avec des designers. Ce fut le contraire qui arriva. En définitive ils veulent plus de design. - Workshops, un espace dédié : puisque les équipes business et design ont encore tendance à tirer la corde chacun de leur côté, on invente un espace dédié aux Workshops. Un workshop se déroule sur 10 semaines pour une équipe constituée de représentants de toutes les fonctions de l'organisation qui travaillent sur un projet qui intéresse directement le PDG et dans ce workshop on adopte le « design thinking » comme méthodologie. Grand succès. - Inclusion : il n'y a pas de département central design. Les designers sont insérés dans les business units. Alors pourquoi P&G, en conclusion, est-elle en train de gagner son défi de changer la culture de l'organisation face au design ? Les raisons de ce succès, très relayé dans la presse business aux USA, sont : - le recrutement de designers expérimentés, ce qui était très différent de la culture P&G qui avait l'habitude de recruter des étudiants à la sortie de leurs études ; comme ils venaient d'autres entreprises, ils ont apporté d'autres méthodes, - le soutien du CEO qui va systématiquement rendre visite aux designers lors de ses déplacements et qui participe au Design Board meeting, - des avancées à petits pas, des succès sur lesquels on communique beaucoup. 10. Des doctorants fidélisés Rattachés au Center for Design Research (CDR) ou aux Laboratoires de la Faculté d'engineering. Pendant leur thèse, ils sont souvent assistants de professeurs et restent attachés au campus de Stanford ; ils y reviennent souvent pour échanger des idées. Quelques portraits : Elisabeth Gerber, directeur de Thèse, le professeur Robert Sutton. Elle travaille sur le « service design » et sur son impact sur la gestion organisationnelle des personnes et de leurs comportements en entreprise Ses travaux sont publiés dans l'Academy of Management Journal. Bill Cockayne crée sa start up dans la Silicon Valley après sa thèse et revient chaque semaine sur le campus de Stanford où il continue de donner des cours. Sa femme apprend le design avec lui et comme elle travaille chez Deloitte, elle y introduit la méthode des « personas » qu'elle a observé chez les designers. John Feland, qui a fait une thèse démontrant la corrélation entre le degré de pénétration du design et la performance de l'entreprise, présentera ses travaux au nom du laboratoire CDR dans le réseau de recherche en engineering design ICED dont le congrès international se tiendra à Paris en août prochain à la Villette. 11. Bill Burnett Directeur Division Product Design School of Engineering, Stanford Le design est enseigné à Stanford depuis 1959. L'éducation du designer produit a toujours été basée sur la recherche des besoins et l'ethnographie. Les fondateurs d'IDEO, étudiants à Stanford se sont inspirés de cette méthode pédagogique pour créer leur agence. Pour ce département design de la School of engineering qui a son espace propre et dont la notoriété est internationale : « La forme est le résultat de l'incarnation des informations recueillies par la démarche de prototype itérative et d'analyse critique et contextuelle des utilisateurs ». Pas étonnant qu'alors que les théories du design se dirigent actuellement vers le « user oriented design » dans les modèles de gestion de l'innovation, Stanford soit le lieu qui cristallise cet avenir. L'analyse de l'humain est dans le patrimoine de l'école design à Stanford. ———- La Revue du Design remercie Brigitte Borja de Mozota, qui lui a proposé cet article, ainsi que le Centre de Design Rhône-Alpe, qui l’a publié une première fois dans sa revue Design Plus Magazine n°29.

© Arphenotype

La Revue du Design — Tue, 31 Mar 2009 08:29:50 +0000

© Arphenotype

La Revue du Design — Tue, 31 Mar 2009 08:30:16 +0000

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La Revue du Design — Tue, 31 Mar 2009 08:30:35 +0000

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La Revue du Design — Tue, 31 Mar 2009 08:31:06 +0000

Pylône haute tension par Arphenotype

La Revue du Design — Wed, 01 Apr 2009 00:28:13 +0000

L'architecte Dietmar Koering de l'agence Arphenotype a imaginé, dans le cadre d'un concours organisé par la société islandaise d'électricité Landsnet et l'Association des architectes islandais, un nouveau modèle de pylône électrique. Chaque pylône pourrait mesurer entre 17 et 32 mètres de haut, et sa forme varierait en fonction de son emplacement géographique (longitude et latitude). Leurs formes, organiques et pour partie aléatoires (elles possèdent toutes une base triangulaire), ont pour objectif de davantage s'intégrer dans la nature, et de fondre les réseaux de transport d'électricité dans le paysage environnant. Dans le même temps, elles permettent de renforcer la structure du pylône, devant résister aux vents et conditions climatiques extérieures. Ces pylônes seraient réalisés en fibre d'aramide (un type de fibres synthétiques résistant à la chaleur et aux efforts) et en éco-résine thermodurcissable. Ils seraient tous préfabriqués, et montés sur des socles de béton. Source : dezeen.com.

Le carnet Moleskine : la création d'un mythe

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 00:55:37 +0000

Il y a quelques jours, le journaliste Pascal Riché du site Rue89 publiait un article intitulé "Le « Moleskine d'Hemingway » ou la magie du marketing", relatant sa découverte récente du fait que les fameux petits carnets noirs à élastique, sur lesquels auraient écrit ou dessiné Picasso, Hemingway ou Céline, sont en fait une invention marketing, la marque - italienne - datant d'il y a seulement une dizaine d'années. Retour sur la construction fabuleuse d'un mythe ! L'auteur raconte avoir rencontré, lors d'une émission de radio, Maria Sebregondi, la responsable de la marque Moleskine chez l'éditeur Modo et Modo. Celle-ci lui a expliqué que l'idée lui est venue à une époque ou Modo et Modo publiaient un ensemble d'ouvrages consacrés aux voyages et à la culture. Elle a alors proposé de reproduire le carnet cher à l'écrivain britannique Bruce Chatwin, qui est le premier (et peut-être le seul), à avoir parlé de carnet "Moleskines" (de "Mole skin", signifiant peau de taupe : il s'agit en fait d'un coton vernis autrefois utilisé pour couvrir des banquettes, entre autres) dans un roman, Le Chant des pistes, publié en 1987. Certes Hemingway, Picasso, Matisse ou Céline utilisaient bien des carnets de croquis, mais ils étaient le plus certainement produits par différents fabricants, avec des couvertures en cuir ou en coton vernis. Modo et Modo tout a simplement laissé entendre que tous ces carnets étaient des Moleskine, et que les carnets produits actuellement en étaient les héritiers. L'histoire est non seulement exemplaire quant à la capacité d'une marque à créer un mythe autour de ses produits (ce qui est sommes toute une pratique assez courante), mais aussi pour la capacité du produit en lui-même à coller à ce mythe (sa forme, ses matériaux...). Une prouesse qui, comme le souligne Pascal Riché "mériterait d'être enseignée dans toutes les bonnes écoles de commerce", et de design pourrait-on ajouter ! Quelques extraits de l'article original : "Il y a quelques jours, je me suis offert moi aussi un carnet Moleskine. Mon premier. Je l'ai fait pour comprendre : je devais participer quelques jours plus tard à une émission de France Culture, « Masse Critique », à laquelle était invitée Maria Sebregondi, responsable de la marque Moleskine chez Modo et Modo. Cette société italienne, rachetée par la Société générale, a réussi à inonder le marché de ces carnets prétendument « mythiques » : 4,5 millions par an, dont 60% vendus en librairie ; 200 000 par an en France." "Certes, le truc est très beau, et il épouse parfaitement l'air du temps : le temps du nomadisme triomphant, le temps des blogs (une autre forme de carnets), le temps des communautés (la marque a créé celle des moleskineurs), le temps des bobos décroissants (et de ce point de vue, le carnet est assez bien assorti, je trouve, avec la soupe bio au rutabagas). Mais son succès tient avant tout au talent des équipes de marketing de Moleskine. Et quelle équipe ! Modo et Modo a recruté dans celle-ci non seulement Hemingway, mais aussi Picasso, Matisse, et bien d'autres." "Pourtant, c'est là le plus fort de l'histoire, ni Hemingway, ni Picasso, ni Van Gogh, ni Céline, ni Mallarmé n'ont jamais utilisé de carnet de la marque Moleskine... Pour une raison simple : la marque n'existait pas à leur époque. C'est Modo et Modo qui, en 1998, il n'y a pas si longtemps, l'a pour la première fois créée et déposée." Source : eco.rue89.com.

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La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:04:55 +0000

Pikaia © Kristalia / Angelo Natuzzi

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:06:56 +0000

Pikaia © Kristalia / Angelo Natuzzi

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:07:42 +0000

Pikaia © Kristalia / Angelo Natuzzi

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:08:06 +0000

Pikaia © Kristalia / Angelo Natuzzi

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:08:30 +0000

La chaise Pikaia par Angelo Natuzzi pour Kristalia

La Revue du Design — Thu, 02 Apr 2009 23:11:54 +0000

Avec ses formes simples mais enveloppantes, la chaise Pikaia, dessinée par Angelo Natuzzi pour l’éditeur italien Kristalia peut tant être utilisée en collectivité que dans le cadre d’un usage domestique. Sa coque, galbée et ergonomique, est composée de polyuréthane moulé. Elle se décline en blanc, rouge ou noir et le piètement, en acier tubulaire, existe quant à lui en chromé brillant ou alors dans les mêmes coloris que l’assise. Source : Kristalia.

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:14:04 +0000

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:14:24 +0000

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:14:48 +0000

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:15:19 +0000

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:15:37 +0000

Blown fabric © Nendo

La Revue du Design — Sun, 05 Apr 2009 20:16:03 +0000

Blown fabric

La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 00:09:43 +0000

Le designer japonais Nendo va présenter, lors du salon du meuble de Milan à venir, une collection de lampes réalisées à partir d’un nouveau matériau textile mis au point au Japon : un thermoplastique non-tissé, fabriqué à partir de fibres polyester, qui peut se travailler comme du verre soufflé. Les objets ainsi créés, en une seule pièce et sans soudure apparente, sont d’une grande diversité formelle, leur processus de fabrication comportant une part aléatoire. Comme dans le soufflage du verre, on peut intervenir au cours de la production de chaque pièce afin de la modeler d’une manière particulière, en contraignant sa forme par exemple. L’éclairage, composé de leds, filtre ainsi délicatement à travers ce matériau résistant et translucide, rappelant les lampes traditionnelles réalisées en papier japonais. Source : nendo.jp.

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La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 12:11:11 +0000

© Tokujin Yoshioka / Moroso

La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 15:19:50 +0000

© Tokujin Yoshioka / Moroso

La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 15:21:05 +0000

© Tokujin Yoshioka / Moroso

La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 15:22:02 +0000

© Tokujin Yoshioka / Moroso

La Revue du Design — Mon, 06 Apr 2009 15:23:05 +0000

Etat de l’art international des formations en Design Management : La montée en puissance du design en MBA et des diplômes hybrides

La Revue du Design — Tue, 07 Apr 2009 00:57:56 +0000

par Brigitte Borja de Mozota. Business Week publie sur son site Internet le classement des écoles de design et démontre la montée des partenariats entre école design, école de commerce et / ou école d’ingénieurs. Le Financial Times de son coté, titre que le futur de la « b-school » sera la « d-school » sur le modèle de la nouvelle école design de Stanford. En Grande Bretagne, un rapport récent du Design Council « Lessons from America » après celui du « Cox Review on creativity », insiste sur le besoin de former de nouveaux profils hybrides ou profils « cross over ». Comment s’y retrouver dans le foisonnement de ces nouveaux diplômes en Design Management ? Faut-il faire un MBA quand on est designer ? Où aller pour s’initier au « Design Thinking » quand on est manager ? Le modèle éducatif en « T » Le monde du design n’échappe donc pas à la tendance actuelle de l’éducation supérieure vers la transdisciplinarité, les doubles diplômes. On parle plus communément du modèle en « T ». Pour réussir maintenant, il faut à la fois maîtriser une expertise et avoir une capacité à analyser les problèmes de manière plus globale. En un mot, se former à des compétences de type généraliste et de type spécialiste : avoir un profil en « T ». Lors du dernier séminaire du Design Management Institute que nous avons organisé récemment à Londres, nous avions 12 participants venus de 5 pays différents et parmi ces 12 participants, un tiers d’entre eux était titulaire d’un double diplôme ou en train de terminer une thèse de doctorat. Deux venaient de terminer un MBA. En effet, dans la carrière des designers, il existe aussi une autre possibilité d’approfondissement à savoir l’inscription en thèse. Cette option suivie souvent après plusieurs années de carrière permet de valider des compétences en recherche utiles à la pratique du design ou de repositionner une carrière ou de s’orienter vers la recherche ou l’enseignement. Exemple : Tom Lockwood, qui après plusieurs années d’activité en tant que design manager passe sa thèse en Grande-Bretagne et prend en 2006 la présidence du DMI (Design Management Institute). Beaucoup d’écoles design ont maintenant un laboratoire de recherche et des thésards : Brunel University, IIT Chicago, RCA à Londres… La tendance actuelle vers l’hybridation des programmes entre design et business se manifeste de deux manières : - intégration de contenus business dans les Masters Design - intégration du design ou du design management dans les MBA. L’importance d’avoir un diplôme de niveau Master pour une carrière en entreprise n’a pas échappé aux designers qui vont souvent compléter leur premier cursus français par un diplôme scandinave, anglais dans une autre école de design. Et quelquefois, le designer ira rechercher la double compétence et s’inscrira dans un MBA. En France, les Instituts Administration des Entreprises (IAE) ont depuis longtemps développé un diplôme généraliste de formation au management pour les non spécialistes intitulé MAE – Master Administration des Entreprises – (anciennement CAAE). Mais, si les ingénieurs constituent la grande majorité des étudiants de ce type de diplôme, on ne voit pas encore les designers s’y inscrire en masse alors que la problématique est identique sur le plan professionnel. La profession du design a bien compris cependant la nécessité des compétences business pour conduire les projets mais le modèle choisi jusqu’ici était plutôt celui de la séparation des genres. On embauchait des diplômés d’école de commerce dans les agences design à coté de designers. Ce qui change aujourd’hui, c’est l’arrivée de diplômes hybrides qui offrent à la fois du design et du business dans un même cursus. Et surtout que ce modèle hybride existe à la fois dans les écoles de design et dans les écoles de commerce. Et qu’ils sont ouverts aux designers et aux non designers. Cette tendance préfigure à notre sens une banalisation de la formation en design management et une reconnaissance de la fonction design dans les organisations. Tous ces diplômes de Masters visent à acquérir des compétences en design stratégique et design management, mais derrière ce même intitulé de « design management », on va trouver des situations très diverses. 1. Les nouveaux MBA ou la montée en puissance du Design en business Il nous semble intéressant de mettre en avant tout d’abord la nouvelle tendance de formation des managers au « design thinking ». Pour Roger Martin, doyen de la Rotman School of Management (Toronto) et pionnier de ce courant « Il faut apprendre aux managers à penser comme des designers » (Dunne D. and Martin R. « 2006, Design Management and how it will change Management Education : an interview and discussion » Academy of Management Learning and Education,5(4) pp 512-523). Il voit l’organisation d’une agence design autour de projets comme la configuration idéale de la firme dans notre contexte contemporain de convergence des industries et de nécessité de repenser les business models. L’entreprise est elle-même vue comme un projet, un « prototype » et la pédagogie du design par projet vient hybrider le système MBA. Par exemple, des séminaires sont organisés par des business schools pour des dirigeants de grandes entreprises sur le mode des « creative workshops ». Exemple : Welingkar Institute of Research and Management (Inde) s’est fixée pour objectif d’intégrer la « pensée design » dans la communauté du business en Inde. Elle a organisé en août 2007 un séminaire avec l’agence design IDEO destiné aux dirigeants d’entreprise afin d’aider leurs organisations à se poser les questions suivantes : identification de nouveaux marchés, création d’une culture d’innovation, changement de l’éco-système de leurs actionnaires... Pendant deux jours et demi, les dirigeants vont travailler en « workshop » créatif sur des sujets comme « le design de solutions pour la gestion des déchets » ou « inventer l’expérience d’un employé embauché qui découvre la ville de Mumbai »… La montée du modèle entrepreneurial en éducation On peut expliquer ces innovations pédagogiques par le changement du pacte social face à l’emploi. Dans un monde où il s’agit de plus en plus d’aborder ses problèmes de vie et d’emploi avec un esprit entrepreneurial, le développement de la mentalité et de la compétence entrepreneuriale, aussi bien au niveau de chaque individu dans son comportement personnel (la notion d’entreprise de soi) qu’au niveau interne de l’entreprise (concept d’entreprise internet, concept d’intrapreneuriat), devient important. On parle aussi de construire une société d’entrepreneurs. Aujourd’hui, les limites de l’organisation s’estompent, la distinction dedans / dehors est de plus en plus floue et la frontière firme / marché de plus en plus indiscernable. On va vers une entreprise ou chaque partie est une entreprise. Ce qui conduit à une organisation de responsables autour de projets spécifiques sans chefs et sans statuts. Et la compétence projet ou création devient essentielle face au besoin de développer « l’entreprise de soi ». L’entreprise post moderne exige un haut niveau de créativité et de réflexivité personnelle et d’analyse des situations de manière globale. L’ouverture de la « d-school » sur le campus de l’université de Stanford est un exemple puisqu’ici c’est l’idée que l’école design sera ouverte à tout étudiant du campus quel que soit son domaine d’étude : droit, médecine… Dans des MBA « classiques », on considérera que pour améliorer les compétences de prise de décision, il faut insérer des modules en design management. Par exemple, depuis 2005, l’université de Richmond (USA) a créé un cours de créativité et innovation fait par une architecte, un cours sur les principes du Design Management et en fin de programme les étudiants travaillent sur un projet réel d’innovation. « The principles of Design Management course is designed to empower the MBA student with an understanding and appreciation of the methodology of design thinking and a new perspective on problem solving » (Richard Coughlan associate dean University of Richmond Robins School of Business). Ou alors, ce sera une école design qui va ouvrir un double diplôme en partenariat avec une business school. Exemple : IIT Institute of Design Chicago qui ouvre en 2003 un Master of Design Methods degree pour les designers à mi parcours et les chefs de produit et qui lance en 2006 le premier double diplôme : Master of Design + MBA en partenariat avec la Stuart School of Business. « The management of design firms, as well as design functions within corporations, requires increasing sophistication related to concepts such as accounting, leadership, ethics and managerial decision making » (Jeremy Alexis IIT School of Design & Zia Hassan IIT Stuart school of Business). Et au niveau de la formation continue, la voie du Executive MBA Certains Executive MBA commencent à introduire le design management dans leur cursus. Dans ces diplômes, l’hybridation se fait à deux niveaux. Le recrutement de designers d’expérience qui travaillent sur des projets communs d’innovation vient « infiltrer » l’Executive MBA traditionnel de manière positive et les designers s’imprègnent au contact des executive business developers dans les projets. Exemple : Innovation and Design Management (IDM) concentration in Executive MBA program at Sawyer Business School, Suffolk University, Boston (USA). « Innovation and design professionals run the risk of limited career mobility because they do not have the same level of responsibility as corporate strategy, marketing and finance professionals with training and educational credentials and experience in these business fundamentals. The executive MBA is a vehicle for design professionals to broaden and deepen their business tool kit and to integrate their innovation and design skills with more strategic business capabilities and perspectives » (Robert de Fillippi, academic director). Sur ce modèle, on peut signaler aussi le Design Management Graduate Program de la Pratt Institute (New York). Et le tout récent 2005 Executive MBA de la Zollverein School of Management and Design (Allemagne). « More than courses offered by other business schools,the MBA at the Zollverein School considers management to be a design task. The aim of the courses is to enable managers to develop new rules of play and to implement these rules in their companies and institutes » (Andrej Kupetz, Martin Mangold, Miriam Selbeck). 2. Les masters spécialisés en Design Management Ces modèles de diplômes Master en Design Management ont été les premiers à être ouverts et ils sont aussi très variés. Présentons les profils les plus fréquents : Masters spécialisés recherche Ce sont des diplômes qui forment au design management stratégique et qui vont aussi développer les compétences individuelles de l’étudiant en analyse de problème et méthodologie de la recherche design. Ainsi, six mois seront consacrés à une recherche personnelle et la rédaction d’une dissertation. C’est souvent le positionnement des Masters en design management développés en Grande Bretagne. Exemple : Brunel University (West London) Master Design Branding Strategy (depuis 2002, 50/74 étudiants par promotion) Master Design Strategy Innovation (depuis 1993, environ 20 étudiants par promotion) Rattachés à la School of design, ces deux masters durent un an et ont des publics très internationaux. Dr Ray Holland qui en est responsable a développé des relations fortes avec des institutions partenaires en Asie : Taiwan, Corée, Chine. Ils fonctionnent sur deux pôles de même importance : le design management et la recherche en design. « The course crosses many boundaries and reflects the needs of industry /profession for creative thinkers with highly developed problem solving skills and a “can do” attitude » (Dr Ray Holland, course director Brunel University). A rapprocher en France du Master Design Marketing de l’Institut Européen du Design à Toulon qui a un partenariat avec l’université de Salford (GB). Masters spécialisé Design, Marketing, Innovatio La formation suivie sera basée sur la créativité, la marque et l’innovation. Ces formations accueillent à la fois des marketeurs, chefs de produit et des designers. Le cursus aborde à la fois le design et le marketing autour de concepts communs comme la créativité, la gestion de marque et l’innovation. Exemple : Master développé avec l’INDP, IAE université de Poitiers /Angoulême (2006). Exemple : Mastère spécialisé Marketing Design et Création / Audencia School of Business Nantes. En partenariat avec l’Ecole Centrale de Nantes et l’Ecole Design de Nantes. Créé en 2003, ce Mastère (bac + 6) dirigé par Jean Pierre Mathieu accueille un douzaine d’étudiants par an. « Il forme à l’animation des équipes transversales et plurimétiers au sein des cellules d’innovation ou de création, de conception industrielle virtuelle ou encore de prototypage industriel » (Jean Pierre Mathieu, Audencia). Ici, le design manager s’éloigne du profil de spécialiste de la marque pour faire le pont entre toutes les disciplines de la création. Master in Business Design Domus Academy « To build up companies or to invent businesses with the head in the clouds and the feet rooted to the ground » (Giovanni Lanzone, Director Domus Academy). Ce Master in Business Design de la Domus Academy (Milan) a un partenariat avec la Business School SDA Bocconi qui assure les cours fondamentaux du business et du marketing. Son originalité est d’avoir ouvert des modules d’analyse spécialisés dans les enjeux de l’économie italienne tels que « Made in Italy » ou l’innovation par districts. Enfin, à la Faculty of Industrial Design Engineering (Delft) le Design Management représente 10% du temps de programme de licence avec 12 cours théoriques sur les fondamentaux du business. Ensuite, il y a trois programmes au niveau Master dont celui Strategic Product Design qui est plutôt destiné au design manager. Sur une durée de deux ans, les étudiants ont des cours sur la marque, la stratégie design, l’innovation, leadership projet, finances et des cours fondamentaux tels que théorie design, carrière design, et un module de projet réel avec une entreprise avec un groupe de 5/7 étudiants. « The SPD master’s program is aimed at candidates with a design or engineering degree. Its goal is to add strategic, marketing, and branding knowledge to an engineering or design foundation » (Jan Buijs, Professor Delft IDE). Pour conclure Alors comment choisir sa formation ? Tous ces diplômes démontrent que le design management peut être perçu différemment. De même que l’on trouvera dans les entreprises des profils différents de responsables de la R&D, on aura différents profils de design manager avec des compétences business spécifiques à tel ou tel diplôme. Pour simplifier et pour aider dans le choix, nous présentons une ébauche de segmentation qu’il faudra affiner dans le temps avec d’autres études. Design manager artiste : créateur proche de l’entrepreneur, « directeur artistique » capable de créer un design innovant et de dégager une vision mais souvent faible en gestion des hommes. Design manager chercheur : capable de manager un portefeuille de projets design, de générer du design avancé et de créer des stratégies design multidisciplinaires. Design manager « avocat » du consommateur ou de l’utilisateur : capable de manager le design pour améliorer l’expérience consommateur (marque, CRM, CEM) qui devra travailler de plus en plus avec le responsable des systèmes d’information. Design manager innovateur : proche de la R&D, capable de créer des environnements pour stimuler l’innovation et développer de nouveaux marchés. Design manager exécutif : leader stratégique qui doit identifier les tendances design importantes pour l’industrie, il fait partie du comité exécutif au même titre que les autres fonctions de l’organisation. Design manager administrateur : capable de négocier des contrats d’achat du design, de sélectionner des sous-traitants partenaires et de gérer les déploiements du design avec une excellente compréhension des enjeux financiers. Analyser les diplômes en Design Management présente le double intérêt d’asseoir le design management comme discipline mais aussi de le reconnaître comme partie intégrante des savoirs de la profession. « Establishing a course of academic study does not end a conversation or conclude the process of defining a discipline ; it only legitimizes the discipline and helps specify its body of knowledge, theory, and practice » (Mary Mc Bride, Pratt Institute DM program). ———- Pour en savoir plus : Design Management Review / Summer 2007 (Volume 18) fait un état de l’art de l’enseignement du Design Management. Cet article est une synthèse et certaines citations en sont issues. Le site du DMI donne une liste assez complète des diplômes en design management : www.dmi.org ———- La Revue du Design remercie Brigitte Borja de Mozota, qui lui a proposé cet article, ainsi que le Centre du Design Rhône-Alpe, qui l’a publié une première fois dans sa revue Design Plus Magazine n°30.

Brèves (les archives)

La Revue du Design — Tue, 07 Apr 2009 15:13:22 +0000

Jusqu'au 30 mai, La Galerie des Galeries Lafayette (un beau lieu d'exposition créé par l'architecte Pascal Grasso) expose 164 pièces issues de la collection de Clémence et Didier Krzentowski, fondateurs de la galerie Kreo. "Pipi, caca, design", un article de Jean-Jacques Evrard sur Admirabledesign.com, dans lequel l'auteur évoque l'expérience troublante d'aller aux toilettes au Japon, et l’omniprésence du design dans notre vie la plus intime ! "Le retour au fonctionnalisme, battu en brèche depuis la fin des années 1960, apparaît désormais comme l'ultime moyen de lutter contre la surconsommation, donc pour le développement durable." (in "Un mobilier pensé pour durer", article de Cédric Morisset sur lefigaro.fr). Après être passé avec succès chez Mazda, le designer belge Laurens van den Acker va remplacer Patrick Le Quément à la tête du design de Renault d'ici la fin de l'année (via turbo.fr). Ce soir (16/04), vernissage d'une exposition à la galerie Artcurial de travaux de Matali Crasset : une série d’objets imaginés autour du vin et de sa dégustation (jusqu'au 22 mai 2009). Les Échos consacrent un intéressant article à la saga Ikéa, intitulé Ikea ou le testament d’Ingvar : à lire. L'architecte suisse Peter Zumthor a été nommé lauréat du Pritzker price 2009. Jusqu'au 25 avril Andrée Putman expose à la galerie En attendant les barbares une série inédite de boites précieuses éditées à quelques exemplaires. Ping-pong dining table : la table "rococo sportive" du designer Hunn Wai. Air France lance un concours à destination des jeunes designers, destiné à "imaginer les plateaux repas et les arts de la table de demain". Si l’opération est concluante, la compagnie pourrait la renouveler et décider d'en faire une plateforme de création. Projets à envoyer avant le 15 mai 2009. De belles images de la Vegetal Chair des frères Bouroullec pour Vitra (notamment de sa recherche formelle), sont visibles sur Dezeen General Motors s'associe au groupe Segway, connu pour avoir développé le Gyropode (un véhicule composé d'une plate-forme encadrée de deux roues et d'un guidon inclinable), pour lancer un deux roues urbain électrique. (via L'Usine Nouvelle, 7 avril 2009) Le design vecteur d’innovation et de compétitivité, paroles d'un designer (via design-global.net) Designers de packagings, un métier? Un intéressant article sur Admirabledesign Du vin en bouteille plastique, sommes-nous réellement prêt pour l'innovation? (via Mondaydesign) Structurellement, le design est inutile... Une mini maison mobile sur Muuuz Des étagères réalisées en livres

Un canapé en papier (pour l'instant !)

La Revue du Design — Wed, 08 Apr 2009 00:15:20 +0000

L’éditeur italien Moroso va présenter, lors du prochain salon du meuble de Milan, un prototype de canapé imaginé par le designer japonais Tokujin Yoshioka. Entièrement réalisé en papier froissé, celui-ci, intitulé Cloud paper sofa, servira de modèle à une production en plus grande série, qui sera par la suite développée en tissu. Son designer nous dit qu’en imaginant cet objet, il a pensé aux nuages dans le ciel et à la circulation de l’eau. Il affirme en effet être fasciné par la nature et sa richesse formelle. "This new product for Moroso might be a reminiscent of clouds in the sky and flow of water, which are breathed in one’s memories. For the prototype, which will be presented this year’s Salone, I decided to use paper in order to make it conceptual. Later on, they will be developed with fabrics and other materials for daily use. I am fascinated in the elements of nature, because they are not deliberated on purpose but they have the beauty born of coincidence beyond human imagination." Sources : todayandtomorrow.net, yankodesign.com, designboom.com.

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La Revue du Design — Wed, 08 Apr 2009 15:57:40 +0000

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La Revue du Design — Wed, 08 Apr 2009 15:58:02 +0000

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La Revue du Design — Thu, 09 Apr 2009 07:08:48 +0000

Les nouvelles créations de Bram Boo

La Revue du Design — Thu, 09 Apr 2009 07:10:58 +0000

Le designer belge Bram Boo dévoile ses dernière créations. Des objets tout en rigueur géométrique mais composites, décalés et étonnants (ci-dessus, bureau "Overdose", 2007). Lit "Gallant", 2008. Prototype. Lit "Sleepless", 2008 (acier laqué). Prototype. Armoire "Backstage", 2006 (mdf laqué, contreplaqué, acier). Chaise "Overdose", 2009 (mdf laqué, acier, bois). Bureau "Lazy", 2007 (mdf laqué). Bram Boo sera présent lors de la Milan design week (22-27 avril 2009), notamment pour l'exposition RED LIGHT DESIGN EVENT. Spazio Ilardo Team Via Ludovico il Moro 27, EX-Richard-Ginori, Milano Opening hours: 12am - 12pm. Sources : mocoloco.com, dezeen.com.

Article tiré de L'Express du 4 décembre 1967

La Revue du Design — Thu, 09 Apr 2009 12:10:18 +0000

Eugène Claudius-Petit, défenseur du design à l'école

La Revue du Design — Fri, 10 Apr 2009 00:09:44 +0000

Le sympathique site Vintage for Kid a publié mardi dernier un article revenant quelques propos qu'Eugène Claudius-Petit, acteur majeur du modernisme en architecture et ministre de la Reconstruction et de l'Urbanisme dès 1948, aurait tenus en 1967 à propos du mobilier scolaire, critiquant notamment cette chaise, "la plus laide du monde sur laquelle s'assoiront tous les enfants de France depuis l'âge de 2 ans jusqu'à 18 ans". Les informations ci-dessous sont tirées du site Vintage for Kid : Eugène Claudius-Petit a été l'allié des plus grands architectes du XXe siècle, tels Le Corbusier dont il devient l'ami, ou encore Auguste Perret. En 1967, c'est en tant que député qu'il lance cette ode au mobilier scolaire, rapportée dans L'Express du 4 décembre de la même année. Prenant exemple ici sur le design scandinave, il n'a de cesse de défendre et de promouvoir la pensée moderne et son application dans le quotidien. Pour en savoir plus sur Eugène Claudius-Petit, un document est téléchargeable sur thotm.com. Source : vintageforkids.blogspot.com.

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La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 07:56:22 +0000

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La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 07:58:55 +0000

Le design, une industrie créative dans l’économie de l’immatériel

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 08:01:23 +0000

par Brigitte Borja de Mozota « Workplaces, personal lives, entire industries and entire geographic regions are coming to operate on principles of constant, dynamic, creative interaction » Richard Florida 2002 The rise of the creative class. Comment se place l’industrie du design dans l’économie de l’immatériel? Comment définir la place de la profession du design dans les professions créatives? Peut-on mesurer la valeur du design dans les actifs immatériels? Cet article cherche à explorer des pistes pour l’avenir et plaide pour la mobilisation des designers et des écoles de design dans ce débat actuel sur l’économie de l’immatériel et la montée des industries créatives. 1. Le design et l’économie de l’immatériel La créativité joue un rôle croissant comme source d’avantage compétitif dans l’économie et dans la société. Ceci a pour conséquence, la prise de conscience de la place des emplois créatifs dans l’économie et l’émergence d’une réflexion sur l’économie de l’immatériel dans laquelle le design a sa place. En France, la commission sur l’économie de l’immatériel a rendu son rapport le 4 décembre 2006.Cette commission constituée par Thierry Breton, Ministre de l’économie et des finances en mars 2006 et présidée par Maurice Levy, président du Directoire, Groupe Publicis, en liaison avec Jean Pierre Jouyet, Chef du Service de l’Inspection générale des Finances, avait à examiner trois questions: -concurrence, monopole et rente dans l’économie de l’immatériel -création de valeur et circuits de financement -contours et valorisation du patrimoine public immatériel. « L’immatériel peut être le moteur, la source d’énergie d’une dynamisation de l’économie et constituer le « point de croissance « qui nous manque. Il faut pouvoir être inventif, audacieux dans les transformations de notre société et penser autrement. L’immatériel offre l’occasion d’une vraie mutation de l’économie française ». (Rapport Levy & Jouyet 2006) L’immatériel est aujourd’hui le facteur clé de succès des économies développées. Les secteurs spécialisés dans les biens et services à caractère immatériel ont un poids économique en constante augmentation. En France, ces secteurs représenteraient environ 20% de la valeur ajoutée et 15% de l’emploi. C’est toute la valeur créée par l’économie française qui se dématérialise chaque jour. Dans toutes les entreprises quels que soient le produit et le service rendu, la création de valeur se fonde de plus en plus sur des actifs immatériels. Qui sont donc ces actifs immatériels ? Il y a trois catégories d’actifs immatériels : L’immatériel technologique, l’immatériel imaginaire, l’immatériel organisationnel Et la profession du design est concernée par les trois. (Figure 1) Le design est relié : - à l’immatériel technologique par les brevets, le dépôt de dessins et modèles, - à l’immatériel imaginaire par le copyright et la marque et - à l’immatériel organisationnel par la culture, la motivation du personnel et la qualité de la gestion de la relation client et des processus innovation. Figure 1 : Typologie des investissements et des actifs immatériels des entreprises (source rapport Levy & Jouyet 2006). L’économie de l’immatériel implique de changer d’attitude et de sortir de cette habitude de se focaliser sur la rente pour laisser leur chance à l’innovation et à la création. Ce changement d’attitude aura des conséquences pour l’industrie du design et pour la profession du design sur le plan de la protection, de la fiscalité, de l’éducation et de l’innovation : - l’enjeu de la protection des idées Les actifs immatériels se jouent des frontières et des limites administratives. La protection des idées se joue au niveau européen et c’est au niveau européen aussi que se joue la préservation de la qualité du système de brevet. Tout autant que les idées, les marques doivent être protégées et cette protection n’a de sens qu’au niveau international. - l’enjeu de la fiscalité L’économie de l’immatériel vient bousculer notre système fiscal. Le déplacement de la valeur dans les bilans des entreprises des actifs matériels aux actifs incorporels rendra inévitable à plus long terme une réflexion sur l’évolution des assiettes fiscales basées jusqu’ici sur des process industriels relativement standardisés. Enfin, l’économie de l’immatériel est une économie systémique qui fonctionne en réseau et qui s’exonère des limites de temps et d’espace. - l’enjeu de la richesse humaine La richesse humaine s’impose comme le premier facteur de croissance. L’économie de l’immatériel est la croissance de demain et cette économie est largement basée sur le talent des hommes. « Nous sommes entrés dans une ère nouvelle où nous avons la possibilité de valoriser une richesse dont nous ne manquons pas : les talents » (Levy & Jouyet 2006). Cette révolution est une opportunité exceptionnelle pour la France car notre économie a déjà basculé dans l’économie de l’immatériel. En effet, il serait erroné de réduire l’économie de l’immatériel à des secteurs précis de l’économie. Ainsi, la mission des écoles de design change et les designers ont une part de responsabilité dans tous les contextes économiques dans l’accompagnement de ce changement par exemple en aidant le personnel à devenir plus créatif. Si l’on se réfère aux dernières enquêtes du SESSI (no 217 mai 2006), on comprend bien que la logique de l’immatériel - c’est à dire d’une croissance basée sur des actifs incorporels - s’est diffusée bien au delà de secteurs particuliers et touche aujourd’hui la quasi-totalité des activités économiques. Aujourd’hui, y compris dans les secteurs les plus industriels, c’est la capacité d’innovation et d’investissement immatériel qui est à l’origine de la création de valeur. - l’enjeu de l’innovation L’innovation est passée d’un stade périphérique à une place centrale dans notre modèle de croissance. L’innovation a investi tous les secteurs de l’entreprise. Ses domaines d’application hier très cloisonnés à la R&D, aux produits ou services de l’entreprise se sont considérablement élargis ce qui vient modifier le contexte de l’innovation par le design. Pendant des années, le design aussi a vécu avec une conception très restrictive de l’innovation qui était avant tout technologique et issue des travaux de recherche et développement (R&D). Or aujourd’hui, l’innovation est un phénomène plus large dont la technologie n’est qu’un aspect. Le designer peut toujours inventer un design révolutionnaire mais il est de plus en plus partenaire d’autres innovations telles que inventer un nouveau service, un nouveau concept commercial, créer une image de marque, trouver une nouvelle forme d’organisation du travail, concevoir un nouveau business model ou encore transférer des solutions traditionnelles vers la sphère Internet. Ces dernières années, l’innovation est donc sortie du cadre du laboratoire de recherche pour entrer dans la plupart des départements de l’entreprise. Par ailleurs, les entreprises en s’efforçant d’affiner leur offre, en collant de plus en plus aux attentes du marché développent une demande de recherche design en amont pour analyser les nouveaux usages et comportements. De nouvelles spécialités design sont exigées pour inventer des produits en phase avec une population qui vieillit et une planète a protéger : sustainable design, inclusive design, « design or all » ; de nouveaux modèles de gestion de l’innovation deviennent la norme tels que innovation en équipe pluri fonctionnelle basée sur du « user oriented design » ou du « co design » avec les utilisateurs. En conséquence, l’innovation ne naît plus de activité des seuls designers ou chercheurs mais de l’ensemble de la main d’œuvre. Ce qui implique pour le design de travailler de plus en plus sur des problématiques managériales ou sociétales et avec toutes les autres fonctions de l’organisation. Et c’est donc la pensée systémique et holistique du designer qui est recherchée avant même l’idée que peut avoir le designer, ce qui se traduit par le développement d’une éducation au « design thinking » hors des écoles de design. L’industrie du design doit comprendre que l’avantage compétitif immatériel provient de l’effort financier consacré à la réflexion sur l’organisation interne des entreprises ou sur la recherche d’optimisation des liens entre les évolutions technologiques et les tendances de la demande. Il est important que l’industrie du design s’approprie une partie de ces budgets et sorte de son silo. 2. Le Design et les industries créatives Depuis la parution du « Cox Review » en 2005 et le succès international de ce rapport sous la responsabilité de Sir George Cox alors qu’il présidait le Design Council, Londres et le gouvernement anglais multiplient les initiatives et incitations en faveur du développement de la créativité dans les entreprises. Dans ce rapport, le design est vu comme le lien entre la créativité –définie comme la génération de nouvelles idées – et l’innovation –définie comme la réussite de l’exploitation de nouvelles idées. Le 12 mars 2008 à Londres, le London College of Communication lançait le premier numéro d’une nouvelle revue de recherche sur les industries créatives « Creative Industries Journal « dont le professeur Simon Roodhouse est éditeur en chef. Cette revue a tout de suite pris une ampleur internationale. Le London College of communication regroupe aussi une école au niveau Master « School of Creative enterprise » dirigée par Debi Hayes et un Observatoire des Industries créatives (Creative industries observatory) qui produit des statistiques et des études qualitatives comparatives internationales sur plusieurs villes dont Londres. Comment peut-on définir les industries créatives ? Il existe encore des divergences selon les pays sur le contour de ces industries. Pour Richard Florida, aux USA, la place des industries créatives est très large. Pour lui, le cœur des industries créatives concerne les secteurs suivants : « R&D publishing, software, TV and radio ,design ,music, film, toys & games advertising, architecture, performing arts, crafts, video games, art ». Mais il considère aussi que ceux qui utilisent la créativité comme facteur clé de leur travail dans le business, l’éducation, la santé, le droit… sont aussi membres de la « creative class ». Avec cette vision très large de la créativité, on arrive a 30% de la force de travail aux USA qui appartient à l’économie de l’immatériel. En France, le ministère de la culture a fait publier en 2005 une étude comparative en Europe sur la place de l’emploi culturel. En France donc, on va parler plutôt d’économie de l’immatériel et d’emploi culturel alors que dans les pays anglo-saxons, on parlera d’emplois créatifs. Nous utiliserons les deux termes puisque les secteurs et les modèles concernes sont les mêmes. Définition de l’emploi immatériel. Le champ de l’emploi culturel ou créatif s’est élargi au fur et à mesure que s’organisait la recherche sur ce domaine. Dans un premier temps, l’emploi immatériel était limite aux actifs ayant une profession créative ou culturelle. Mais cette vision s’est élargie à deux autres catégories d’emploi : - les actifs ayant une profession culturelle ou créative et travaillant dans les autres secteurs (un designer intégré dans une entreprise automobile) - et aussi les actifs qui travaillent dans des secteurs culturels mais qui ont une profession non créative ou culturelle (un comptable dans un théâtre par exemple) On parle actuellement du modèle « Trident « afin de spécifier les trois types d’actifs concernés. Ce qui donne la définition suivante de l’emploi immatériel : « Ensemble des actifs ayant soit une profession culturelle ou créative dans un secteur culturel ou créatif ou dans un autre secteur soit travaillant dans une unité économique du secteur culturel ou créatif » (figure 2) Une étude récente très complète de l’université de Queensland (Australie) explique en détail le développement historique de ce modèle « Trident ». Cette étude est publiée dans le premier numéro de la revue de recherche « Creative Industries Journal (2008). Toutes ces recherches et statistiques sur l’emploi immatériel sont très intéressantes car elles vont permettre de résoudre un problème récurrent de la profession de designer. En effet, la place de l’industrie du design était jusqu’ici impossible à cerner parce qu’elle se répartissait sur de nombreux codes APE etc. Ces études plus larges sur l’emploi immatériel dans lequel le design n’est qu’un des éléments de l’analyse vont permettre de résoudre cette difficulté de la non existence statistique de l’activité du designer. Figure 2 : L’emploi immatériel : Trident de l’emploi créatif (UK) ou culturel (F). L’étude européenne montre que 2,5% des actifs de l’union européenne ont un emploi culturel. Elle démontre aussi que ces actifs ont un profil sociodémographique comparable à celui des autres actifs mais qu’il y a une proportion plus élevée de travailleurs indépendants et des emplois plus précaires. La part des emplois culturels dans l’emploi total en France semble très légèrement inférieure à la moyenne de l’Union Européenne 2,1%. Ce résultat est du au poids moins important de certaines activités (architecture ou presse par exemple) alors qu’en revanche le spectacle vivant concentre en France proportionnellement plus d’emplois que dans l’Union Européenne. Parler d’industries créatives plutôt que d’emploi culturel présente l’avantage de poser la question de la place de l’emploi immatériel dans tous les secteurs économiques. L’étude australienne a permis de l’analyser en profondeur. Quel est le poids des industries créatives dans les différents secteurs industriels en Australie ? (Figure 3). En moyenne, on arrive a 1,7%. Figure 3 : Poids de l’emploi créatif des différents secteurs économiques (Australie). Quelles sont les industries créatives ? Et quelles sont les différences d’appréciation à ce jour ? Les professions culturelles regroupent selon l’étude européenne : - les archivistes, les bibliothécaires et les documentalistes - les artistes créateurs et exécutants, les écrivains et les journalistes - les photographes et techniciens d’appareil enregistreurs et de son - les professions intermédiaires de la création artistique et du spectacle - les architectes L’étude australienne regroupe les secteurs suivants : Figure 4 : Les industries créatives (Australie). Source Creative Industries Journal 2008. Le débat est donc ouvert sur la façon de considérer l’emploi immatériel dans l’économie. 3. Le Design dans les actifs immatériels de l’entreprise En dépit de son caractère central pour la création de valeur et la croissance de l’économie de l’immatériel (puisque près de la moitié des entreprises engagent des actions dans le domaine de l’immatériel et cette proportion monte à 88% pour les entreprises de plus de 250 salariés), Il reste que la dimension immatérielle de l’économie se heurte à un problème de mesure, tant au niveau des entreprises qu’au niveau macroéconomique. Les actifs immatériels des entreprises sont aujourd’hui assez mal connus. Même si la plupart des entreprises ont identifié ce type d’actifs comme des éléments essentiels de leur compétitivité, peu d’entre elles ont des données fiables. Par ailleurs, au niveau national, il faudra une modernisation des outils statistiques pour l’évaluation de cette croissance immatérielle. Par contre, l’évaluation des actifs immatériels est poussée par la mise en place des nouvelles normes comptables des organisations au niveau international. Sur les grandes places financières, la valeur immatérielle des entreprises cotées est devenue nettement supérieure à leur valeur comptable. Enfin les normes IAS –IFRS accompagnent ce mouvement en reconnaissant un nombre important d’actifs incorporels et la nécessité de les mesurer précisément. Des méthodes existent mais un important travail de recherche et de standardisation s’impose. C’est pour répondre à ce besoin qu’Ernst &Young, SAS France, INPI Mar-Tech & Finance et leurs partenaires ont créé l’Observatoire de l’immatériel. Dans cet observatoire, on distingue 8 actifs immatériels principaux ou 8 types de capital immatériel. De son coté, la recherche sur la place du design dans le management de la valeur a défini un modèle « designence » issu d’une étude européenne et publie dans la Revue Française de Gestion en 2002.Ce modèle a été repris depuis dans différentes thèses internationales et dans d’autres contextes ; il fait maintenant consensus pour les chercheurs et les design managers. Le design crée de la valeur pour l’offre, les hommes et l’organisation. Le design crée de la valeur financière et de la valeur substantielle à trois niveaux : - valeur de différentiation, ou valeur marche, ou valeur marque : différence par le design - valeur de coordination ou valeur de performance organisationnelle : performance par le design - valeur de transformation ou stratégique, humaine ou visionnaire : stratégie par le design Le tableau suivant permet de croiser ces valeurs du design avec les 8 catégories d’actifs immatériels tels que définis par l’Observatoire de l’immatériel ; -Différence par le design à rapprocher du capital marque et du capital client -Performance par le design à rapprocher du capital organisationnel, du capital fournisseurs et du capital technologique -Stratégie par le design à rapprocher du capital humain de l’organisation. Figure 5 : "Designence" TM model (Borja de Mozota 2002). Le modèle « Designence » qui définit la valeur créée par le design est un cadre d’analyse cohérent pour transformer la valeur du design en capital immatériel (figure 5) Vers un outil d’évaluation du design dans les organisations basé sur les outils de mesure des actifs immatériels. (Figure 6). Figure 6 : Observatoire du design dans l’économie de l’immatériel (À partir de l’outil de diagnostic de l’Observatoire de l’immatériel). Les actifs immatériels créés par le design touchent six directions des entreprises : direction générale, direction marketing, direction commerciale, direction de la R&D, direction des Ressources Humaines, direction des Achats. Chacune de ces directions a ses propres critères de mesure des ses actifs immatériels et le design a un impact sur un certain nombre d’entre eux (figure 6). La profession du design aurait donc intérêt à modifier la manière dont elle vend son activité en utilisant le jargon des évaluateurs de la valeur des entreprises et leurs critères. Et aussi de se rapprocher des chercheurs en design management qui ont identifié ces liens entre valeur du design et créations d’actifs. Des espaces comme l’Observatoire du design ou l’observatoire de l’immatériel sont des espaces de dialogue à développer entre design et finance. En conclusion Le design est une industrie créative qui fait partie de l’économie de l’immatériel. Ceci pose la question de la mesure du design dans les actifs immatériels. Et la compréhension du design comme une profession créatrice de valeur dans les systèmes d’évaluation des entreprises. Combien d’auditeurs, de contrôleurs de gestion savent que le design est une activité qui permet de vendre plus, de vendre plus cher et d’augmenter la rentabilité ? Nous avons démarré au sein de l’Observatoire du Design une enquête et une réflexion sur la transcription de la valeur design en critères acceptés par les « venture capitalist ». En effet, ce problème est complexe car le design est encore plus transversal que la marque dans les organisations. Il peut entrer dans les actifs immatériels par la marque mais aussi par les dessins et modèles ou par les brevets et donc la R&D. Par ailleurs, le design concerne aussi le talent des hommes de l’organisation, leur motivation et leur créativité et les relations partenaires avec les fournisseurs. Cette transversalité du design et de ses savoirs le rend difficile à isoler et à synthétiser dans le bilan. Il aura fallu une dizaine d’années pour que les normes comptables reconnaissent les actifs intangibles dans les organisations et en particulier la valeur de la marque. Il faudra probablement autant d’années pour que les cabinets d’audit se posent la question de la valeur du design dans ces intangibles. Cela ne se fera pas sans changement réglementaire et sans lobbying ou force de proposition de la profession du design et de l’industrie du design. ———- Références: “Cox review of creativity in business building on the UK’s strengths” (November 2005) Design Council.UK Rapport de la commission sur l’économie de l’immatériel « L’économie de l’immatériel : la croissance de demain « sous la présidence de Maurice Levy et Jean Pierre Jouyet Ministère de l’Economie, des Finances et de l’Industrie (décembre 2006) Creative industries journal CIJ@intellectbooks.com Creative industries observatory cio@lcc.arts.ac.uk Borja de Mozota Brigitte, 2002, « Un modèle de management du design «, Revue Française de Gestion, avril- juin, volume 28, numéro 138, pages 75-95 Borja de Mozota Brigitte, 2006, “The four powers of design: a value model of Design Management “,Design Management Review, Spring, Volume 17, pages 42-53 Creative Industries Journal, 2008, Volume 1, number 1, “Creative Industries mapping: Where we come from and where we are going?” Peter Higgs, Stuart Cunningham, Queensland University of Technology Ministère de la Culture, 2005, « L’emploi culturel dans l’union européenne en 2002 : données de cadrage et indicateurs. L’observatoire de l’emploi culturel. Département des études de la prospective et des statistiques, Paris, juin Accès : www2.culture.gouv.fr/deps/telechrg/noec39.pdf Nota Méthodologie de l’étude : Etude menée par le département des études, de la prospective et des statistiques du Ministère français de la culture, dans la cadre de la Task Force (groupe de travail) d’Eurostat sur l’emploi culturel qu’il coordonne. Cette Task force a réuni entre 2000 et 2004 sept pays européens (Belgique, Danemark, Espagne, France, Finlande, Grèce, Italie).Le champ de l’étude comprend l’ensemble des 25 pays de l’Union européenne (sauf Malte et la Pologne) ainsi que 4 pays hors Union Européenne (Islande, Norvège, Bulgarie et Suisse). Cette étude a été réalisée avec le cofinancement et la coopération de la commission européenne (respectivement DG « éducation et culture » et Eurostat). La Task Force d’Eurostat sur l’emploi culturel a mis en avant une source prioritaire pour les estimations d’emploi dans la culture : les enquêtes Forces de travail. Ces enquêtes harmonisées sont le résultat d’un travail conceptuel d’Eurostat de grande ampleur. Dans ces enquêtes, les professions et les activités sont codées par chaque pays à l’aide de deux nomenclatures internationales : respectivement Classification internationale type des professions (CITP) et Nomenclature générale des activités économiques dans la communauté européenne (NACE). Pour chacun des pays, le niveau de détail demandé est de 3 chiffres pour les professions (code ISCO) et de 2 chiffres pour les activités (codes Nace).Ce niveau minimum de détail ne permet pas d’isoler les professions culturelles des autres et les activités culturelles des autres. La méthode ici mise en œuvre a constitué à définir un champ culturel ( par inclusion / exclusion de codes de la nomenclature ) à utiliser des données des pays ayant un niveau de détail plus élevé pour calculer un coefficient de poids culturel dans chaque croisement Isco 3 x Nace 2. ———- La Revue du Design remercie Brigitte Borja de Mozota, qui lui a proposé cet article, ainsi que le Centre du Design Rhône-Alpes, qui l’a publié une première fois dans sa revue Design Plus Magazine n°31.

Formular.chair © Matthias Demacker / Area Declic

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 10:50:50 +0000

Formular.chair © Matthias Demacker / Area Declic

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 10:51:16 +0000

Formular.chair © Matthias Demacker / Area Declic

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 10:51:41 +0000

Projet PUMA © General Motors / Segway

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 12:16:22 +0000

Projet PUMA © General Motors / Segway

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 12:17:31 +0000

General Motors and Segway are developing an electric two-seat prototype vehicle with just two wheels, which could allow people to travel around cities more quickly, safely, quietly and cleanly, and at a lower total cost. The collaboration, dubbed Project P.U.M.A. (Personal Urban Mobility and Accessibility) combines several technologies that increase mobility freedom with zero emissions, enhanced safety, seamless connectivity and reduced congestion in cities. The Project P.U.M.A. prototype takes a test drive in Manhattan, NY Sunday, April 5, 2009. (Photo by Emile Wamsteker for General Motors)

Croquis préliminaires du projet PUMA © General Motors / Segway

La Revue du Design — Tue, 14 Apr 2009 12:22:58 +0000

PUMA

La Revue du Design — Wed, 15 Apr 2009 00:20:03 +0000

Nous l'avions annoncé dans une brève il y a quelques jours : General Motors et le groupe Segway, connu pour avoir développé le Gyropode (un véhicule composé d'une plate-forme encadrée de deux roues et d'un guidon inclinable), s'associent pour lancer un deux roues urbain électrique. Voici quelques images. Le véhicule comporte deux roues et il est auto-équilibré. Intitulé PUMA (Personal Urban Mobility and Accessibility project), celui-ci devrait permettre d'atteindre une vitesse d'environ 35 km/h, pour une autonomie d'une cinquantaine de kilomètres. Il peut de plus transporter deux passagers, installés côte à côte. Son prix de vente n'est pas encore fixé, mais les premières estimations le situeraient au quart environ de celui d'une voiture traditionnelle. Sources : idasia.org, autoblog.com, usinenouvelle.com.

© Asus

La Revue du Design — Wed, 15 Apr 2009 13:01:11 +0000

Exemple de projet issu de la "Community Design" / www.WePC.com

La Revue du Design — Wed, 15 Apr 2009 13:04:29 +0000

Exemple de projet issu de la "Community Design" / www.WePC.com

La Revue du Design — Wed, 15 Apr 2009 13:05:00 +0000

Exemple de projet issu de la "Community Design" / www.WePC.com

La Revue du Design — Wed, 15 Apr 2009 13:05:20 +0000

"Formular.chair" par Matthias Demacker pour Area Declic

La Revue du Design — Thu, 16 Apr 2009 00:49:48 +0000

Le designer allemand Matthias Demacker présentera à la fin du mois, lors du salon du meuble de Milan, une nouvelle chaise réalisée pour l'éditeur Area Declic. La Formular.chair, entièrement réalisée en plastique, est utilisable en intérieur comme en plein air. Ses rebords, légèrement surélevés, participent à son esthétique tout autant qu'à son confort. Une version rembourrée avec piètement métallique chromé existe également. Elle faisait d'ailleurs partie du "Top Ten 2008 Award" lors du salon Promosedia qui s'est tenu fin 2008. Source : designboom.com, promosedia.it.

Asus imagine un PC portable entièrement tactile

La Revue du Design — Fri, 17 Apr 2009 00:59:50 +0000

Le constructeur taiwanais Asus a présenté lors du CeBIT, un rassemblement annuel de fabricants d'ordinateurs et spécialistes des télécommunications, un prototype d'ordinateur portable à double écran tactile, qui semble préfigurer fortement l'avenir du secteur. Sans clavier (l'un des deux écrans peut faire office de clavier virtuel si besoin), il peut facilement se transformer en tablet PC ou en e-book. Il s'agit du premier PC issu de la "Community Design" (www.WePC.com), une initiative conjointement lancée en octobre 2008 par Asus et Intel, prenant la forme d'un forum invitant chacun à livrer sa vision de l'ordinateur "idéal" grâce à des commentaires ou croquis. Le prototype que nous évoquons plus haut s'inspire donc de quelques idées et tendances plébiscités par les internautes, notamment l'aspect compact et pratique, et le double écran tactile. Autre nouveauté présentée par le groupe taïwanais, l'Eee Keyboard PC consiste en un netbook intégré dans un simple clavier. Avec son écran tactile de 5 pouces pouvant également être utilisé comme pavé numérique, il permet, une fois connecté à un écran (via Wi-Fi, Bluetooth ou prises VGA/HDMI), d'accéder à Internet et de travailler ou stocker ses données grâce à son microprocesseur Atom N270 à 1,6 GHz, ses 1 Go de mémoire vive est son disque SSD de 16 ou 32 Go. Source : zdnet.fr.

Mission One © Mission Motors / Fuse project

La Revue du Design — Mon, 20 Apr 2009 07:43:28 +0000

Mission One © Mission Motors / Fuse project

La Revue du Design — Mon, 20 Apr 2009 07:43:51 +0000

Mission One © Mission Motors / Fuse project

La Revue du Design — Mon, 20 Apr 2009 07:44:23 +0000

Mission One © Mission Motors / Fuse project

La Revue du Design — Mon, 20 Apr 2009 07:44:42 +0000

Mission One par Yves Behar

La Revue du Design — Mon, 20 Apr 2009 07:49:45 +0000

Pas de bruit, pas de gaz d'échappement… La moto Mission One, conçue par le designer Yves Behar de l’agence Fuseproject est la plus rapide de sa catégorie, celle des motos 100% électrique. Avec son autonomie de près de 250km, elle affiche une vitesse de près de 250km/h (150mph). Sa forme, racée et musclée évoque une évidente sportivité. Une attention toute particulière a été apportée à l’ergonomie et à la position de conduite. Ce qui est absent ? Pas de réservoir, pas de tuyau d'échappement. La partie supérieure de la moto est une ligne continue mais brisée, afin de garantir au conducteur un confort allant avec ce niveau de performance. Massive sur sa partie avant, la moto s’affine à l’arrière pour ne devenir plus qu’une ligne suspendue au dessus de la roue. Mission One est fabriquée par Mission Motors , une jeune entreprise située à San Francisco et fondée en 2007. Une première édition, limitée à 50 exemplaires, doit être livrée en 2010, au tarif de 68 995 $ (environ 53 000 €). Sources : yatzer.com, core77.com.

© Designpack Gallery

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 07:21:32 +0000

© Designpack Gallery

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 07:21:54 +0000

© Designpack Gallery

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 07:22:13 +0000

Écopack Attitude

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 07:22:34 +0000

Jusqu'au 9 mai prochain, la Designpack Gallery présente une exposition intitulée "Écopack Attitude", s'intéressant aux emballages et au(x) lien(s) qu'ils peuvent entretenir avec la notion complexe d'"écologie". Comment en effet inciter à la consommation et participer à l'attractivité d'un produit, le protéger, et en même temps adopter une position "responsable" vis à vis de l'environnement et des déchets produits ? Comment également équilibrer la surproduction d'emballages, caractéristique des pays riches, et leur manque parfois constaté dans les pays pauvres, où ils ne sont pas assez nombreux pour permettre de conserver les denrées alimentaires ? --- Les informations ci-dessous viennent de la Designpack Gallery --- Apparus avec la société de consommation et tous ses débordements, les emballages se sont inscrits dans une économie d'abondance peu soucieuse de l'environnement. Les chocs pétroliers et les alertes répétées sur l'avenir de la planète ont remis brutalement les pendules à l'heure. Au-delà des indéniables et indispensables services qu'ils procurent, les emballages se doivent désormais de favoriser une consommation raisonnée et respectueuse de l'environnement. Mais le paradoxe est que l'inflation des emballages demeure une préoccupation de pays riches ; à l'échelle de la planète, il n'y a pas assez d'emballages, notamment pour conserver les denrées alimentaires dans les pays les plus pauvres. L'économie moderne est entrée dans l'ère du « monde fini » : les industriels doivent désormais concevoir des emballages efficaces mais simples d'emploi et économes. Le cycle de vie de l'emballage doit être une boucle de plus en plus respectueuse de l'environnement. Cette exposition issue de l'ouvrage Écodesign, chemins vertueux est construite en quatre parties : La première dresse un panorama complet de l'empreinte écologique de l'emballage sur l'ensemble de son cycle de vie. La seconde explique d'où proviennent les différents matériaux des emballages que vous utilisez quotidiennement et ce qu'ils deviennent une fois que vous les avez jetés dans les bacs de tri sélectif. La troisième présente des solutions innovantes en matière d'écodesign et d'écoconception des emballages. Enfin, la quatrième est une foire à « l'art du recyclage », composée d'oeuvres d'art et d'objets artisanaux, tous réalisés à partir d'emballages usagés. Vous pouvez les admirer mais aussi les acheter... Cette exposition est organisée par P’Référence - Dynamiseur de Marques. Designpack Gallery, 24, rue de Richelieu 75001 Paris.

Lampe Tear drop par Tokujin Yoshioka. Image courtesy Tokujin Yoshioka

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 14:56:28 +0000

Lampe Tear drop par Tokujin Yoshioka. Image courtesy Yamagiwa

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 14:57:41 +0000

Lampe Tear drop par Tokujin Yoshioka. Image courtesy Yamagiwa

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 14:58:11 +0000

Lampe Tear drop par Tokujin Yoshioka. Image courtesy Yamagiwa

La Revue du Design — Tue, 21 Apr 2009 14:58:35 +0000

La lampe Tear drop de Tokujin Yoshioka

La Revue du Design — Wed, 22 Apr 2009 00:05:23 +0000

La lampe "Tear drop" du designer Tokujin Yoshioka, imaginée pour la marque de luminaire japonais Yamagiwa, étonne par sa simplicité. Réalisée en verre et aluminium, elle ressemble à une bulle de savon géante à la paroi épaisse, qui contiendrait dans son centre un élément lumineux et mystérieux. Tous les assemblages et détails techniques sont cachés, afin de conférer à cet objet une forme la plus "essentielle" possible, une sphère de lumière. Source : designboom.com. Nous avons déjà consacré deux articles à ce designer, au sujet de l'exposition Seconde nature et d'un canapé froissé imaginé pour Moroso.

DD ?

La Revue du Design — Thu, 23 Apr 2009 09:14:42 +0000

par Quentin Hirsinger Le coup du développement durable, ça y est, on nous l’a déjà souvent fait... Face aux réels déséquilibres environnementaux induits par l’activité humaine, la quête du "matériau écologique" est devenue en très peu d'années le Graal de tout créateur et entreprise: une exigence, une apparente obligation, une figure imposée, mais surtout un fantasme. En effet, cette appellation impliquerait clairement qu’il existe des matériaux intrinsèquement bons (notion généralement attachée aux termes de "naturel, sain, recyclable, issu de ressources renouvelables...") quelles que soient les utilisations qui en sont faites et d’autres matériaux voués à être désormais au ban de la société, car n’ayant pas les qualités requises pour faire partie de ce club VEM (Very Ecological Material). Cette quête pourrait être louable si elle n’était pas simpliste, stérile et finalement dangereuse car conduisant à une impasse pour plusieurs raisons. Tout d’abord, le réflexe qui consiste à vouloir répondre aux enjeux environnementaux actuels avant tout par le biais du choix des matériaux doit être combattu. C’est prendre le problème à l’envers: les matériaux doivent découler d’une démarche globale d’éco-conception, qui par nature dépasse très largement les aspects concrets de matérialisation. Mener une première réflexion sur la nature du projet, les réponses qu’il doit apporter, sans a priori et en n’hésitant pas à faire tabula rasa des postulats de base, permet de faire émerger une solution constructive pertinente qui transcende les simples aspects matière. Il est essentiel de bien mettre les boeufs avant la charrue, car l’impact environnemental d’un bâtiment ou d’un objet quel qu’il soit sera directement en relation avec les premières orientations prises et, de façon plus anecdotique, avec le choix des matériaux. Ensuite, et là aussi il s’agit d’une évidence qu’il semble néanmoins nécessaire de rappeler, chaque projet est singulier, unique. De facto, la réponse matériaux s’insère dans une analyse globale de son cadre ou de son contexte, de ses conditions de réalisation, de son inscription géographique et temporelle, de sa finalité. Pas de recette, pas de solution passe-partout, mais du sur-mesure, forcément. Un matériau pourra être inadéquat pour un projet mais s’avérer meilleur compromis possible pour un autre. Une fois encore, il est illusoire de vouloir ignorer une réalité avant tout complexe. Les matériaux "éco-friendly" doivent donc s’affranchir d’une approche caricaturale dans ce débat, car ils sont avant tout matière à réflexion. Même si certains critères émergent comme étant primordiaux (les notions d’énergie grise ou de ressources renouvelables par exemple), il devient urgent et sans doute salutaire aujourd’hui de re-considérer nos positions, de combattre des préjugés sur les matériaux qui sont, eux aussi, durables. Il n’y a donc pas de «bons» ou de «mauvais» matériaux a priori et dans l’absolu, au regard des aspects écologiques. Mais par contre et en permanence des choix à faire, des décisions à prendre, qui ne devront pas faire l’économie d’un des matériaux les plus naturels, disponibles, renouvelables et sains qui soit: notre matière grise. Quentin Hirsinger est le co-fondateur de MatériO, le premier centre Européen indépendant d’information sur les matériaux et produits innovants. Lien vers l’article sur le site de MatériO : http://www.materio.fr/fr/edito/actu/211

Shelf © David Blázquez

La Revue du Design — Fri, 24 Apr 2009 14:26:23 +0000

Tv-board © David Blázquez

La Revue du Design — Fri, 24 Apr 2009 14:27:13 +0000

Table © David Blázquez

La Revue du Design — Fri, 24 Apr 2009 14:27:43 +0000

Lamp © David Blázquez

La Revue du Design — Fri, 24 Apr 2009 14:28:09 +0000

David Blázquez : "Molbiliario humano"

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 00:24:31 +0000

Plus que quelques jours pour découvrir l'exposition "Molbiliario humano" du photographe espagnol David Blázquez, explorant l'idée d'un mobilier humain. Dans la série de photos présentée dans les mures de la galerie sévillane El fotomata, David Blázquez dévoile ainsi différentes pièces : table, étagère, lampe, buffet... principalement composés de corps. Se mettant lui-même en scène, l'artiste interroge les thèmes de la nudité et de l'auto-portrait, relativement explorés dans le domaine artistique, mais aussi la notion d'objets et le lien entre objets et usagers. Source : elfotomata.com. David Blazquez - Molbiliario humano El fotomata gallery, Séville, Espagne Du 6 avril au 5 mai 2009.

RE:cover par Fredrik Färg. Photo: Maria Sahlander

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 10:10:30 +0000

RE:cover par Fredrik Färg.

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 10:11:10 +0000

RE:cover par Fredrik Färg. Photo: Maria Sahlander

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 10:11:36 +0000

RE:cover par Fredrik Färg. Photo: Maria Sahlander

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 10:11:57 +0000

Phyte © Nicolas Mouret

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 15:00:19 +0000

Phyte © Nicolas Mouret

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 15:00:52 +0000

Phyte © Nicolas Mouret

La Revue du Design — Mon, 27 Apr 2009 15:01:16 +0000

RE:cover

La Revue du Design — Tue, 28 Apr 2009 00:12:08 +0000

Le jeune designer suédois Fredrik Färg présentait, dans les allées du SaloneSatellite de Milan, sa collection de chaises récupérées puis "rhabillées". S'inspirant des codes du vêtement, il propose une déclinaison de dossiers aux formes souples, souvent structurées par des lignes de surpiqûres et réalisées en tissu polyester 100% recyclable. Ce faisant, le designer se situe entre création et recyclage, inventant des "habits" pour objets existants renouvelant leur forme et leur utilisation, et incitant le consommateur à les conserver plus longtemps... une créativité par touche, économe en énergie et écologique (la structure de l'ancienne chaise est conservée).

Nicolas Mouret, Ex Lauréat du Concours d'Architecture Eiffel

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 00:57:52 +0000

C'est une histoire de concours étonnante : "Phyte", la tour mobile de 380 mètres qui a gagné le dernier Concours d'Architecture Eiffel, a disparu du palmarès. Son motif : elle a été conçue par Nicolas Mouret, et celui-ci n'est pas étudiant en architecture, mais en design. Un retournement de l'histoire cocasse étant donné que Gustave Eiffel n'était pas lui-même architecte ! Voici ce que Nicolas Mouret disait de son projet "Dans un mouvement plein d'inertie, elle se balance au gré des vents. C'est ce ploiement qui, dans une ville figée de bâtiments statiques, apporte une vie, naturellement évoqué par la houle, le frétillement des arbres ou la danse des herbes sur une prairie. Au bout du Champs de Mars, Phyte sort du sol sans laisser voir son enracinement. Placée dans une fosse laissée en friche, espace sacré et impénétrable, cerclé d’une pelouse qui s'enfonce vers le centre. On s'y allonge en regardant le contraste entre la paisible tour Eiffel et les balbutiements de Phyte." Le jury avait notamment apprécié le fait que ce projet soit, au contraire de bon nombre d'autres, entièrement réalisable, avec ses huit piliers monoblocs et structurés de 50 mètres de hauteur, chacun étant articulé par des cardans. L'énergie mécanique de la tour pouvait être convertie en énergie électrique pour sa propre consommation en éclairage. On peut encore voir, en ligne, la vidéo de remise des prix du 31 mars 2009 où Nicolas Mouret faisait son "coming-out" devant une assemblée composée de plusieurs centaines de personnes.

© B&B Italia

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:29:10 +0000

© Sywawa

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:29:32 +0000

© Fermob

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:29:52 +0000

© Extremis

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:30:10 +0000

© Skia

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:30:40 +0000

© Dedon

La Revue du Design — Wed, 29 Apr 2009 21:31:02 +0000

6 parasols, paravents et assimilés

La Revue du Design — Thu, 30 Apr 2009 00:22:32 +0000

L’été approche, et avec lui l’envie de profiter de son jardin ou de sa terrasse sans risquer l'insolation. Voici donc six produits récemment édités, porteurs de solutions originales. Récompensé par un iF Product Design Awards 2009, le parasol Breezer (ci-dessus) a été imaginé par le designer Davy Grosemans pour la marque belge Sywawa. Il s'est pour cela inspiré du linge étendu aux fenêtres, caractéristiques des villes du sud, et a créé une multitude de pièces de tissu en suspension, qui s'animent avec le vent. Le canapé Springtime, que le designer Jean-Marie Massaud a récemment dessiné pour B&B Italia, peut quant à lui se compléter d'une structure métallique légère pouvant accueillir au choix des voilages ou alors de fines tiges de bambou. Nouveauté de l'éditeur français Fermob, l'ensemble Tablari associe une table six places en métal à un textile qui semble simplement posé sur quatre mats, réalisé en tissu recyclable. Le parasol lumineux Juri G, réalisé en acier inoxydable et toile polyester, est composé de leds générant différentes ambiances colorées pouvant être réglées manuellement ou varier automatiquement grâce à un programmateur. Il a été mis au point par le Studio Vertijet pour l'éditeur allemand Skia. Avec sa collection Summer Cloud, l'éditeur allemand Dedon associe, au traditionnel transat de plage, un pare-soleil intégré. Pivotant, celui-ci permet une utilisation à 360° : la chaise longue et le parasol sont à la fois reliés entre eux tout en restant individuellement orientables et réglables. Enfin le meuble Kosmos, imaginé par Dirk Wynants pour la société Extremis, est composé d'une table et d'un canapé circulaires, ainsi que d'une toile suspendue qui se déploie tel un éventail. Avec sa lampe intégrée, il s'utilise de jour comme de nuit. De plus la table, réglable en hauteur, peut être positionnée au niveau des assises et recouverte d'un grand coussin permettant d'offrir un canapé/lit de repos.

2009-05-01-a

La Revue du Design — Thu, 30 Apr 2009 07:49:56 +0000

La Revue du Design a 1 an !

La Revue du Design — Fri, 01 May 2009 00:44:52 +0000

Un anniversaire, c'est toujours l'occasion de dresser un bref bilan (en ce qui nous concerne, un peu plus de 200 articles publiés, une dizaine d'auteurs ayant collaboré au projet, près de 50 000 pages vues, et en moyenne deux fois plus de visiteurs en 2009 que l'année passée), mais aussi de se projeter dans l'avenir. Voici donc, en quelques lignes, comment nous le voyons (et l'espérons) : - davantage de place accordée aux images, - plus d'actualités, notamment par le biais de brèves (peut-être les avez vous remarquées depuis début avril sur la droite de votre écran), - de nouvelles rubriques (packaging notamment), que nous allons essayer de développer activement, - et aussi plus de regards et de contributions extérieures, car nous sommes persuadés que c'est au croisement de plusieurs approches et de plusieurs disciplines que se situent les clés pour mieux comprendre le design contemporain. En attendant nous tenions à vous remercier, sincèrement et chaleureusement, vous qui êtes des fidèles de la première heure, des contributeurs occasionnels ou réguliers, des lecteurs attentifs qui prenez le temps de nous adresser vos commentaires et idées, ou plus simplement des visiteurs curieux ayant découvert ce site grâce aux surprises que réserve parfois Internet ! Alexandre Cocco.

© Lota

La Revue du Design — Mon, 04 May 2009 08:04:04 +0000

© Lota

La Revue du Design — Mon, 04 May 2009 08:04:34 +0000

© Lota

La Revue du Design — Mon, 04 May 2009 08:04:55 +0000

© Lota

La Revue du Design — Mon, 04 May 2009 08:05:15 +0000

Design, mode d'emploi en 45 s

La Revue du Design — Mon, 04 May 2009 08:08:42 +0000

Diplômé des Arts décoratifs et de L’École Boulle, le jeune designer Pierre Lota innove en proposant sur Internet, à partir de demain, un rendez-vous bi-hebdomadaire sous la forme de petits films dédiés à la création d’objets simples. D’une durée de 45 secondes, les différentes "émissions" mettent le designer en action. On le voit découper, coller, assembler des objets simples avec des résultats parfois surprenants : un acte d’« autodesign » que tout le monde ou presque, armé de quelques accessoires, peut réaliser. L’intérêt de ces petites vidéos vaut donc pour leur originalité, mais aussi pour la réflexion plus transversale qui concerne à la fois la relation entre le designer et le consommateur (qui devient ici une sorte de pédagogue de l’environnement matériel), ainsi que sur les « médias » du design, qui explorent ici une dimension inédite. Plus d’informations sur dailymotion.com et lota.fr.

Flow © MDF Italia / Jean-Marie Massaud

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:31:21 +0000

Flow © MDF Italia / Jean-Marie Massaud

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:31:55 +0000

Flow © MDF Italia / Jean-Marie Massaud

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:32:20 +0000

Eames revisité

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:36:26 +0000

L'éditeur MDF Italia vient de dévoiler la série Flow imaginée par le designer Jean-Marie Massaud. Se déclinant en chaise et fauteuil, elle propose une multitude de piètements et n'est pas sans rappeler les sièges coques de Charles et Ray Eames (la Plastic Armchair) datant des années 1950. Destiné à un usage privé, professionnel ou à la collectivité, cette série est composée d'une coque réalisée en polyester teinté dans la masse (au choix blanc ou noir, mat ou brillant), et peut recevoir différents piètements comme les traditionnels 4 pieds, piètement "traîneau", 5 pieds en étoile, 1 piètement central, ou encore une version originale de 4 pieds réalisés en chêne. Source : ma-decoration.net.

Photo © Véronique Huyghes

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:57:13 +0000

Photo © Véronique Huyghes

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:57:41 +0000

Photo © Véronique Huyghes

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 07:58:36 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:32:57 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:33:40 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:34:07 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:34:59 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:35:27 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:35:49 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:36:15 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:36:34 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:36:54 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:37:15 +0000

© IKEA

La Revue du Design — Tue, 05 May 2009 08:39:57 +0000

Nouvelle collection IKEA PS

La Revue du Design — Wed, 06 May 2009 00:32:02 +0000

L'éditeur suédois IKEA a dévoilé à Milan, il y a quelques jours, sa collection PS imaginée par des designers européens connus (notamment Hella Jongerius et le collectif Front Design), renouant ainsi avec une tradition d'originalité parfois absente ces dernières années (ci-dessus: IKEA PS PENDEL par Carl Hagerling / IKEA PS BJUDA par Gunnel Sahlin / IKEA PS MASKROS par Marcus Arvonen). La collection comprend une quarantaine de pièces, meubles ou accessoires, aux prix abordables et aux ambitions souvent "éco" ou "durables", conçus par 20 designers. Ci-dessus: IKEA PS SPIKA par Maria Vinka et Jon Karlsson. Ci-dessus: IKEA PS SVARVA par Front. Ci-dessus: IKEA PS SELMA par Front. Ci-dessus: IKEA PS BRYGGA par Marcus Arvonen. Ci-dessus: IKEA PS MIKKEL par Design: Hella Jongerius. Ci-dessus: IKEA PS MASKROS par Marcus Arvonena. Ci-dessus: IKEA PS BINTJE par Francis Cayouette. Ci-dessus: IKEA PS STOCK par Olga Popyrina. Ci-dessus: IKEA PS SLINGRA by Ehlén Johansson. Ci-dessus: IKEA PS NYBYGGE par Francis Cayouette. Source :dezeen.com.

Delicious par Mathieu Lehanneur

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 00:56:04 +0000

"Fabriquée à partir de la tôle matelassée inox des stands de hot-dogs à Manhattan et luxueux comme un sac Chanel, Delicious est un système de rangement qui se décline en quatre versions empilables". Voici comme Mathieu Lehanneur décrit son projet autoédité Délicious, se jouant des codes formels pour proposer un ensemble de contenants aux formes cubiques, caractérisés par un aspect de surface inédit. Pour obtenir la couleur, un vernis coloré est appliqué directement sur la tôle matelassée, produisant ainsi des rangements au design étonnant. Sources : objetsdesign.fr, mathieulehanneur.com.

Photo © Studio Arihiro Miyake

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 09:19:13 +0000

Photo © Joakim Bergström

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:10:04 +0000

Photo © Joakim Bergström

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:10:27 +0000

Photo © Joakim Bergström

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:10:46 +0000

Photo © Joakim Bergström

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:11:28 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:47:15 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:47:38 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:48:00 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:48:23 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:48:44 +0000

Blur collection. Photo © Michel Bonvin

La Revue du Design — Mon, 11 May 2009 10:49:05 +0000

Blur collection

La Revue du Design — Tue, 12 May 2009 00:45:57 +0000

La collection Blur du collectif belgo-franco-suisse Big-Game joue avec la notion de flou. Célébrant une forme de disparition de la matière, elle se déploie sur un ensemble d'objets : un vase, deux miroirs, trois tables et quatre lampes. Sur les tables basses et les miroirs, le motif est réalisé en sérigraphie, à partir d'une trame de poins colorés qui deviennent de plus en plus fins. Big-Game est un collectif fondé en 2004 par le suisse Grégoire Jeanmonod, le belge Elric Petit et le français Augustin Scott de Martinville. Le studio est aujourd'hui conjointement basé à Lausanne et à Bruxelles.

Lampe Carat par Arihiro Miyake

La Revue du Design — Wed, 13 May 2009 00:17:01 +0000

Basé à Helsinki, où il a achevé ses études après avoir fréquenté la Kobe Design Université, le designer japonais Arihiro Miyake a récemment dévoilé Carat, une élégante lampe de bureau dont la base polyédrique lestée permet différentes orientations. Durant ses études à l'University of Art and Design d'Helsinki, Arihiro Miyake a travaillé avec les designers Ilkka Suppanen et Yrio Wiherheimo. En 2004, il fonde sa propre agence intitulée "Studio Arihiro Miyake". Il déploie aujourd'hui ses activités de l'aménagement d'intérieurs au design de produit et à la recherche. Il a notamment aménagé le restaurant français Tooth Tooth à Tokyo. Réalisée en laiton et aluminium, la lampe Carat peut donc être placée, selon les besoins de l'utilisateur, dans différentes positions. Source : blog-espritdesign.com.

Photo © Studio Arihiro Miyake

La Revue du Design — Wed, 13 May 2009 07:07:38 +0000

Photo © Studio Arihiro Miyake

La Revue du Design — Wed, 13 May 2009 07:08:22 +0000

Soft Parcel

La Revue du Design — Thu, 14 May 2009 00:12:54 +0000

Le collectif suédois Taf Arkitektkontor a présenté, il y a deux semaines environ, une scénographie composée d'un ensemble de meubles aux allures de colis ou de cartons d'emballage, en réalité fabriqués en mousse recouverte de tissu blanc cassé ou brun. L'ensemble se module de diverses manières, permettant de composer différentes formes d'assises. Ce faisant, les deux designers de Taf (Gabriella Gustafson et Mattias Ståhlbom) initient un jeu aux relents postmodernes, misant sur un décalage entre l'objet, son signe, sa perception et son utilisation. L'ensemble, assez minimaliste, est cependant plutôt réussi, et laisse imaginer l'aspect "en chantier" que pourraient générer ces meubles placés dans des intérieurs plus traditionnels. La collection a été présentée au Spazio Rosanna Orlandi du 22 au 27 avril dernier. Source : belowtheclouds.com.

2009-05-15-a

La Revue du Design — Fri, 15 May 2009 07:27:20 +0000

Design minimaliste : la lampe la plus petite du monde ?

La Revue du Design — Fri, 15 May 2009 07:31:26 +0000

Finissions la semaine avec un exemple de design minimaliste. Pas au sens où ce terme s'entend habituellement, c'est à dire explorant un vocabulaire formel épuré et géométrique, mais dans une acception plus large : "réduit à l'essentiel". Cette lampe, mesurant environ 3,1 x 1,9 x 7,6 cm, est simplement composée d'une batterie de 9V, sur laquelle vient se fixer un élément en plastique contenant des LED. Elle existant en noir, rose, blanc et jaune, et elle est vendue à moins de 5 $... Source : geardiary.com.

© Panasonic

La Revue du Design — Sun, 17 May 2009 20:15:47 +0000

© Panasonic

La Revue du Design — Sun, 17 May 2009 20:16:09 +0000

© Panasonic

La Revue du Design — Sun, 17 May 2009 20:16:26 +0000

Panasonic Design Museum

La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 00:12:52 +0000

Découvert sur le sympathique site AvideDesigner, le Panasonic Design Museum est un musée en ligne qui retrace l'histoire de l'entreprise Masuchita-Panasonic, et qui démontre aussi, par le biais d'un site extrêmement clair et lisible, comment l'histoire du design peut être agréablement présentée sur Internet. Les produits y sont simplement exposés le long d'une frise interactive, avec la possibilité pour l'internaute de zoomer sur l'un ou l'autre. Ce site offre également la possibilité d'accéder à diverses informations sur la société, sa démarche et son engagement dans le design. Source : AvideDesigner.com.

Fauteuil Peacock © Dror

La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 10:33:02 +0000

Fauteuil Peacock © Dror

La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 10:33:39 +0000

Fauteuil Peacock © Dror

La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 10:34:05 +0000

2009 05 21 b

La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 20:38:19 +0000

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La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 20:38:50 +0000

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La Revue du Design — Mon, 18 May 2009 20:39:16 +0000

Vers un capitalisme naturel

La Revue du Design — Tue, 19 May 2009 00:13:34 +0000

Le blog Six pieds sous terre publie une interview d'Amory Lovins, pionnier dans le domaine du développement durable, en particulier dans ses applications liées à l'industrie. Il est le fondateur de l' Institut Rocky Mountain, un think-tank créé en 1983 au sein duquel il conseille de grosses entreprises comme le constructeur automobile Ford ou le chimiste Dow Chemical en matière d’efficacité énergétique. Il avait, dès 1999, publié un ouvrage consacré au "capitalisme naturel". Retour sur cette notion et extraits. Ce "capitalisme naturel" (Natural Capitalism), passe par plusieurs mutations concernant nos pratiques industrielles et commerciales (les lignes suivantes sont issues d'un article qu'Amory Lovins a publié dans un article du Monde daté du 10 mai 2009) : "1. Une augmentation drastique de la productivité des ressources naturelles : réduire le gaspillage qui caractérise les flux de matières premières, depuis leur extraction ou leur récolte jusqu'à la fin de vie des biens de consommation représente une opportunité économique importante. Les entreprises qui repensent fondamentalement la manière dont elles conçoivent leur système d'approvisionnement et leur modèle de production peuvent améliorer la productivité des ressources naturelles qu'elles utilisent 5, 10, voire 100 fois, par rapport à leurs concurrents. Un projet récent du Rocky Mountain Institute pour une entreprise gérant des centres de données illustre cette idée. Le nouveau centre de données que nous avons conçu consomme 75 % d'électricité en moins, coûte 10 % de moins à construire et bien sûr beaucoup moins en fonctionnement ; il générera plus de revenus par serveur et par unité de surface qu'un centre de données classique. Inauguré en septembre prochain, ce centre permettra à l'entreprise de répondre à la demande de ses clients de manière plus rentable ; il lui servira de modèle pour la rénovation de ses centres existants ; il lui permettra de réduire son empreinte carbone. 2. Une transition vers des modèles de production inspirés par la nature : le capitalisme naturel ne vise pas simplement à réduire les déchets, il propose d'éliminer la notion même de déchets. Cette ambition peut être réalisée par la mise en place des systèmes de production "circulaires", calqués sur ce qui se fait dans la nature, où tout produit en fin de vie devient un élément nutritif pour l'écosystème, ou pour la fabrication d'un autre produit. Un bon exemple de ce concept est celui de Patagonia, un des leaders des vêtements de montagne aux Etats-Unis. En 2005, la société a lancé en collaboration avec Teijin, un fabricant japonais de tissus et fibres, un programme qui permet la reprise et le recyclage de ses vêtements en polyester. Ce programme invite les consommateurs à rapporter au magasin leurs vêtements usés. Ceux-ci sont à leur tour tissés en vêtements de qualité identique à ceux fabriqués à partir de la matière première initiale. Les vêtements fabriqués à partir de fibres recyclées économisent 76 % de l'énergie et 71 % des gaz à effet de serre par rapport au cycle de production de vêtements traditionnels. 3. La mise en place de modèles économiques basés sur les services: les modèles économiques traditionnels sont centrés sur la production et la vente de marchandises. Avec le capitalisme naturel, la valeur provient plutôt d'un flux constant de services allant de l'entreprise au consommateur. Un bon exemple de ce modèle est la "servicization" des produits chimiques (chemical servicization), où le fournisseur ne vend pas les produits chimiques eux-mêmes, mais le service qu'ils rendent. La rémunération du prestataire est alors liée à la quantité et la qualité des services fournis, et non au volume de produits chimiques vendus. Lorsque Raytheon, un des principaux sous-traitants de la défense aux Etats-Unis, a décidé d'adopter ce type de contrat avec le fabriquant de produits chimiques Haas TCM, l'entreprise a réduit ses achats et coûts de gestion de produits chimiques de 30 % à 40 % ; elle a diminué ses déchets chimiques de 85 % ; elle a pratiquement éliminé l'utilisation de solvants et de composés organiques volatils ; elle a économisé 400 000 dollars en coûts de fonctionnement annuels. 4. Un réinvestissement dans le capital naturel : en fin de compte, les entreprises doivent contribuer à restaurer, maintenir, et développer les écosystèmes de la planète afin qu'ils puissent continuer à fournir leurs services essentiels et à maintenir le stock de ressources biologiques irremplaçables. Cette mutation est susceptible de créer d'innombrables opportunités économiques. Par exemple, en 2002, la ville de New York a pu éviter de dépenser 5 milliards de dollars en investissant dans un programme peu coûteux de restauration écologique du bassin versant des Catskills Mountains où la ville s'approvisionne traditionnellement en eau, plutôt que dans la construction d'une nouvelle station d'épuration." Les extraits suivants sont issus de l'interview publiée par le blog Six pieds sous terre : "Quel rôle joue l'Institut Rocky Mountain? Nous pratiquons ce que j'appelle l'acupuncture institutionnelle. Nous intervenons auprès des grosses entreprises comme Ford, Dow Chemical, Boeing, ..., pour les convertir à l'efficacité énergétique. Investir dans une usine qui fabrique des fenêtres super isolantes coûte 1000 fois moins cher que de produire toujours plus d'électricité en construisant de nouvelles centrales. Nous pensons qu’il faut échanger les megawatts par des negawatts, c'est à dire des watts que l'on n'a pas besoin de produire puisqu'on ne les consomme pas. Et les grandes entreprises comprennent très bien cela. [...] Que pensez-vous du modèle énergétique français basé sur le nucléaire? La France me fait l'effet d'une île de politique plutôt hermétique entourée par une mer de réalité qui s'appelle le marché économique. L'industrie nucléaire pense que ses principaux concurrents sont les usines à charbon ou à gaz, bref, les grosses centrales d'énergies fossiles, alors que ses principaux concurrents, à mon sens, sont l'efficacité énergétique et les énergies renouvelables. Les adeptes du nucléaire pensent que les centrales énergétiques doivent être grosses alors que le futur appartient aux petites centrales électriques. Ceci dit, je tenais à remercier le gouvernement français d'avoir mis en oeuvre une de nos idées développées dans les années 70, le bonus-malus. Déjà à l'époque, nous pensions qu'il fallait récompenser les vertueux utilisateurs d'appareils énergétiquement efficaces. [...] Qu'espérez-vous des négociations climatiques qui se dérouleront en fin d'année à Copenhague? Dans les discussions climatiques, on entend beaucoup parler de coûts et du fardeau que la lutte contre le réchauffement représente. Ces négociations seraient bien faciles à boucler si les délégations en présence comprenaient que la protection du climat est très profitable économiquement. C'est ce que certaines grosses entreprises ont compris. De toute façon, le secteur privé a toujours un temps d'avance sur les gouvernements. Donc, vous êtes plutôt pessimiste sur la capacité du monde à gérer la crise climatique... Je ne suis ni optimiste, ni pessimiste. Quand je vois un verre à moitié rempli, je ne me demande pas s’il est à moitié plein ou à moitié vide, je constate qu’il est deux fois trop grand et qu’il faut le reconfigurer pour qu’il soit utilisé de façon optimale. Je suis de ceux qui travaillent sur les solutions: je préfère rendre l’espoir possible plutôt que de rendre le désespoir convaincant ("Make hope possible not despair convincing", joli). En matière d’énergie, c’est la même chose. Peu importe ce qui vous motive, la sûreté nationale, la compétitivité de votre économie, l'emploi, le climat, ..., il faut é-co-no-mi-ser. L'efficacité énergétique sera toujours moins chère que le pétrole. [...] Vous dîtes que le PIB n'est plus un indicateur pertinent. Par quoi le remplaceriez-vous? Beaucoup de chercheurs développent des indices comme le Net Material Welfare, qui prend en compte les nuisances des biens et des services (plutôt que de les intégrer comme on le fait avec le PIB) et qui soustraie la destruction ou l'épuisement des ressources naturelles (plutôt que de les considérer comme un revenu). Tous les Humains peuvent-ils vivre l’American way of life? En principe, avec une optimisation des usages et la fin de tous les gaspillages, les 6,7 milliards que nous sommes pourraient tous avoir le standard de vie américain, mais cela n’est probablement pas nécessaire, ni forcément désirable. Lorsque l’on a demandé à Ghandi ce qu’il pensait de la civilisation occidentale, il a sèchement répondu « Je pense que ce serait une très bonne idée ». Mais l’American way of life se transforme. Une portion significative d’Américains, que certains estiment à au moins 20%, vivent déjà dans la frugalité élégante ou la simplicité volontaire. Une proportion en progression à cause de la récession économique actuelle. Etes-vous un partisan de la décroissance? Pensez-vous qu’une croissance infinie est possible sur une planète aux ressources finies? Une croissance infinie de richesses matérielles, non. Mais une croissance infinie d'accomplissements humains, oui. Le marché est un superbe serviteur, un mauvais maître et la pire des religions. Son utilisation responsable requiert une attention de tous les instants. Il faut se demander ce que l'on veut et ce dont on a besoin, à combien on estime le «assez» et comment devenir de meilleurs êtres humains: c'est cela le but des processus économiques, qui, après tout, doivent exister pour servir les hommes et pas eux-mêmes [...]" Sources : Six pieds sous terre, lemonde.fr.

2009 05 22 a

La Revue du Design — Tue, 19 May 2009 10:41:06 +0000

2009 05 22 b

La Revue du Design — Tue, 19 May 2009 10:42:56 +0000

Fauteuil "Peacock"

La Revue du Design — Wed, 20 May 2009 00:31:46 +0000

Imaginé par le designer Dror Benshetrit et produit par Cappellini, le fauteuil Peacock se propose d’utiliser le feutre d’une manière assez inédite dans le domaine du mobilier : en accumulation et en ondulation. Pour réaliser l’assise et le dossier de ce fauteuil, une unique bande de feutre est ainsi froncée puis fixée à un socle métallique. Ce socle, verni en marron foncé, accueille ainsi différentes déclinaisons colorées, jaune, verte, bleue ou bordeaux/violet, dans des nuances plutôt foncées conférant à l’objet une certaine élégance et une poésie évidente. Après avoir suivi l’enseignement de la Design Academy d’Eindhoven, Dror Benshetrit a ouvert son atelier de design, intitulé Studio Dror, en 2002 à New York. Il travaille aujourd’hui pour divers clients tels que Rosenthal, Boffi, BBB, Swarovski, Cappellini…

Ecofont, la typo écolo !

La Revue du Design — Thu, 21 May 2009 00:25:25 +0000

"En Hollande, il n'y a pas que les fromages qui aient des trous... Ecofont aussi, la police d'impression écologique et économique." L'agence de communication néerlandaise Spranq vient en effet de créer une police de caractères librement téléchargeable, et dont la spécificité est de permettre, lors d'une impression, des économies d'encre d'environ 20%. Un travail de design typographique original et écologique ! Après avoir expérimenté des polices zébrées ou extra-fines, l'agence s'est finalement orientée sur un principe de modification simple, n'altérant ni la taille ni l'épaisseur des caractères afin d'assurer leur bonne visibilité. L'illustration présentée en introduction détaille ce principe : un ensemble de petites perforations sont réparties de manière homogène sur chacun de caractères, permettant ainsi des économies d'encre. L'œil aiguisé du graphiste ou du typographe repèreront certainement quelques améliorations formelles possibles, dans le tracé des lettres ou la répartition des zones évidées. La police imaginée par Spranq n'en reste pas moins un projet de design qui étonne, malgré sa "petite" taille, par la multiplicité des enjeux qu'elle brasse : à la fois économique et écologique, mais aussi formel et usuel (il s'agissait en effet de conserver une police "esthétique" et parfaitement lisible). Un projet qui est de plus loin d'être anecdotique, si on le rapporte à la quantité de documents qui sont encore imprimés quotidiennement. Pour télécharger Ecofont, vous pouvez aller sur le lien suivant : ecofont.eu/telechargement. Ecofont a été développée par SPRANQ creative communications, sur une idée originale de Colin Willems. Elle est basée sur la police open source Vera Sans, et elle est disponible pour Mac, PC et Linux. Source : master2dip.canalblog.com, spranq.nl.

Le design après le design...

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 00:44:49 +0000

Par Jean-Louis Frechin Le design est à l'étranger au cœur des réflexions sur l'avenir. Transformation, changement, stratégie, tactique ou simple fonction d'entreprise, le design fait débat et enthousiasme. De nouveaux paysages se dessinent pour cette activité centenaire si difficile à définir. L'institut du futur de San Francisco publie un poster sur l'innovation ouverte. L'Union européenne publie au même moment un appel à contribution sur le design Design as a driver of user-centred innovation. Deux propos, deux approches, deux visions opposées mais incomplète toutes les deux. Et nous quelles sont nos visions et nos propositions en France ? Quel sera le design du XXI siècle après celui du XX siècle ? Beaucoup d'activité et de publications autour des nouveaux enjeux de conceptions et de productions de l'innovation en cette fin avril 2009. Les recherches autour de la construction du futur sont nombreuses et on peu dire que le design est au centre de ces réflexions, dans les pays anglo-saxons. L'institut pour le futur publie une carte résumant les différentes mutations des "Systèmes de productions" nouveaux artisanats, nouveaux fabricants, auto fabricants, créateurs, bricoleurs, hackers, etc. Ce poster est intéressant pour le design et les manières dont il va évoluer. Il est pertinent de voir les gens acteurs de la résolution de leurs envies et de leurs besoins. Les recherches utilisateurs se modernisent et s'affinent. Il est semble désormais admis que le modèle auteur de type Starck (genius design), Milan, décoration est largement remis en question comme vision du futur. Le document européen au titre stimulant Design as a driver of user-centred innovation célèbre l'avance des pays nordiques et anglo-saxons et souligne le retard de notre pays sur ces sujets. Il confond cependant le rôle du design dans l'innovation et le rôle et/ou les attentions envers les utilisateurs. Quelques remarques cependant sur ces deux approches. Le "bricolage" est formidable et être acteur de sa vie est important. Mais cette approche Américaine, nous est proposée par un pays singulier ou le service est développé jusqu’à remettre en cause les fondements mêmes de l'existence. Les gens n'y cuisinent plus, les femmes se font accoucher plutôt qu'elles n'accouchent, les techniques y sont une seconde nature. Les communautés et l'esprit de concertation font partie de la culture et de l'identité protestante qui guide ces propositions. Notre enjeu n'est pas de dire si cela est bien ou mal, mais d'inventer et de révéler les spécificités d'un modèle français, et d'éviter les transpositions directes et faciles. Les notions de système d'objet, symboliques, de culture, d'esthétique y sont absentes. Il me semble qu'elles soient une nécessité. Les dimensions amenées par le design de pointe ne sont pas à sous estimer, ni à opposer à ces nouveaux possibles. Le document européen Design as a driver of user-centred innovation est beaucoup plus troublant. Son contenu assez exhaustif dresse un portrait du design, d'un nouveau design et du design comme vecteur d'innovation non technologique. Formidable, On ne peut que s'en réjouir. Il est en fait une ode au rapport du Design Council et au rapport du gouvernement danois. Il met en avant les nouveaux "mots" du design qui deviennent des valises vides de sens et déconnectées de toutes symboliques sociales, esthétiques et culturelles: design for all, user centred design et rajoutons pour être complet le co-design. Ces termes sont ici utilisés à tous propos avec des sens et des fonctions différentes. Stratégie d'entreprise, stratégie d'innovation, stratégie de marketing, stratégie de design ou éléments de tactique de conception, tactique de production, etc. Ces termes recouvrent de telles espérances contradictoires qu'elles ne veulent plus dire grand-chose (quels liens entre le UCD de Nokia et celui de Waag.org). Les mots esthétiques (au sens philosophique, représentation, perception, n'y sont jamais abordé). La dimension culturelle du design (design comme représentation d'une culture) n'est jamais évoquée, la dimension artistique du design n'est jamais convoquée (situations, formes, propos), l'innovation conceptuelle permise par le design n'est elle aussi jamais envisagée. Les histoires spécifiques du design ne sont jamais considérées et pourtant ces histoires sont constitutives des identités des designs européens La dimension de leadership créatif, de création de symbolique du design ou la forme y est également absente. N'oublions pas enfin l'esthétique qui si elle a enfermé le design dans le "beau" (esthétique industrielle), n'en est pas moins un des fondamentaux essentiels du design. C'est un appel à contribution, et c'est là sa plus grande qualité. Je vous encourage donc à faire entendre le son de ces différences. Insitut pour le Futur. Lire l'article sur le site de BoingBoing. Appel a contribution sur le design Design as a driver of user-centred innovation. --- La Revue du Design remercie Jean-Louis Frechin, qui l'a autorisé à publié cet article, paru une première fois sur le blog Nodesign.net/blog. Jean-Louis Frechin est le fondateur de l’agence de design numérique NoDesign.net, spécialisée dans la création, l'innovation et les réflexions stratégiques centrées sur les pratiques et les usages des technologies de l'information et de la communication. Jean louis Frechin est également enseignant et chercheur à L'ENSCI_Les Ateliers, où il a fondé et développé le concept de design numérique. Il intervient régulièrement dans des conférences sur l’innovation, la création et les usages dans les NTIC. Il a également été lauréat de la Carte Blanche du Via 2008.

Waste Bin © Grace Youngeun Lee

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:33:22 +0000

Newspaper Table © Isaac Yu Chen

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:33:47 +0000

Magazine Hanger © Isaac Yu Chen

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:34:12 +0000

Triad © Talha B. Khwaja

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:34:36 +0000

Bench #07 © Bob Turek

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:34:59 +0000

Symmetrican © Saebyul Lim

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:35:24 +0000

Sottoman © Courtney Clarke

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:35:50 +0000

Table Top Object © Patrick Gavin

La Revue du Design — Fri, 22 May 2009 10:36:13 +0000

Évidences ergonomiques

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 07:22:24 +0000

Il y a quelques mois, le designer Leon Ransmeier a proposé à treize étudiants de la Cranbrook Academy of Art (située aux Etats-Unis, dans le Michigan), de réfléchir aux interactions que nous pouvons, en tant qu’utilisateurs, entretenir avec les objets qui nous entourent. L’hypothèse de travail était de constater que nos comportements étaient à la fois informés par nos connaissances préalables et nos facultés à établir des comparaisons entre les objets, mais aussi par la manière dont ceux-ci entraient en interaction d’une manière spécifique avec notre corps. Dès lors, ce projet a eu pour but de repérer, d’isoler et d’amplifier ces signaux, afin d’imaginer des objets plus intuitifs et d’une compréhension plus immédiate. Voici une sélection de quelques projets réalisés (ci-dessus, Poubelle Waste Bin, par Grace Youngeun Lee): Newspaper Table par Isaac Yu Chen: Magazine Hangerpar Isaac Yu Chen Isaac Yu Chen: Triad par Talha B. Khwaja: Bench #07 par Bob Turek: Symmetrican par Saebyul Lim: Sottoman par Courtney Clarke: Table Top Objects par Patrick Gavin: Vous trouverez plus d’information sur le site Internet dédié à ce projet : innate-gestures.com. Sources : swiss-miss.com, trendsnow.net.

2009-05-26-a

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 07:27:51 +0000

2009-05-26-b

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 07:28:17 +0000

© ART LIGHT GmbH

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 11:20:13 +0000

© ART LIGHT GmbH

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 11:20:43 +0000

© ART LIGHT GmbH

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 11:21:08 +0000

© ART LIGHT GmbH

La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 11:24:14 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 12:25:15 +0000

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La Revue du Design — Mon, 25 May 2009 12:27:24 +0000

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Devenir une star du design… ou le rôle des cascades informationnelles

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 02:24:28 +0000

Par Nicolas Minvielle Un titre volontairement accrocheur mais une démonstration qui, je l’espère, sera parlante. Vu mon passé professionnel, la question de savoir comment on devient une star du design est évidemment prégnante... Pour être très honnête, la question est évidemment complexe et mériterait qu’on y consacre un ouvrage. Ceci étant dit, on peut peut-être essayer de tenter de donner quelques réponses, notamment quant à la raison pour laquelle, lorsque certaines personnes commencent à obtenir un statut de « star », il leur est (normalement) aisé de le garder. Donc, je ne me pose pas ici la question de savoir comment on arrive à la première étape de « j’ai un statut de star », mais bien ce qui fait qu’il y a un tel « trustage » de ce statut par un nombre limité de personnes ou d’agences. Pour la démonstration, je vais recourir à un exercice que je fais faire à mes étudiants d’économie et qui est connu dans la littérature comme visant à démontrer l’existence de cascades informationnelles. Le principe est assez simple : 1. On prend deux urnes 2. On met deux boules noires et une blanche dans l’urne A 3. On met deux boules blanches et une noire dans l’urne B Une fois ce point expliqué, j’explique aux étudiants que je vais choisir une urne au hasard (admettons que je tire la A, donc deux noires et une blanche), et que je vais leur demander de venir tirer, les uns après les autres, une boule dans l’urne choisie. Ils ne doivent évidemment pas montrer ce qu’ils ont tiré aux autres, et ensuite remettre la boule dans l'urne. A partir de cet instant, on arrive au cœur du problème : le premier étudiant vient, tire une boule. Admettons qu’il tire une blanche. Un a priori (rationnel puisque la proba de tirer une blanche est plus élevée dans l’urne B…) veut qu’il pense qu’il a affaire à l’urne B (on se souvient qu’il s’agit en fait de la A). Il inscrit sur une feuille à côté de l’urne son choix : Urne B. Ce point est fondamental dans la mesure où les deux seules informations disponibles aux personnes suivantes sont alors: 1. La couleur de la boule qu'ils viennent de tirer (noire ou blanche) 2. Le(s) choix du (des) joueur(s) précédent (s) Le deuxième étudiant vient alors tirer une boule. Pour peu qu’il tire de nouveau une blanche et qu’il obtienne une forme de confirmation en voyant que le premier étudiant a écrit penser faire face à l’urne B, il va lui aussi penser qu’il est face à l’urne B. Et voilà, la cascade (fausse puisqu’il s’agit de l’urne A…) est lancée. Pour faciliter l’explication, je mets ci-dessous deux cascades qui ont eu lieu en cours. Lorsque les points ont une valeur de 1, c’est que les étudiants ont choisi la bonne urne. Quand ils ont une valeur de -1, c’est qu’ils ont choisi la mauvaise… Je commence volontairement par une « bonne cascade ». Le premier étudiant a choisi de dire B au lieu de A car il a tiré une blanche (ce qui, encore une fois, est rationnel en termes de choix au vu de ses seuls informations : la couleur de la boule qu’il vient de tirer et sa probabilité d’occurrence dans le cas de l’urne B). Par contre, dès le deuxième étudiant (qui tire une noire), tous annoncent l’urne A. Tout le monde n’a évidemment pas tiré une boule noire, il y a donc eu un effet de cascade très lourd. « Coup de bol » ici, la cascade se fait sur la bonne urne… Par contre, dans la cascade qui suit, les choses sont moins glorieuses : Encore une fois, le premier étudiant (qui a décidément un rôle prépondérant) fait un choix avec ses seules données et n’est pas suivi par les autres. Par contre, juste après lui, on voit une belle cascade apparaître où … tout le monde a tort (sic). On comprend évidemment l’intérêt du jeu dans un cours d’économie ou pour l’analyse des marchés financiers. Si on remet la démarche dans le cas du design et de l’existence de « marques du design », que peut-on en dire ? 1. Dans le jeu, au moment de faire le choix, il y a un arbitrage à faire entre « j’ai tiré une boule blanche et je devrais dire Urne B » et « dix personnes avant moi ont choisi d’annoncer Urne A, ils doivent avoir raison car ils ont tous du tirer une noire ». Or, si le dixième joueur pense ça, on peut imaginer que c’est le cas du 9ème, ou du 8ème, ou du 7ème etc. 2. Ce point qui, présenté comme cela, n’a l’air de rien, permet d’expliquer pourquoi certaines agences ou designers ont des clients récurrents dans certains secteurs : un acheteur de design n’y connaissant rien n’a que très peu d’infos sur les agences potentielles. Soit il connaît le marché et fait son choix en connaissance de cause, soit il ne le connaît pas et donc, il va regarder… les clients précédents des agences. Le raisonnement étant « s’ils bossent avec X et qu’ils continuent, c’est qu’ils en sont contents… Je suis donc rassuré et je peux y aller…» 3. On est là en pleine cascade dans la mesure où le fait d’avoir un client récurrent ne veut pas dire qu’il n’existe pas de meilleure agence à côté (ni même d’ailleurs que les acheteurs concurrents soient contents de leurs choix précédents….) C’est juste la perception qu’ont les acteurs (les acheteurs en l’occurrence) d’un marché qui les amènent à reproduire des choix menés précédemment par les autres acteurs. 4. On retrouve ici beaucoup de choses, notamment une analyse potentielle en termes de coûts de transaction : « combien de temps cela va-t-il me prendre et combien cela va-t-il me coûter avant d’être en mesure de me faire une idée personnelle de la qualité des agences auxquelles je fais face ? » A priori, il est plus simple de se baser simplement sur les choix des précédents acteurs…. Les quatre points précédents visaient à mettre en perspective la raison pour laquelle une agence ou un designer pouvait gagner successivement un nombre important de clients et donc pérenniser son statut sur un marché. On pourrait ici rajouter une remarque toute simple : 1. Les étudiants n’avaient ici le choix qu’entre trois boules. On aurait pu en mettre plus et rajouter des couleurs 2. Du coup, pour être choisi il faut évidemment faire partie de « l’urne » des acheteurs potentiels de design. Et ça, ce n’est possible que si on est visible sur un marché (simple question d’asymétrie d’infos). Alors Messieurs les designers, je vous en supplie, ce n’est pas parce que vous être (re)connus dans le milieu du design que vous êtes pour autant visibles par les acheteurs… (qui a déjà vu un responsable marketing d’une PME de 500 millions d’€ sur le stand du VIA???) 3. PS : Pour que les choses soient claires, je ne dis pas qu’il ne faut pas passer par les instances « validatrices » du design (au contraire, elles permettent d’arriver au statut du designer star dans un premier temps) mais que cela ne suffit pas si on veut vendre ses prestations derrière au vu de la concurrence existant sur ce marché… Cet article a été publié, dans un premier temps, sur le blog de Nicolas Minvielle (design-blog.info).

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La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 06:47:17 +0000

Ils nous font confiance pour présenter en ligne quelques extraits de leurs magazines ou revues, et nous permettent ainsi d'enrichir le contenu éditorial de La Revue du Design. ar/t/chitecture (Suisse): www.artchitecture.ch "Ar/t/chitecture est une revue spécialisée traitant de l’architecture (principalement Suisse) dans ses aspects visuels et son concept de base. La revue s’adresse aux architectes, ingénieurs et bureaux techniques, décorateurs d’intérieur, designers et toute personne sensibilisée par cet art. Editée par des professionnels pour des professionnels, ar/t/chitecture expose l’architecture sous sa forme initiale et son aspect artistique. Par ses portraits, son portfolio à thème et sa rubrique de jeunes talents, ar/t/chitecture contribue à faire connaître de multiples artistes. Les écrits, concis et pertinents, sont traités dans les 3 langues nationales et avec un lexique anglais". Espaces contemporains (Suisse): www.espacescontemporains.ch Spécialiste du design et de l’aménagement du cadre de vie en Suisse, le magazine Espaces contemporains présentera aux lecteurs de La Revue du Design, à chacun de ses nouveaux numéros, une sélection d’actualités, de démarches ou de projets suisses. Intramuros (France): www.intramuros.fr "Depuis près de 25 ans, Intramuros traite de l'actualité du design international dans l'ensemble de ses applications : mobilier, objets, architecture intérieure, mode, nouvelles technologies.... Le magazine révèle de nouveaux talents et rend hommage aux personnalités à travers ses couvertures et ses portraits. Il anticipe également les nouvelles tendances du marché, valorise l'impact économique et créatif du design dans l'industrie, et sélectionne les meilleurs produits." A chacun de ses numéros, Intramuros fera découvrir un extrait de son portrait en avant-première aux lecteurs de La Revue du Design. Vous êtes responsable d'un support spécialisé en design, aménagement intérieur, graphisme ou architecture, vous croyez tout comme nous aux complémentarités du web et du papier, vous souhaitez établir un tel partenariat et faire connaitre votre titre aux lecteurs de La Revue du Design, merci de nous écrire à l'adresse contact@larevuedudesign.com.

Spécialiste du design et de l’aménagement du cadre de vie en Suisse, le magazine Espaces contemporains

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:28:15 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:28:42 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:29:04 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:29:22 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:29:42 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:30:04 +0000

© Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Tue, 26 May 2009 14:30:23 +0000

VP Bank - inhabituel et élégant hall d'accueil

La Revue du Design — Wed, 27 May 2009 07:00:56 +0000

Publié en partenariat avec le magazine ar/t/chitecture. Une succession de formes souples, aux tonalités chaleureuses, singularise le hall d’accueil de la VP Banque de Vaduz. La conception intérieure réalisée par le bureau français "DL2A" s’apparente, par son expression architectonique intime et néanmoins communicative, plus à un hall d’hôtel familier qu’à une zone d’accueil bancaire traditionnelle voire stérile. Le cachet de cette nouvelle réception associe élégamment des matériaux exclusifs aux façonnages personnalisés et à un éclairage doux et pondéré. Une étroite collaboration entre les architectes d’intérieur et les planificateurs de lumière a été primordiale dans la réussite du projet. Par cette synergie, art light GmbH a pu transposer la vision des architectes et optimiser un éclairage d’ambiance fonctionnel de façon créative. C’est dans un grand souci du détail que l’ensemble du développement intérieur, y compris l’éclairage, a été apprêté spécialement pour la VP Bank par une équipe internationale de planificateurs. La création d’espaces fluides et d’atmosphères spécifiques a exigé d’individualiser, dans divers secteurs, les installations techniques présentes dès l’entrée de la banque. Le client accède à un véritable havre de paix protégé d’un vitrage blindé, loin de l’agitation du monde extérieur. L’intérieur de la banque se scinde en deux zones distinctes. Sur l’un des côtés, un espace plus confiné aux lueurs modérées abrite les entretiens individuels. La source principale d’éclairage est secondée par un arc lumineux d’accompagnement. De l’autre côté, la surface d’accueil s’ouvre dans sa totalité et se laisse guider au rythme de lampes plus vives. Une "vague" de sièges divise le hall et se ponctue, de part et d’autre, par une colonne surdimensionnée de lumière qui attire inévitablement l’attention. En vis-à-vis, les guichets se bordent de deux filets lumineux disposés parallèlement aux comptoirs. Cette cassure de style d’éclairage adoucit l’image générale du lieu et harmonise l’ensemble des secteurs qui s’y trouvent. Plus d’informations sur le site de l’agence : didierlefort.com. ---- Cet article est précédemment paru dans la revue ar/t/chitecture #04, 72 pages, 13 €, dont voici le sommaire (en gras les articles que nous vous conseillons tout particulièrement). page 03 PROPOS Kurt maloo /? pages 04-22 ARCHITECTES Niels Carron /VS Petra König /LU pages 23-25 EXHIBITION LUMIERE VADUZ /LI GEROLDSWIL /ZH LA RIPPE /VD ARLESHEIM /BL pages 50-54 ASSOCIATION SLG Schweizer Licht Gesellschaft LUMIERE BIODYNAMIQUE Iguzzini Illuminazione Schweiz AG pages 61-67 ARCHITECTE D’INTÉRIEUR Zap-design /VD DESIGNER Rabadesign /OW page 72 TRENDS' 08 Si vous souhaitez commander ce numéro ou vous abonner au magazine ar/t/chitecture, vous trouverez plus d’informations sur le site artchitecture.ch.

Les surprenantes chaussures de Marloes ten Bhömer

La Revue du Design — Thu, 28 May 2009 02:25:30 +0000

La designer néerlandaise Marloes ten Bhömer revisite la chaussure féminine en explorant des techniques de fabrication bien connues dans le monde du design d'objets, mais assez inédites dans celui de la chaussure (ci-dessus Carbonfibreshoe #1, réalisée en fibre de carbone). Noheelsshoe (résine polyuréthane moulée): CNCshoe, SLSshoe (caoutchouc/cuir, modèle réalisé grâce à une machine à conduite numérique): Rotationalmouldedshoe (plastique rotomoulé): Carbonfibreshoe #2 (fibre de carbone et cuir): Mouldedleathershoe (cuir à tannage végétal et fibre de carbone): Redmâchéshoe (acier inox et cuir): Sources : etapes.com, marloestenbhomer.squarespace.com.

Lampe tome. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:11:10 +0000

Lampe tome. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:11:43 +0000

Tabouret et balançoire de la série rigicorde. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:12:36 +0000

Vases décomposés. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:18:04 +0000

Maille. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:18:38 +0000

La Mue. Photo © Atelier Oï.

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:19:12 +0000

"La Mue et autres digressions domestiques"

La Revue du Design — Fri, 29 May 2009 08:24:14 +0000

La galerie Mouvements Modernes accueille, jusqu’au 28 juin prochain, un ensemble de cinq pièces uniques ou en séries limitées, imaginées par l’agence suisse d’architecture Atelier Oï. Ces objets ou installations, au vocabulaire formel souvent composite, interrogent divers matériaux comme le textile ou le papier, mais aussi des techniques de mise en volume telles que le le pliage, la couture, la rigidité et la fluidité. Lampes Tome "Conçu à partir d’un livre de 600 pages que l’on découpe et que l’on met en révolution, ce livre ouvert dévoile un nouvel objet. De cette transformation naît une lampe qui joue sur l’interprétation formelle d’un champignon dont les lamelles deviennent elles-mêmes diffuseuses de lumière." Série Rigicord (tabouret et balançoire) "A l’image d’un prestidigitateur qui tente de dompter une corde dans un tour de magie, l’Atelier Oï découvre dans la structure même de la corde un moyen de lui donner de nouvelles propriétés, en remplaçant l’âme centrale de la corde par une aiguille métallique que l’on insère ponctuellement dans la maille de la corde comme dans un tricot. Avec ces nouvelles propriétés, l’Atelier Oï joue de la manipulation de la corde pour figer dans un mouvement, un état devenant objet." Vase décomposé "Ce vase joue sur la décomposition de la matière : par un principe de découpe sur une formule géométrique et répétitive, se crée une progression d’une base pleine à une cime filigrane. Cette structure compose avec les fleurs ou végétaux qui s’y entremêlent créant un jeu d’arrangements à multiples facettes." La maille / Le dais "Cette typologie s’inspire des constructions nomades (tentes touaregs, yourtes, etc.), jouant sur une structure qui s’entremêle avec le tapis à l’image d’un tricot, et offrant un jeu de microarchitecture, évoquant la protection, le paravent, la toiture ou encore le dais…" La mue "La mue joue sur un principe de pliage en continu, formant à chaque intersection une poche en répétition. Cette tenture de lin aux couleurs profondes se décompose par le jeu de miroirs qui s’enfilent dans des poches. A l’infini." Basée à Neuveville en Suisse, l’Atelier Oï a été fondé en 1991 par Aurel Aebi, Armand Louis et Patrick Reymond. Il se définit lui-même comme une “tr(oï)ka”, un trio soudé d’architectes et de designers. L’exposition est visible jusqu’au 28 juin 2009 112-114 rue la Boétie - Paris 8e 4e étage gauche Du lundi au vendredi de 11h à 19h Le samedi sur rendez-vous

1915 Low Table © Teruhiro Yanagihara

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 08:19:26 +0000

1915 Low Table © Teruhiro Yanagihara

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 08:19:52 +0000

1915 Low Table © Teruhiro Yanagihara

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 08:20:24 +0000

1915 Low Table © Teruhiro Yanagihara

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 08:20:45 +0000

Mikado coloré

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 08:21:24 +0000

Reliant deux plateaux circulaires par le biais de barres d'acier asymétriques et colorées, cet ensemble de tables basses empilables, intitulé 1915 Low Table et dessiné par le designer japonais Teruhiro Yanagihara, a été créé pour l'exposition Complementary colours qui s'est déroulée lors de la dernière Milan Design Week. Ces fines tiges métalliques semblent être placées de façon aléatoire. Les barres diamétralement opposées ont cependant été positionnées selon des angles spécifiques se compensant l'un l'autre, et assurant la stabilité de l'ensemble. Ce principe se reflète dans la couleur qui leur est associée : les barres ainsi "complémentaires" sont colorées à l'aide de couleurs complémentaires (jaune/violet, vert/magenta). L'exposition Complementary colours était dirigé par Eizo Okada, l'éditeur du blog japonais Dezain. Sources : Trendsnow.net, Contemporist.com.

LighTable © Rosaria Copeta / Casamania

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:01:00 +0000

LighTable © Rosaria Copeta / Casamania

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:01:40 +0000

LighTable © Rosaria Copeta / Casamania

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:02:08 +0000

4 occhi © Giulio Iacchetti / Aspesi 1910

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:25:00 +0000

4 occhi © Giulio Iacchetti / Aspesi 1910

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:25:22 +0000

4 occhi © Giulio Iacchetti / Aspesi 1910

La Revue du Design — Tue, 02 Jun 2009 12:25:43 +0000

4 occhi

La Revue du Design — Wed, 03 Jun 2009 01:22:53 +0000

Imaginée par le designer Giulio Iacchetti, la monture 4 occhi (4 yeux) se propose de combiner deux paires en une, permettant d'associer au besoin lunettes de soleil et de vue, ou alors différentes corrections. Simplement placées l'une au dessus de l'autre, les deux montures sont combinées en un ensemble totalement réversible. L'idée, originale et possédant une certaine évidence, ravira les utilisateurs soucieux de leur look et devant fréquemment passer d'une paire à l'autre. Le modèle se décline en plusieurs couleurs et finitions. Ce produit est fabriqué par Aspesi 1910. Source : giulioiacchetti.com.

LighTable

La Revue du Design — Thu, 04 Jun 2009 01:00:12 +0000

Des lignes minimalistes et des volumes simples caractérisent la LighTable, que la jeune designer Rosaria Copeta a imaginé pour l'éditeur italien Casamania. Son plateau, réalisé en stratifié, est supporté par deux tubes métalliques rétreints puis cintrés. Les photos que nous dévoilons ci-après présentent plus en détail ce travail formel, qui donne à la table son esthétique si particulière. Rosaria Copeta est né à Matera en 1984. Elle a été diplômée en design industriel et communication visuelle de l'université La Sapienza di Roma en février dernier.

© A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 05:58:32 +0000

Villa privée à Neufchâtel / 2008. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 05:59:18 +0000

Villa privée à Neufchâtel / 2008. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 05:59:39 +0000

Concept graphique pour une salle d’attente / 2007. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 06:00:10 +0000

Concept graphique pour une salle d’attente / 2007. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 06:00:33 +0000

Bureaux administratifs à Neufchâtel / 2008. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 06:01:05 +0000

Bureaux administratifs à Neufchâtel / 2008. © A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 06:01:39 +0000

Portrait : A2DESIGN

La Revue du Design — Mon, 08 Jun 2009 06:07:44 +0000

Publié en partenariat avec le magazine ar/t/chitecture. Partir d’une coquille vide pour lui donner vie, la magnifier. Provoquer une émotion. S’accoler à la personnalité de son utilisateur. Se jouer de toutes les tendances. Ariane Dassi et Agnès Conté sont captivantes et captivées. Un duo qui unit un savoir faire de styliste et d’architecte d’intérieur pour créer des espaces à vivre dans les moindres détails. D’une complémentarité extrême, leur passion pour l’aménagement et la décoration d’intérieur est commune. Hôtels, restaurants, stands d’exposition, events ou domaines privés, chaque univers imaginé correspond à des envies, à des goûts. Parvenir à modeler avec justesse ces souhaits, demande une évaluation des attentes qui parfois va au-delà des mots. a2design fonde son approche sur une analyse minutieuse des lieux et des besoins afin de proposer un aménagement d’intérieur global et cohérent. Sur cette base, un book prend forme où collage, croquis, perspectives et autres nomenclatures de matériaux, de couleurs, offrent un panorama détaillé sur la future entité. L’enveloppe structurelle définie par l’architecte ou le client n’est jamais dénaturée, juste habillée et fidèle à l’étude préétablie. D’une curiosité sans limites et attentives aux nouveautés, ces jeunes créatrices ont déjà œuvré en France comme aux Etats-Unis. Dynamiques et inventives, elles mettent leur imagination, leur sensibilité et leur savoir faire aux services des clients de a2design mais également durant l’émission Dolce Vita – retransmise par la TSR - où elles animent la rubrique consacrée au vaste domaine de la décoration. Conseils et idées pour faire de votre intérieur un lieu qui vous ressemble. Villa privée à Neufchâtel / 2008 : Concept graphique pour une salle d’attente / 2007 : Bureaux administratifs à Neufchâtel / 2008 : Ariane Dassi et Agnès Conté sont nées la même année, l'une en Suisse l'autre en France. Pendant qu'Ariane fat son apprentissage de styliste au Bon Génie à Genève (CH), Agnès étudie l'architecture d'intérieure et le design aux Beaux-Arts d'Angers (France). Après avoir obtenu leurs diplômes, Ariane part à Londres (UK) parfaire son Anglais et suit ensuite un complément de formation dans un bureau d'architecture d'intérieure à Paris (France). Agnès quant à elle travaille pour plusieurs bureaux d'architectes, puis comme chef de projet communication et aménagement pour IKEA France. Pendant qu'Ariane devient visual merchandiser pour Manor (CH), Agnès part aux États-Unis ou elle enseigne au sein du College of Architecture & Design de l'université du Tennessee. En 2006 Ariane crée sa propre entreprise, elle est alors mandatée comme styliste par un bureau d'architecture sur Neuchâtel (CH) pour travailler sur un projet d'aménagement d'espaces commerciaux de grande envergure. Ce bureau emploie Agnès comme architecte d'intérieure, et ce projet commun marque le début de leur collaboration. De leur complémentarité naît alors l'envie de travailler ensemble. En 2007 Ariane et Agnès fondent a2design, qui devient en 2008 a2design Sàrl. Plus d’informations sur le site de l’agence : www.a2design.ch. ---- Cet article est précédemment paru dans la revue ar/t/chitecture #05, 104 pages, 13 €, dont voici le sommaire (en gras les articles que nous vous conseillons tout particulièrement). pages 03-28 PROPOS ARCHITECTES ar.id /VD Luigi Tottoli /TI Nicola Pasteris /TI page 31 MINERGIE VENTHÔNE /VS ICOGNE /VS PREGASSONA /TI LIEBEFELD /BE EGLISAU /ZH DIETIKON /ZH pages 70 ASSOCIATION agence minergie® romande / FR pages 74-96 ARCHITECTE D’INTÉRIEUR v&s intérieurs / VD a2design / NE DESIGNER Alfredo Häberli / ZH pages 97-99 TRENDS' 08 GALLERY’08 Ormond Contemporary Editions / GE pages 100-104 PHOTOGRAPHE David Huguenin / FR Si vous souhaitez vous abonner au magazine ar/t/chitecture, vous trouverez plus d’informations sur le site artchitecture.ch.

[fig.1]

La Revue du Design — Thu, 11 Jun 2009 07:47:42 +0000

[fig2]

La Revue du Design — Thu, 11 Jun 2009 07:50:34 +0000

Les implications culturelles du design et de ses théories

La Revue du Design — Thu, 11 Jun 2009 08:00:44 +0000

Par Clément Gault. L'aspect culturel est peut-être un élément à prendre en compte lors de la recherche en design. Le design ne véhicule pas complètement le même sens entre l'anglais et le français et il est légitime de réfléchir comment en sont impactés les théories. De prime abord, il semble légitime de penser que les théories afférentes vont un tant soit peu se différencier. Pourtant, le design selon l'acceptation francophone et celui selon l'acceptation anglo-saxonne partagent de nombreux points communs dans leurs épistémologies réciproques. Le principal élément en commun reste le constat partagé sur le fossé existant entre la théorie et la pratique. Les antécédents historiques issus du Bauhaus forment aussi un de ces consensus. Mais de nombreuses autres références similaires dans de diverses disciplines sont aussi présentes. Les évocations implicites des travaux d'Herbert Simon (économiste américain) dans les corpus scientifiques sur ce qu'il appelait "les sciences de l'artificiel" forment un bon exemple. Ainsi, des référents culturels anglo-saxons et européens sont présents des deux côtés de l'atlantique. Afin d'appuyer ce postulat, le texte partira du point de vue anglo-saxon pour finir sur la recherche théorique francophone en cours. Théories et impacts culturels Dans le monde anglo-saxon, et en particulier aux États-Unis, la recherche en design est pourtant parfaitement établie. De nombreuses universités proposent un 3ème cycle menant à un diplôme de doctorat. Des centres de recherche, des conférences ainsi que des publications à comité de lecture existent et sont très actives (Design Issues et Design Studies sont les plus connues). Les réflexions théoriques sont en partie basées sur l'étude en profondeur de la pratique, donc l'application de théories. En revanche, il existe moins d'écrits sur l'enrichissement épistémologique. De ce fait, il est clair que le design selon l'acceptation anglo-saxonne est vu comme l'application de la science de la conception et ses applications ne semblent pas connaître de limite. Dans cette posture, le design se répand, souvent au grès des progrès technologiques et scientifiques, vers des disciplines nouvelles. Souvent prospectives, ses implications consistent à établir des théories de la conception sur de nouvelles disciplines, comme si le design toujours en tant que science de la conception, pourrait s'établir naturellement sur un grand nombre de domaines. La collection réalisée par le designer/chercheur Hugh Dubberly intitulée How do you design? [1] est particulièrement éloquente à ce sujet. Elle regroupe plus d'une centaine de "descriptions of design and development processes" dans un large panel de disciplines allant de l'architecture, au développement de logiciel. Le design est montré ici comme une science appliquée qui jouit outre-Atlantique d'un courant de recherche prolixe et dynamique. La situation de la recherche en design dans les pays francophones peut sembler à première vue en retard vis-à-vis de la situation anglo-saxonne et américaine. La réalité est différente. Dans son ensemble, le design n'est pas vu ici comme une science appliquée et les réflexions apportées par le chercheur Alain Findeli sur son épistémologie semblent placer la recherche anglo-saxonne en design comme une théorie dite "faible" car cantonnée à de la méthodologie [2]. Rappelons que les anglo-saxons et les francophones observent pourtant un corpus épistémologique relativement proche. Néanmoins, les théories qui y sont développées diffèrent. Alain Findeli rappelle que le design n'est pas une affaire de méthode consistant à relier logiquement la théorie et la pratique. Le design reste selon le chercheur "un travail d'interprétation, de contextualisation, de compréhension, d'évaluation." D'un coté la culture anglophone montre un développement traditionnel en tant que discipline. De l'autre côté dans les pays francophones, la position y est différente. On y développe des théories restant le plus souvent focalisées à se demander ce qu'est la recherche en design. Le chercheurs à l'image d'Armand Hatchuel (professeur à l'école des mines de Paris), se servent de l'épistémologie du design non pas pour élargir son champ d'application mais pour établir une analyse descriptive. Celle-ci d'ailleurs, à l'inverse d'une analyse typiquement anglo-saxonne, se voit proscrite au domaine du design et fait initialement la différence avec les domaines proches que sont l'architecture et l'ingénierie. Des modes de représentation différents L'hypothèse est donc la suivante : le design théorique à l'anglo-saxonne, en tant que science appliquée avec des vertus holistiques, tranche avec le design théorique francophone qui se pose comme une analyse d'ordre descriptif. L'élément le plus saillant visant à appuyer cette hypothèse est leurs modes respectifs de représentation. Le design à l'anglo-saxonne n'est pas seulement couché sur papier par des mots puisque nous trouvons de nombreuses illustrations accompagnant les propos des chercheurs. Les idées et les concepts principaux sont compris dans des formes géométriques simples, reliées entre elles par des flèches. L'ensemble est normé et repose sur un principe systémique : tous les éléments sont présents pour représenter le design comme un système rationnel. Certes, la forme particulière du catalogue choisie par Hugh Dubberly semble faciliter cette déduction puisqu'elle fait la part belle aux représentations visuelles et facilite la comparaison. Quand bien même, la comparaison des différents champs théoriques par Liz Sanders est accompagnée par une carte [3]. Celle-ci [fig.1] en porte tous les attributs puisqu'elle fonctionne selon des occupations et des recoupements de zones. Pourtant, la topographie est contrainte par une logique de fonctionnement puisqu'elle est normée sur l'axe horizontal (point de vue de l'expert contre celui des profanes) et l'axe vertical (opposition classique entre pratique et théorie). Ainsi, que ce soit l'analyse particulière d'une théorie ou bien une représentation des rapports entre un ensemble de théories, donc une vision plus large, l'aspect systémique est toujours présent. À l'inverse, lorsque Armand Hatchuel présente son analytique de la conception, il le fait par la seule force des mots. Aucune représentation accompagne le travail de rédaction alors qu'à la lecture, de nombreux éléments installent cette analyse selon des codes de représentations topologiques. La représentation du concept de "partition expansive" décrit dans les travaux d'Hatchuel [4] a pour objectif de décrire comment est créé un "objet inconnu mais reconnaissable". Ce principe est selon l'auteur ce qui caractérise le travail du designer. La lecture du texte laisse particulièrement voir que l'analytique proposée utilise en majorité des codes topologiques. En effet, Hatchuel base son idée sur des zones entrant ou non en expansion [fig.2]. Bien qu'ayant quelques aspects dynamiques, Hatchuel parle de "mécanisme", ceux-ci ne sont pas développés outre mesure. De ce fait, l'analytique de la conception garde bien ses limites pour ne pas verser dans un processus systémique à l'anglo-saxonne. En définitif, les théories anglo-saxonnes et francophones posent de prime abord une problématique différente. Le design théorique anglo-saxon tend avant tout à développer de nouvelles méthodologies quand le design théorique dans son acceptation francophone s'interroge sur ce qu'est justement une théorie en design. Nous assistons à une opposition entre le "comment" et le "quoi". L'étymologie du mot, venant des termes français "dessin" et "dessein", semble marquer une influence tenace. Comme le rappelle le chercheur en sciences sociales Bruno Remaury [5], le design à l'anglo-saxonne a principalement gardé de son origine le terme "dessein". La définition première du Cambridge Dictionnary est d'ailleurs "to make or draw plans for something, for example clothes or buildings". Cela se ressent devant l'aspect méthodique et systémique des théories anglo-saxonnes où l'influence d'Herbert Simon semble encore avoir lieu. Ainsi, une prédominance dans la représentation graphique demeure : les théories anglo-saxonnes sont davantage une affaire de dessin du dessein. Plus nuancé, le design selon l'acceptation francophone où "dessein" et "dessin" semblent encore présents, confirme bien la position du développement des théories actuelles. Dans leurs idées, Alain Findeli et Armand Hatchuel cherchent avant tout à représenter, et en conséquence à expliquer. De ce fait, les théories francophones restent plus orientées vers le dessein du dessin. ----- Bibliographie : 1. Dubberly, H. How do you design? (http://www.dubberly.com/wp-content/uploads/2008/06/ddo_designprocess.pdf) 2. Findeli, A. Qu'appelle-t-on "théorie" en design? Réflexions sur l'enseignement et la recherche en design. Le design : Essais sur des théories et des pratiques 77-98(2006). 3. Sanders, L. Design Research in 2006. Design Research Quarterly 1 (http://humanfactors.typepad.com/idsa/files/design_research_quarterly_1.1%20.pdf), 1-9(2006). 4. Hatchuel, A. "Quelles analytiques de la conception? Parure et pointe en design" in Le design : Essais sur des théories et des pratiques, pp 147-160(2006). 5. Remaury, B. "Les usages culturels du mot design" in Le design : Essais sur des théories et des pratiques, pp. 99-109(2006). ----- Diplômé en 2007 en design industriel à l'École de Design de Nantes, Clément Gault a découvert durant son projet de fin d'étude que le design et la recherche était un enjeu important pour l'avenir de cette discipline. Après quelques mois à l'École Polytechnique Fédérale de Lausanne où il a travaillé avec des chercheurs, il mène actuellement une thèse sur le design. Hébergée à l'École de Mines de Nantes et financée par Orange Labs, l'objectif de son travail de recherche est d'étudier la coopération entre chercheurs et designers. Il tient également un blog rassemblant idées et analyses sur le design contemporain.

© Taga

La Revue du Design — Fri, 12 Jun 2009 07:47:06 +0000

© Taga

La Revue du Design — Fri, 12 Jun 2009 07:47:46 +0000

© Taga

La Revue du Design — Fri, 12 Jun 2009 07:48:19 +0000

Vélo convertible Taga

La Revue du Design — Fri, 12 Jun 2009 07:51:26 +0000

Dévoilés lors du dernier salon Eurobike, les vélos conçus par la marque néerlandaise Taga permettent de transporter un ou plusieurs enfants et peuvent également se transformer en poussette. Ils offrent ainsi une continuité fonctionnelle intérieur/extérieur, articulée autour d'un principe technique simple permettant de passer d'une configuration à l'autre en une vingtaine de secondes. Avec leur cadre en aluminium, d'une dimension réduite (hauteur 102 cm x largeur 73 cm x longueur 165 ou 120 cm selon qu'il soit en configuration vélo ou poussette), Taga pèse entre 20 et 29kg, selon les les options retenues. Une de ses principales qualités, outre l'aspect bi-fonctionnel, est la simplicité et la rapidité de sa mise en oeuvre, le passage d'une configuration à l'autre pouvant s'opérer en une vingtaine de secondes. Taga s'est vu attribuer un Reddot design Award en février dernier, et a également reçu un Eurobike Award et le Kind Jugend Innovation Award en 2008. Source : Taga.nl.

2009-06-15-c

La Revue du Design — Sun, 14 Jun 2009 20:09:19 +0000

Au revoir, Pierre Paulin

La Revue du Design — Sun, 14 Jun 2009 20:12:20 +0000

Pierre Paulin, créateur incontournable des années 1960 et 1970, est décédé samedi à l'hôpital Saint-Roch de Montpellier. Il était âgé de 81 ans. Rendu célèbre par ses sièges aux formes courbes et sensuelles, en mousse gainée de tissus colorés, le designer aura marqué près d’un demi-siècle de l’histoire de la discipline, connaissant plusieurs succès internationaux mais aussi une longue traversée du désert qui ne devait l’amener à revenir sur le devant de la scène que depuis un peu plus de deux ans. En effet, totalement oublié ou presque depuis la fin des années 1980, Pierre Paulin, qui résidait depuis une quinzaine d'années dans les Cévennes avec sa femme Maya, avait été remis à l’honneur dans deux grandes rétrospectives présentées à la villa Noailles d'Hyères durant l'été 2007 et au Musée des Gobelins début 2008. L’an dernier, la galerie parisienne Perimeter avait même édité quatre modèles inédits : deux banquettes et deux tables (nous avions consacré un article à ces objets, intitulé Intérêts éventuels et écueils probables du néo-rétro-design. Dans le même temps, Ligne Roset distribuait pour la première fois une série de canapés, fauteuils et poufs de la série Pumpkin, imaginée à la fin des années 1950, et d’autres projets étaient amenés à être édités, chez Magis notamment (voir par exemple l'article de Designboom consacré à ce sujet). Né en 1927 à Paris d'un père français et d'une mère suisse allemande, Pierre Paulin a passé son enfance dans l'Aisne, à Laon. Enfant, inspiré par un de ses oncles, il s’imaginait sculpteur. Il opte finalement pour le design et l’architecture intérieure, et intègre l'école Camondo. Influencé par le design d’après guerre fonctionnaliste, épuré mais plus organique que celui des années 1930, il cite volontiers Charles et Ray Eames ou les scandinaves comme sources d’inspiration. Il livrera un mobilier simple et fonctionnel, profondément novateur quant à l’utilisation des matériaux et des techniques de productions alors mises en place. Critique vis-à-vis de la jeune génération, au sein de laquelle il reconnaissait tout de même quelques talents, il regrettait malgré tout le manque d’originalité des jeunes designers et leur faible propension à détourner l’aspect technologique pour imaginer des formes nouvelles. Ses aménagements intérieurs (il avait été choisi par Georges Pompidou puis par François Mitterrand pour meubler l’Elysée) mais aussi et surtout ses objets, les plus connus comme les fauteuils Tongue, Ribbon ou Mushroom, ou celles plus anonymes qu’il a imaginées pour des marques telles que Calor, Tefal ou PSA, marqueront durablement l’histoire du design. Plusieurs d’entre eux ornent d’ailleurs déjà les collections du MoMA de New York, du Victoria and Albert Museum de Londres ou encore celles du Musée des Arts décoratifs de Paris…

Lazara (détail) © Anne-Cécile Rappa

La Revue du Design — Mon, 15 Jun 2009 15:31:11 +0000

Lazara © Anne-Cécile Rappa

La Revue du Design — Mon, 15 Jun 2009 15:32:04 +0000

Ilham © Anne-Cécile Rappa

La Revue du Design — Mon, 15 Jun 2009 15:32:36 +0000

Najah © Anne-Cécile Rappa

La Revue du Design — Mon, 15 Jun 2009 15:33:16 +0000

Des lampes tressées

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 00:37:54 +0000

La designer suisse Anne-Cécile Rappa a imaginé une série limitée de lampes réalisées en sacs plastiques tressés. Intitulées Najah, Lazara et Ilham, ces trois lampes dévoilent ainsi une vision du recyclage et du détournement sensible et proche des techniques traditionnelles. Voici quelques images : Lampe à poser Najah : Lampadaire Lazara : Suspension Ilham : Tous les éléments non-tissés sont récupérés ou détournés de leur usage. Les abat-jour sont ainsi réalisés à partir de saladiers, de seaux ou de poubelles, et le pied des lampes viennent de modèles existants. Ces lampes ont par ailleurs été réalisées au Maroc, en partenariat avec une association de femmes. Source : Dezeen.com.

Tréteaux empilables "Y" de la collection "Surfaces" et meuble de rangement de la série "Diamant". Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:07:19 +0000

Tréteaux empilables "Y", détail. Les pieds s'assemblant sur un U formant une poutre solide et stable. Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:07:50 +0000

Collection "Surfaces" / banc et tréteaux empilables "Y". Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:08:19 +0000

Collection "Surfaces" / table basse "Plate-forme". Plateau en tôle pliée sur un piètement réalisé en tôle perforée. Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:08:46 +0000

Meubles de rangement de la collection "Diamant". Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:09:13 +0000

Meuble de rangement de la collection "Diamant" et table basse "Plate-forme" de la série "Surface". Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:09:38 +0000

Meuble de rangement de la collection "Diamant" et banc "Y" de la série "Surface". Photo © Morgane Le Gall.

La Revue du Design — Tue, 16 Jun 2009 21:10:02 +0000

"Surfaces" et "Diamant"

La Revue du Design — Wed, 17 Jun 2009 01:06:40 +0000

Normal Studio et la société Tolix ont obtenu un Label VIA pour leur collaboration ayant amené deux collections de meubles (armoires ou rangements, tables, tréteaux...), intitulées "Surfaces" et "Diamant", et réalisés en tôle métallique. En voici quelques images. Plus d'informations sur le site de l'agence : normalstudio.fr.

Le livre et son design : entre le beau et l’utile

La Revue du Design — Thu, 18 Jun 2009 07:06:14 +0000

Par Calogero Giardina Si la notion de design est relativement moderne, la recherche du beau, en revanche, elle, est beaucoup plus ancienne, Précisément, le livre, a ceci de remarquable qu’il a permis, autour du XV-XVIe siècle, la naissance d’un concept nouveau pour l’époque : la recherche d’une certaine esthétique du support du livre, comme pouvant être utile à une plus large diffusion de l’œuvre imprimée. Pour mieux comprendre comment on a pu arriver à ce qui va déboucher sur une réflexion moderne à l’origine de l’idée de design du livre, surtout, au début du XXe siècle, il convient de considérer quelle était la vision que le Moyen Age avait de l’esthétique du livre. Il est bien connu que l’invention du livre-objet date du Moyen Age. A cette époque, en effet, le livre se présente comme manuscrit et il est souvent le produit d’une commande d’un prince, d’un roi ou bien encore d’une communauté civile ou religieuse. Du fait même que le livre se destine, avant même d’être écrit, à un destinataire unique, il est un produit de luxe qui s’adresse à un cercle très étroit d’initiés et jamais à un grand public. Au Moyen Age, précisément, parce que le livre n’est pas destiné à la lecture à une grande échelle, la valeur du texte n’est pas toujours l’essentiel. Le livre, à cette époque, demande un investissement en temps très important. En effet, comme l’auteur d’un ouvrage ne dispose pas des moyens techniques, qui ne verront le jour qu’avec l’imprimerie, au XVe siècle, chaque livre représente des centaines d’heures de travail. Les moines écrivent dans des « scriptorias », qui sont des pièces dans lesquelles les moines copistes se réunissent pour écrire. Etant donné que presque tous les livres sont écrits dans des monastères, la plupart sont sacrés et liturgiques. Le très faible nombre de livres, à l’époque, et l’emploi des copistes, d’enlumineurs, miniaturistes et calligraphes a une conséquence : la naissance, au Moyen Age, du livre-objet d’art. L’absence de la duplication du livre et le processus de création de manufactures ont contribué à la naissance du livre comme objet d’art. Cependant, il faut souligner un paradoxe : ceux qui écrivaient des livres, au Moyen Age, ont souvent créé des formes aux qualités esthétiques certaines, mais leur objectif n’était pas essentiellement esthétique. L’écrivain n’est pas un artiste et il ne se préoccupe pas, prioritairement, de l’aspect visuel de son livre. Son but est surtout de se conformer aux goûts et aux visées du client qui lui a commandé le livre. On peut dès lors se demander pourquoi, alors que le Moyen Age disposait de moyens artistiques certains, la naissance du livre, en tant qu’objet d’art, ne s’est pas vraiment accompagnée d’une recherche du beau en tant que tel. Se poser cette question nous amène à une réflexion sur le rapport qui peut exister entre le beau et l’utile, même si cette façon de présenter les choses peut apparaître, elle aussi, paradoxale. Nous pensons, en effet, qu’avant de devenir une réalité palpable, tous les objets créés par l’homme, sauf ceux dont la visée unique est d’être des œuvres d’art, peuvent soit devenir des objets banals utilitaires et reproductibles, soit ils peuvent acquérir le statut de fait artistique. La présence de l’ornement traverse toute l’histoire de la création humaine. Du reste, l’apparition du décor ornemental est liée à l’éveil de l’instinct artistique humain ou si l’on veut la conscience du beau et de la beauté formelle. Mais, une question se pose : comment l’ornement, le beau inutile arrive-t-il à être possible dans un monde où, depuis des temps immémoriaux, c’est surtout la valeur pratique ou utilitaire d’un objet fabriqué par l’homme qui s’impose le plus facilement car précisément elle semble répondre à un besoin plus essentiel que la recherche de la forme ? Il est intéressant de remarquer que l’on ne peut se poser cette question qu’à une époque, en l’occurrence la nôtre, où l’homme a défini la notion de « design ». Mais, qu’est ce que le design ? Une définition pourrait consister à dire que ce mot renvoie à la possibilité, pour un créateur, de produire un objet qui soit à la fois utile et beau en même temps, en veillant à un équilibre entre l’aspect esthétique et l’aspect fonctionnel. Précisément, le design a ceci de remarquable qu’il permet une synthèse entre deux objectifs qui semblaient s’opposer : le souhait de créer des objets utiles et la quête de la beauté artistique ou formelle. Un nouveau paradoxe apparaît : si le design évoque un objet utile et caractérisé par l’esthétique, alors la réalité recouverte par ce mot existait aussi du temps du néolithique. Et ce d’autant plus qu’il n’y a pas de lois objectives du design. Il existe une différence fondamentale, cependant, entre la période du néolithique et notre époque : aujourd’hui l’homme a une conscience claire de l’existence du beau et du fait que l’art peut servir ce qui est utile, sans en en être tributaire. Dans ces conditions l’ornement, parce qu’il correspond aussi à un besoin, dans une société éprise aussi d’esthétique, ne s’oppose plus à une vision strictement utilitaire des objets, il en devient le complément indispensable. L’homme, par sa nature, a aussi besoin d’organiser son espace d’objets caractérisés également par leur valeur esthétique. Or, le livre, dans cette recherche de la beauté de la forme, a joué un rôle essentiel. En effet, il s’offre au public aussi bien par la qualité du contenu, c’est-à-dire le texte, que par la forme ou, si l’on veut, le support, l’aspect matériel de l’ouvrage, par exemple les couleurs de la couverture. Or, l’aspect matériel du livre est loin d’être négligeable, d’une part parce que le livre en tant que support du texte doit être en harmonie avec le texte et d’autre part, parce que par l’aspect formel de l’ouvrage, l’auteur du livre, déjà créateur en tant qu’auteur d’un texte, devient, ou du moins peut devenir, créateur à un second niveau, en tant qu’il crée un ouvrage beau par son aspect formel. Du reste, les deux niveaux de création ne sont pas vraiment distincts car la signification et, par conséquent, l’interprétation du texte ou du contenu, sont influencées par le choix du caractère et du corps de la lettre imprimée, le papier, le format du livre, la reliure et la forme du titre sur la couverture. L’importance du livre, en tant que support et forme signifiante, a été telle que certains livres sont devenus, à un moment donné, progressivement des objets d’art. Cette quête de la beauté du livre, dans son aspect formel, naît au XV-XVIe siècle, parce qu’à cette époque, beaucoup plus que par le passé, s’impose l’idée que si l’on veut diffuser un objet, en l’occurrence un objet culturel, il faut qu’il soit beau. La différence par rapport au Moyen Age se situe là : à l’époque médiévale, les auteurs n’avaient pas pour objectif prioritaire de créer un livre qui donne envie de lire par son aspect formel. Ce qui était prisé, c’était la valeur travail et pas la forme du support d’un livre en tant que productrice de sens. Cela était dû au fait que les auteurs des ouvrages ne visaient pas la diffusion de leur oeuvre. Au contraire, avec l’invention de l’imprimerie au XVe siècle, le livre devient le plus culturel des objets de consommation, parce que désormais, il est un objet universellement accessible. Certes le livre, après Gutenberg n’a plus l’aura du livre unique. En même temps, la notion de livre-objet de l’époque médiévale demeure, mais elle change de nature. La beauté du livre n’est plus liée à sa rareté et au travail qu’il a pu demander, mais elle tient au fait que sa large diffusion débouche sur un métier consistant à mettre en exergue l’esthétique du support. Celui-ci, maintenant, fait sens et doit, de plus, servir au mieux le dessein de l’auteur du livre. Par ailleurs, la beauté de la forme du livre contribuera également à une plus large diffusion. Même si l’idée de beauté formelle du livre existait au Moyen Age, comme il n’était pas diffusé, cette conception n’a pu déboucher, à cette époque, sur une recherche créative originale et esthétique des potentialités artistiques du livre en tant que support. Car cette dernière aurait supposé une conscience de soi, une idée du design du livre rendue impossible par « l’idéologie » du livre unique. Au XXe siècle, l’extension du livre à un large public a permis, au contraire, du fait même des idées créatives que la diffusion du livre a fait naître, la naissance des idées stylistiques rationalistes du beau, de l’esthétique du produit de consommation. On peut citer, notamment, les membres du mouvement du néoplasticisme hollandais(1) groupés autour de la revue « De Stijl »(2). Ensuite, l’école « Bauhaus », créée par l’architecte allemand Walter Gropius, a posé les fondements de la notion de « design »(3). Gropius pensait que la réunion des beaux-arts et des arts appliqués permet d’aboutir à une parfaite symbiose entre les arts dits majeurs (peinture, architecture et sculpture), les procédés techniques, le design et l'urbanisme. Dans ce climat apparaît alors l’idée d’artiste-designer. A la suite de ces mouvements, la nouvelle esthétique moderne, influencée par cette notion de design, qui induit l’idée de synthèse entre le beau et l’utile, touche aussi le livre et elle prendra pleinement son essor au XXe siècle. ----- Notes 1. Par exemple, Theo Van Doesburg. 2. Les membres de ce mouvement déclaraient dans leurs manifestes parus dans les années 20 : « L’Artiste moderne détruit l’illusion des relations chimériques de l’individualisme (…) il met au premier plan les relations plastiques élémentaires qui constituent le monde. » 3. L’école du Bauhaus a été créée par l'architecte Walter Gropius en 1919, à Weimar. Elle est née de l'union de l'académie des beaux-arts et de l'école des arts du mouvement Arts et Crafts. Gropius considérait que l'art était tenu de répondre aux besoins de la société et la distinction entre les beaux-arts et la production artisanale était désormais jugée sans objet. L'école soutenait également que l'art et l'architecture devaient savoir s'adapter aux nécessités et à l'influence du monde industriel moderne, et que la qualité d'une création dépendait de l'harmonie entre l'esthétique et la technique. ----- Calogero GIARDINA, docteur ès-lettres, est l’auteur de deux ouvrages et d’une série de travaux de critique littéraire publiés en France, en Italie, en Belgique, en Angleterre et aux Etats-Unis. Il est spécialiste de stylistique et ces travaux portent aussi bien sur des auteurs comme Raymond Radiguet (auquel il a consacré sa thèse), Antoine Furetière, Ionesco, Jules Laforgue et Boris Vian. Ses domaines de recherche sont la création verbale et l’utilisation du cliché dans la littérature française. Son intérêt pour les formes et le style dans la littérature l’a amené à s’intéresser aussi au design. Calogero GIARDINA a enseigné à l’université de Dijon, à la faculté de lettres de Besançon et à l’université Lyon 3.

© Chris Harrison

La Revue du Design — Fri, 19 Jun 2009 09:27:59 +0000

© Chris Harrison

La Revue du Design — Fri, 19 Jun 2009 09:28:31 +0000

© Chris Harrison

La Revue du Design — Fri, 19 Jun 2009 09:28:59 +0000

Interface virtuelle matérialisée

La Revue du Design — Fri, 19 Jun 2009 09:33:26 +0000

Nous avons déjà évoqué, dans un article précédent, les technologies "haptiques" qui exploitent le toucher comme médium (voir Design du bout des doigts). Offrant la possibilité de lancer, par exemple, des processus informatiques ou électroniques par un simple contact, ces technologies posent cependant le problème du retour utilisateur : comment en effet faire saisir à la personne qui a déclenché le processus que son action a bien été prise en compte Il existe bien quelques subterfuges: pensons aux sons spécifiques types cliquetis ou encore aux icônes se modifiant visuellement sur l'écran. Quelques sociétés et créateurs proposent cependant d'aller aujourd'hui plus loin. Ainsi, comme nous l'apprend le site Use Design Blog, Chris Harrison, étudiant en Ph.D. dans le domaine de l’interaction Homme/Ordinateur à la Carnegie Mellon University, a mis au point un système permettant de recréer, sur un écran tactile, une "sensation" de bouton physique, qui reste aujourd’hui pour nombre d’utilisateur la référence. Son principe est le suivant : Bien que cette technologie soit encore à l’état de prototype, on en devine déjà le potentiel: Source : Use Design Blog.

Node © Metaphys

La Revue du Design — Mon, 22 Jun 2009 07:36:56 +0000

Node © Metaphys

La Revue du Design — Mon, 22 Jun 2009 07:37:25 +0000

Node © Metaphys (croquis préliminaires)

La Revue du Design — Mon, 22 Jun 2009 07:37:50 +0000

Multi-prise(s)

La Revue du Design — Mon, 22 Jun 2009 07:38:28 +0000

Voici l'idée, simple mais géniale, du collectif japonais Metaphys : proposer une prise électrique (intitulée Node) composée de deux encoches formant une boucle, et permettant de brancher plusieurs appareils sur une même prise. Le bouton du milieu permet d'activer ou de désactiver l'ensemble des appareils. Sources : gizmodo.com, core77.com, gadgets.boingboing.net.

Carafe N°7 © Etienne Meneau 2009

La Revue du Design — Tue, 23 Jun 2009 11:40:25 +0000

Carafe N°7 © Etienne Meneau 2009

La Revue du Design — Tue, 23 Jun 2009 11:40:59 +0000

Carafe N°5 © Etienne Meneau 2008

La Revue du Design — Tue, 23 Jun 2009 11:41:41 +0000

Carafe N°2 © Etienne Meneau 2008

La Revue du Design — Tue, 23 Jun 2009 11:42:15 +0000

The strange decanter

La Revue du Design — Tue, 23 Jun 2009 11:45:40 +0000

Le designer et sculpteur français Etienne Meneau vient d'achever son septième modèle de carafe. Réalisée en verre borosilicate soufflé, en édition limitée, chaque série reprend un vocabulaire végétal pour proposer des contenants aux formes étonnantes, d'une contenance précise de 75cl. Ci-dessus : Carafe N°7 Hauteur : 39 cm Édition limitée (8 numérotées et signées + 4 épreuves d’artiste) D'autres exemples : Ci-dessus : Carafe N°5 Hauteur : 62 cm Édition limitée (8 numérotées et signées + 4 épreuves d’artiste) Ci-dessus : Carafe N°2 Hauteur : 65 cm Édition de 12 exemplaires Plus d'informations (tarifs et autres modèles) sur the-strange-decanter.blogspot.com. Sources : blogdecodesign.fr, w3sh.com, designboom.com.

Metamerick table © Giogio Biscaro

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 06:43:40 +0000

Metamerick table © Giogio Biscaro

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 06:44:20 +0000

Metamerick table © Giogio Biscaro

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 06:44:41 +0000

Metamerick table

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 06:46:38 +0000

Le prototype de table intitulé Metamerick, imaginé par Giogio Biscaro, est composé de modules trapézoïdaux pouvant s'assembler de différentes manières, permettant ainsi de composer une multitude de formes de plateaux. Il est également possible, en utilisant davantage de pieds, d'augmenter la longueur de la table, voire de la détourner de son usage premier. De plus, plusieurs couleurs de modules sont disponibles. Ces caractéristiques de flexibilité et d'évolutivité sont censées, selon le designer, accroître la longévité de l'objet, une thématique à laquelle il s'intéresse étant persuadé que l'aspect "durable" d'un produit passe non seulement par l'utilisation de matériaux recyclés ou recyclables, mais aussi qui s'adapte aux besoins évolutifs de l'utilisateur ("you can use recycled or recyclable materials, but if you have a durable product, following your life and needs, and not belonging to the disposable way of thinking, I think you made it"). Source : yatzer.com.

Urban Seat. Photo © Justin Westover.

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 14:59:48 +0000

Urban Seat. Photo © Justin Westover.

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 15:00:13 +0000

Urban Seat. Photo © Justin Westover.

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 15:01:39 +0000

Urban Seat. Photo © Justin Westover.

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 15:02:00 +0000

Urban Seat. Photo © Justin Westover.

La Revue du Design — Thu, 25 Jun 2009 15:02:19 +0000

Urban Seat

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 00:56:57 +0000

Durant les Designer’s Days 2009, qui se sont achevés le 15 juin dernier, le collectif LePlanB présentaient ses "Urban Seats", un ensemble d'éléments "plugables" sur l'existant, ajoutant des fonctions d'assises ou de tables aux poteaux métalliques jalonnant habituellement les trottoirs parisiens. Cette opération sauvage de "street hacking", destinée à rendre la rue aux passants, était menée en partenariat avec l'Ecole Bleue, dans laquelle enseigne Damien Gires (le fondateur de LePlanB), et qui avait proposé un sujet similaire à ses élèves ("Investir 4m2 du trottoir devant chaque show-room du parcours pour les soirs de vernissage rive droite et rive gauche. Inventer un banc public, un espace créatif où les visiteurs pourront discuter, réfléchir, fumer... et échanger"). Ce projet, un peu provocateur et aux relents situationnistes, semble cependant posséder une réelle crédibilité fonctionnelle, et nous aurions envie de le voir ressortir lors de grandes manifestations populaires (fête de la musique...), comme un élément fort d'appropriation de l'espace urbain. Sources : deco-design.biz, muuuz.com.

Tom Price, Meltdown Chair: PP Tube # 1, 2008. Courtesy Tom Price, Photo: Christoph Bolten.

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:17:00 +0000

Franz West, Sitzskulptur, 2004. Courtesy l'artiste et Galerie Eva Presenhuber, Zurich, photo: Stefan Altenburger Photography, Zurich.

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:19:08 +0000

Fernando et Humberto Campana, Sushi IV, 2003. Courtesy Albion Gallery, Londres. © VG Bild-Kunst, Bonn 2009

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:20:00 +0000

Johanna Grawunder, Splits, 2007. Courtesy Designer's Gallery / Gabrielle Ammann, Cologne.

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:21:06 +0000

Konstantin Grcic, Missing Object, 2004. Courtesy Konstantin Grcic.

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:22:09 +0000

Frédéric Dedelley, More Deeply Superficial Objects, 2007/2008. Courtesy Galerie Franziska Kessler, Zurich. Photo © Daniel Kessler.

La Revue du Design — Fri, 26 Jun 2009 12:23:13 +0000

OVNI

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 00:09:21 +0000

Plus qu'une semaine pour découvrir l'exposition "UFO - Art and design", organisée par le NRW-Forum de Düsseldorf. Questionnant les rapports actuels existant art et design, elle met en parallèle les démarches de certains designers contemporains consistant à créer des objets "ovnis" ou "mutants", et celles d'artistes intégrant dans leurs oeuvres une dimension fonctionnelle. Au travers d’une sélection minutieuse et assez large de pièces récentes, l’exposition pose quelques repères permettant de démêler les différentes approches qui constituent aujourd’hui ce que certains on appelé le "Design-Art" (auquel nous avons consacré un article intitulé Design et marché de l'art). Elle différencie ainsi d'un côté des objets flirtant avec l'épure et l'abstraction (travaux de Ron Arad, Frédéric Dedelley, Franz West...), et de l'autre des formes plus complexes, misant sur l'accumulation ou le détournement (comme celles de Fernando et Humberto Campana, de Tom Price...). Quelques exemples de pièces exposées: Konstantin Grcic, Missing Object, 2004. 9 éléments en chêne huilé (40 x 40 x 20 cm). Édition limitée à 30 ex. Franz West, Sitzskulptur, 2004. Aluminium, peinture (54 x 136 x 99 cm). Fernando et Humberto Campana, Sushi IV, 2003. Acier inoxydable, feutre, caoutchouc (90 x 100 x 100 cm). Édition limitée à 35 ex. Johanna Grawunder, Splits, 2007. Acier noir, acier inoxydable poli, LED. Couleurs : vert clair, vert émeraude, turquoise, bleu, violet, rose, orange, jaune (50 x 200 x 40 cm). Édition limitée à 6 ex. Frédéric Dedelley, More Deeply Superficial Objects, 2007/2008. Polystyrène et résine. Différents formats, éditions numérotées. Face à ces expérimentations, le spectateur s'interroge sur le pourquoi de telles initiatives. Nous émettrons, à ce sujet, deux hypothèses. D'une part, ce type d'esthétique permet de "marquer" le territoire de certains créateurs et constitue une signature graphique aujourd'hui essentielle pour se démarquer et exister dans de nouveaux circuits commerciaux et de communication (même si, considérée en masse, cette esthétique, avec ses codes récurrents, peut être questionnée). D'autre part, nous pensons que ce vocabulaire abstrait, non immédiat, est parfois utilisée pour enrichir l'usage des objets, en ne proposant pas de scénarii d'utilisation préétablis (comme par exemple chez Konstantin Grcic, Arik Levy ou Ron Arad...). C'est peut-être là, d'ailleurs, que se situe son principal intérêt. Alexandre Cocco. Lien utile: www.nrw-forum.de. Pour les curieux, le site stylepark.com propose d'autres images des produits exposés, ainsi que des vues de l'exposition. Cet article sera approfondi dans la revue d'A n°184, août-septembre 2009.

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:13:40 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:15:21 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:15:49 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:16:28 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:16:55 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:17:25 +0000

ZipIt © Victor Matik

La Revue du Design — Mon, 29 Jun 2009 08:17:59 +0000

ZipIt

La Revue du Design — Tue, 30 Jun 2009 01:09:54 +0000

Viktor Matic, jeune croate étudiant le design en Italie (à l'Université libre de Bolzano-Bozen) a conçu une chaise entièrement réalisée en bois, dont les différents éléments tiennent, sans clous ni vis, simplement par le biais de liens en plastique bon marché. Ce prototype de design "modulaire" et "élémentaire", s'intéressant aux différentes pièces d'un produit et aux liens qui les unissent, mise par ailleurs sur une forme de "do it yourself", en proposant une version plus créative du meuble en kit livré à plat. Ceci permet, selon le concepteur, de baisser les coûts de fabrication et d'impliquer davantage l'utilisateur final dans sa connaissance et son appropriation du produit. Intitulée ZipIt, la chaise est suffisamment solide et stable pour accueillir le poids d'un homme debout. Sources: viktormatic.com, dezeen.com.

On-Time Clock

La Revue du Design — Wed, 01 Jul 2009 07:15:02 +0000

On-Time Clock

La Revue du Design — Wed, 01 Jul 2009 07:15:45 +0000

On-Time Clock

La Revue du Design — Wed, 01 Jul 2009 07:16:41 +0000

+3 minutes

La Revue du Design — Wed, 01 Jul 2009 07:17:46 +0000

Imaginée par Fabrica, (le centre de recherche du groupe Benetton) pour l'éditeur italien Diamantini & Domeniconi, l'horloge On-Time Clock avance de 3 minutes afin que vous soyez toujours à l'heure... Un clin d'œil à celles et ceux qui avancent leur montres ou horloges! Photos © Diamantini & Domeniconi. Source : trendsnow.net.

la-revue-du-design-hors-serie-2-janvier-juin-2009

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 10:43:06 +0000

Cyclo e-Mo © Matra

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:06:28 +0000

Cyclo e-Mo © Matra

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:07:13 +0000

Cyclo e-Mo © Matra

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:07:34 +0000

Cyclo e-Mo © Matra

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:07:59 +0000

Cyclo e-Mo © Matra

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:08:19 +0000

Matra e-Mo

La Revue du Design — Thu, 02 Jul 2009 20:08:57 +0000

Sans moteur, ni échappement, ni réservoir, e-Mo affiche une ligne légère et fluide, mettant en avant un design plutôt simple aux allures de grosse trottinette. Il possède cependant une réelle identité, caractérisée par des couleurs vives (rose framboise et vert pomme) ou plus classiques (tout noir ou noir et blanc). Les panneaux sont par ailleurs interchangeables, laissant même à l’usager la possibilité de les personnaliser. Commercialisé par Matra, l’entreprise ayant mis au point (rappelons-le) différents concepts qui devaient révolutionner le design de transport (le Renault espace entre autres), e-Mo est produit par E-TON (le premier constructeur taïwanais de panneaux solaires photovoltaïques et le troisième constructeur taïwanais de quads et de scooters). Propulsé par un moteur 100% électrique, il ne génère aucune émission polluante. Il offre une autonomie de 40 km (à 30km/h) et 30 km (à 45km/h), ce qui semble suffisant pour une utilisation urbaine. La batterie se recharge à 80% en 1h30, et à 100% en deux heures environ. Facile à prendre en mains et accessible dès 14 ans, e-MO est un concurrent direct du e-Solex, bien qu’il soit légèrement plus puissant, plus rapide et plus cher. Vendu autour de 1800 euros, avec un coût d'usage d’environ 50 centimes d'euros les 100 km, il a tout du moyen de transport économique et écologique, en phase avec un certain nombre préoccupations urbaines actuelles concernant le transport. Sources : diisign.com, lefigaro.fr, eco-transport.fr. Photos © Matra.

Hocker © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:10:02 +0000

Hocker © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:10:38 +0000

Hocker © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:11:23 +0000

Flankenschnittstuhl F/01 © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:13:02 +0000

Kleiderleiste illuminé © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:13:38 +0000

Papierlampe © Schindlersalmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:14:18 +0000

Portrait: Schindler/Salmeron

La Revue du Design — Mon, 06 Jul 2009 09:16:04 +0000

Le duo Schindler/Salmeron, basé à Zurich, vient de dessiner le tabouret Hocker, réalisé à partir de trois feuilles d'aluminium, assemblées grâce à un pliage ingénieux. Les trois pièces sont identiques et, mises en forme, elles se stabilisent les unes les autres. Se déclinant en blanc, argent et noir, le Hocker évoque une microarchitecture gothique, avec ses arcs boutants. Pesant seulement 1,6 kg, il est par ailleurs empilable. Le duo, composé de l'allemand Christoph Schindler et de l'espagnole Margarita Salmerón Espinosa, propose par ailleurs des objets à la fausse simplicité, souvent minutieusement conçus. La chaise Flankenschnittstuhl F/01, par exemple, possède un faux air d'archétype. Entièrement réalisée en bois, elle possède des pieds torsadés qui ont nécessité l'utilisation d'un routeur CNC à commande numérique. Le porte manteau Kleiderleiste illuminé, en acier inoxydable brossé, se décline en plusieurs versions allant de 40 à 285 cm. Sur sa partie arrière, une rangée de LED permet d'illuminer l'objet de différentes couleurs. Les cintres se posent quant à eux simplement, dans un des interstices dessinées par la partie avant de l'objet, en forme de peigne. La "Papierlampe" mise également sur le pliage, tout comme le tabouret Hocker. Son abat-jour est réalisé à partir d'une unique feuille de papier chromatique, découpé au laser, et dont l'assemblage dessine un motif qui deviendra visible lorsque la lampe sera allumée. Photos © Schindler/Salmeron. Source: schindlersalmeron.com, designboom.com.

Bottleclip

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:17:36 +0000

Bottleclip

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:18:29 +0000

Bottleclip

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:35:02 +0000

Piegato One

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:35:36 +0000

Piegato One

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:36:05 +0000

Deux nouvelles pièces de Matthias Ries

La Revue du Design — Wed, 08 Jul 2009 07:38:33 +0000

Né en 1979 en Allemagne, Matthias Ries a fondé son studio en 2006, avant de l'installer à Berlin l'an dernier, après avoir étudié à l'université de design de Karlsruhe. Il vient de dessiné deux nouvelles pièces, à la simplicité évidente: un accroche bouteille et une étagère. Bottleclip s'adapte à tout pas de vis, et peut s'accrocher sur différents supports tel un cadre de vélo. Economisant ainsi toute pièce superflue, l'objet joue à la fois le rôle de bouchon et de système d'accroche. Piegato One est une étagère composée d'une simple tôle découpée au laser, se stabilisant par pliage de ses différentes pièces. Photos © Matthias Ries. Plus d'informations sur matthiasries.com. Sources : mocoloco.com, designboom.com.

Quelques expos à ne pas louper cet été

La Revue du Design — Thu, 09 Jul 2009 09:16:02 +0000

Avant de marquer une pause estivale (à partir de lundi prochain...), voici quelques liens vers des expositions ou manifestations qui méritent le détour. Antibodies, Humberto et Fernando Campana (jusqu'au 28 février 2010) Le Vitra Design museum de Weil am Rhein propose une grande rétrospective dédiée au travail bigarré des frères brésiliens. Mais où va le design suédois à l'institut suédois de Paris (jusqu'au 26 juillet 2009) L'Institut suédois / Centre culturel suédois interroge les valeurs normatives admises dans le paysage du design contemporain suédois. Un état des lieux qui, tout en jetant un regard sur le patrimoine culturel familier et rassurant, pose la question de ce que sera le design (suédois) de demain. La Design Parade 2009 à la villa Noaille (Hyères) Comme d'habitude, la Design Parade propose durant l'été une série de manifestations et expositions, avec entre autres des travaux de Jerszy Seymour, Christian Biecher, Michel Charlot, François Azambourg, Adrien Rovero, Stéphane Barbier-Bouvet... Le design d'Europe Centrale au Broelmuseum de Courtrai (jusqu'au 23 août 2009) Le Broelmuseum met à l'honneur le design d'Europe centrale, au travers de réalisations provenant de six pays de cette région. L'occasion de découvrir du mobilier autrichien, des chaussures slovène, du matériel de construction de pointe hongrois, de la porcelaine tchèque, des luminaires polonais... L'exposition tente de construire un dialogue entre le conceptuel et la production industrielle, deux facettes du design qui se complètent et se soutiennent. Yrjö Kukkapuro au Design Museum de Gand (jusqu'au 11 octobre 2009) Né en 1933 à Wyborg, à l'époque en Finlande, Yrjö Kukkapuro se destine initialement à la peinture. Il sera finalement designer de mobilier, et produira quelques unes des pièces marquantes du design finlandais. Charles Kaisin au Grand-Hornu Images (jusqu'au 27 septembre2009) Grand-Hornu Images propose une rétrospective du travail du designer belge Charles Kaisin. Intitulée Design in Motion, elle retrace dix années de création - de 1999 à 2009 - axées sur deux thématiques : le mouvement et le recyclage. Supercontemporary au Design Museum de Londres (jusqu'au 3 octobre 2009) Le Design Museum accueille cet été une exposition censée démontrer la créativité londonienne, au travers de réalisations de David Adjaye, Ron Arad, BarberOsgerby, Neville Brody, Nigel Coates, Tom Dixon, Zaha Hadid... A voir aussi, dans le même lieu, l'exposition Mariscal Drawing Life. Paris Design en Mutation (jusqu'au 30 août 2009) Reprise de l'exposition présentée à Montréal en janvier et février dernier, cette exposition présente le travail de 11 designers ou collectifs, précurseurs et chefs de file s’affirmant clairement dans le champ de la recherche et du design prospectif. Nature en Kit (jusqu'au 27 septembre 2009) Le Mudac de Lausanne accueille "Nature en Kit», une exposition sur la nature vue par des designers et des artistes contemporains (dont Ron Arad, Droog Design, 5.5 designers, Ronan et Erwan Bouroullec, Javier Mariscal, Colors/ Fabrica...). Si d’autres expositions ou manifestations vous ont marqué ou vous semblent intéressantes, n’hésitez pas à nous le faire savoir en nous envoyant un email ou en l’indiquant par le biais d’un commentaire ci-dessous, afin que nous puissions relayer l’information.

La Revue du Design / Couverture du Hors Série n°2

La Revue du Design — Thu, 09 Jul 2009 13:21:30 +0000

La Revue du Design - Hors Série n°2

La Revue du Design — Fri, 10 Jul 2009 00:30:28 +0000

Avant de marquer une pause (jusqu'au 17 août prochain), voici, pour l'été, le second hors série de La Revue du Design. Il regroupe une sélection des meilleurs articles, analyses ou nouveautés publiés au cours des six derniers mois. Vous pouvez l'ouvrir et le télécharger en cliquant sur l'image ci-dessus (ce fichier pesant près de 3Mo, le temps de chargement peut être un peu long...). Si cela ne fonctionne pas, vous pouvez cliquer sur ce lien. Nous vous souhaitons une excellente lecture, et restons ouverts à vos commentaires, suggestions, propositions ou réactions.

Créer un point de vente : petits, moyens et grands commerces

La Revue du Design — Sun, 16 Aug 2009 13:19:30 +0000

Architectures commerciales

La Revue du Design — Mon, 17 Aug 2009 05:18:36 +0000

Pierre-Jean Richard, architecte concepteur des magasins Fnac pendant plus de 30 ans en France et à l'International au sein du Groupe PPR, aujourd'hui consultant, et Sophie Sanchez, journaliste et chef de projet chez Urvoy Creative Ways, viennent de publier Créer un point de vente : petits, moyens et grands commerces, un ouvrage remarquablement bien fait détaillant ce qu'est un concept d'architecture commerciale. L'architecture commerciale, ou Retail, est un secteur bien particulier du design d'espace, amenant la prise en compte de contraintes diverses, notamment économiques et en lien avec l'image et la stratégie d'une marque. Articulé autour d'exemples et de cas concrets, cet ouvrage, assez dense mais très accessible, donne de nombreux conseils utiles à celui, maitre d'ouvrage ou maitre d'œuvre, qui se retrouve confronté à de tels projets. Il propose également quelques clés permettant d'évaluer et de faire évoluer un point de vente existant. Au sommaire * Un peu d'histoire * L'architecture commerciale aujourd'hui * Un concept de point de vente : c'est quoi ? * Créer un concept : quand ? * Comment trouver l'idée en plus ? * Les clés d'un concept efficace * Combien coûte un concept de point de vente ? * Les différentes phases pour créer un concept * Faites vivre votre point de vente * Annexes * Index des noms propres, entreprises, institutions et marques Créer un point de vente : petits, moyens et grands commerces. Pierre-Jean Richard & Sophie Sanchez (préface d'Alain Boutigny). Editions d'Organisation. 160 pages, 19€.

Maison Lebot - H2O architectes - Photos © Stéphane Chalmeau

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:15:24 +0000

Maison Lebot - H2O architectes - Axonometrie

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:16:05 +0000

Blue-frog - Serie Architects - Photo © Fram Petit

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:17:26 +0000

Blue-frog - Serie Architects - Photo © Fram Petit

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:18:38 +0000

Meguro office - Nendo - Photo © Nendo

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:19:07 +0000

Meguro office - Nendo - Photo © Nendo

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:19:32 +0000

Maison atelier - Nathalie Wolberg

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:20:01 +0000

Maison Lebot - H2O architectes - Photos © Stéphane Chalmeau

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:20:23 +0000

Maison atelier - Nathalie Wolberg - Photo © Gaelle Le Boulicaut

La Revue du Design — Tue, 18 Aug 2009 11:20:44 +0000

Échelles intermédiaires et aménagements légers

La Revue du Design — Wed, 19 Aug 2009 03:30:09 +0000

Il existe une échelle particulière à laquelle architecture et design se rencontrent, une échelle où les aménagements apportés à un espace existant, ni structurels ni « accessoires », en modifient toutefois totalement la pratique et la perception. Cette échelle est celle des "objets spatiaux" – constructions légères, cloisons, reliefs, modules ou meubles intégrés – structurant l'espace. Souvent légers et multifonctionnels, ils s'appliquent à tous types de lieux, grands ou plus petits, privés ou publics, et sont utilisés tant pour leur capacité à générer une esthétique forte et "identitaire", que pour la densité fonctionnelle qu’ils peuvent apporter. Souvent, ces projets se rencontrent lors de l'agencement d'un lieu existant dont on veut renouveler la perception et les pratiques. Ils sont caractérisés par une échelle intermédiaire, globalement située entre le "gros meuble" et la "petite architecture". Au croisement de plusieurs métiers et approches disciplinaires, ils peuvent indifféremment être réalisés par des architectes, des architectes d’intérieur et des designers. Unité formelle et densité fonctionnelle Dans un premier temps, ce qui interpelle, c’est leur vocation récurrente et quasi-systématique à multiplier les fonctions et à les densifier dans une forme unique. Rangements, éclairages ou assises intégrés, sols ou murs qui se dilatent, se retournent ou se fractionnent et deviennent contenants, ou tables, ou assises... Nombre de ces "objets" cherchent à offrir aux usagers un élément multifonctionnel, aux vocations à la fois spatiales, esthétiques et pratiques. Leur traitement esthétique s’en ressent : considéré comme une entité distincte et identifiable, l’aménagement intérieur est souvent conçu comme un objet unique, presque autonome, que l'on vient "poser" dans l'espace, et ce même si, dans la réalité, il sera généralement assemblé sur place. Ce petit bâtiment, situé dans la cour de l'habitation principale de son propriétaire, avait été négligé pendant des années. Il a été réhabilité par l'agence H2O pour l'un des enfants de la famille, devenu étudiant. En raison de la très faible surface au sol (12m²), l'option d'un "mobilier habitable" a été retenue, permettant d'organiser, dans un volume unique, différents lieux dédiés à plusieurs usages spécifiques. Personnalisation et identité Réalisés dans tous types de lieux – commerces, bureaux, habitations, équipements… –, d’une manière éphémère ou durable, ces "objets spatiaux" offrent avant tout l’occasion de la personnalisation et du sur-mesure. Si l'on considère en effet que peu de clients ont la possibilité d'occuper des bâtiments dont ils ont eux-mêmes initié la construction, mais aussi que les différents meubles ou accessoires qu'ils pourront y placer sont – pour la plupart – des éléments produits en série, on comprend que cette échelle d'intervention est caractérisée par un fort potentiel "identitaire". Elle va pouvoir être le théâtre d’esthétiques spécifiques, exploitées notamment dans le cas de commerces ou d'entreprises pour lesquels l’image de marque est essentielle. Dans le cas d’aménagement privés, son aspect "sur-mesure" sera également apprécié, permettant aux occupants d’obtenir une solution spécifique et clé en mains, souvent plus en phase avec les réalités et contraintes d’un espace existant. L'agence anglo-indienne Serie Architects a achevé, il y un peu plus d'un an, le réaménagement des studios Blue Frog, en Inde. Pour aménager l’espace restaurant, les architectes ont créé un relief artificiel se déployant dans la totalité de la salle. Y sont "creusées" plusieurs cellules, cylindriques et de dimensions variables, destinées à accueillir de quatre à dix clients. Plus ou moins intimes, elles offrent cependant toutes une vue privilégiée sur la scène. Une certaine « matérialité » Les espaces ainsi engendrés entretiendront avec leurs occupants des relations particulières. Affranchis des codes traditionnels du design et de l’architecture, ils offriront notamment un rapport particulier à la matière. Vue de près, touchée et perçue, celle-ci devra en effet être particulièrement soignée et fera généralement l’objet de traitements spécifiques : motifs, revêtements ou aspects de surface particuliers, petits détails ou clins d’œil formels, travail de la couleur et de la transparence, des reflets ou de l’opacité… Cette échelle d’intervention se teinte ainsi d'un "grain" spécifique, et son aspect graphique sera fréquemment considéré comme un élément structurant le projet et définissant son ambiance particulière. Au cinquième étage d'un ancien immeuble de bureaux situé à proximité de la rivière Meguro à Tokyo, le designer Nendo a réaménagé fin 2007 un plateau rectangulaire de près de 140 m² en le partitionnant en plusieurs tranches de profondeurs variables, affectées à des usages spécifiques. Une série de panneaux de contreplaqué, découpés de manière courbe sur leur partie haute, segmente et rythme ainsi l’espace. L’échelle des micro-pratiques Mais ces "objets" offriront également l’occasion de pratiques et de comportements spécifiques, de l’ordre du "micro". De par leur proximité avec les usagers, ils intègrent en effet souvent des parties escamotables ou modulables, des structures coulissantes ou des fonctions cachées. Réalisé dans les bureaux d’une ancienne imprimerie, cette maison-atelier conçue par Nathalie Wolberg est réparti sur trois niveaux. L’architecte a imaginé différentes parties mobiles aux fonctions spécifiques, qui se déploient depuis une structure fixée sur les murs périphériques. À l’autre bout de ce plateau, un grand filet en nylon surplombe la seconde phase du projet, achevée mi-2008 et appelée "Live In". Il s’agit en fait d’une grande bande ondulante réalisée en feutre, ménageant de petits espaces réservés à des fonctions intimes (s’isoler pour lire, travailler…), et au dessus un territoire plus vaste, à partager. Ils sont donc caractéristiques d’une échelle de "petites astuces" où l’espace, replié sur lui-même et tel un couteau suisse, se déploie et s’adapte aux multiples pratiques de ses occupants. Cet aspect fonctionnel, s’il peut paraître anecdotique, aura cependant tendance à modifier l’organisation du lieu. Car lorsque de tels aménagements sont mis en place, les meubles et autres accessoires traditionnels n’ont plus qu’une place et un intérêt réduit ; ils se limitent d’ailleurs souvent à quelques belles pièces, méticuleusement choisies. Des enjeux singuliers Les projets que nous présentons ici, de tailles et de natures différentes, tendent parfois plus, de part leur échelle et leur traitement plastique, vers l'architecture et d'autres fois vers le design. Ils ne sont cependant ni totalement de l'un ni de l'autre, étant pour la plupart dissociés visuellement et structurellement du bâti et pourtant jamais totalement "mobiles". Plus encore, ils empiètent souvent sur ces deux disciplines, camouflant ou maquillant la disposition originelle des lieux, redéfinissant sa pratique, et se substituant aux fonctions traditionnelles du design tant au niveau "décoratif" que fonctionnel (en proposant des rangements ou assises intégrées, des plans de travail...). Concernant l'ajout, dans un volume connu, d'une ou plusieurs constructions exogènes caractérisées par une forte unité formelle et fonctionnelle, ces objets spatiaux sont donc caractéristiques d’une approche et d’un type de projets particuliers, un entre-deux disciplinaire porteur, comme nous l’avons montré, de quelques enjeux spécifiques. Alexandre Cocco Cet article a été publié, dans une version plus illustrée et détaillée, dans le numéro 181 du magazine d'A.

Collecteur de rosée : de l'eau de rosée comme boisson. © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:32:01 +0000

Collecteur de rosée : de l'eau de rosée comme boisson. © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:33:00 +0000

Collecteur de pluie : l'eau de pluie pour les plantes d'intérieur. Le textile 3D participe à la collecte en accumulant plus d'eau © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:33:27 +0000

Eau Douce : le charbon de bois purifie l’eau du robinet. © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:34:29 +0000

Eau fraîche : la condensation présente dans la double épaisseur rend visible le passage par le froid de l’eau qui permet d’ôter le goût de chlore © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:35:21 +0000

Eau vive : le mouvement de vortex qui se crée lors du remplissage dynamise et oxygène l’eau courante © Olivier Gassies

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 15:36:27 +0000

Domestiquer l'eau

La Revue du Design — Sun, 23 Aug 2009 16:30:05 +0000

Olivier Gassies, designer diplômé de l’école Boulle et de l’ENS Cachan, a imaginé une série d’objets permettant de reconsidérer notre relation à l'eau en tant que produit de consommation. Il propose, plus exactement, deux axes de réflexion. Le premier consiste à remplacer, chaque fois que c’est possible, l’eau du robinet par celle qui nous arrive naturellement, par le biais de la pluie, de la rosée ou de l’humidité ambiante. Olivier Gassies a dans ce sens dessiné une série de collecteurs permettant de récolter l’eau, et de la réutiliser pour arroser ses plantes par exemple. Le second tente de valoriser l’eau du robinet dans le cadre d’une utilisation culinaire. Le designer a alors dessiné une série de carafes permettant d’adoucir ou d’oxygéner l’eau, deux actions qui ont pour effet d’améliorer ses effets visuels, gustatifs et olfactifs. En effet, le goût laissé par le chlore et le confinement de l’eau dans les canalisations peut aisément disparaitre si l’eau est brassée puis qu’on la laisse se reposer. Au croisement d'un design écologique et comportemental, Olivier Gassies dessine ainsi, à l’aide d’objets très soignés au niveau esthétique (pour l’instant demeurés à l’état de prototypes), les conditions d’une collecte plus qualitative.

Crédit : Institution of mechanical engineers.

La Revue du Design — Fri, 28 Aug 2009 08:37:18 +0000

Des arbres artificiels contre le réchauffement climatique

La Revue du Design — Fri, 28 Aug 2009 08:40:44 +0000

Un rapport de l'Institut britannique de mécanique avancée affirme que la mise en place de cent mille arbres artificiels suffirait pour capturer la plupart des émissions de CO2 de la Grande-Bretagne, et ainsi enrayer les émissions de gaz à effet de serre. Actuellement au stade de "prototypes très avancés", ces arbres joueraient le rôles de filtres géants capturant le dioxyde de carbone qui serait ensuite, une fois, stocké au fond des océans. Selon son concepteur, le professeur Klaus Lackner de l'université de Columbia, un tel arbre artificiel, d’un coût avoisinant les 14000 euros, serait plus efficace que son cousin naturel face au dioxyde de carbone, et pourrait éliminer près de 90000 tonnes de CO2 par an, soit l'équivalent des émissions d’environ 20000 voitures. Source : lefigaro.fr

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:46:25 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:46:55 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:47:22 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:47:46 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:48:11 +0000

Citroën dévoile sa DS3

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:49:58 +0000

Citroën va lancer, au salon de Francfort le mois prochain, sa nouvelle DS3. Conçue comme une concurrente de la Mini, il s’agit du premier modèle de la nouvelle gamme DS de la marque. Du point de vue esthétique, on regrettera un design "composite", aux parfums de Skoda Fabia, C2 et Mini… assez loin de l’originalité de la DS originale. Très fière de son modèle, la marque aux chevrons précise dans son que "La DS3 inaugure en beauté la ligne DS. Une ligne distinctive qui, en proposant des produits aux choix plus radicaux, vient compléter la gamme principale de la Marque. Une ligne qui, comme son nom l’évoque, est un symbole supplémentaire de la créativité et de la technologie de Citroën. La DS3 est forte de ses partis pris : un style radical et séduisant qui devient exclusif grâce au large éventail des personnalisations proposées, un comportement dynamique qui fait souffler un vent de modernité sur la route en alliant avec bonheur". Longue de 3,95 m, large de 1,71 m et haute de 1,46 m, la DS3 offre de multiples possibilités de personnalisation extérieures ou intérieures: - Le toit peut prendre quatre couleurs différentes du reste de la carrosserie (Noir Onyx, Blanc Opale, Bleu, Botticelli ou Rouge Carmen). - Les coques de rétroviseur et les bas de portes s’habillent de couleur ou de chrome. - Les roues et leurs centres se colorent à l’envi. - Le bandeau de la planche de bord se décline en huit finitions. - Etc. La DS3 propose sept thématiques de personnalisation dont les quatre premières seront disponibles dès le lancement : Maori pour un esprit "Tatouage"; Zèbre pour un esprit "Ethnic"; Onde pour un esprit "Good Vibrations"; Daisy pour un esprit "Fashion"; Co-Design pour un esprit "Art Work"; Map pour un esprit "Paris Night"; et Plane pour un esprit "Nice Warrior"!!! La seule inconnue qui subsiste, de taille, concerne les tarifs! Sources : ds3.citroen.com, news.caradisiac.com, autojournal.fr

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:54:51 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:55:21 +0000

DS3. Photo © Citroën.

La Revue du Design — Mon, 31 Aug 2009 19:58:02 +0000

Tu-Be Two ©Ingo Maurer

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 12:42:08 +0000

Tu-Be Two ©Ingo Maurer

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 12:42:37 +0000

Tu-Be Two ©Ingo Maurer

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 12:43:04 +0000

Tu-Be Two ©Ingo Maurer

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 12:43:24 +0000

Lampe "Tu-Be Two" par Ingo Maurer

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 12:51:51 +0000

Ingo Maurer, l'un des grands spécialistes du design de lampes, à qui l'on doit quelques modèles devenus des icônes de l'histoire du design, comme par exemple le modèle Birdie, vient de signer une nouvelle réalisation combinant, comme à son habitude, poésie et technologie. Dévoilée lors du salon Euroluce, la lampe "Tu-Be Two" est composée d'une source halogène placée au milieu d'un ensemble de petits de tubes en aluminium, dans lesquels elle se réfléchit lorsqu'elle est est allumée. Un joint à rotule permet de tourner et d'incliner la lampe dans toutes les directions. Source : dailytonic.com.

Smart Profile 305 © Caromausa

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 13:20:07 +0000

Smart Profile 305 © Caromausa

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 13:20:42 +0000

Al dente © Agape

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 13:47:39 +0000

Al dente © Agape

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 13:48:13 +0000

Al dente © Agape

La Revue du Design — Wed, 02 Sep 2009 13:48:35 +0000

Eco-wc design

La Revue du Design — Thu, 03 Sep 2009 01:22:27 +0000

L'entreprise australienne Caromausa vient de développer un modèle de toilettes malin, se proposant d'utiliser l'eau du lavage de mains pour participer à l'évacuation. Après rinçage des mains, l'eau se déverse dans le réservoir interne, et sera utilisée pour la chasse suivante. Ce modèle, intitulé Smart Profile 305, n'utilise par ailleurs qu'entre 3 et 4,8 litres d'eau par utilisation. Sources : caromausa.com, kbculture.blogspot.com.

Une pomme de douche façon passoire...

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 01:46:09 +0000

Les designers Vittori, Borin et Gibertini ont imaginé (en 2003!), pour le fabriquant italien Agape, un diffuseur d'eau en polypropylène dans lequel un robinet déverse de l'eau en continu. Le même principe a inspiré la conception du porte-savon. Les composants en polypropylène de ce modèle, intitulé Al dente, sont disponibles en plusieurs coloris (orange ou vert). Source : agapedesign.

Table ARA © //b29 architectes

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 07:50:35 +0000

Table ARA © //b29 architectes

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 07:51:07 +0000

Table ARA (fabrication) © //b29 architectes

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 07:51:39 +0000

Table ARA (fabrication) © //b29 architectes

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 07:52:38 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:49:29 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:49:59 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:50:30 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:50:56 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:51:20 +0000

Tephra Formations. Photo© David Brook

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:51:48 +0000

Tephra Formations. Photo© Studio RS

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:52:23 +0000

Tephra Formations. Photo© Studio RS

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:52:55 +0000

Tephra Formations. Photo© Studio RS

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:53:20 +0000

Tephra Formations. Photo© Studio RS

La Revue du Design — Fri, 04 Sep 2009 09:53:45 +0000

Tephra Formations

La Revue du Design — Mon, 07 Sep 2009 01:46:13 +0000

Le designer Robert Stadler a récemment dévoilé ses Tephra Formations, un ensemble de créations – canapé, fauteuil, table basse, pouf – aux formes capitonnées et arrondies. Rappelant les voitures "gonflées" d’Erwin Wurm, cette série propose une relecture critique et décalée des codes et valeurs bourgeois en matière de mobilier. Vous trouverez ci-dessous des images du canapé (Irregular Bomb), du fauteuil (Spherical Bomb), de la table basse (Trapezoid Bomb) et du pouf (Triangular Bomb) : Images de la fabrication : Information provenant du créateur ------- Tephra vient du grec et signifie cendre. Pour les volcanologues le terme téphra définit les fragments de matière souple retrouvés au sol après avoir été ejectés lors d’une éruption volcanique. « Tephra Formations » est une co-édition avec la galerie Carpenter's Workshop. Plus d'images et d’informations sur robertstadler.net.

Chaise Aki © Alfredo Häberli/Fredericia

La Revue du Design — Mon, 07 Sep 2009 15:28:14 +0000

Chaise Aki © Alfredo Häberli/Fredericia

La Revue du Design — Mon, 07 Sep 2009 15:28:50 +0000

Table Aki © Alfredo Häberli/Fredericia

La Revue du Design — Mon, 07 Sep 2009 15:29:16 +0000

ARA

La Revue du Design — Tue, 08 Sep 2009 01:49:24 +0000

La jeune agence suisse //b29 architectes vient de concevoir la table ARA, qui a été exposée à la Galerie Nota bene Genève durant l’été. Conçue comme un ouvrage de génie civil, elle possède une structure allégée rappelant celle d’un pont des frères Eiffel. De nombreux prototypes ont été nécessaires à sa réalisation, testant l’équilibre des masses et la forme des découpes. Réalisée en contreplaqué prédécoupé numériquement (voir images), elle est composée de 9 pièces qui s’assemblent sans clou ni vis, très rapidement. Le site de l’agence : b29.ch/.

Neli. Photo © M. Murat

La Revue du Design — Tue, 08 Sep 2009 10:54:11 +0000

Neli. Photo © M. Murat

La Revue du Design — Tue, 08 Sep 2009 10:54:46 +0000

Neli. Photo © M. Murat

La Revue du Design — Tue, 08 Sep 2009 10:55:26 +0000

Neli. Photo © M. Murat

La Revue du Design — Tue, 08 Sep 2009 10:55:55 +0000

Aki

La Revue du Design — Wed, 09 Sep 2009 01:45:30 +0000

Dessinée par Alfredo Häberli pour l'entreprise danoise Fredericia, la collection Aki est composée d'une table et d'une chaise alliant visuellement une structure en bois clair, perçue comme une "épine dorsale" que viennent compléter des planches foncées pour la table ou des parties rembourrées recouvertes de cuir ou tissu pour la chaise. Entièrement fabriqués au Danemark, ces modèles se situent dans la pure tradition esthétique locale, alliant simplicité et courbes élégantes, et rappelant par certains aspects les travaux d'Arne Jacobsen, de Poul Henningsen ou de Nanna Ditzel. Alfredo Häberli avait précédemment réalisé un modèle de canapé modulaire, intitulé Seracs, que nous avions d'ailleurs présenté. Source : dailytonic.com.

Neli

La Revue du Design — Thu, 10 Sep 2009 01:47:54 +0000

Le décodeur et diffuseur TNT Neli, conçu par l'agence Machin Machin, s'est récemment vu récompensé d'un label Observeur du design 2010. Il sera exposé, parmi d'autres projets, à partir du 22 octobre prochain (et jusqu'au 21 février 2010) à la Cité des sciences et de l'industrie ainsi que dans le catalogue de l'Observeur du design 2010. Conçu et fabriqué en France, Neli est composé d’un boîtier principal, branché sur la prise antenne de la maison, et de trois boîtiers nomades alimentés par l’installation électrique existante. Il permet ainsi une mobilité de la télévision par rapport à l’antenne. Fidèle à son attention portée à la simplification des usages et aux gestes simples, et tendant vers une certaine économie de moyens, Machin Machin a proposé d'équiper chaque boîtier nomade d’un bouton on/off, situé en façade, et d'un emplacement creux réservé à la télécommande. Ce dispositif permet à l'utilisateur d'éteindre facilement son appareil au moment où il raccroche la télécommande. D'un point de vue formel, les boîtiers secondaires apparaissent comme un ensemble de "plots" discrets et relativement épurés, cherchant principalement à mettre en avant leur fonction principale. A l'arrière, la connectique est également simplifiée, rendant plus évidente l'utilisation. Le duo Machin Machin est composé de Fred Sionis et Jérôme Garzon, tous deux titulaires d’un DSAA design de produit obtenu à l’école Boulle. En 2007, ils sont lauréats des aides à projet VIA, et mènent des projets de design industriel, d’édition et de recherche.

Chaise Desile. Photo © Pascal Schyns

La Revue du Design — Thu, 10 Sep 2009 14:20:14 +0000

Chaise Desile. Photo © Pascal Schyns

La Revue du Design — Thu, 10 Sep 2009 14:23:07 +0000

Chaise Desile. Photo © Pascal Schyns

La Revue du Design — Thu, 10 Sep 2009 14:23:44 +0000

Chaise Desile. Photo © Pascal Schyns

La Revue du Design — Thu, 10 Sep 2009 14:28:01 +0000

Chaise Desile: l'art de la découpe

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 01:18:26 +0000

Lorsqu'elle est pliée, la chaise Desile, produite par l'éditeur belge Vange, se réduit à une simple plaque de deux centimètres d'épaisseur. Elle existe en version intérieure (en multiplis de bambou) et extérieure (PET recyclé). Produite à partir de matières recyclées ou durables, optimisée pour le stockage et le transport (elle se stocke à plat et ne pèse que 6 kg en version intérieur et 9kg en version extérieure), la Desile est un produit bien dessiné et bien conçu, ne nécessitant par ailleurs pour sa mise en œuvre qu’une seule découpe numérique, et ne générant que peu de déchets. Elle a été conçue par Christian Desile, plasticien et photographe, qui a exposé son premier prototype de chaise pliante à la Biennale de Saint-Etienne de 2008, durant laquelle il a été remarqué par la marque belge. Sources : blog.reflexdeco.fr, vange.be.

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:28:18 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:29:06 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:29:47 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:30:26 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:31:01 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:31:54 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:32:51 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:33:27 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:34:01 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:34:58 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:35:34 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:36:06 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:36:45 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:37:21 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:37:50 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:38:27 +0000

Photo © Made in design.

La Revue du Design — Fri, 11 Sep 2009 13:39:03 +0000

Maison et Objets 2009 / Sélection

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 01:42:21 +0000

Le salon Maison et Objets s'est déroulé du 4 au 8 septembre dernier. Retour en image sur quelques produits qui ont retenu notre attention (ci-dessus le modèle Poppy de la marque Hive). Fauteuil & repose-pieds Surprising lounger par Harald Guggenbichler pour Fermob. Collection Branch - Coro. Kosmos'Oris - Extremis. Carioca - Dimensione Disegno. Collection Intrecci - Emu. Etagère Mètre - Moustache. Fauteuil Bloom - Kenneth Cobonpue. Chaises Family - Design Stockholm house. Table Twist - Design Stockholm house. Bookwave - Ilio. Suspension Chantilly - Valérie Boy. Lampadaire Pull Over - Bina Baitel. Bud - Hive. Cuckoo - Hive. Lampes de table et suspensions Vapeur - Moustache. Yoyo - Authentics. Les photos de cet article sont issues du site Made in design, que nous remercions pour l'autorisation qu'ils nous ont donnée de les présenter aux lecteurs de La Revue du Design.

Flap © Marco Zito/Foscarini

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 09:34:21 +0000

Flap © Marco Zito/Foscarini

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 09:35:50 +0000

Flap © Marco Zito/Foscarini

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 09:38:43 +0000

Flap © Marco Zito/Foscarini

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 09:39:59 +0000

2009 09 16a

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:15:44 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:16:18 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:16:45 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:17:45 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:18:22 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:19:22 +0000

© Rezodesign

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:20:39 +0000

Mormor © Gry Fager/Normann Copenhagen

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:51:44 +0000

Mormor © Gry Fager/Normann Copenhagen

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:52:36 +0000

Mormor © Gry Fager/Normann Copenhagen

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:54:00 +0000

Mormor © Gry Fager/Normann Copenhagen

La Revue du Design — Mon, 14 Sep 2009 14:54:31 +0000

Flap

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 01:31:33 +0000

Flap est une série d’appliques asymétriques imaginées par l'architecte-designer Marco Zito pour Foscarini. Chaque modèle est disponible en deux colorations différentes (blanc et rayures). Réalisés en aluminium verni, les trois modèles se proposent de modeler la lumière émise par un jeu de pliages assez simples mais sculpturaux. Lorsqu'elles sont allumées, les appliques génèrent en effet un jeu d'ombres démultipliant la perception des différents plans composant l'objet. Se détachant de la partie arrière, qui réfléchit la lumière, le panneau avant de chaque luminaire dissimule la source, empêchant ainsi qu'elle n'éblouisse. Les différents pliages latéraux participent quant à eux à la réflexion de la lumière. Plus d'informations et de visuels sur le site du créateur : marcozito.com.

Photo © Maxime Schaal - Grasso

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:04:24 +0000

Photo © Maxime Schaal - Grasso

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:04:59 +0000

Photo © Maxime Schaal - Grasso

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:05:35 +0000

Photo © Maxime Schaal - Grasso

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:06:13 +0000

Photo © Sungho Lee

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:30:32 +0000

Led Clip. Photo © Sungho Lee

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:30:59 +0000

Led Clip. Photo © Sungho Lee

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:31:46 +0000

Led Clip. Photo © Sungho Lee

La Revue du Design — Tue, 15 Sep 2009 10:32:10 +0000

Rezodesign, design Network

La Revue du Design — Wed, 16 Sep 2009 00:21:51 +0000

Rezodesign est un projet en ligne de Romain Bourgeais et Francesco Pirrello, ayant pour objectif de proposer au grand public un "radar du design" permettant de retrouver une sélection subjective et originale de projets. Le site présente les projets sous trois angles : designers, producteurs et objets. Il tente ainsi de dresser une cartographie visuelle (et volontairement partielle) de la création actuelle. Se voulant porteur d'une nouvelle approche à destination de ceux - grand public, industriels ou institutionnels - intéressés par le design, Rezodesign propose une approche intuitive, centrée sur les projets. Il permet ainsi d'opérer assez facilement des rapprochements et des découvertes. Entre le nouveau média et la "communauté", Rezodesign a également la vocation d’informer, "de porter un regard sur la création actuelle, et de mettre en avant celle qui n’est pas habituellement sous les projecteurs". Un projet à découvrir, et à suivre... Quelques écrans types : Source : ma-decoration.net.

Mormor : un design de (ou pour ?) grand-mères

La Revue du Design — Thu, 17 Sep 2009 00:50:33 +0000

La jeune designer danoise Gry Fager a récemment conçu une gamme de vaisselle pour l’éditeur Normann Copenhagen, inspirée par les motifs textiles de cuisine traditionnels. Revendiquant une approche "nostalgique", rappelant d’un passé idéal et un peu fantasmé, cette gamme, appelée Mormor, comprend divers plats et contenants (beurrier, coquetiers, bols, carafe…). Elle puise son inspiration dans les motifs présents sur les torchons, serpillières et autres maniques des cuisines de nos grand-mères. Elle se décline en trois variantes : bleu, rouge et nervuré. Ci-dessous, la collection nervurée: Détails des gammes bleue et nervurée: Pour la petite histoire, l’éditeur Normann Copenhagen avait déjà repéré Gry Fager avant même qu’elle ait achevé sa formation à la Danish Design School, en 2008. La série Mormor est sa première expérience de production en série. Source : dezeen.com.

3 articles à lire ce week end

La Revue du Design — Fri, 18 Sep 2009 07:30:55 +0000

Pour finir la semaine, vous trouverez à la suite trois liens vers des articles éclairant, chacun à leur manière, quelques unes des thématiques auxquelles le design est aujourd'hui confronté: celle du développement durable (et la question des énergies pas si "propres"), celle de l'accessibilité du design (et la question de sa cible) et celle de ses liens avec le marketing... Voici les liens: Les vices cachés de la fée électricité (via liberation.fr). En Chine, des rêves de classe moyenne chez Ikea (via rue89.com). Le marketing est mort, vive le design (via usinenouvelle.com). Bonne lecture, et à la semaine prochaine.

Vitrages haute performance

La Revue du Design — Mon, 21 Sep 2009 01:02:54 +0000

Le Nomiya est un restaurant conçu par l'architecte Pascal Grasso, qui a ouvert au début de l'été sur le toit du Palais de Tokyo, à Paris. Il restera en place un an. Ses cloisons, entièrement vitrées (et offrant donc une vue imprenable), ont été réalisées dans un matériau spécifique permettant une régulation de la température intérieure, évitant ainsi que le lieu ne se transforme, selon la saison, en serre ou en ice bar. Plus précisément, ce sont des panneaux de matériau à changement de phase (PCM), de la société Dupont, qui ont été employés. Ceux-ci ont la particularité de pouvoir emmagasiner ou restituer de l'énergie thermique lors du passage de leur point de fusion, grâce à de la paraffine PCM encapsulée dans un copolymère. Au total, le panneau ne fait pas plus de 5mm d'épaisseur. Le site Matério nous indique même qu'"alternant les phases de fusion et de cristallisation, emmagasinant ou restituant de l'énergie, la membrane permet de réduire les pics de températures de façon significative (jusqu'à 7°C de réduction), donc d'améliorer le confort en réduisant les besoins de rafraîchissement et de chauffage. Les panneaux peuvent stocker environ 20 fois plus d'énergie que le béton avec une masse bien plus réduite. Cette propriété permet de diminuer de façon importante les coûts énergétiques: jusqu'à 35 % en ce qui concerne la climatisation et 15 % pour le chauffage, notamment durant la nuit et les mi-saisons". Accueillant 12 personnes au maximum, le Nomiya s’inspire des minuscules bars japonais, dont il tire d'ailleurs son nom. Il est possible de réserver à l'adresse art-home-electrolux.com. Source : materio.fr.

LED clip

La Revue du Design — Tue, 22 Sep 2009 01:33:12 +0000

La designer coréenne Sungho Lee a dessiné une lampe, intitulée LED clip, qui ressemble à une grosse pince à linge et dont la propriété est de pouvoir s'adapter à une multitude de supports, diffuseurs ou contenants. Elle propose ainsi un objet "complément" et opère une distinction, que d'autres designers ont déjà expérimenté avant elle, entre la fonction d'un objet et sa forme finale. Voici, à la suite, quelques exemples d'utilisation de sa lampe. Source : designboom.com.

Interface du site design-plateform.org

La Revue du Design — Wed, 23 Sep 2009 07:28:55 +0000

The Design Plateform: interview

La Revue du Design — Wed, 23 Sep 2009 07:31:18 +0000

Lancé au début de l'été, le site The Design Platform se veut être une sorte de "wiki" du design (et même plus), regroupant des regards de spécialistes sur la discipline, des retours d'expérience, des témoignages, et ce dans différents domaines afin participer à une meilleure compréhension de la discipline. Rencontre avec l'initiateur de ce projet, Thibaut Deveraux. Vous avez lancé il y a quelques mois le site Design Platform. Expliquez-nous de quoi il s'agit. Nous avons identifié deux besoins : - Permettre aux investisseurs et aux managers de mieux comprendre ce que peux leur apporter le design et comment travailler intelligemment avec lui. - Permettre aux designers, aux étudiants et aux chercheurs de partager des ressources sur le design, utiles au jour le jour. La plateforme du design est un site participatif. Chacun est invité à poster. Nous avons travaillé sur un "parcours d'initiation" au travers de la plateforme. Ce parcours se formera au fur et à mesure que des articles seront postés. Nous mettons actuellement en place une architecture qui prend compte la proximité entre les sujets, la pertinence et la complexité de l’article. L’évaluation se fait par les membres. Ce même système permettra aux designers ou aux chercheurs de se concentrer sur le contenu de haut niveau dont ils ont besoin. Qui a travaillé sur ce projet? Et qui y travaille encore ! La plateforme constamment en cours de construction et ce vous voyez aujourd'hui en constitue les premières pierres. Le projet peut compter sur une dizaine de membres réguliers. Au total une cinquantaine de personnes ont participé. La liste est disponible ici. Le projet fait intervenir des designers, des programmeurs, des chercheurs, des représentants d’organismes… L’objectif à la rentrée est de s’ouvrir vers les écoles et les bloggeurs. Etes-vous designer vous-même, ou alors comment êtes-vous venus au design? Aujourd’hui je suis designer. Je voulais créer des produits proches de l'utilisateur, à la fois agréables et utiles. Malheureusement quand on ne connaît pas le design, on croit souvent que l’ingénieur est le seul concepteur des produits. Quand je me suis retrouvé en train de concevoir des moteurs, je me suis mis à chercher autre chose et j’ai découvert le design. Le parcours a été long : stages, travail le soir, mastère… Heureusement, je crois que j’ai toujours eu l’instinct de ce que je voulais faire ce qui m’a beaucoup aidé. Si un auteur souhaite vous proposer un texte, quelle est la marche à suivre? C'est très simple. Il suffit d'aller sur le site, de s'inscrire et de créer une nouvelle page ! Il y a une petite section dans la colonne de gauche où vous pouvez choisir votre type d’article. Très prochainement, elle va se transformer en un bouton unique et tout sera géré par des tags. Comment sélectionnez-vous ces propositions? Il existe deux types de pages. Les synthèses collaboratives et les pages signées. Si vous signez votre page, le contenu n'engage alors que vous. Avec le système que nous sommes en train de mettre en place, plus une page est jugée comme pertinente par les membres, plus elle sera visible. Les pages collaboratives sont le pivot du site. Plusieurs auteurs peuvent y travailler. Plus le temps passe, et plus la page deviens pertinente. C'est le même système qui a permis à Wikipédia d'avoir moins d'erreurs que l'encyclopédie Britanica sur des pages similaires. Combien avec vous recueilli, à ce jour, de contributions? Le site compte actuellement une cinquantaine d'articles. Durant les premières phases, nous évitons de communiquer sur le site sans avoir expliqué notre démarche de développement continu. Puisque c’est chose faite, n’hésitez à poster des histoires, des études, des liens, à participer aux synthèses en cours… La vocation de la Design Platform est elle principalement textuelle ? Non, heureusement ! Elle est construite autour de pages, mais sur une page on peut mettre des images… Et également, puisque l’on est sur Internet, des vidéos, du son, des présentations... Tous les médias sont les bienvenus. Et l'avenir de la Design Platform? Il y a des gros travaux en cours sur le moteur de la plateforme actuellement. Les nouvelles versions seront plus simples, ergonomiques et efficaces dans la navigation. Parallèlement, nous participons à des événements comme Paris 2.0 pour faire connaître le projet et assembler des contenus. Des organismes et des entreprises nous proposent leur soutient pour amener des publications. Tout cela est en train de se mettre en place progressivement. Les premiers contacts sont très bons. Pour tout ce qui est histoires, partage d’expérience, nous essayons rajouter une dimension ludique. Nous pensons par exemple à un Design Fight Club où l’enjeu sera de raconter la création d’un produit/service. Nous aimerions confier le management de cette partie du projet à un nouveau membre d’ailleurs. Toutes les idées sont les bienvenues. N’hésitez pas à nous en proposer ! Accès au site : fr.design-platform.org.

Photo © Gorenje

La Revue du Design — Wed, 23 Sep 2009 11:10:55 +0000

Photo © Gorenje

La Revue du Design — Wed, 23 Sep 2009 11:11:27 +0000

Link Design for Life

La Revue du Design — Wed, 23 Sep 2009 15:11:11 +0000

Gorenje designed by Karim Rashid

La Revue du Design — Thu, 24 Sep 2009 01:13:38 +0000

Après avoir coopéré avec le studio de design italien Pininfarina et le français Ora-Ïto, le groupe Gorenje a décidé de faire appel au prolifique Karim Rashid, designer star adepte des courbes et des couleurs flashy, pour "relooker" ses appareils électroménagers. Dévoilée sur le salon IFA en début de mois, cette collection est intitulée ""Gorenje designed by Karim Rashid". Elle propose notamment de placer un éclairage par LED dans les poignées des différents modules. Moins colorée, mais plus novatrice, est l'idée de remplacer, sur la table de cuisson, les traditionnels cercles des brûleurs par des courbes fluides, rappelant des modèles topographiques (voir image présentée en haut de l'article). Voici ce que le designer nous dit de sa collaboration avec le groupe: “I have wanted to design appliances for ages. It was a great exercise in rethinking the banal. Too often we are relegated to tired archetypes. Design is about shaping contemporaneity. Design is critical to our environments, to our daily experiences, our products, our everything,” comments Karim Rashid and adds: “Everything needs to be designed, from our airplane interiors to our shampoo bottles to our money. We need to beautify this planet in every aspect, in every corner of the earth.” Sources : kbculture.blogspot.com, gorenjegroup.com.

La Starck's academy... c'est parti

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 01:57:35 +0000

Nous en avions parlé dans un ancien article, alors que le projet était encore dans les cartons... C'est maintenant parti: la Starck's academy est lancée sur la BBC, mettant en scène le maitre face à une poignée de postulants. Mais le design vu comme un show... est-ce finalement une bonne ou une mauvaise chose?

ORI sto © Jakub Piotr Kalinowskihttp

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:22:42 +0000

ORI sto © Jakub Piotr Kalinowskihttp

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:24:08 +0000

ORI sto © Jakub Piotr Kalinowskihttp

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:24:40 +0000

Pebble © Osko+Deichmann

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:50:00 +0000

Pebble © Osko+Deichmann

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:50:29 +0000

Pebble © Osko+Deichmann

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:50:54 +0000

Pebble © Osko+Deichmann

La Revue du Design — Fri, 25 Sep 2009 13:51:24 +0000

ORI sto

La Revue du Design — Mon, 28 Sep 2009 01:21:20 +0000

Le designer polonais Jakub Piotr Kalinowski a créé un tabouret en tôle pliée, inspiré de l'origami. Dénomé ORI sto, ce projet, encore à l'état de prototype, peut être empilé. La question de la finition et des assemblages, sur un objet aussi proche de l'épure, se pose cependant, et nous aimerions réellement voir à quoi pourrait ressembler cet objet dans le contexte d'une production industrielle. Plan technique: Schéma de fabrication: Source: dezeen.com.

Canapé et fauteuil Pebble

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 01:17:44 +0000

Le collectif Osko+Deichmann, dernièrement remarqué pour son étonnante Straw chair, présentait, lors du dernier London Design Festival, un fauteuil et un canapé édité chez le suédois Bla Station, aux formes évoquant d'imposantes pierres prises dans un filet. Intitulée Pebble ("pierre, caillou"), la gamme met en contraste une structure métallique fine et blanche, et des formes colorées plus massives. Elle décline en un canapé trois places, un fauteuil et un pouf, existant en différentes couleurs (bleu, violet, noir, gris, orange, vert, jaune). Source: blastation.se.

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:07:57 +0000

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:08:38 +0000

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:09:20 +0000

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:09:48 +0000

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:10:18 +0000

The bulb tribe © Olivia Decaris

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:12:07 +0000

Sleepy lagoon © Kazuhiro Yamanaka

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 12:58:51 +0000

Sleepy lagoon © Kazuhiro Yamanaka

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:00:03 +0000

Sleepy lagoon (drawing) © Kazuhiro Yamanaka

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:00:37 +0000

Sleepy lagoon (recherches) © Kazuhiro Yamanaka

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:01:13 +0000

Sleepy lagoon (detail) © Kazuhiro Yamanaka

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:01:48 +0000

Pioneers of change © Jean-Philippe Delhomme

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:55:22 +0000

Pioneers of change © Jean-Philippe Delhomme

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:56:04 +0000

Pioneers of change © Jean-Philippe Delhomme

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:56:33 +0000

Pioneers of change © Jean-Philippe Delhomme

La Revue du Design — Tue, 29 Sep 2009 13:57:04 +0000

Pioneers of change

La Revue du Design — Wed, 30 Sep 2009 01:57:42 +0000

L'illustrateur Jean-Philippe Delhomme, dont nous avions déjà évoqué l'excellent ouvrage Design Addicts, vient de nous faire parvenir sa dernière histoire, racontant sa visite de l'exposition Pioneers of change, organisée à New York et présentant une sélection de travaux - installations ou performances - de designers néerlandais. Visite en images, et en impressions... (Le thème principal de cette exposition était la transformation, déclinée sous différents aspects, depuis des assiettes volontairement cassées puis recollées de Lotte Dekker's jusqu'à des "rustines" de vêtements imaginées par Heleen Klopper). Plus d'images (et de textes) sur cette histoire de Jean-Philippe Delhomme sur unknownhipster.com. Et plus d'images sur l'exposition Pioneers of change sur otto-otto.com.

The bulb tribe

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 01:14:54 +0000

Minimaliste, la série de luminaires "The bulb tribe" de la jeune designer Olivia Decaris met en scène de petits personnages stylisés, réalisés à l'aide de fil électrique et d'une simple ampoule. On en trouve ainsi dans différentes positions: escaladant un mur, grimpant une table, posé à même le sol ou suspendu en l'air... Plus d'images ci-dessous. Source: oliviadecaris.com.

Ivy Chair © Satoshi Itasaka

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 09:12:31 +0000

Ivy Chair © Satoshi Itasaka

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 09:12:58 +0000

Ivy Chair (detail) © Satoshi Itasaka

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 09:13:45 +0000

u.m.a © Mathias Pladys / Michaël Radix

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 15:57:27 +0000

u.m.a © Mathias Pladys / Michaël Radix

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 15:58:13 +0000

u.m.a © Mathias Pladys / Michaël Radix

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 15:58:46 +0000

u.m.a © Mathias Pladys / Michaël Radix

La Revue du Design — Thu, 01 Oct 2009 15:59:16 +0000

Sleepy lagoon

La Revue du Design — Fri, 02 Oct 2009 01:04:02 +0000

Le designer japonais Kazuhiro Yamanaka dévoilait, lors du dernier festival londonien 100% Design, son nouveau projet de table intitulé "Sleepy lagoon", proposant une forme simple, presque archétypale, dont le plateau se dédouble d'un coté afin de permettre d'y glisser ou ranger quelques éléments. Chacune des courbes de la table a été dessinée à la main, le designer se refusant à utiliser l'informatique pour les tracer. Source: designboom.com.

concours_maif_intramuros

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 13:27:01 +0000

Pulse © Teague

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 14:42:42 +0000

Pulse © Teague

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 14:43:10 +0000

Pulse © Teague

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 14:43:40 +0000

Pulse © Teague

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 14:44:06 +0000

Pulse © Teague

La Revue du Design — Sat, 03 Oct 2009 14:44:30 +0000

L’avenir appartient aux designers-managers

La Revue du Design — Mon, 05 Oct 2009 01:54:02 +0000

Par Christian Guellerin, directeur de L'École de design Nantes Atlantique. Les écoles de design sont des écoles de management… Dire cela il y a dix ans devant les étudiants et les professeurs réunis en assemblée, c’était courir le risque de rentrer chez soi couvert de goudron et de plumes. Et pourtant, les écoles de design sont des écoles de management… de projets de design, de création et d’innovation. Si, naguère, on ne prenait en compte que les compétences techniques des étudiants, il convient aujourd’hui d’évaluer également leurs capacités à réunir et animer des groupes de techniciens, ingénieurs, marketers, philosophes, sociologues et artistes pour les faire œuvrer à l’émergence de concepts nouveaux, de solutions innovantes, de produits physiques ou virtuels inédits afin de créer de nouveaux usages. De même, les écoles se sont professionnalisées, leur objectif n’est plus de ne former uniquement des créatifs mais bien des professionnels de la création employables et évolutifs. Désormais, au-delà de la qualité des diplômes, c’est bien la qualité des emplois qu’il faut juger, en observant comment les étudiants en fin de cursus ont construit leur avenir, en vérifiant s’ils ont atteint les objectifs et projections de carrière qu’ils s’étaient fixés. Se former dans une école de design n’est plus la simple occasion d’acquérir une technique de création mais bien l’opportunité de faire un investissement professionnel qui mènera à 40 ans de création et d’innovation au service des usages, du développement et du progrès. L’enjeu est de taille car les places sont à prendre dans toutes les entreprises dont les certitudes sur les plans industriel, commercial et marketing sont remises en cause par la globalisation et les limites d’une économie au service du financier. Les designers-managers ont un bel avenir ! Christian Guellerin est directeur de L'École de design Nantes Atlantique et président de l'Association Cumulus. Il tient également un blog, intitulé Free opinion about design education. Cet article est également publié dans la newsletter Do you speak good design?

Page d'accueil du site dutchprofiles

La Revue du Design — Mon, 05 Oct 2009 08:10:50 +0000

u.m.a

La Revue du Design — Tue, 06 Oct 2009 01:02:19 +0000

Développé par les designers Mathias Pladys et Michaël Radix, le luminaire u.m.a est construit à partir d’un motif géométrique élémentaire pouvant se répéter dans l’espace. Il est en ce moment visible à la Cité du Design de Saint-Etienne, dans le cadre de l'exposition Who's afraid of Design. Composé d’éléments simples (douilles, joncs de carbone, pièces de jonction en plastique), u.m.a est modulaire et permet une infinité de montages et d’échelles, "allant d’un objet de taille domestique à une architecture plus imposante, proche de l’installation". La luminosité de l’ensemble est varie en fonction du nombre d’ampoules utilisées, rendant ainsi l’objet capable de s’adapter à différents usages, différents espaces.

Twelve © Naoto Fukasawa

La Revue du Design — Tue, 06 Oct 2009 08:59:13 +0000

Twelve © Naoto Fukasawa

La Revue du Design — Tue, 06 Oct 2009 09:00:15 +0000

Twelve © Naoto Fukasawa

La Revue du Design — Tue, 06 Oct 2009 09:00:44 +0000

Ivy Chair

La Revue du Design — Wed, 07 Oct 2009 01:10:03 +0000

Dessinée par le japonais Satoshi Itasaka, la Ivy Chair est composée d'une structure métallique sur laquelle sont fixées un ensemble de "plumes" ou de petites "feuilles" synthétiques, donnant à l'ensemble un aspect duveteux. Comme le lierre qui court sur une maison, cette "végétation" semble avoir envahi librement l'armature de la chaise. Elle est censée, selon le designer, nous projeter en pleine nature lorsque nous nous y asseyons, et nous inspirer une certaine humilité nécessaire face aux éléments. "While living in the city where nature was excluded to the utmost limit, we tend to forget the fact that we depend on the power of nature and we do not remember it until natural disaster strikes. However, I believe that we should always appreciate nature and pay respect to it essentially." Source: yankodesign.com.

Pulse

La Revue du Design — Thu, 08 Oct 2009 01:44:51 +0000

Pulse est un nouveau concept de vélo urbain imaginé par l'agence de design industriel américaine Teague. Il permet notamment d'indiquer ses changements de direction à l'aide de clignotants incorporés, commandés à partir du guidon. Les pédales sont quant à elles équipées d'un léger contrepoids, qui leur permet de rester toujours horizontales. Vous pourrez trouver davantage d'informations concernant ce projet sur pagegangster.com Source : core77.com.

Dutch Profiles

La Revue du Design — Fri, 09 Oct 2009 01:12:38 +0000

Découvert sur Muuuz, Dutch Profiles est un site présentant un ensemble de vidéos dédiées aux designers, architectes, graphistes et créateurs de mode néerlandais. On y retrouve, entre autres, des séquences consacrées à MVRDV, Jurgen Bey, Claudy Jongstra, Paul Mijksenaar, Marlies Dekkers, Alexander van Slobbe... Commissionné par le Dutch Design Fashion Architecture program, ce travail de promotion et de mise en valeur d'une création nationale, devenue presque un "label", aurait de quoi inspirer nos institutions... Lien: dutchprofiles.com.

Stuff © Marina Ralph

La Revue du Design — Fri, 09 Oct 2009 13:00:18 +0000

Stuff © Marina Ralph

La Revue du Design — Fri, 09 Oct 2009 13:00:45 +0000

Twelve

La Revue du Design — Mon, 12 Oct 2009 01:01:37 +0000

Dessinée par Naoto Fukasawa pour Issey Miyake Watches, la montre Twelve se réduit à un cercle contenant un dodécagone dont les différents sommets marquent les heures. Elle se décline en plusieurs finitions et coloris. Entre épure et abstraction, symétrie et déséquilibre, Naoto Fukasawa réussit ici un jeu d'équilibre formel particulièrement réussi. Source : timefy.com.

Stuff

La Revue du Design — Tue, 13 Oct 2009 01:57:55 +0000

Stuff est une armoire dont les faces latérales se distendent à mesure que le meuble est rempli. Conçu par Marina Ralph, Stuff est un prototype qui fut présenté durant le dernier London Design Festival. Il se compose d'une armature en sycomore, recouverte d'une peau en latex. Source : dezeen.com.

Table Eco-effective © Sascha Nordmeyer

La Revue du Design — Tue, 13 Oct 2009 11:37:00 +0000

© Sascha Nordmeyer

La Revue du Design — Tue, 13 Oct 2009 11:37:37 +0000

Tout est design ?

La Revue du Design — Wed, 14 Oct 2009 01:52:23 +0000

Par Jocelyne Leboeuf, directrice des études à l’Ecole de Design de Nantes Atlantique "Tout est design, c’est une fatalité" (Ettore Sottsass, Le Monde, 30/08/2005). Le designer italien Ettore Sottsass (1917-2007) affirme que "la première femme de la Préhistoire qui fait un collier avec des coquillages fait du design". La naissance du design remonterait donc aux origines de l’humanité, aux premières activités artisanales, alors que l’élaboration et la réalisation d’un objet étaient le fruit d’un travail expérimental directement sur le matériau. Cependant, l’avènement du design dans son acception moderne d’activité de conception comme étape préalable à toute réalisation, est traditionnellement situé au moment de la Renaissance. Jean-Pierre Boutinet ("Psychologie des conduites à projet(1)") explique qu’"une préparation méthodique concrétisée dans un travail de conception" apparaît dans l’architecture au moment du Quattrocento italien pour faire face à la montée de la complexité (nouveaux modes de construction, spécialisations professionnelles). C’est l’avènement du projet architectural moderne, d’une méthodologie du disegno, c’est-à-dire une méthodologie de l’anticipation de l’œuvre à réaliser (…) au service d’un idéal, d’une ambition (…)". Bernhard E. Bürdek(2) explique également que le dictionnaire d’Oxford situe l’apparition du concept de design au XVIe siècle, selon une définition qui associe dessein et dessin, comme étape d’anticipation de l’œuvre à réaliser. Le disegno dans les théories de l’art à la Renaissance italienne signifie bien à la fois dessin et dessein, insistant sur l’activité intellectuelle de l’artiste. C’est ainsi que le définit l’artiste Vasari dans son ouvrage "Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes(3)". A côté du verbe to draw pour dessiner, tracer, les Anglo-saxons ont gardé dans le mot design le double sens de conception et mise en forme, alors que l’ancien mot français dessein ou desseing qui avait également le même champ sémantique que le mot anglais, a conservé uniquement la signification de projet, d’intention, laissant au dessin le soin de signifier l’acte de dessiner. Un mot à contextualiser Comprendre à quoi renvoie le terme design nécessite en fait de comprendre le contexte de son énoncé, variable selon les époques, les cultures et les centres d’intérêt des interlocuteurs. Retenons que dans la culture française actuelle des media, le mot design est souvent utilisé comme adjectif – un meuble design – ce qui en général sous-entend un meuble "tendance", "futuriste", "original", un meuble de créateur qu’on ne trouvera pas dans la grande distribution. Il y aurait donc des objets designés et d’autres qui ne le seraient pas, tout ne serait pas design, contrairement à l’affirmation de Sottsass. Ce qu’on apprend dans une école de design Dans une école de design aujourd’hui, on apprend que le design est une activité de conception qui implique un large éventail de métiers et a pour finalité d’améliorer la qualité fonctionnelle et esthétique des produits, services et espaces de notre monde, d’apporter de l’innovation, des propositions nouvelles en rapport avec l’évolution des technologies, des modes de vie et usages, des enjeux économiques et des problématiques environnementales. On y apprend que les métiers du design sont intégrés à d’autres métiers, au sein d’équipes pluridisciplinaires avec les différents acteurs d’un projet (équipes de marketing, ergonomes, ingénieurs, sémiologues…). On y apprend également son rôle économique. Les entreprises attendent avant tout que le design leur apporte innovation et compétitivité. La définition internationale de l’ICSID (International Council of Societies of Industrial Design – 2002) insiste sur le design comme "principal facteur d’humanisation innovante des technologies" et comme "moteur essentiel dans les échanges économiques et culturels". Les inquiétudes face aux problèmes environnementaux et les engagements actuels pour un "développement durable" recentrent sur la dimension éthique de l’acte de design. Un certain nombre de voix se sont déjà élevées pour mettre en garde contre une récupération superficielle du phénomène qui n’a pas mis longtemps à nous inventer un "style développement durable". La valorisation de l’impact médiatique, dans une profession où le romantisme de l’artiste créateur reste très présent, permet de comprendre que les apprentis designers soient tentés par cette voie rapide… On les comprend et la nécessité actuelle de communiquer pour exister ne peut d’ailleurs que les encourager dans ce sens. Aux écoles de jouer leur rôle pour que les futurs designers ne prennent pas des vessies pour des lanternes! Notes : 1 – Jean-Pierre Boutinet, Psychologie des conduites à projet, P.U.F., coll. Que sais-je? 2770, Paris, 1993 (réed. 2006). 2 – Bernhard E. Bürdek, Design, History, Theory and practice of product design, Birkhaüser, Publishers for Architecture, Basel, Boston, Berlin, 2005. 3 – Vasari d’Aresso (1511-1574). Une première version de l’ouvrage parut en 1550 par l’imprimeur du duc de Toscane Lorenzo Torrentino. Une version complétée fut publiée à Florence en 1568 par Jacopo Giunti. Cet article est également consultable sur le blog de Jocelyne Leboeuf, intitulé Design et histoires.

Eco-effective

La Revue du Design — Thu, 15 Oct 2009 01:32:54 +0000

Le designer Sascha Nordmeyer recevra en novembre prochain, à Singapour, le prestigieux prix "Red dot: best of the best 2009" dans la catégorie "Design concept" pour sa table biodégradable Eco-effective, conçue selon le principe de développement durable "Cradle to Cradle". Cette table possède quatre pieds identiques réalisés en "bois liquide" Arboform, un thermoplastique à base de résine et de fibres naturelles. Celui-ci, élaboré à partir de lignine (une substance organique qui imprègne les fibres du bois et les rend imperméables et rigides), se coule ou se moule comme un thermoplastique traditionnel à cette différence près qu'il est totalement naturel. De point de vue de sa biodégradabilité, Arboform se dégrade d'ailleurs en dégageant la même quantité de CO2 que celle absorbée par les plantes lors de leur croissance. Ce projet, ainsi que 16 autres, ont été distingués parmi 2733 entrées provenant de 56 pays. Quelques images de croquis de recherche:

Paradise © Jean-Marc Gady

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 09:03:28 +0000

Tabourets démoulables © 5.5 Designers

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 09:04:25 +0000

Soleil couchant Robert Stadler

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 09:29:21 +0000

Design en fiche

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 09:32:41 +0000

L’Express.fr a demandé à Jean-Marc Gady, Robert Stadler et les 5.5 Designers d'imaginer trois "recettes" de design à faire soi-même. Opérons un rapide retour en image sur cette initiative, qui ne manquera pas de poser quelques questions sur la relation designer/utilisateur. Jean-Marc Gady a imaginé, tel un nuage, une suspension faite de simples boules de polystyrène. "Paradise est un nuage formé avec des boules de polystyrène. Cet objet m’a été inspiré par l’univers du cinéaste Miyazaki. On peut le suspendre au plafond ou le poser sur une table. Il s’illumine grâce à une source de lumière distincte..." Les 5.5 Designers ont pris la thématique de la "recette", proposé par l'Express, au pied de la lettre, proposant d'utiliser nos divers moules de cuisine pour réaliser des tabourets aux assises en béton… "Nous cuisinons bien plus que nous n’allons au restaurant et à l’inverse nous fabriquons très peu d’objets par rapport à ce que nous achetons. Nous proposons donc une cuisine d’objets avec des recettes à s’approprier selon son goût. Cette série de tabourets, faits à partir de différents moules à gâteaux ou de plats, en est un exemple." Et enfin, Robert Stadler a imaginé un décor façon coucher de soleil à composer soi-même, à l'aide de quelques bandes d’adhésif. "Cette création, que j’ai baptisée Permanent Sunset, est un tableau réflecteur de lumière que l’on éclaire avec une lampe. Il suffit de découper et de coller des bandes de ruban adhésif brillant sur un mur. J’ai choisi un dessin volontairement kitsch, qui permet de profiter d’un coucher de soleil à toute heure, mais chacun peut créer son propre dessin." L'initiative, si elle est originale et ludique, pose plus largement la question des relations que peuvent entretenir les designers et les usagers de leurs créations. En effet, souvent séparés par tout un process industriel (étant même situé à un bout et à l'autre de la chaîne de conception/production/utilisation d'un objet), le designer et l'utilisateur n'ont que relativement peu d'occasions de se "rencontrer". Ici, l'initiative nous rappelle par certains aspects les travaux des artistes conceptuels, qui donnaient eux aussi parfois les "recettes" de leurs créations, ou tout du moins laissaient entendre que l'élément principal d'une oeuvre était moins sa réalisation que l'idée qui l'avait guidée. En est-il autant du design, et celui-ci peut-il justement se résumer à des recettes ? Posée comme cela, en sous-entendant que le design peut s'abstraire de son contexte de fabrication tout comme l'art conceptuel avant lui, la réponse semble être clairement non. Par contre, si l'on met de côté le jugement purement esthétique des objets produits, et si l'on envisage que le cadre domestique peut se substituer en tant que tel à un lieu de production, intégrant ses outils et acteurs et définissant par là même de nouveaux modèles économiques dans lesquels les designers entrent dans une relation plus directe avec les destinataires de leurs créations, la réponse est moins évidente... Alexandre Cocco Source: deco-design.biz.

A drop of water. Photo © Astrid Zuidema

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:11:21 +0000

A Drop of Water © Bas van der Veer

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:13:46 +0000

A Drop of Water © Bas van der Veer

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:14:55 +0000

A Drop of Water (detail) © Bas van der Veer

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:15:16 +0000

One-to-two © Nathalie Nebout / Thorsten Van Elten

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:41:40 +0000

© Nathalie Nebout

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 11:48:39 +0000

Arc table © Foster+Partners / Molteni

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 12:07:11 +0000

Arc table © Foster+Partners / Molteni

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 12:07:32 +0000

Arc table (detail) © Foster+Partners / Molteni

La Revue du Design — Mon, 19 Oct 2009 12:07:51 +0000

Une goutte d'eau...

La Revue du Design — Tue, 20 Oct 2009 01:10:57 +0000

Bas van der Veer, jeune designer néerlandais ayant suivi un cursus à la Design Academy Eindhoven, a récemment présenté, durant la Dutch Design Week, un projet intitulé A Drop of Water ("une goutte d'eau"), consistant à recueillir l'eau de pluie pour l'arrosage des plantes. Ce récipient, en forme de goutte d'eau, peut être fixé directement sur une gouttière. Il contient un arrosoir en partie haute, qui se rempli en premier et dont le surplus d'eau se déverse dans une citerne située en partie basse, contenant également un robinet. Source : dezeen.com.

La contribution française à la création d’une organisation internationale du design après la Deuxième Guerre mondiale

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 01:33:14 +0000

Par Jocelyne Leboeuf, directrice des études à l’Ecole de Design de Nantes Atlantique Sur le modèle de réunions qui eurent lieu à Londres, en 1951 et à Darmstadt, en 1952, l’ouverture internationale, prônée dès sa création par l’Institut d’Esthétique industrielle (1), se concrétise par l’organisation à Paris, en septembre 1953, d’un important congrès. Le thème « Beauté, Bien-être et source de richesses » en résume l’ambition. Jacques Viénot (2) y propose la création d’un « Comité de liaison internationale d’Esthétique industrielle, première étape conduisant à la fondation en 1957 de l’ICSID (International Council of Societies of Industrial Design). Le congrès de 1953 marque une volonté forte de défendre la France, à une période où le pays était fragilisé tant internationalement que sur le plan intérieur. Beaucoup de voix s’étaient déjà élevées avant la guerre pour que la France ne fût pas, selon l’expression utilisée par Jacques Viénot dans son allocution aux congressistes, « une embusquée des temps modernes, eine Drückerbergerin der moderne Zeit… »(3). Le Congrès International d’Esthétique industrielle, Paris, 1953 Le Congrès International d’Esthétique industrielle, organisé à Paris, en 1953, dont Jacques Viénot fut le commissaire, comportait un important programme de conférences organisé en trois sections. La première portait sur l’esthétique et son rôle dans la conception et la création, la seconde était consacrée à l’énergie et aux transports, la troisième regroupait les thématiques de l’usine, du bureau et de l’habitation. La liste des congressistes comporte 70 interlocuteurs étrangers officiels venant de 13 pays. L’Europe est largement représentée par l’Italie, l’Allemagne, la Grande-Bretagne, la Belgique, les Pays-Bas, la Suède, la Suisse et l’Autriche. Hors Europe, nous trouvons des représentants des États-Unis, du Canada, du Liban, de l’Inde et de la Colombie. Le Congrès était présidé par Georges Combet, directeur général de Gaz de France et co-fondateur avec Jacques Viénot de l’Institut d’Esthétique industrielle en 1951. Les vice-présidents étaient Gordon Russel, directeur du Council of industrial design et Louis Longchambon, professeur à la Faculté des Sciences de Nancy et président de l’Institut d’Esthétique industrielle. L’architecte Pierre Vago et le décorateur Jacques Dumond présentent un projet de Fédération internationale des organismes d’esthétique industrielle qui amorce la structuration des échanges entre les différents pays industrialisés. Lors d’une conférence à Liège en 1954 (4) , Jacques Viénot explique que l’appellation est trop emphatique. Finalement, l’idée retenue est celle d’un Comité de liaison internationale. Son président, Pierre Vago, est également un pionnier de l’Union internationale des architectes, créée en 1948 à Lausanne. D’emblée, un certain nombre de points de discussion apparaissent. Les Américains projetaient dans le Comité des intérêts avant tout corporatistes, l’élaboration d’un calendrier international des expositions, un répertoire international de la profession et la création d’une documentation internationale. Le point de vue défendu par Jacques Viénot allait au-delà des avantages pratiques. Il s’agissait de défendre non seulement une profession, mais surtout les principes mêmes de l’esthétique industrielle. Il lui semblait donc important que les syndicats professionnels fussent représentés, ainsi que les « instituts, qu’ils soient d’État ou privés, ou subventionnés ». Il défendit cette position au Congrès de la Triennale de Milan de 1954, « en vue de susciter de la part des Italiens la constitution d’un organisme : institut ou syndicat ou les deux, comme en Grande-Bretagne et en France, qui représente leur pays ». Après avoir mis en valeur le rôle officieux de l’Institut français avant même que le Comité international n’existât, il demandait aux Belges, dans son allocution de 1954, de rejoindre le point de vue des Français. L’extrait suivant de son discours permet de situer précisément sa position : « (…) Au début de l’année, les Hollandais nous annonçaient qu’ils projetaient une manifestation consacrée à l’Esthétique industrielle dans le cadre de leur exposition de l’Énergie, à Rotterdam, en septembre prochain. Nous leur représentâmes que le professeur Bartning, au nom du Rat für Formgebung, avait, à l’issue du Congrès de Paris, retenu cette date pour un Congrès à Darmstadt, et qu’il serait fâcheux que les deux manifestations se fassent concurrence. Les Hollandais obtinrent des Allemands qu’ils se récusent. Les Suédois devaient ensuite obtenir des hollandais qu’ils se récusent à leur tour au profit de leur exposition d’Helsingborg de 1955. Ceci montre très objectivement l’intérêt d’une liaison internationale organisée — liaison dont le Congrès de Milan aurait eu un grand avantage à pouvoir bénéficier. Organisé, en quelque sorte, « à la sauvette », ce congrès, en effet, ne connut pas l’audience internationale qu’il méritait d’avoir. Si la délégation belge était forte de 65 personnes, il n’y avait qu’un Anglais, un Suisse et un Français et plusieurs pays importants comme l’Allemagne et la Hollande, ne semblent pas y avoir été représentés. Je pense, pour conclure, que la Belgique aura intérêt à ne pas se tenir éloignée de ce comité de liaison et souhaite qu’elle accepte le point de vue français, dont le caractère non limitatif doit, pensons-nous, rallier, en fin de compte, l’adhésion des différents pays intéressés. Je souhaite donc, sinon pouvoir remporter son accord, à ce sujet, dès ce soir, du moins l’obtenir dans un proche avenir. » Le Comité de liaison En 1955, le numéro 18-19 d’Esthétique industrielle annonce enfin la constitution du Comité de liaison. À la demande de Jacques Viénot, Pierre Vago pour la France, Peter Muller-Munk pour les États-Unis et Misha Black pour la Grande-Bretagne, se mettent d’accord pour être les animateurs du Comité et inviter les pays suivants : Hollande, Suisse, Suède, Belgique, Canada, Allemagne, Japon et Inde, qui possédaient déjà des organismes professionnels. Une réunion constitutive à Paris les 13 et 14 avril 1956 établit Jacques Viénot comme fondateur du Comité. Le designer Muller-Munk est élu président. Le vice-président est Misha Black, de la Society of Industrial Artists, le secrétariat général est assuré par Pierre Vago et le rôle de trésorier est proposé au Belge Robert Delevoy, professeur à l’École Nationale Supérieure d’Architecture et des Arts décoratifs de Bruxelles. Lors d’un dîner d’accueil des représentants étrangers, après avoir été remercié par Jacques Viénot pour avoir su plaider la cause de l’intérêt du Comité auprès de l’American Society of Industrial Designers, Muller Munk insistait sur l’importance d’ établir un code moral de la profession par les membres du syndicat américain et il remerciait Jacques Viénot et Pierre Vago pour leur « admirable patience, leur prévoyance et enthousiasme contagieux ». Aspen, 1956 Un important congrès international (près de sept cents congressistes) fut ensuite organisé à Aspen du 23 juin au 1er juillet 1956. Celui-ci fit l’objet d’un compte-rendu dans le numéro 23 d’Esthétique industrielle par M. Fitch, professeur d’architecture à l’université Columbia de New York. Trois thèmes sont traités : « le styliste industriel et la direction commerciale », « la pratique du stylisme » et « l’enseignement de l’esthétique industrielle ». La référence aux modèles scientifiques, revendiquée par une discipline qui doit se démarquer des beaux-arts, amène l’auteur de l’article à apprécier une rigueur d’organisation où les discours des orateurs sont imprimés et distribués à l’avance, permettant d’éviter « le verbiage désordonné habituel aux réunions d’artistes ». Il fait référence à trois discours « particulièrement remarquables », ceux de l’Anglais Misha Black, du Français Jacques Viénot et de l’Américain Gordon Lippincoat. L’Américain et le Français sont en accord sur leur rejet du « new look » ou du « modèle de l’année ». À l’argument moral contre le « piège tendu » à l’usager s’ajoute l’argument économique de « mauvaises affaires » pour la société productrice qui finit par faire les frais de mauvais modèles. Lippincoat prône une politique cohérente sur le long terme, « à l’instar de ce qui se fait déjà dans le domaine des finances, de l’expansion, de la recherche, etc. » Ces prises de position jettent le trouble parmi les congressistes américains, qui tendent à assimiler le rejet du « modèle de l’année » à un rejet du progrès. À ceux-ci, Jacques Viénot réplique qu’ « en aucun cas un changement n’est synonyme de progrès ». La question du « bon modèle » fit l’objet aussi de nombreuses discussions dominées par le fil conducteur des théories fonctionnalistes. Les propos retenus par Fitch portent sur l’exemplarité du travail artisanal, affirmée par le Suédois Arthur Hald et le Japonais Asaba : « intégration des facteurs déterminant la forme », « pureté absolue d’une forme achevée où le maximum des possibilités d’expression est tiré d’un matériau ». Mais la question de l’éducation du goût du consommateur par des organismes officiels soulève le tollé chez les Américains qui dénient à l’État tout droit de regard « dans les domaines autres que ceux de la guerre et des impôts ». Anatol Rapaport, de l’université du Michigan, et Mortimer J. Adler, de l’université de Chicago, pensent que leurs contemporains sont plus aptes à juger d’un modèle que ce que l’on peut penser. Ils s’en remettent à l’enseignement artistique pour élever le niveau. Leurs vues divergent cependant quand le philosophe Adler établit une distinction entre « les “arts libéraux” (poésie, musique, mathématiques) et les “arts serviles” (architecture, stylisme industriel – toute activité qui trouve sa résultante dans une œuvre qui rend un service biologiquement utile) ». La distinction fait bondir évidemment Jacques Viénot, qui déclare que personne en France n’oserait utiliser le mot « servile » pour désigner l’esthétique industrielle. Dans l’ensemble, la plupart des questions portent sur la responsabilité sociale des créateurs, les places respectives de l’intuition et de la rationalité, de la tradition et du contemporain, de l’identité nationale et de l’internationalisme. On en retiendra un consensus sur les interrogations et les doutes qui ont accompagné les propositions de la modernité dans sa volonté de donner du sens au développement des sociétés industrialisées. John Fitch regrette qu’il n’y ait pas eu de femme à prendre la parole, si ce n’est dans les débats et que personne n’ait présenté « le point de vue du consommateur, objet final de tous nos efforts ». Cette dernière remarque est tout à fait significative d’un point important soulevé par Paul Greenhalgh dans « Modernism in Design » : « The Modern Movement was concerned almost wholly with means of production rather than with consumption ; the perfection of production would lead to a higher form of society. Designers were in effect to be the equivalent of Plato’s “Philosopher Kings” »(5). On y décèle les contradictions qui vont émerger avec le développement de la société de consommation, entre la morale fonctionnaliste qui rejette le « new-look » et la loi du marché. L’International Council of Associations of Industrial Designers, Londres 1957 Les 27 et 28 juin 1957, l’assemblée constitutive de l’Union internationale des Stylistes industriels se réunit à Londres. Aux côtés des États-Unis, de la France et de la Grande-Bretagne, sont invités l’Italie, la Suède, le Danemark et la Norvège. Les statuts prévoient que les « organismes de propagande » contrôlés par l’État ne peuvent être membres actifs. Les modalités d’élection reposent sur l’attribution de trois voix à chaque pays, pouvant représenter trois associations professionnelles. Les représentants français sont Pierre Vago pour l’Institut, Jacques Viénot pour le Syndicat des stylistes et Jacques Hermant pour Formes Utiles. Les Français et Italiens ne réussissent pas à convaincre les Anglo-Saxons d’ouvrir l’association à la presse professionnelle, à l’enseignement ou toute autre activité intéressant l’esthétique industrielle. L’appellation anglaise est retenue et l’association devient l’International Council of Associations of Industrial Designers. Ces événements sont relatés dans le numéro 28 de la revue Esthétique avec le commentaire suivant : « Nous souhaitons qu’elle apporte aux relations internationales dans le domaine de l’esthétique industrielle tous les bienfaits qu’on est en droit d’en attendre, bien qu’elle se soit sensiblement écartée des principes formulés par Pierre Vago et Jacques Dumond lors du Congrès de Paris qui fut à l’origine de ce groupement ainsi que se plurent à le rappeler Peter Muller Munk et Pierre Vago dans leurs discours d’inauguration » (6). Une correspondance entre Muller Munk et Jacques Viénot (7) , dans les années 1957 et 1958, permettent de comprendre quelques épisodes suivants de la formation de l’ICSID. L’Américain, dans un courrier daté du 8 août 1957, défend une position réaliste et pragmatique face à l’idéalisme du fondateur du Comité de liaison. Il s’excuse d’avoir dû rappeler à l’Institut l’obligation de régler sa cotisation au Comité, mais dit-il, « I tried to have our house in order and I felt it was my duty to the international organization to act quite impersonally and not to have friendship influence my actions ». Pour les mêmes raisons, il ne partage pas l’avis de Jacques Viénot, qui consistait à trouver « futile » les décisions de l’ « executive committee » de Londres de s’assurer des possibilités de financement des différentes délégations internationales. Il lui rappelle qu’aux USA « we (…) first have to prove that we are doing is worthwhile before we can get substantial financial support ». Enfin resurgit le débat déjà évoqué sur le fait que les Américains défendent une représentation à caractère professionnel pour les membres votants. Muller Munk propose aux Français que le Syndicat des stylistes et Formes Utiles soient « active membership », tandis que l’Institut serait « associate non-voting memberships ». Le statut de l’Institut comme membre actif est finalement confirmé dans un courrier daté du 8 avril 1958. On y apprend également que les statuts de l’organisation internationale doivent être ratifiés lors d’une première assemblée à Copenhague, en 1959 : « May I take this occasion to express the hope that you and your colleagues will take an active part in helping us to make our organization a truly democratic and representative forum for those leaders who have recognized industrial design as a vital force in our industrial and political economy. It is our earnest hope that by a free exchange of opinions and through a sharing of professional experience, our Council will be able to establish professional standards to which we will all adhere and which will contribute to the recognition of our young profession, both at home and abroad. » Peter Muller Munk rajoute que Jacques Viénot sera sûrement heureux d’apprendre que l’ICSID doit être officiellement enregistré à Paris, alors que le compte bancaire le sera à New York. Cette dernière remarque fait allusion aux protestations du Français qui a le sentiment que le rôle du Congrès de Paris, dans la fondation de l’organisation internationale, est oublié par les Anglo-saxons. Il écrit au rédacteur de la revue anglaise Design, le 6 septembre 1957 : « Ayant, lors du Congrès de Paris de 1953, demandé à mes collègues Pierre Vago et Jacques Dumond de proposer la création d’un organisme de Liaison Internationale d’Esthétique Industrielle, dont le principe a été admis par les représentants de six pays différents, le texte de cette proposition et les débats dont elle a été l’objet ont été publiés dans le Rapport Général du Congrès p. 63 et dans le n° 10/11/12 de la Revue Esthétique industrielle p. 28. (Inclus papier à lettre que nous avons utilisé pendant près de trois ans pour la correspondance internationale ayant pour objet la constitution de ce Comité de Liaison Internationale devenu IRCID). Je vous rappelle, d’autre part, que dans cette même revue, n° 22 p. 33, nous avons publié le compte-rendu de la séance d’inauguration qui s’est tenue à Paris en avril 1956. Cela vous expliquera que j’aie été très surpris de vous voir donner le mérite de l’initiative aux U.S. et U.K. alors qu’il revient de façon indiscutable à l’Institut d’Esthétique Industrielle de Paris, ainsi que Pierre Vago l’a d’ailleurs rappelé dans son allocution à Londres. Si je me suis formellement récusé en tant que Président et que j’aie proposé personnellement la composition de l’actuel bureau (…) qui a été acceptée en avril 1956 à Paris à titre provisoire, et à Londres les 27/28 juin à titre définitif (ces précisions ont été rappelées dans le compte-rendu paru sous la rubrique INFORMATIONS dans le n° 28 de juillet 1957 de la revue Esthétique industrielle), je suis fâché que le long travail préparatoire 1953-1956 qui a été nécessaire pour aboutir au résultat dont vous reconnaissez l’intérêt, soit si facilement oublié, et que l’on en attribue à d’autres le mérite. Je pense que vous trouverez équitable et sportif de rétablir la vérité à la prochaine occasion et d’avance je vous en remercie. » Les polémiques se poursuivent. Un courrier de Muller Munk à Jacques Viénot, daté du 13 février 1958, permet de le constater. L’Américain regrette en effet que, dans la revue Esthétique industrielle numéro 30 (8) , soit reproché au Comité exécutif de l’ICSID, lors d’une réunion à Londres en 1957, d’avoir oublié le rôle de la France. Il cite un extrait de son allocution : « The first serious approach to an evaluation of Industrial Design on an international scale probably goes back to the International Congress of 1953 in Paris, organized under the auspices of the French Institut d’Esthétique Industrielle, and sparked by the tireless initiative of Jacques Viénot… It was Jacques Vienot’s perseverance which created a platform for the discussion and analysis of these problems in 1953, and the support of our French colleagues has continued to provide us with the clean logic and brilliant analysis which remain part of the heritage of their beautiful and troubled country. » Les tensions révélées par ces échanges épistolaires révèlent la volonté de Jacques Viénot de défendre une spécificité française de la création industrielle, telle qu’elle était définie par la notion d’esthétique industrielle. Il reproche aux Américains d’avoir fait du « beau une tactique ». L’expression esthétique industrielle traduit ce « supplément d’âme, que réclamait Bergson, pour que notre civilisation devienne digne de nous ». Ce discours, tenu aux Belges en 1954, affirme une confiance dans le rôle de guide moral et intellectuel des Européens : « Si les producteurs et les marchands, pour une fois, devancent l’intellectualité, ne nous appartient-il pas, à nous, Européens surtout, de dégager ce qu’il y a de valable dans leur initiative, ce qu’il y a de satisfaisant pour l’esprit dans un effort d’humanisation du machinisme (…) » (9) De l’Esthétique industrielle à l’Industrial design Pour cela, il faut bien s’entendre sur le sens des mots et les difficultés de traduction en révèlent toute la complexité. Dans son courrier du 13 février 1958, Muller Munk félicite Jacques Viénot de s’attaquer au problème en proposant l’établissement d’une traduction en trois langues (anglais, allemand, français) des termes se rapportant à l’ « industrial design ». Il est gentiment taquin lorsqu’il lui demande d’être « fair play » en rectifiant la vérité sur l’ « oubli » de Londres que nous venons de mentionner, « two words which, as far as I know, are non-translatable, although we all know what they mean ». Il entre dans la polémique, en affirmant son désaccord sur certaines propositions concernant les équivalents proposés entre l’Allemand et l’Anglais, après avoir souligné combien il était important de tenter de résoudre ces problèmes : « Formgeber and Formgestalter do not necessarily translate into “designer” and “industrial designer”. Formgefuhl would not necessarily be “formalistic sense” in English and, certainly Formgesetze is not “laws of good design” in English because the “good” is not part of the German word. Formgebung is not “design for crafts” because the crafts are not included in the German word. Produktform is certainly not “industrial design” in English but something quite different. Lastly, schön geformt is not “well designed” as “schön” and “well” are not the same things, and your French translation is even different. » La bataille est perdue pour le terme « esthétique industrielle » au niveau de l’ICSID lorsqu’en septembre 1959, fut proposée l’adoption du terme « industrial design » même si, selon le témoignage de Munk, les Américains considèrent aussi l’expression « comme limitative ». Il rajoute cependant : « (…) elle semble plus heureuse que celle utilisée en Allemagne (Industrie Formgebung), en France (Esthétique Industrielle), en Italie (Stile Industria) » (10). En arrière plan des difficultés de traduction, se profilent les différents courants des théories fonctionnalistes, qui vont des définitions strictement utilitaristes aux versions idéalistes et spiritualistes, que celles-ci soient sous la pensée dominante d’une philosophie du beau ou sous celle de la rationalité scientifique ou « organique » (11). Se devinent déjà tous les débats qui agiteront la profession dans les années 1960-70 où le fonctionnalisme sera accusé tantôt d’avoir réduit les besoins sociaux à la stricte fonctionnalité, tantôt d’être source de banalisation et d’uniformisation de l’environnement humain. Il sera de fait autant considéré comme révélateur d’une forme de violence des sociétés industrielles qu’incapable de répondre à la logique même de développement de ces sociétés par incapacité à intégrer les besoins d’une « société du désir » (12) dans une économie de l’ « opulence » (13). A contrario, il continuera d’être revendiqué comme « principe révolutionnaire qui appelle le progrès en tant que retour aux vraies fonctions de la vie ». Retour à une éthique donc, qui refuse que la « valeur d’échange » manipule « la valeur d’usage » « en vue de sa rentabilité optimale » (14). Le design industriel, le marché et l’État Les débats franco-américains évoqués entre Jacques Viénot et Muller Munk, mettent en relief également des prises de position différentes par rapport à l’économie de marché et au rôle de l’État. Dans la revue « Product Engineering » du 14 décembre 1959, Peter Muller Munk parle de l’assistance dont ont bénéficié les pays de l’Europe de l’Ouest, de la part de leur gouvernement dans la promotion de l’esthétique industrielle, assistance « tellement nécessaire que l’esthéticien industriel moyen en Europe trouve difficile de croire que les Américains se soient lancés dans cette voie sans aide semblable. Mais le comité de rédaction de la revue Esthétique industrielle qui publie cet article rétorque que, si les autres pays européens ont certes apporté leur aide, « la France se singularise par l’indifférence officielle ». Le mouvement est dû à « l’initiative privée et à la foi désintéressée d’une petite élite » (15). L’article de Peter Muller et les réponses du comité de rédaction d’Esthétique industrielle, ainsi que de Paul Reilly, qui a remplacé Gordon Russel à la direction du Council of industrial Design, offrent une idée de la teneur des débats en ce début des années 1960 sur la situation du design industriel par rapport au contexte économique, à l’attitude des entreprises et à la position des acteurs d’un nouveau métier. Peter Muller considère que la principale influence des États-Unis sur les Européens ne réside pas dans des questions stylistiques, mais dans les réalisations industrielles et qu’il reste à « leur montrer que les méthodes américaines de fabrication peuvent aussi s’appliquer à des domaines moindres que le marché, la production en série ou les techniques de vente (…) » Il fait une analyse sévère de la situation européenne face au Marché Commun, considérant que les chefs d’entreprise voient toujours « la vente comme un enfer indispensable mais désagréable » et que l’esthétique industrielle dans l’Europe de l’Ouest est « encore dominée par un petit nombre de prima donna (sic) ». Il pense que même les consommateurs s’opposeraient à ce que le nom de l’« esthéticien » apparaisse dans la publicité, comme cela se fait couramment aux États-Unis. Il explique également cet état de fait par la possibilité pour un Européen d’avoir plusieurs clients dans un même domaine, ce qui ne se fait pas dans son pays. Le faible nombre de clients possibles l’y oblige d’ailleurs. Une des conséquences de cette situation est qu’il ne peut obtenir toutes les informations dont il aurait besoin, les entreprises protégeant leur savoir-faire face à la concurrence. Point positif néanmoins, une fois obtenu l’assentiment du bureau d’études, tâche difficile, il y « trouve un niveau plus élevé de compréhension esthétique et de connaissance qu’aux États-Unis ». Un autre point soulevé est celui d’une « esthétique internationale » qui pourrait se développer au détriment du potentiel créatif des différents pays, objet de discussion au Congrès de Stockholm. Peter Muller n’y croit pas et prend l’exemple de l’Europe du Moyen Âge où les convictions communes n’empêchaient pas la diversité des identités artistiques. La réponse des Français est nuancée. Ils avouent la difficulté des contacts avec les entreprises, mais « elles ne sont pas insurmontables, ni généralisées ». La responsabilité du manque de reconnaissance de l’ « esthéticien » est mise en partie sur le compte des agents en publicité, qui craignent la concurrence des nouveaux venus dans la responsabilité de l’accroissement des ventes. Concernant l’ « esthétique internationale », la position défendue est celle d’une différentiation par les créateurs et les firmes et non par une identité nationale. La réponse se termine par une note plutôt optimiste : « En Europe quelques très beaux objets se détachent au sein d’une masse de productions ternes et banales. Mieux entraînés que leurs confrères américains à un travail personnel et individuel, nos créateurs « prima donna » sont capables d’excellentes réussites, audacieuses, originales, révolutionnaires même. Or révolution s’il y a succès, signifie accroissement des ventes, mais surtout « leadership », primauté sur le plan de l’expression plastique. Un vaste champ d’action peut s’ouvrir en Europe pour l’industrie américaine (ce qui stimulerait peut-être l’apathie esthétique de l’industrie française) mais on peut envisager la réciproque, c’est-à-dire le développement de notre activité aux U.S.A. Nous disposons des éléments nécessaires, il nous suffit de les mettre en œuvre. » Paul Reilly regrette l’influence superficielle retenue par les fabricants et vendeurs européens du design américain, « thèmes d’engins interplanétaires et ailerons de vitesses aérodynamiques ». Il préfèrerait que Muller Munk ait raison sur l’influence américaine en terme d’ « ordonnancement et de développement de la production » et souhaite que les efforts soient concentrés sur « la réalisation de nouveaux modèles seulement lorsqu’une base technologique radicale le justifie ou qu’un besoin fondamental de nouveaux consommateurs l’exige ». Il renvoie l’image « prima donna » aux Américains qui jouent sur la publicité des noms de designers et pense qu’à long terme « il serait plus sain de faire tacitement accepter par l’industrie l’esthéticien comme un membre anonyme de l’équipe de production », tradition qui est celle des ingénieurs dans son pays. Il salue par ailleurs la transparence des fabricants américains, en regrettant qu’effectivement ce soit plus difficile en Europe. En ce début des années 1960, les Américains peuvent s’affirmer comme les leaders d’une profession déjà largement implantée dans les entreprises et confrontée au marché. La conscience de l’importance économique du design et de la nécessité de son développement a gagné les pays européens qui tentent de trouver un compromis entre les intérêts des fabricants et ceux des usagers, l’originalité de la création et l’intégration anonyme des « esthéticiens » dans les équipes de production, la valorisation des identités d’entreprises et celles des cultures nationales. Notes : 1 – Créé en 1951. Devient en 1984 l’Institut Français du Design. 2 – Leader charismatique du mouvement de l‘Esthétique industrielle en France. 3 – Ce texte reprend des extrait d’un ouvrage consacré à Jacques Viénot : Jocelyne Le Bœuf, Jacques Viénot (1893-1959), Pionnier de l’Esthétique industrielle en France, PUR, 2006. 4 – Jacques Viénot..., op. cit., p. 117. 5 – Paul Greenhalgh, Modernism in Design, Londres, Reaktion Books, 1990, Introduction, p. 14. 6 – Voir la rubrique « Informations », Esthétique industrielle, n° 28, 1957. 7 – Archives de l’ICSID, Bibliothèque de l’Université de Technologie de Compiègne, transmises par Danielle Quarante, auteur de Éléments de design industriel, Paris, Nouvelle édition Polytechnica, Économica, 2001, (1ère édition 1984). 8 – Extrait d’Esthétique industrielle n° 30 : « Aussi ai-je été surpris de voir, que dans le Procès-Verbal de l’Assemblée inaugurale de Londres en juin 1957, l’on avait indiqué comme fondateur les États-Unis et la Grande-Bretagne. J’y ai vu un petit manque de tact, non en ce qui me concerne personnellement, bien sûr, mais en ce qui concerne notre pays parce que c’est à Paris que cette fondation a eu lieu et que pendant 3 ans notre Institut a assumé la charge de son secrétariat (…) Je regrette un peu de n’avoir pas pris cette présidence pour au moins défendre notre priorité ou au moins notre drapeau ainsi que je m’efforce de le faire lorsque je me trouve à l’étranger (…) », Allocution du 7 octobre 1957. 9 – Esthétique industrielle, n° 15, avril-mai 1955. 10 – « Situation de l’Esthétique industrielle dans l’Europe du marché commun », Esthétique industrielle, n° 44, janv-mars 1960, p. 36. Sur la question terminologique, voir le témoignage de Pierre Vago, Une vie Intense, AAM éditions, Paris, 2000, p. 510. 11 - Dont Moholy-Nagy est un représentant. Alain Findeli (Le Bauhaus de Chicago, Québec, Les éditions du Septentrion, 1995) cite à ce sujet une déclaration de Moholy-Nagy à l’architecte Hannes Meyer à Dessau (Meyer était alors directeur du Bauhaus) en 1928 : » le précepte Form follows function doit être complété, dit-il ; la forme suit également – ou du moins devrait suivre – les développements scientifiques, techniques et artistiques existants, y compris la sociologie et l’économie » et Alain Findeli écrit : « la détermination de la fonction en termes purement technologiques et mécanistes doit s’élargir aux exigences biologiques, psychophysiques et sociales », p. 74. 12 – Il existe de nombreux écrits sur les différentes interprétations du fonctionnalisme au cours de son histoire et sur la question des significations de la culture matérielle au regard de la société de consommation. Nous renvoyons à quelques ouvrages qui traitent de ces questions: Le système des objets, Jean Baudrillard, Paris, Éd. Gallimard, 1968 – Ludwig Grote, Formes élémentaires du fonctionnalisme, in Bauhaus 1919-1969, catalogue du 50e anniversaire, Paris, Musée national d’art moderne, 1969, p. 18-29 ; Psychologie du kitsch, Abraham Moles, coll. Médiations, 1971 ; Théorie des objets, Abraham Moles, Paris, Éd. Universitaires, 1971 ; À propos du fonctionnalisme, Claude Schnaidt, texte de 1971 repris par Jocelyn de Noblet dans Design, introduction à l’histoire de l’évolution des formes industrielles de 1820 à aujourd’hui, Paris, Éd. Stock – chênes, 1974 p. 213-224 ; Fonctionnalismes en dérive, Traverses, n° 4, 1976 ; le numéro 5 de Culture technique, numéro spécial « design », avril 1981 ; L’architecture de l’école de Chicago, Claude Massu, Paris, Éd. Dunod, 1982 ; Qu’est-ce que le fonctionnalisme ? Claude Schnaidt et Emmanuelle Gallo, Archithèse, n° 1, 1988. 13 – « Dans l’économie du manque, les besoins de l’homme étaient plus grands que ses ressources : les possibilités de l’environnement restaient inférieures à la somme des besoins que l’être pouvait ressentir. Le problème était l’accès et l’acquisition. Dans l’économie de l’opulence, les éléments proposés par l’environnement sont plus nombreux que la somme des désirs possibles de l’individu. Son problème devient un problème de choix ». « Pour un néo-fonctionnalisme », Abraham Moles, Prométhée éclairé (II), Éthique, technique et responsabilité professionnelle en design, Informel, publication de l’université de Montréal, 1991, vol 4, n° 1. p. 14-21. 14 – Qu’est-ce que le fonctionnalisme ? Claude Schnaidt et Émmanuelle Gallo, Archithèse, n° 1, 1988. 15 – « Situation de l’Esthétique industrielle dans l’Europe du Marché commun », op. cit. Cet article est également consultable sur le blog de Jocelyne Leboeuf, intitulé Design et histoires.

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La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 08:15:50 +0000

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Le Clou © Stéphane Bureaux

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La Colle © Stéphane Bureaux

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Le Fleury © FX Balléry

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Fujisan © FX Balléry

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 12:42:23 +0000

Les Cloches © Germain Bourré

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Block © Delphine Huguet

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 12:47:16 +0000

Barre de Luxe © Elise Labide

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 12:48:27 +0000

Cérémonie du Chocolat © Elise Labide

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QlockTwo © Biegert & Funk

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 15:07:06 +0000

QlockTwo © Biegert & Funk

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 15:07:32 +0000

QlockTwo © Biegert & Funk

La Revue du Design — Wed, 21 Oct 2009 15:07:57 +0000

One-to-two

La Revue du Design — Thu, 22 Oct 2009 01:42:03 +0000

One-to-two est un tréteau pliant imaginé par la designer Nathalie Nebout, distribué par l'éditeur anglais Thorsten Van Elten. Il est composé d'une partie en chêne, sur laquelle vient se replier une autre partie en acier laqué. Pour la petite histoire, la rencontre entre la designer et l'éditeur s'est opérée très simplement, sur le stand qu'occupait Nathalie Nebout lors d'un salon IMM à Cologne. Ce projet, ainsi qu'une de ses déclinaisons, avait d'ailleurs été remarqué par le VIA dès 2006 (voir l'image ci-dessous). Designer nomade, ayant effectué une partie de ses études en France et en Belgique, passée un temps par la Nouvelle Zélande (où elle travailla avec David Trubridge), Nathalie Nebout est aujourd'hui installée en Australie, à Melbourne.

Catacaos © Frederico Otero

La Revue du Design — Thu, 22 Oct 2009 12:28:18 +0000

Catacaos © Frederico Otero

La Revue du Design — Thu, 22 Oct 2009 12:28:57 +0000

Catacaos © Frederico Otero

La Revue du Design — Thu, 22 Oct 2009 12:29:25 +0000

Catacaos © Frederico Otero

La Revue du Design — Thu, 22 Oct 2009 12:30:06 +0000

Starck pour LaCie

La Revue du Design — Fri, 23 Oct 2009 01:12:55 +0000

Le fabriquant de composants informatiques LaCie a inauguré début octobre le lancement de deux nouveaux modèles de disques durs externes, élaborés en collaboration avec Philippe Starck. Intitulés "LaCie Starck Desktop Hard Drive" et "LaCie Starck Mobile Hard Drive", ces deux objets mettent en contraste, d'un point de vue formel, une épaisse coque en aluminium semblant contenant un intérieur plus "fluide", un "magma" un peu mystérieux qui selon le créateur est une métaphore du génie informatique. Philippe Starck : "Le génie informatique est une explosion exponentielle d’une puissance inouïe dont la limite est encore inconnue. C’est une puissance sans fin, représentée symboliquement par ce magma sculptural que l’on essaye de diriger, de maîtriser dans ce coffre fort à géométrie parfaite. Symbole d’une puissance maîtrisée, d’une liberté guidée, d’un magma incandescent prenant forme dans son moule. L’interprétation est libre. Mais le mystère demeure." En plus de cette recherche esthétique ne manquant pas de lyrisme, ces produits ont été pensés pour apporter un plus fonctionnel et usuel. Ainsi, le modèle portable permet d'enrouler et de dissimuler le câble USB, par ailleurs intégré. Le disque dur de bureau possède quant à lui une surface tactile aux fonctionnalités personnalisables, permettant d'ouvrir l’application de votre choix selon que vous l’effleuriez ou que vous effectuiez un appui prolongé.

Wireframe © Piero Lissoni / Glas Italia

La Revue du Design — Fri, 23 Oct 2009 14:54:58 +0000

Wireframe © Piero Lissoni / Glas Italia

La Revue du Design — Fri, 23 Oct 2009 14:55:31 +0000

Arc table

La Revue du Design — Mon, 26 Oct 2009 01:06:47 +0000

L'agence d'architecture Foster+Partners viennent de concevoir la table Arc, qui sera éditée par Molteni. Son piètement, en forme de parabole hyperbolique, sera réalisé en ciment et fibres organiques, une matière que l'on nous annonce comme étant résistante, étanche et élastique à la fois. Il se déclinera en différentes tonalités de gris et accueillera un plateau en verre trempé. Source: designboom.com.

Design Choc! La fabrique à sensations

La Revue du Design — Tue, 27 Oct 2009 01:36:09 +0000

Du 14 au 16 octobre 2009 était organisé le Salon Professionnel du chocolat. A cette occasion, le designer Stéphane Bureaux a proposé à quatre jeunes designers d’imaginer des créations utilisant cette "matière" si particulière, autour d’une thématique commune: "Design Choc! La fabrique à sensations". Stéphane Bureaux a imaginé, à l’occasion, deux projets différents. Le Clou (image ci-dessus) est, "comme un virus ami, un élément qui se plante sur ce que l'on veut enrichir de nuances chocolatées : une glace, un gâteau ou, pourquoi pas, un petit pain au lait". La Colle se propose quant à elle d’utiliser un nouvel outil de cuisine, générant par là de nouveaux usages. Le designer a ainsi inventé un "pistolet à chocolat semblable à un pistolet à colle, mais transformé pour permettre de fondre à la bonne température des bâtons de chocolat moulés spécifiquement pour s'adapter à l'objet". FX Balléry a proposé Fujisan, un projet alliant les formes traditionnelles du gâteau et des bougies qui y sont parfois plantées. "L’idée est de revisiter le fondant au chocolat en utilisant la bougie afin d’obtenir le coeur chaud et fondant du gâteau. Plantée dans un biscuit chocolaté, la bougie fait fondre petit à petit son enrobage qui s’écoule puis remplit le cratère du gâteau. Ainsi, le temps d’une chanson, le fondant se prépare sous nos yeux". Le Fleury est quant à lui un gâteau à déguster en deux temps: un temps de "cueillette" des tiges en chocolat, légèrement parfumées à la lavande, puis un temps de "piochage" au travers des couches successives du gâteau, "afin de mélanger les différentes saveurs et les textures: d’abord craquante et parfumée, puis sableuse et enfin moelleuse". Germain Bourré a imaginé Les Cloches, une gamme de cloches à saveurs explorant 'l’aptitude tant redoutée du chocolat à capter les odeurs et saveurs ambiantes" et transformant le risque en atout. Ses petites cloches "emprisonnent l’espace d’un temps tabac, poivre, cannelle ou tout simplement feuilles de menthe ou coriandre fraîches pour se laisser infuser subtilement. Seul le chocolat est consommé. Ce dernier est sélectionné en amont en fonction de son pourcentage de beurre de cacao et de son possible accord avec une saveur particulière". Delphine Huguet a quant à elle proposé Block, une structure à mi-chemin entre la pâtisserie et la menuiserie, permettant de "donner naissance à une unité de production de copeaux". Block se travaille au rabot dévoilant ainsi, au fur et à mesure des couches, des inclusions de grains de pollen dessinant autant de motifs. Enfin, Elise Labide a mis en scène deux projets : Barre de Luxe, une barre réalisée "structurée en un profil technique associant fruits séchés et chocolat blanc aux brisures de crêpes dentelle", que l’on scie en fonction du nombre de «bouchées» désirées ; et Cérémonie du Chocolat, un service inspiré de la cérémonie du thé permettant de découvrir le chocolat au travers d’une gamme étendue de gestes et de techniques (chocolat pulvérisé, fondu, moulé, foré, usiné, broyé, réduit en copeaux…).

QlockTwo

La Revue du Design — Wed, 28 Oct 2009 01:05:17 +0000

QlockTwo est une horloge imaginée par l'agence allemande et multidisciplinaire Biegert & Funk, se proposant de substituer aux traditionnelles aiguilles une lecture "dans le texte" de l'heure. C'est simple, inattendu, mais pour autant presque évident. Le modèle se décline en six coloris (noir, vert, violet, rouge, vanille et métal), et dans différentes langues (allemand, anglais, français, italien...). L'agence a même été jusqu'à créer une application iPhone sur le même principe. Source: timefy.com.

Catacaos

La Revue du Design — Thu, 29 Oct 2009 01:30:51 +0000

Imaginée par le designer péruvien Frederico Otero, passé un temps par la Domus Academy de Milan, la chaise Catacaos étonne par sa forme inhabituelle proposant une assise et un dossier d'un seul tenant, composé de quatre plaques de polycarbonate coloré tendues dans l'espace. Selon la pression qui y sera exercée (tenant compte du gabarit de l'utilisateur et de l'inclinaison souhaitée), ce dossier s'affaissera plus ou moins. Cette chaise, réalisée en aluminium et polycarbonate, est encore à l'état de prototype. Source: Trendsnow.net

Wireframe

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 01:54:27 +0000

Editées chez Glas Italia, Wireframe est un ensemble de tables basses aux volumes légèrement twistés et quasi-parallélépipédiques, imaginées par Piero Lissoni. Des plaques de verre transparent, colorées sur la tranche (en vert ou en orange), sont collées les unes aux autres. Leurs bords possèdent par ailleurs des inclinaisons différentes, ce qui accentue la perception "instable" de l'objet. Source: dailytonic.com.

NYC Spaghetti © Alex Creamer

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 10:18:16 +0000

NYC Spaghetti © Alex Creamer

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 10:18:40 +0000

Dyson Air Multiplier © Dyson

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 13:38:54 +0000

Dyson Air Multiplier © Dyson

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 13:39:22 +0000

Switch © Yong-jin Kim

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 14:03:20 +0000

Switch © Yong-jin Kim

La Revue du Design — Fri, 30 Oct 2009 14:03:56 +0000

Dyson Air Multiplier: un ventilateur sans pales

La Revue du Design — Mon, 02 Nov 2009 01:41:03 +0000

Substituant l’effet vortex à la traditionnelle rotation de pales, le nouveau ventilateur imaginé par Dyson propulse de l'air en le faisant passer par une turbine. Il génère ainsi un souffle d’air bien régulier, et permet d'obtenir un objet à l'étrange épure. Un autre avantage: la suppression des grilles disgracieuses et des dangereuses pales. A noter également que ce modèle peut s’incliner verticalement. Pour le voir en fonctionnement, Crunchgear a réalisé un test accessible en ligne. Source: diisign.com.

NYC Spaghetti

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 01:17:24 +0000

L'image se passerait presque de commentaire tellement elle est évidente. Le projet de packaging "NYC Spaghetti" conçu par Alex Creamer, un étudiant de l'University of Central Lancashire, se propose d'offrir à vos spaghetti la forme du Chrysler building de New-York. L'aliment utilisé simplement et vu pour son potentiel symbolique... original! Voici ce qu'Alex Creamer dit de son projet: "I created this spaghetti packaging for a university project last year. The brief was to package one of 5 difficult items i.e. eggs, a rose, custard powder, spaghetti or marbles. I chose spaghetti. The spaghetti sits on a 3d model of the chrysler building that was modelled on CAD by my friend Ben Thorpe. And then modelled out of high density foam at uni. Creating a spaghetti model of the Chrysler building!" Source: thedieline.com.

Uban Cursor © Sébastien Campion

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 13:08:57 +0000

Uban Cursor © Sébastien Campion

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 13:09:30 +0000

Uban Cursor © Sébastien Campion

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 13:11:14 +0000

Uban Cursor © Sébastien Campion

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 13:12:39 +0000

Uban Cursor © Sébastien Campion

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 13:13:08 +0000

Eye clock © Mike Mak

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 17:04:25 +0000

Eye clock © Mike Mak

La Revue du Design — Tue, 03 Nov 2009 17:04:49 +0000

Ecodesign : penser le produit en boucle

La Revue du Design — Wed, 04 Nov 2009 01:42:44 +0000

Par Sophie Fabregat Peu à peu la perception de la notion de produit change dans le design. Si longtemps l'esthétique et le confort ont primé, aujourd'hui, l'usage et le cycle de vie du produit commencent à être pris en compte. Simple mode ou véritable tendance de fond? Des meubles en carton, des cadres en cannettes de soda recyclées, des objets détournés de leur but premier… De nombreuses personnes ont une idée faussée de l'écodesign. Si ces exemples visent effectivement à réduire l'impact des produits sur l'environnement, il serait réducteur de croire qu'ils désignent à eux seuls l'écoconception. Donner une seconde vie aux produits : oui, mais l'objectif premier de l'ecodesign est d'abord d'assurer au produit une première vie respectueuse de l'environnement. Comment ? En changeant la perception du produit dès sa conception : il ne s'agit plus seulement de faire du beau, mais de réfléchir à l'usage du produit sur la durée et penser à sa fin de vie dès sa naissance. A quoi bon concevoir un produit dans le respect de l'environnement si son utilisation est ensuite énergivore, unique ou encore si celle-ci mène à une surconsommation de matières premières ? Penser en terme d'usage et non plus de produit Aucun produit ne parcourt son cycle de vie sans consommer ou polluer. Des ressources minérales, végétales ou animales son consommées pour l'obtention des matières premières, la fabrication, transformation, distribution, consommation sont également à l'origine de consommations d'énergie et de rejets de substances dans l'eau, l'air ou les sols. Le zéro impact n'existe pas, quelque soit le secteur, note Brigitte Kahane, fondatrice de Pimliko, cabinet innovation design éco-responsable. Il y aura toujours des impacts. L'écodesign, ou écoconception, est une démarche de progression continue. Il s'agit d'améliorer toujours plus. L'ecodesign vise donc à proposer au consommateur des solutions responsables. L'ensemble des étapes de vie du produit, du berceau à la tombe, sont réfléchies pour être respectueuses de l'environnement. Dès l'amont, c'est-à-dire dès la conception, l'ecodesigner va déterminer les axes d'amélioration qui interviendront tout au long du cycle de vie des produits (matières premières, production, distribution, utilisation, élimination ou recyclage) de façon à réduire l'impact sur l'environnement (eau, sol, air, bruits, déchets, ressources naturelles, énergie). Il s'agira par exemple d'utiliser des matières premières dont l'extraction et la transformation sont peu énergivores, d'optimiser le transport des produits en réduisant l'emballage, de rendre vertueux le comportement du consommateur (passer de l'usage unique à la réutilisation par exemple), de faciliter la valorisation du produit lors de sa fin de vie. Certaines personnes vont travailler sur l'habillage vert, d'autres sur la question des déchets, d'autres se concentrent sur les transports… La dimension logistique, par exemple, est très importante, en amont et en aval. En aval, on s'oriente vers des produits plus légers, compactables, pliables… Et en amont, il s'agit de réfléchir au transport des matières premières. C'est bien de fabriquer un objet en bambou, sauf si celui-ci a dû traverser la planète ! explique Brigitte Kahane. Une tendance qui s'installe doucement chez les professionnels Selon une étude commandée par le CDRA (Centre du Design Rhône-Alpes), seuls 15 % des designers intègreraient aujourd'hui les critères environnementaux au moment de la conception d'un produit. Défaut d'information, de formation, démarche trop contraignante ? Beaucoup pensent que l'écoconception induit des coûts supplémentaires. Peu pensent qu'à l'arrivée, cette démarche peut mener à une réduction des coûts, à chaque étape de vie du produit. Plus on intervient en amont, plus il est facile d'intégrer la démarche, note la fondatrice de Pimliko. Pour convaincre, de nombreuses initiatives naissent ça et là. Un observatoire de l'ecodesign devrait voir le jour à la rentrée 2009, porté par Pimliko, l'Institut Français du Design et la société de conseil Evea. De son côté, l'Institut Français du Design est en contact avec des écoles de designers et le monde de l'entreprise et forme des groupes d'études autour de projets communs. En 2010, le Janus, label officiel de design issu de l'arrêté ministériel français du 13 novembre 1953, devrait intégrer une mention ecodesign, afin de reconnaître et valoriser les produits et services dont l'impact sur l'environnement est réduit, dès la sélection des matériaux, lors de la fabrication du produit, jusqu'à la fin de vie en passant par la distribution et l'usage qu'en fait le consommateur. La Revue du Design remercie le site Internet Actu-environnement.com, qui l'a autorisé à reprendre et à présenter cet article. © Tous droits réservés Actu-Environnement.

Switch

La Revue du Design — Thu, 05 Nov 2009 01:01:46 +0000

La prise électrique, un objet tellement présent et banal qu'il en serait presque oublié par tout le monde... sauf par les designers qui, depuis quelques temps, multiplient les initiatives pour apporter d'autres qualités (esthétiques ou pratiques) à cet élément purement fonctionnel. Nous avions déjà évoqué, dans quelques précédents articles (voir par exemple Multi-prise(s), Prise universal plug, ou encore Socket Deer) quelques exemples spécifiques. Un nouveau projet a récemment retenu notre attention. Il s'agit d'une prise imaginée par Yong-jin Kim, permettant de déconnecter un appareil du réseau électrique tout en le laissant "branché" à sa prise. Pour cela, il suffit de faire légèrement pivoter l'ensemble. Cette prise permettrait, selon son concepteur, d'économiser près de 11% d'électricité, tout en évitant d'avoir à brancher/débrancher nos différents appareils. Source: yankodesign.com.

Eye clock

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 01:03:44 +0000

Finissions la semaine avec un objet un peu "déco", mais assez amusant. Conçue par le designer Mike Mak, l'horloge Eye clock substitue deux gros disques noirs aux traditionnelles aiguilles, pour un effet ludique et... hypnotique. Source: likecool.com.

Water Stopping Water © Lunar

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 11:45:23 +0000

Water Stopping Water © Lunar

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 11:45:50 +0000

Water Stopping Water © Lunar

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 11:46:12 +0000

Collection Saint-Etienne par François Mangeol et Sophie Françon. Photo © Johan Meallier.

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 13:31:30 +0000

Collection Saint-Etienne par François Mangeol et Sophie Françon. Photo © Johan Meallier.

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 13:32:37 +0000

Collection Saint-Etienne par François Mangeol et Sophie Françon. Photo © Johan Meallier.

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 13:33:05 +0000

Collection Saint-Etienne par François Mangeol et Sophie Françon. Photo © Johan Meallier.

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 13:33:30 +0000

Collection Saint-Etienne par François Mangeol et Sophie Françon. Photo © Johan Meallier.

La Revue du Design — Fri, 06 Nov 2009 13:34:16 +0000

Water Stopping Water

La Revue du Design — Mon, 09 Nov 2009 01:43:51 +0000

Water Stopping Water est une pièce permettant de boucher un évier ou un lavabo, conçue en plastique souple et évoquant visuellement le mouvement d'une goutte tombant sur une surface d'eau lisse. Ce concept, lauréat d'un ID Design Award en 2007 et d'un IDEA design Awards en 2008, a été imaginé et est aujourd'hui distribué par Lunar Europe. Un site Internet est d'ailleurs dédié à ce produit: water-stopping-water.com.

Design et recherche

La Revue du Design — Tue, 10 Nov 2009 01:45:31 +0000

Par Christian Guellerin, directeur de l’Ecole de Design de Nantes Atlantique Je viens de participer comme "speaker" au colloque organisé par IASDR - "International Association of Societies of Design Research" - un colloque de recherche faisant le point sur les travaux de nombreux chercheurs et universités internationaux. Il faut féliciter les organisateurs d’avoir réuni à Séoul autant de personnalités. Les débats furent passionnants et la production de connaissance a été remarquable. Mais cette profusion sur ce que les uns et les autres appellent "recherche" et "design" en tentant de les associer, m’a laissé perplexe. Il faut nous méfier de ne pas tomber dans le piège que se sont eux-mêmes tendues les écoles de business à appeler, par exemple, "recherche en marketing" des études quanti/qualitatives qui se résument souvent à des tableaux statistiques et des interprétations qui, en tant que recherche, n’ont pas la rigueur de celles réalisées en sociologie. Pourquoi appeler "recherche en marketing", ce que doit être la pratique "marketing"? Pourquoi appeler recherche en design toute réflexion sur la création et l'innovation? Profiter de l’émergence du design et de son manque de visibilité dans le domaine de la recherche pour mener des études qui relèvent de la sociologie, de la psychologie, des sciences de l’éducation ou bien des sciences exactes et parler de recherche en design, ne me paraît aller dans la voie d’une démarche pertinente pour signifier le design comme discipline de recherche. Parler de recherche en design lorsqu'il s'agit de pratique professionnelle de projet ne me semble pas non plus pertinent. La question est de savoir si le design, en tant que pratique, peut se définir comme discipline scientifique. Les critères restent à construire et cela n'aide pas la recherche en design d'appeler "recherche", soit ce qui appartient à d'autres disciplines, soit ce qui est avant tout de l'innovation, une conception de nouveau produit élaboré selon les démarches méthodologiques inhérentes à la profession. Il convient d’être prudent à ne pas brouiller le message d’une discipline le design qui est encore à chercher une définition et doit au sein de l’académie faire les preuves de sa légitimité. Faire de la "sous-sociologie", ou de la "sous psychologie" pour essayer de codifier des "émotions design" ne me paraît pas sérieux, ni à la hauteur de l’enjeu. Il s’agit de circonscrire la recherche en un domaine spécifique à nul autre pareil, basé sur un langage de représentation et d’interface entre les connaissances dans tous les domaines des sciences humaines et des sciences exactes et les problématiques socio-économiques qui s’imposent au monde dans lequel nous vivons. Le design est un langage, une interface qui relie les Hommes, les idées, les connaissances et les projettent en un demain meilleur. Il convient d’en faire une science mais de ne pas tout mélanger sous prétexte que le design est partout et qu’il est flatteur de réfléchir. Encore une fois, bravo aux organisateurs de cette conférence qui nous ont aidé à mieux nous interroger sur la recherche dans le domaine du design.

Uban Cursor

La Revue du Design — Wed, 11 Nov 2009 01:05:47 +0000

Le designer danois Sébastien Campion a imaginé, à l'occasion d'un festival qui s'est déroulé du 23 au 27 septembre dernier à Figueres, en Espagne, un projet intitulé Urban Cursor, permettant d’explorer le lien entre le monde physique et le monde numérique. Un curseur géant, pouvant faire office de mobilier urbain, était offert aux manipulations du public, et ses différents déplacements enregistrés grâce à un système GPS intégré. Les différents déplacements d'Urban Cursor ont été cartographiés et archivés dans Google Maps, permettant de visualiser ses différentes utilisations et de donner à voir aux participants comment ils ont également, de leur côté et collectivement, contribué aux déplacements de l'objet. Chacun pouvait également envoyer ses photos, celles-ci étant placées automatiquement sur la carte en faisant correspondre l'image avec les coordonnées GPS. Outre la dimension sociale, ludique et interactive d'un tel projet, celui-ci laisse également entrevoir quelques usages possibles, notamment en termes de retours utilisateurs, des nouvelles technologies. Source: fubiz.net, urbancursor.com.

Collection Saint-Etienne

La Revue du Design — Thu, 12 Nov 2009 01:50:41 +0000

Conçue par François Mangeol et Sophie Françon, cette collection de mobilier, destinée à meubler les nouveau locaux de l'école de design de la ville de Saint-Etienne, est constituée d'un ensemble de supports modulables permettant différentes typologies et utilisations. Réalisés en tube d'acier et bois cintré, l'ensemble du mobilier a été financée par Saint-Etienne métropole, et fabriqué par l'entreprise régionale Souvignet. Il a été lauréat d'un Label VIA 2009. Les différents modules permettent de positionner des plateaux à plusieurs hauteurs. Source: contemporist.com.

Screw me © Jonathan Rowell

La Revue du Design — Thu, 12 Nov 2009 17:03:23 +0000

Screw me © Jonathan Rowell

La Revue du Design — Thu, 12 Nov 2009 17:03:55 +0000

Screw me © Jonathan Rowell

La Revue du Design — Thu, 12 Nov 2009 17:04:21 +0000

Screw me © Jonathan Rowell

La Revue du Design — Thu, 12 Nov 2009 17:04:49 +0000

Screw me

La Revue du Design — Fri, 13 Nov 2009 01:58:40 +0000

Screw me est une famille de luminaires réglables en hauteur, imaginés par le designer Jonathan Rowell. Le principe constructif est assez simple: une tige en plastique s'intègre dans un pas de vis. En la tournant, on augmente ou on diminue la hauteur de la source lumineuse. Cette idée se décline en plusieurs versions - lampadaire, lampe de bureau ou applique - et couleurs. Source: blog.reflexdeco.fr.

Shrub © Zhili Liu

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 10:45:38 +0000

Shrub © Zhili Liu

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 10:46:20 +0000

Shrub © Zhili Liu

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 10:46:58 +0000

Shrub © Zhili Liu

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 10:47:21 +0000

Shrub

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 10:50:17 +0000

La designer Zhili Liu a conçu une collection de trois tables aux pieds ramifiés. Intitulée Shrub (arbuste), celle-ci - encore à l'état de prototype - se décline en une grande table rectangulaire et en deux plus petites tables rondes. Les plateaux, réalisés en aluminium de six millimètres d'épaisseur, rendent visible comme autant de détails de marqueterie l'assemblage des différentes branches du piètement, réalisé en tiges d'acier. Source: dezeen.com.

Luminaire "Smithfield" pour Flos, 2009

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:05:10 +0000

Tables basses "Cork Family" en liège aggloméré pour Vitra, 2004

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:05:49 +0000

Fauteuil bas "Crate" pour Established & Sons, 2008

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:06:22 +0000

image description

Une sélection des objets vendus par The shop, le magasin de Jasper Morrison

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:06:52 +0000

Intramuros n°145. Couverture: Jasper Morrison, photo Denis Rouvre.

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:07:24 +0000

Double page du magazine Intramuros n°145 consacré à Jasper Morrison

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:08:21 +0000

Table "Bac" en frêne pour Cappellini, 2009

La Revue du Design — Mon, 16 Nov 2009 16:17:33 +0000

Portrait: Jasper Morrison, La simple expression

La Revue du Design — Tue, 17 Nov 2009 01:03:10 +0000

En partenariat avec le magazine Intramuros. "Il tord le cou aux règles de versi-fications esthétiques, redonne valeurs égales à tous les modes d’expressions. En hommage au langage formel populaire, Jasper Morrison s’adonne depuis 25 ans à l’intelligence de l’objet. Fidèle à son esprit d’ascèse, l’exposition que lui consacre le musée des Arts décoratifs de Bordeaux accède à son désir secret, en confrontant, in situ, ses créations à celles de collections anciennes. Radicalement Super Normal." Extrait du portrait consacré à Jasper Morrison dans le numéro 145 du magazine Intramuros. Luminaire "Smithfield" pour Flos, 2009: Table "Bac" en frêne pour Cappellini, 2009: Tables basses "Cork Family" en liège aggloméré pour Vitra, 2004: Fauteuil bas "Crate" pour Established & Sons, 2008: Sélection d'objets vendus par The shop, le magasin de Jasper Morrison: Cet article est disponible en intégralité dans le n°145 d'Intramuros, en kiosque demain, dont voici la couverture: A chaque numéro, le magazine Intramuros fera découvrir un extrait de son portrait en avant-première aux lecteurs de La Revue du Design.

Zana © Pierre Charpin/Ligne Roset

La Revue du Design — Tue, 17 Nov 2009 13:10:57 +0000

Zana © Pierre Charpin/Ligne Roset

La Revue du Design — Tue, 17 Nov 2009 13:11:24 +0000

Zana

La Revue du Design — Wed, 18 Nov 2009 01:14:28 +0000

Zana est un guéridon dessiné par Pierre Charpin pour Ligne Roset. Présenté cette année dans les allées du salon IMM Cologne, il est réalisé en acier laqué noir, et équipé de paniers en tissu coloré. Zana se décline en trois hauteurs différentes, et est équipé d'une, deux ou trois étagères. Source: pierrecharpin.com.

De l’Histoire de l’art à l’histoire du design industriel

La Revue du Design — Thu, 19 Nov 2009 01:23:47 +0000

Par Jocelyne Leboeuf, directrice des études à l’Ecole de Design de Nantes Atlantique. Le propos de ce texte est d’esquisser un bilan critique sur l’histoire du design industriel, à partir d’un repérage bibliographique sur les principales approches proposées tant en histoire de l’art que dans d’autres champs de l’histoire ouverts sur ce sujet. 1. Historiographie et contours d’une discipline 1.1 L’histoire du design industriel comme branche de l’histoire de l’art et de l’architecture Écrits fondateurs et descendance : les travaux de Nikolaus Pevsner (Pioneers of Modern Movements – 1936) et Siegfried Giedion (Espace, Temps et Architecture – 1941)[1]. Dans la lignée de Pevsner (Leipzig 1902 – Londres 1983), l’histoire du design commence dans l’Angleterre de William Morris (mouvement des Arts and Crafts) et trouve une apogée dans le Bauhaus et les écoles qui en sont issues. Nombre d’ouvrages restent imprégnés des classifications stylistiques et des valeurs liées au style international qu’il a proposé. Il ne s’agit pas tant pour Siegfried Giedion (Prague 1888 – Zürich1968) de questions de style que de comprendre les mécanismes d’une architecture conçue comme un « organisme » en interférence avec la société. Son rôle a été analysé par Pierre Francastel dans Art et Technique au XIXe et XXe siècles[2]. Il en démontre les fondements idéologiques : « réquisitoire contre la mécanisation de toutes les activités humaines », espoir de régénération d’une humanité réconciliée avec la nature grâce à l’intuition du créateur inspiré et à l’avènement d’une architecture organique (dont l’architecte Frank Lloyd Wright est le grand représentant). Le travail des deux auteurs est trop important pour se risquer à plus de développement dans le cadre de cet article. Il faudrait pouvoir le resituer dans le contexte militant des pionniers de l’architecture moderne des années 1920-30, en particulier dans le contexte de fondation de cette célèbre école allemande du Bauhaus fondée en 1919 par Walter Gropius et fermée lorsque Hitler prend le pouvoir en 1933, ainsi que dans celui des réseaux d’influences autour des CIAM (Congrès Internationaux d’Architecture Moderne). On en retiendra l’importance fondamentale de l’art, d’une « bonne forme de l’art et de la civilisation », comme l’écrit Francastel (p. 82) dont l’histoire absorbe celle du design. C’était aussi la conviction de l’historien de l’art et critique Herbert Read (1893-1968) défenseur d’une éducation par l’art (Education through Art – 1943), partisan d’une association entre l’art d’avant-garde et l’esthétique industrielle. Sur cette branche de l’histoire de l’art et de l’architecture se sont développées en France : - les nombreuses études sur les architectes, artistes décorateurs et designers dans la mouvance de la Société des Artistes Décorateurs (SAD) et de l’Union des Artistes Modernes (UAM)[3]. - les publications sur l’histoire et le rôle des premières écoles de design industriel (Bauhaus et son héritage[4]) - les travaux sur les mouvements artistiques engagés dans une réflexion sur l’objet du quotidien (Constructivisme, De Stijl, Arts abstraits[5]). L’histoire du design industriel issue de l’histoire de l’art moderne trouve aussi ses fondements dans les écrits engagés des architectes et des artistes[6], dans nombre de travaux philosophiques et théories de l’art. On sait l’importance jouée par le philosophe Paul Souriau, défenseur de la « beauté utile[7] », dans le mouvement de l’Esthétique industrielle en France. Son fils Étienne Souriau, également philosophe, a participé à la rédaction des lois de la Charte de l’Esthétique industrielle (1952). Il est en particulier l’auteur de la 13ème loi dite des arts impliqués, « quantité d’art qui se trouve incluse et comprise à l’intérieur même du travail industriel[8]». René Huyghe, philosophe de l’art, est engagé lui aussi dès les débuts dans l’aventure de l’Institut d’Esthétique industrielle… Jacques Viénot fait souvent référence à Bergson pour le « supplément d’âme » que l’esthéticien industriel apporte à l’objet, ainsi qu’à l’historien de l’art Henri Focillon[9] (Vie des formes, 1934) pour cette quête d’une compréhension des forces à l’œuvre dans la formation des styles. Son livre, La République des Arts (1941), exprime cette conviction que le créateur d’avant-garde doit être le guide éclairé de la société moderne. - La relève idéologique post-moderne dans une société dite postindustrielle Les mutations économiques et sociales des sociétés industrielles dans les années soixante[10], l’avènement d’une société de l’abondance et des loisirs, les développements du secteur tertiaire, la diminution du temps de travail et les premières inquiétudes concernant les problèmes de pollution et de ressources planétaires engendrent une nouvelle lecture de l’histoire. Celle-ci a aussi ses philosophes et ses théoriciens[11]. S’il y a rupture au niveau d’une vision du monde, le cadre épistémologique de l’histoire du design industriel comme branche de l’histoire de l’art reste le même. Le design industriel se retrouve alors confronté aux contestations formelles et théoriques de l’art et des arts décoratifs[12]. Raymond Guidot qui a écrit un ouvrage de synthèse des années 40 à nos jours[13] retrace l’ histoire du design sous l’angle de ces phénomènes. Ce sera aussi la matière de nombreuses expositions au Musée des arts décoratifs et à Beaubourg (voir par exemple les catalogues des expositions Nouvelles Tendances (1987) – Formes des métropoles, nouveaux designs en Europe (1991). Une exposition récente au musée des Arts décoratifs, Éditer le design (Oct. 2006-janv. 2007), associe la présentation d’un éditeur, Danese, à une histoire des icônes du design. Les théories, les objets et les acteurs d’une histoire du design comme branche de l’histoire de l’art et de l’architecture ont contribué à façonner notre monde tant sur le plan matériel des projets réalisés et que sur celui imaginaire des représentations. Ils restent une source permanente de réflexion, méditation et questions sur la façon dont les hommes construisent leur rapport au monde. Deux principales figures émergent, l’icône et le créateur. Le caractère iconique renvoyant à l’histoire de l’art et des arts appliqués privilégie une lecture plastique des objets en relation avec les œuvres d’art. Elle entraîne aussi souvent l’historien du design dans une polarisation sur l’auteur qui n’a pas de sens pour la plupart des produits issus de l’industrialisation. La quête de l’objet exemplaire est insatisfaisante pour l’histoire du design industriel parce qu’elle fait l’impasse sur : - les aspects économiques, les cahiers des charges, les contextes de production, les médiations… entourant les pratiques de design industriel. - la diversité des solutions de design qui ont construit un monde qui n’est pas uniquement peuplé d’icônes. - la question des finalités au regard des contextes dans lesquels le design prend place. A cet égard J. A Walker (Design history and the history of design) pose la question pertinente des silences et impasses symptomatiques d’une histoire du design industriel soumise à l’idéologie du « bon design » (pas d’histoire du design industriel sur le design des camps de concentration, des chambres à gaz et des instruments de torture, par exemple) : What would we think of general histories which only described good people and happy events?[14] L’histoire du design circonscrite en une histoire d’objets exemplaires est associée à une vision romantique de l’histoire, où la figure du « grand designer » charismatique[15] est aussi très présente et relayée par le discours médiatique. La référence au créateur fait en effet croire à une possible réconciliation entre aspirations individualistes et production de masse et valorise les entreprises qui ont su trouver les bonnes signatures. L’historien du design doit aussi s’interroger sur son rôle dans cette mise en scène. Les études sur la réception de l’architecture du Mouvement moderne menées par la commission internationale pour la documentation et la conservation d’édifices, sites et ensembles urbains du mouvement moderne (do-co-mo-mo) peuvent fournir aux historiens du design industriel des éléments fructueux de réflexion. La 7ème conférence internationale de cette commission a proposé un certain nombre de travaux d’historiens qui ont entrepris une analyse critique des grands récits de la modernité dans une confrontation rigoureuse des discours et des sources historiques. De nouvelles lectures apparaissent qui montrent une modernité vivante avec ses contradictions et ses écarts entre utopie et réalité. Pour exemple l’analyse du « décalage entre les intentions de la municipalité, la conduite du projet en temps de crise et le caractère de “laboratoire architectural” (…) », mais aussi du décalage entre des techniques pionnières et les usages effectifs du bâtiment (plancher escamotable – comble roulant), nuance la lecture canonique que fit l’historien Reyner Banham (1962) de la Maison du Peuple à Clichy[16]. Le même article de Fabienne Chevallier démontre l’activité moderne dans les années trente d’architectes formés à l’École des Beaux-Arts, considérée pourtant comme le creuset d’un académisme rétrograde. 1.2 L’histoire du design comme branche de l’histoire de la culture technique et de l’histoire industrielle (architecture, sites, objets, entreprises) Lorsque l’Inventaire général entreprend dans les années 1980 un programme de repérage national du patrimoine industriel, l’étude de l’architecture industrielle, des sites et des machines de production fait l’objet d’un intérêt croissant depuis quelques années[17]. La désindustrialisation contribue à un mouvement de transformation des usines en lieux culturels et favorise l’histoire des techniques, des processus de production et du savoir-faire. Les historiens de l’architecture (François Loyer, Le siècle de l’industrie, 1983[18]) entreprennent de grandes synthèses renouvelant l’approche de l’architecture industrielle en dépassant le classement stylistique des formes pour inscrire le fait architectural au cœur des faits sociaux, des mentalités et des phénomènes économiques. Dans ces ouvrages, le design industriel n’est pas étudié en tant que tel. Ceux-ci permettent cependant d’en affiner le cadre historique général en favorisant une histoire culturelle qui ouvre des pistes fructueuses. Jocelyn de Noblet qui avait publié un premier ouvrage de synthèse en 1974[19] dans lequel il critiquait une vision artistique du design, fait alors le lien entre l’histoire de la culture technique et le design. C’est une époque où nombres d’initiatives – fondation du Centre de Création Industrielle (CCI) en 1969, du Conseil Supérieur de la Création industrielle (1970-1975), de l’Agence pour le Promotion de la Création industrielle (APCI) en 1983, création de revues (Créé, revue diffusée entre 1969 et 1977 – Traverses, revue éditée par le CCI à partir de 1975, etc.) – manifestent une volonté de communiquer sur le lien entre design et industrie. En témoignent les expositions organisées par le CCI et Raymond Guidot (« Matériau, Technologie, Forme », 1974[20], « L’objet industriel », 1980). Un Centre de Recherche sur la Culture Technique (CRCT) est constitué en 1978, avec Jocelyn de Noblet, des directeurs d’études et de recherches de grandes entreprises françaises et étrangères et des universitaires. La publication pendant 14 ans de la revue Culture technique permet de diffuser les recherches menées au sein du CRCT. Dans son ouvrage de 1988, Design le geste et le compas[21], Jocelyn de Noblet analyse différents secteurs sous l’angle des évolutions sociales et technologiques (la maison, l’espace de bureau, le design militaire, les transports). C’est une rupture avec l’histoire du design comme branche de l’histoire de l’art, qui offre de nouvelles perspectives à la recherche historique[22]. Celle-ci ensuite ne s’est pas véritablement développée, mais le design trouve place à cette époque à l’Université Technologique de Compiègne[23] et suscite un certain nombre d’initiatives et de publications dans les sciences de l’ingénieur[24] . L’histoire des grands systèmes techniques, des matériaux et innovations étudiés dans le contexte de leur impact sur les sociétés et sur les mentalités, fournit des éléments fondamentaux de connaissance pour l’historien du design industriel. Mais son objet n’est pas d’analyser ce qui va déterminer les choix qui vont donner forme au processus de design, c’est-à-dire : - la culture du designer ou des équipes de designers travaillant sur le projet, déterminante quant à une certaine vision des usagers, d’une écriture formelle, d’une plus ou moins grande importance apportée à une démarche pragmatique ou à un type de méthodologie. - la culture de l’entreprise et les rapports entre les différents services avec lesquels le designer travaille. 1.3 L’histoire du design comme branche d’une histoire anonyme de la culture matérielle (approches transversales histoire et sciences humaines) L’ouvrage de Siegfried Giedion, Mechanization Takes Command (1948),[25]est également considéré comme fondateur dans toute historiographie du design. L’approche de l’objet n’est plus ici celle de l’icône mais « de choses humbles, d’objets auxquels on n’attache généralement pas une grande importance, ou tout au moins auxquels on n’attribue pas de valeur historique. (…) Une cuiller à café reflète bien le soleil! Collectivement, toutes ces humbles choses dont nous allons parler ont ébranlé notre vie jusque dans ses racines les plus profondes. Modestes objets quotidiens, ils se coalisent pour agir sur quiconque se meut dans l’orbite de notre civilisation[26]». Il s’agissait pour l’auteur d’entreprendre, au-delà de l’objet, une histoire du processus de mécanisation et de ses influences et conséquences sur l’être humain. Les approches transversales histoire et sciences humaines explorent des voies diverses qu’il est difficile de résumer : - Relations entre les arts et les techniques dans le cadre d’une sociologie de l’art proposée par Pierre Francastel (Art et Technique aux XIXe et XXe siècles – 1956[27]). - Étude de l’objet dans son contexte historique au sens large (institutionnel, économique, social). Un des terrains de prédilection est celui des arts ménagers[28] parce qu’il a accompagné toute la pensée sociale du progrès associé au design. - Approches sociologiques et anthropologiques des mécanismes sociaux et des relations entre l’homme et son environnement matériel. Dans ce contexte, l’étude des objets s’inscrit dans une dynamique où interagissent plusieurs acteurs et facteurs. Les significations de l’objet (usage et signe) diffèrent et évoluent suivant les contextes d’usage, les contextes socioculturels et économiques. L’exposition « Design, miroir du siècle », organisée à Paris (Grand Palais – 1993), abordait cette question du design industriel sous l’angle de la culture matérielle au sens large[29]. La session « Immaterial culture? Things, artefacts and meanings » (AAH, Association of Arts Historians, Annual Conference – University of Ulster, Belfast, 12-14 avril 2007) présentée par Deborah Sugg Ryan (Journal of Design History, UK) et Timo de Rijk (Delft University of Technology, Netherlands) met en avant une nouvelle histoire du design (New Design History) inspirée entre autres par les écrits de Pierre Bourdieu (comment les productions culturelles révèlent et engendrent des mécanismes de reproduction des hiérarchies sociales) et Daniel Miller[30] (approche anthropologique de la consommation). Il est fait référence également aux écrits de Judy Attfield[31], pionnière dans ce type de recherche et au sociologue anthropologue Bruno Latour (« sociologie de l’acteur-réseau » qui considère que les acteurs sociaux ne sont pas seulement les humains mais aussi les objets et les organisations et qui analyse le social comme une suite d’interactions successives d’acteurs hétérogènes). Les travaux récents de Thierry Bonnot[32], chargé de recherche au CNRS et membre du laboratoire Genèse et Transformation des Mondes Sociaux (CNRS/EHESS, Paris) ont pour cadre épistémologique l’observation des relations qui s’établissent entre sujets et objets à travers les usages dans la durée de l’histoire. Les questions posées valent pour les icônes du design : Quel discours en effet légitime le choix de l’objet témoin, mis en vitrine dans un musée? Quelle place tient le chercheur dans la construction de ce discours? Ces questions sont aussi pertinentes quant au statut iconique accordé aux « icônes anonymes » du design. L’extension du champ de l’exploration historique par l’apport des sciences humaines a ouvert des pistes fructueuses pour de nouvelles recherches en histoire du design. Différents niveaux de réalité et de compréhension des sociétés s’en dégagent. Cependant on ne peut faire l’impasse sur les outils méthodologiques à mettre en œuvre pour : - qu’il n’y ait pas dilution de l’histoire dans la sociologie et l’anthropologie - que les éléments de connaissance apportés par ces disciplines puissent être mis en perspective au regard des points spécifiques mentionnés dans les paragraphes précédents et qui devraient constituer le terreau de l’histoire du design industriel. Nous avons esquissé quelques-unes des facettes des histoires du design. L’étude des objets, des théories, des visions du métier se répartissent dans différents champs disciplinaires. Ces histoires étant un regard sur le monde, elles ont contribué à forger ce monde (monde réel et monde des représentations) et notre propre regard. L’historien a toujours à faire avec ce subtil équilibre entre une connaissance précise basée sur une rigueur dans la recherche des traces concrètes du passé et une construction de la connaissance dépendante du présent. C’est avec la conscience de cette histoire en mouvement qu’il faut s’interroger pour définir de nouveaux territoires de recherche en histoire du design. Que l’on soit du côté des programmes et des acteurs ou du côté des usages et des représentations, l’effort de théorisation suppose de discerner ce qui relèverait spécifiquement de cette discipline (histoire du design industriel) pour mieux comprendre comment interroger d’autres champs disciplinaires (histoire de l’art, des techniques, histoires culturelles économiques et sociales…) Les pistes de réflexion suggérées à travers l’esquisse historiographique sont des éléments d’un débat en chantier pour une discipline qui devrait trouver son territoire dans les recherches universitaires en France[33]. 2. L’histoire du design comme histoire du projet : théories, programmes et acteurs 2.1 Jacques Viénot et le projet de l’esthétique industrielle après la Seconde Guerre mondiale La prédominance de l’histoire du design comme branche de l’histoire de l’art et de l’architecture a favorisé les études portant sur l’Union des Artistes modernes et laissé dans l’ombre un mouvement qui s’était détaché progressivement de l’univers des arts décoratifs et de l’architecture pour revendiquer un territoire spécifique, celui de l’objet industriel. C’est sans doute une des raisons qui permet de comprendre pourquoi aucune étude n’avait été consacrée à Jacques Viénot[34], leader charismatique du mouvement de l’esthétique industrielle. D’autres hypothèses peuvent être avancées comme le relatif désintérêt dans la culture française pour une discipline qui, ainsi qu’il le déclarait, « ne relève ni des beaux-arts, ni des arts décoratifs, ni de la technique pure ». Concernant plus précisément le silence sur son rôle, le fait qu’il n’ait pas lui-même été un créateur mais un entrepreneur, fondateur d’entreprises, est également à prendre en compte. La pensée de Jacques Viénot s’appuie essentiellement sur les grands engagements du Mouvement moderne. Il est d’ailleurs très lié aux membres de l’UAM et aux membres de l’Architecture d’Aujourd’hui. Son ouverture internationale dès les années 1920 l’avait préparé à travailler avec les principaux acteurs étrangers sur la mise en place institutionnelle d’un nouveau métier. La création de l’Institut d’Esthétique industrielle en 1951 correspond à un vaste mouvement de création d’organismes officiels de promotion de l’esthétique industrielle après la Seconde Guerre mondiale. Le contexte de la Reconstruction, en France comme dans d’autres pays européens, va favoriser les initiatives visant à mettre en œuvre une politique de modernisation propice au développement de ce qu’on n’appelle pas encore le design industriel. Les objectifs sont très clairs : - accroître le « pouvoir d’attraction » des produits nationaux pour favoriser l’exportation - humaniser la technique en créant des produits utiles et beaux pour le plus grand nombre. L’esthétique industrielle englobe donc un projet social et économique qui rassemble de nombreux industriels, intellectuels et créateurs. Lorsque l’on suit les débats de cette époque on s’aperçoit qu’en France, comme dans les autres pays industrialisés, les mêmes questions se posent sur le rôle de l’État, la place de l’esthétique industrielle par rapport à l’économie de marché, la question du « bon modèle » et de la mode, l’éducation du goût du consommateur, la responsabilité sociale des concepteurs, la nécessité de mettre en place des modèles spécifiques d’enseignement. Le programme du « cours Viénot » inauguré en 1956 à l’École des Arts appliqués rue Dupetit-thouars avec une quinzaine d’étudiants, fait suite à une vaste enquête menée par la revue Esthétique industrielle (N° 18-19) sur l’état de l’enseignement dans de nombreux pays. Celle-ci révèle une variété de tutelles d’enseignement révélatrices des compétences transversales inhérentes à la discipline. Le cadre de l’Enseignement technique, dans lequel l’expérience française va prendre place, présente au départ des objectifs sans doute très limités par rapport à l’ambition de Jacques Viénot qui avait défendu au Congrès international d’esthétique industrielle de Darmstadt (septembre 1957) un « programme d’études ayant une valeur intereuropéenne[35] ». Mais c’est néanmoins une grande victoire après de nombreuses années de défense auprès de l’État français d’un projet de formation, différent des modèles d’enseignement traditionnel dans les écoles d’arts appliqués[36]. Deux aspects me semblent à souligner pour comprendre le contexte théorique dans lequel une pratique du design industriel s’est installée dans la France des années 1950 : - La limitation de certains champs d’application au sein de l’Institut… Cette limitation aux « aménagement des lieux et ambiance de travail dans le domaine de la production industrielle » et à la « conception de modèles pour l’ingénieur », associée à une orientation technique de l’enseignement, a pu être reprochée à Jacques Viénot. Cela aurait entraîné le retard de la France dans d’autres secteurs du design comme le mobilier, la verrerie, le textile[37]. Pour les membres de l’Institut…, il s’agissait d’une décision provisoire et la raison invoquée était l’urgence à se porter « au secours de l’ingénieur », dont l’activité de plus en plus spécialisée empêchait de répondre correctement à la globalité du problème. Les autres secteurs avaient déjà leurs créateurs de modèles. Une étude serait à mener sur les conséquences de ces clivages dans la perception du design en France. Quoiqu’il en soit, cette orientation a sans douté pesé sur la difficulté de reconnaissance d’un métier qui devait trouver sa place entre la forte tradition de prestige attachée aux arts décoratifs et à la culture de l’ingénieur dont Francastel disait qu’il semblait être « le roi actuel de la création[38] ». - La défense de l’expression esthétique industrielle Les débats qui ont accompagné la formation de l’ICSID à partir d’un premier projet de Fédération internationale des organismes d’esthétique industrielle, présenté lors du congrès international d’Esthétique industrielle organisé à Paris en 1953[39], permettent également de comprendre les ambiguïtés idéologiques auxquelles le design français a été confronté. Défendre la notion d’esthétique industrielle face à l’Industrial design anglo-saxon était pour Jacques Viénot défendre une spécificité française de la création industrielle. En arrière plan des questions de vocabulaire se profilaient les différents courants des théories fonctionnalistes, qui vont des définitions utilitaristes aux versions idéalistes et spiritualistes. Jacques Viénot reprochait aux Américains d’ « avoir fait du beau une tactique ». L’esthétique industrielle devait apporter ce « supplément d’âme, que réclamait Bergson, pour que notre civilisation devienne digne de nous[40] ». Mais l’idéalisme de cette position n’a pas empêché l’esthétique industrielle d’être accusée par certains membres issus de l’UAM[41] d’être avant tout un argument commercial tel qu’il apparaît dans la publicité pour l’agence Technès, « on achète avec ses yeux[42] ». D’autre part, l’expression esthétique industrielle continuait à établir une confusion entre cette discipline et les beaux-arts, même si Jacques Viénot s’en défendait. Les limites et contradictions d’une philosophie de la beauté utile devant garantir l’amélioration des conditions de vie des hommes, pressentie dans les années 1950, se retrouveront dans les polémiques qui ont accompagné le développement de la société de consommation dans les années 1960. 2.2 Axes de recherche sur les projets d’esthétique industrielle dans les années 50 : programmes et acteurs Il n’existe malheureusement pas de fonds d’archives organisés sur le design en France. L’ambition de Jacques Viénot était pourtant, lorsqu’il fonda l’Institut d’Esthétique industrielle[43], d’en faire un centre de documentation international, suivant le modèle du Council of Industrial Design créé à Londres en 1944[44]. Une étude sur la mise en œuvre des projets menés pour et avec de grandes entreprises industrielles par ceux qu’on appelait à l’époque les stylistes industriels ou ingénieurs esthéticiens, supposerait de mener des enquêtes dans les archives d’entreprises et institutionnelles. Entre 1945 et 1960 plus d’une centaine d’entreprises sont adhérentes à l’Institut d’Esthétique industrielle[45]. Les premiers numéros de la revue[46] créée par Jacques Viénot témoignent aussi de l’engagement des principaux Établissements publics nationaux de l’après-guerre. Gaz de France a joué un rôle essentiel dans le financement du premier congrès d’Esthétique industrielle organisé par l’Institut à Paris en 1953[47]. Georges Combet, premier président de Gaz de France, partageait avec Viénot cette idée de l’importance de l’esthétique sur « le plan pratique, utilitaire, spirituel et moral », et lui conférait une « action libératrice permettant d’établir une règle de conduite pour l’harmonisation du travail collectif ». L’esthétique permettait de « ne pas se laisser piéger par un éblouissement, une admiration déraisonnable où pourrait nous induire la toute puissance de l’industrie moderne[48] ». Elle ne devait pas être enfermée dans une notion étroite du beau mais être une attitude proposant des « solutions humaines au-delà des apparences sensibles ». Parlant d’ « esthétique de l’invisible[49] », sa réflexion portait sur l’esthétique du service et de la qualité des accueils, écho à des problématiques très actuelles. Malgré l’importance des entreprises engagées sur le terrain de l’esthétique industrielle, il semble difficile de trouver des études historiques visant la compréhension des rôles respectifs des différents acteurs dans la conception et la réalisation de projets de design industriel dans cette époque de l’après Deuxième Guerre mondiale. Des historiens[50], qui ont travaillé sur des entreprises engagées dans l’Institut d’esthétique industrielle, m’ont dit n’avoir rien trouvé sur le sujet. J’ai pu constater même un certain étonnement de leur part lorsque je leur parlais de l’engagement des directeurs de ces entreprises dans le mouvement de l’Esthétique industrielle. Le terrain reste donc à défricher. 2.3 « Le deuxième regard de l’historien[51] » Si tout projet de conception industrielle est par nature interdisciplinaire, il faudra alors s’interroger sur la façon dont une certaine pensée des usages et de l’écriture formelle propres au design ont été négociés avec des objectifs économiques et des visées sociales. Quelle formation, quelle culture, quelle philosophie du design (théories fondatrices[52], accompagnatrices, modes de discours enveloppants[53]) ont joué leur partie. Quelle vision de l’homme est au centre du projet? Ces questions supposent que l’historien interroge aussi les disciplines des sciences humaines qui proposent des outils de déchiffrement sur ces questions. Nous citons à titre d’exemples pour les Trente Glorieuses : - les travaux d’Abraham Moles qui par sa double formation d’ingénieur et de philosophe, son recours à des méthodologies transversales (phénoménologie, cybernétique) a particulièrement contribué à introduire de nouvelles approches dans le domaine du design (enseignement à la Hochschule für Gestaltung d’Ulm 1961-1968, fondation en 1966 de l’Institut de psychologie sociale et des communications à l’université de Strasbourg, introduction d’une nouvelle discipline, la micropsychologie). Il est l’auteur de plus de trente ouvrages[54] et de nombreux articles. - Les Mythologies[55] de Roland Barthes qui offrent un « démontage sémiologique » et une critique idéologique de la « culture dite de masse » dans les années 1950. - Le système des objets (1968) de Jean Baudrillard révélant comment ceux-ci « tendent à se constituer en un système cohérent de signes, à partir duquel seulement peut s’élaborer un concept de la consommation » ainsi que l’ensemble des travaux de cet auteur, portant sur la société de consommation (La Société de consommation, 1970, Pour une critique de l’économie politique du signe, 1972[56]). - La Société du design d’Hoffengerg et Lapidus[57] proposant une lecture critique d’une complicité design et capitalisme, dans le prolongement des polémiques sur le procès de la mode et de l’augmentation artificielle des besoins qui ont agité le monde du design dans les années 1960-70. C’est à cette époque que sort la traduction française du pamphlet de Victor Papanek, Design pour un monde réel[58], défense d’un design humaniste « soucieux des vrais besoins de l’humanité ». Quelles résonances ont ces discours « accompagnateurs » sur la pratique du design à un moment donné? Reprenant pour le design la notion d’ « enveloppements » proposée par Anne Cauquelin dans ses « théories de l’art », nous pensons que les idées véhiculées par l’opinion publique, les médias, constituent un « arrière-fond » qui façonne également une certaine manière de produire le design. Par exemple quel impact a actuellement l’ancienne idée de la beauté utile? L’équivalent actuel dans les médias n’est-il pas d’accorder au design le pouvoir de donner sens à notre environnement matériel ou d’apporter des solutions aux problèmes d’une planète menacée par la pollution et les déséquilibres économiques. Que reste-t-il du mythe du designer, créateur démiurge? Paul Ricoeur fait référence aux « invariants transhistoriques» pour mettre en évidence cette proposition que « l’histoire n’est pas seulement ce qui nous sépare du passé » (étrangeté de l’histoire) mais « c’est aussi ce que nous traversons, (…) ce qui nous rapproche de ce dont l’histoire semble éloigner[59] ». C’est aussi cette proposition d’une histoire reliée aux recherches et pratiques actuelles, mettant en lumière la complexité des situations, leur diversité et donc les enjeux des responsabilités, que nous souhaiterions voir émerger. Notes [1] Nikolaus Pevsner (1902-1983), Pioneers of the Modern Movement, New York, Museum of Modern Art, 1936. Réédition à partir de 1949 sous le titre Pioneers of Modern Design, trad. En français, Les sources de l’architecture moderne et du design. Sigfried Giedion (1888-1968), Space, Time and Architecture, 1941. [2] Éd. De Minuit, Paris, 1956, Denoël, Paris, 1991. Francastel aborde également le rôle de l’historien des techniques Lewis Mumford (Technics and Civilization, 1934 ; The Culture of cities, 1938), dans son analyse des conséquences du développement du machinisme dans la vie des hommes. Il explique la conviction partagée par l’architecte historien Bruno Zevi, Mumford et Giedion, concernant le rôle des précurseurs américains dans le triomphe d’une architecture organique. [3] A titre d’exemples, L’Union des Artistes Modernes (sous la direction d’Arlette Barré-Despond), Paris. éd. du Regard, 1986 ; Pierre Cabanne, Encyclopédie des Arts déco, Paris, Somogy, 1986 ; Yvonne Brunhammer et Susanne Tise, Les Artistes Décorateurs 1900-1942, Paris, Flammarion, 1990 ; Anne Bony, Les Années 40 (1985), Les Années 50 (1982) ; Les Années 60 (1983), éd. Du Regard, Paris ; Au Bonheur des formes, design français 1945-1992 (sous la direction de François Mathey), Paris, éd. du Regard,1993. [4] Voir les travaux de Lionel Richard, Encyclopédie du Bauhaus, Paris, Somogy, 1985 ; L’école d’ulm : textes et manifestes (collectif), Paris, Centre Georges Pompidou/CCI, 1988 ; Alain Findeli, Le Bauhaus de Chicago, Québec, Les éditions du Septentrion, 1995. [5] Rôle du plasticien, historien de l’art et théoricien Michel Seuphor qui publia dans les années 1920 les « documents internationaux de l’Esprit Nouveau » et fonda le groupe « Cercle et Carré ». [6] On pense bien sûr en particulier au rôle important joué par Le Corbusier, La Charte d’Athènes, éd. de Minuit, coll. Points, 1957 (1ère parution en 1942) ; L’Art décoratif d’aujourd’hui, Paris, Vincent Fréal&Cie, 1951 (1ère parution en 1925) mais aussi aux écrits d’André Hermant, Formes utiles, éd. du Salon des Arts ménagers, Vincent Fréal&Cie, Paris, 1959 et de nombre d’architectes et artistes engagés dans le Mouvement moderne. [7] Paul Souriau, La Beauté rationnelle, Paris, éd. Félix Alcan, Bibliothèque de philosophie contemporaine, 1904. [8] « Passé, Présent, Avenir », Esthétique industrielle, Paris, PUF, 1952, p. 13. [9] « Esthétique des formes », CNOF, revue mensuelle de l’Organisation, juillet 1950. [10] Voir par exemple les ouvrages d’Alain Touraine, Production de la société, Paris, Seuil, 1953 ; Daniel Bell, Vers la société postindustrielle, Paris, Laffont,1976. [11] Écrits de l’architecte Robert Venturi, des philosophes et théoriciens Michel Foucault, Jean-François Lyotard, Jacques Derrida, Roland Barthes, Jean Baudrillard… [12] Les groupes Archigram (1961, Grande-Bretagne), Archizoom et Superstudio (années 60, Italie) ont constitué des avant-gardes particulièrement virulentes tant par leur réflexion politique que par leur contestation du design industriel dit « classique ». [13] Raymond Guidot, Histoire du design de 1940 à nos jours, Paris, Hazan, 2004 (1ère parution en 1994 sous le titre Histoire du design 1940-1990). [14] John A Walker, Design history and the history of design, Chicago, Pluto Press,1989, p. 33. [15] Rôle du livre de Raymond Loewy, La laideur se vend mal (Never Leave Well Enough Alone, 1952), Paris, Gallimard, Coll. Tel, (1963)1990. [16] « La modernité française de l’entre-deux-guerres et l’esthétique de la réception », Fabienne Chevallier, dans l’ouvrage collectif, La réception de l’architecture, Image, usage, héritage, Édité par Jean-Yves Andrieux et Fabienne Chevallier, actes de la 7ème conférence internationale de do-co-mo, Université de Saint-Étienne, 2005, p. 35-51. [17] Maurice Daumas, L’Archéologie industrielle en France, Paris, Laffont, 1980. Jacques Pinard, Le patrimoine industriel, Paris, PUF, 1985. Jean-Yves Andrieux, Le patrimoine industriel, Paris, PUF, coll. Que sais-je? n°2657, 1992. Louis Bergeron et Gracia Dorel-Ferré, Le patrimoine industriel, un nouveau territoire, éd. Liris, 1996. [18] François Loyer, Le siècle de l’industrie, 1789-1914, Paris, Skira, coll. De Architectura,1983. [19] Jocelyn de Noblet, Design, Paris, Stock-Chêne, 1974. [20] Un chapitre de l’ouvrage de Raymond Guidot, Histoire du design de 1940 à nos jours, op. cit. consacre un chapitre à « la guerre comme laboratoire de la recherche technologique ». [21] Jocelyn de Noblet, Design Le Geste et Le Compas, Paris, Somogy, 1988. [22] L’exposition Design Français 1960-1990, Trois Décennies, APCI/éd. du Centre Pompidou, 1988 et les expositions thématiques sur des designers industriels (Carlo Mollino en 1989, Raymond Loewy en 1990, Jean Prouvé en 1991, Roger Tallon en 1993…) sont significatives d’une époque où, à côté des débats médiatiques sur art et design, on voit une volonté d’inscrire le design comme métier inscrit au cœur de l’univers industriel. [23] Ouverture d’une formation d’ingénieur-designer à l’Université Technologique de Compiègne (UTC) en 1980 par Danielle Quarante, création d’un troisième cycle en 1988. Création de CONFERE (Collège d’Etudes et de Recherches en Design et Conception de Produits) regroupant un certain nombre de laboratoires d’écoles d’ingénieurs, publication de l’ International Journal of Design and Innovation Research. [24] Travaux de Thierry Gaudin, ingénieur (X-Mines) menés dans le cadre des recherches en ethnotechnologie (analyse de la transformation du système technique et compréhension de l’interaction technique-société) – Ouvrages d’Yves Deforge, L’Oeuvre et le Produit (rapports entre art et technologie), Paris, éd. Champ Vallon, Coll. Milieux,1990 – Le graphisme technique (comme indicateur des relations de production qui s’établissent entre la conception et la réalisation), Paris, éd. Champ Vallon, Coll. Milieux, 1993. [25] Siegfried Giedion, Mechanization Takes Command, Oxford University Press Inc., New York, 1948 (traduction française, La Mécanisation au Pouvoir, Paris, Centre Pompidou/CCI, 1980. [26] La Mécanisation au Pouvoir, op.cit., p.21. [27] Op.cit. A propos de cet ouvrage, Georges Combet, directeur général de Gaz de France, très actif au sein de l’Institut d’Esthétique industrielle, consacre un court article dans la revue Esthétique industrielle (n° 23 – sept-oct. 1956), saluant une étude qui dénonce le « faux problème de l’opposition entre l’art et la technique », mais regrettant que la technique reste soumise à une approche plasticienne (p. 33). [28] Jacques Rouaud, Soixante ans d’arts ménagers, tome 1 : « 1920-1939, le confort » ; « 1948-1983, la consommation » ; Paris, éd. Syros Alternatives, 1989. De nombreuses expositions ont été consacrées au thème des arts ménagers. Le catalogue de l’exposition, Les Bons Génies de la Vie domestique, Paris, éd. du Centre Pompidou, 2000, apporte de nombreux éléments de bibliographie. Citons également les revues L’Art Ménager (1927-1939), devenue Arts ménagers (1949-1983) et Formes Utiles (1950-1981).Une exposition sur Formes Utiles a été organisée par le musée d’Art Moderne de Saint-Etienne en 2004. [29] Design, Miroir du siècle (sous la direction de Jocelyn de Noblet), Paris, Flammarion/APCI, 1993. [30] Références : Pierre Bourdieu, La Distinction, Critique sociale du jugement, Paris, éd. De Minuit, Le Sens Commun, 1979 ; Daniel Miller, Material Culture and Mass Consumption, Blackwell Publishers, 1987. [31] Wild Things, The Material Culture of Everyday Life, Berg Publishers, 2000. [32] La vie des objets, Paris, éditions de la MSH et Mission du Patrimoine ethnologique, collection Ethnologie de la France, 2002. [33] Des recherches universitaires apparaissent dans différentes disciplines, doctorat d’histoire à l’université de Caen sur l’histoire du design industriel des appareils ménagers, master recherche à l’Université de Paris 1 en histoire de l’art sur Jean Parthenay, designer chez Technès, DEA sur l’usine Gambin, menée à l’Institut d’Architecture de l’Université de Genève, Usine Gambin – Viuz en Sallaz, propositions pour la sauvegarde d’une usine verte, Marc Eudier Arch, sous la direction de Bruno Reichlin et Franz Graf, 2006). La fondation, en 1995 de l’Institut d’histoire et de théories du design (IHTD), Abbaye des Prémontrés, Pont-à-Mousson, est aussi symptomatique d’une volonté de développer une réflexion dans ce domaine. Les actes des entretiens sont publiés dans la revue Eïdès. [34] Il faut noter cependant l’ouvrage de Denis Huisman et Georges Patrix paru en 1961, exemplaire du cadre idéologique dans lequel s’est développé le mouvement de l’esthétique industrielle à travers l’action de Jacques Viénot, L’Esthétique industrielle, PUF, coll. « Que sais-je? », Paris, (1961) 1971. [35] Esthétique industrielle, n° 29, 1957. [36] Stéphane Laurent, L’Art Utile, Les écoles d’arts appliqués sous le Second Empire et la Troisième République, Paris, éd. L’Harmattan, 1998. [37] Technica, sept 1965, n° 308, revue éditée par l’Association des anciens élèves de l’École Centrale lyonnaise. [38] Art et Technique aux XIX e et XX e siècles, op. cit. p. 106. [39] « Du Comité de liaison internationale à l’ICSID », Jacques Viénot, Pionnier de l’Esthétique industrielle, op. cit. p. 119-127. [40] « Productivité de l’esthétique industrielle », conférence de Jacques Viénot à Liège le 9 décembre 1954, Esthétique industrielle, n° 15, avril-mai 1955. [41] Formes Utiles, André Hermant, Paris, éd. du Salon des Arts ménagers, Vincent Fréal et Cie, 1959. [42] Première publicité parue dans la revue Art présent en 1948. [43] Il fut également à l’origine du premier syndicat de la profession (1954), de la revue Esthétique industrielle, des premiers enseignements spécifiques de la discipline (1956) et de l’une des plus importantes agences des années 1950, Technès (1949). [44] Esthétique industrielle, 1er numéro, 1951. [45] Annexes, Jacques Viénot, pionnier de l’Esthétique industrielle, op.cit. p.159-173. [46] Esthétique industrielle, créée en 1951 fait suite à une précédente revue créée par Viénot Art présent (1945-1950 – 13 numéros). Esthétique industrielle publie 74 numéros entre 1951 et 1965. À partir de 1965 la revue devient Design industrie (1965-1974 – 38 numéros). [47] Esthétique industrielle, n° 10-11-12. [48] Allocution de Georges Combet au Congrès d’Esthétique industrielle de 1953, « Esthétique et Économie, relations entre l’art industriel et le principe général d’économie de moyens », Esthétique industrielle, n° 10-11-12. [49] Congrès de l’ICSID à Venise en 1961, Esthétique industrielle, n° 52-53. [50] Alain Beltran et Jean-Pierre Williot, historiens de Gaz de France, Pierre Lamard, historien de la société Japy… [51] Expression reprise à Edgard Morin qui parle ainsi du regard épistémologique qui saisit l’importance du présent dans la reconstruction du passé, Relier les connaissances, le défi du XXe siècle, journées thématiques conçues et animées par Edgar Morin, 16-24 mars 1998, Paris, éd. Du Seuil, 1999, p. 351. [52] Voir le texte de la conférence « L’Éclipse de l’objet dans les théories du projet en design », Alain Findeli et Rabah Bousbaci, communication proposée au 6ème colloque international et biennal de l’Académie européenne de design (European Academy of Design, EAD), Brême, mars 2005, sous le thème « Design-Système-Évolution ». Les lectures sémiologiques et sociologiques de l’objet et de la pratique du design font aussi partie du matériel de l’historien en tant qu’elles éclairent sur ce qui peut constituer à un moment donné l’environnement théorique de ses différentes facettes. [53] Nous reprenons ici la très pratique et pertinente analyse proposée par Anne Cauquelin dans Les théories de l’art, Paris, PUF, (1998) 1999. [54] Théorie des objets, Paris, éd. Universitaires,1972 et Psychologie du Kitsch, Paris, Denoël, 1977, ont été élaborés à partir de ses cours à la Hochschule für Gestaltung d’Ulm. [55] Paris, éd. du Seuil, 1957. [56] Paris, éd. Gallimard, coll. [57] Adélie Hoffenberg (historienne de l’art) et André Lapidus (économiste et sociologue), Paris, PUF, 1977. [58] Mercure de France, Environnement et société, Paris,1974 (1ère édition, Stockholm, 1970). [59] Paul Ricoeur, « Le passé avait un futur », Relier les connaissances, le défi du XXe siècle, journées thématiques conçues et animées par Edgar Morin, 16-24 mars 1998, Paris, éd. Du Seuil, 1999, p. 297-304. Cet article est également consultable sur le blog de Jocelyne Leboeuf, intitulé Design et histoires.

Les meilleures écoles de design selon Business Week

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 01:39:17 +0000

Par Clément Gault, designer et doctorant en design. Depuis 2003, des chercheurs de l'université de Jia-Tong de Shanghai établissent le classement mondial des meilleures universités, plus connu sous le nom de classement de Shanghai. Paradoxalement, ce classement jouit d'une certaine aura dans le monde de la recherche et de l'enseignement supérieur bien qu'il comporte à l'évidence de nombreuses failles qui normalement tendraient à le discréditer, ou du moins à entacher sa valeur. La plus courante d'entre elles est que le classement prend essentiellement en considération les sciences dites "dures", les sciences sociales étant quasiment laissées pour compte par les critères dudit classement. Pourtant chaque année, celui-ci connaît le même impact planétaire, les mêmes réactions hostiles, voir satiriques (1). Dans cette optique, deux chercheurs français et un chercheur belge signent dans l'édition du Monde du 16 novembre un article expliquant, avec comme appui un raisonnement construit, que le classement de Shanghai résulte d'une "étude mal menée" et d'un "calcul mal fait". Les trois auteurs concentrent initialement leur argumentaire en s'interrogeant sur le crédit légitime de ce classement. Historiquement, il provient d'une demande interne de l'université de Shanghai qui cherchait un outil pour envoyer ses élèves les plus talentueux dans les meilleures universités du monde (2). Comme le rappellent alors les auteurs, comment imaginer que ce classement puisse convenir à des préoccupations et des objectifs très divers concernant la recherche et l'enseignement supérieur? Étudiants, enseignants, chercheurs ou hommes politiques n'ont certainement pas les mêmes attentes et de ce point de vue, le classement de Shanghai apparaît comme un classement pour le classement. Les auteurs avancent que le prendre en compte ne peut se faire sans l'analyse préalable de son but et de sa portée. Ces questions étant ignorées, le classement apparaît dès lors comme une "vérité" et "semble offrir une réponse universelle à une question mal définie et qui n'a été posée par personne." Les auteurs poursuivent leur argumentaire en se focalisant sur le cas de la France qui brille par sa faible performance. Ils s'interrogent en premier lieu sur "les entités évaluées" et rappellent que la définition d'une université, en somme un lieu dédié à l'enseignement supérieur, est relative à la culture de chaque pays. À la vue de ses propres critères, le classement de Shanghai avance comme postulat que l'université est un lieu dédié avant tout à la recherche et non à l'enseignement. Or, en France par exemple, de nombreuses entités de recherche entrant dans les critères du classement de Shanghai (les articles référencés par exemple) ne sont pas issues d'universités mais d'organisations comme le CNRS ou l'Inserm, et qui à juste titre ne peuvent pas figurer dans le classement de Shanghai. Les critères en eux-mêmes sont aussi mis à l'index puisque 5 sur 6 d'entre eux sont un simple comptage (Prix Nobel, Médailles Fields, articles référencés, chercheurs les plus cités) et sont donc largement tributaires de la taille de l'université. De plus, ces critères sont présentés comme "objectifs" puisqu'il suffirait de compter le nombre de Prix Nobel, de Médailles Fields, d'articles publiés ou de chercheurs cités. Une objectivité qui est uniquement basée sur le quantifiable et ne prend pas en compte la portée effective de chacun des éléments. Comme le rappelle l'article du Monde, "comment pondérer le prix Nobel de chimie de Marie Curie datant de 1903 par rapport au prix Nobel de physique d'Albert Fert reçu en 2007 ? " Mais aussi, quelles sont les raisons qui limitent le comptage des articles publiés aux revues Nature et Science, des revues scientifiques généralistes? Ces interrogations légitimes portent à croire que les chercheurs à la base de classement de Shanghai ne peuvent réellement démontrer la pertinence de leurs travaux, d'autant que les données utilisées ne sont pas rendues publique. Dès lors, comment résolument considérer un classement comme objectif quand les conditions de son élaboration ne sont pas transparentes? Le monde de l'enseignement du design peut sembler éloigner des enjeux du classement contesté de Shanghai. Pourtant, l'équivalent d'un tel classement dans le monde de l'enseignement du design existe depuis quelques années déjà. Nous le devons au magazine Business Week. De grandes différences sont néanmoins notables, que ce soit dans le résultat et dans la méthode. Business Week ne verse pas dans la quantifiable et son "World Best Design Schools" annuel se présente sous la forme d'une liste non ordonnée. Pourtant, une méthode quantifiable pourrait éventuellement s'appliquer à un tel sujet. Il existe bien de nombreux livrables s'apparentant à ce que sont les Prix Nobel, les médailles Fields ou les publications pour les chercheurs scientifiques : la reconnaissance explicite par les paires. Dans le monde du design, de nombreux prix, concours ou expositions fonctionnent sur un principe similaire où un panel de spécialistes reconnus se concertent pour choisir les meilleures innovations en termes de design. Business Week procède de la même manière. En ce sens, la reconnaissance des meilleurs école de design selon le magazine ne se fait pas selon des signes identifiables mais selon un panel dédié et équilibré formé d'universitaires, de praticiens et d'entrepreneurs spécialisés du domaine. L'avantage indéniable est que leur méthode apparaît transparente puisque chaque année les personnes constituant le panel ainsi que la méthode sont clairement décrites (3). La méthode est classique et ne semble pas changer d'année en année. Elle se résume à une collecte d'informations sur les écoles, d'entretiens avec les professeurs, les anciens élèves et ceux actuels pour aboutir à une discussion et un consensus entre les membres du panel sur les meilleures écoles. Néanmoins, les indications laissées dans les descriptifs des écoles laissent insidieusement apparaître d'autres critères. Pour 2007, la liste comprenait 60 écoles et pour chacune d'elle, une description des partenariats (académiques, commerciaux et les entreprises employeurs), quelques anciens élèves connus et la particularité du programme d'enseignement. On pouvait éventuellement objecter que les designers indépendants ou ceux créant avec succès leur propre entreprise ou cabinet ne pouvaient être pris en compte pour leurs écoles correspondantes. Ainsi, le discours de 2007 se résume de cette manière : IDEO, Apple, Google ou GM sont reconnus pour leurs qualités en terme de design et d'innovation ; la liste des meilleurs école consiste alors à réunir les écoles apparentées au design ayant le plus de liens et d'échanges directs avec ces entreprises. La liste de cette année diffère quelque peu. Tout d'abord elle passe de 60 à 30 et le diplôme délivré est clairement mis en avant. De plus, seuls les partenariats commerciaux et les raisons de la présence de l'école dans la liste (se concentrant sur le programme dispensé) sont présentés. Même si la méthode revendiquée par les auteurs est identique, les changements opérés en deux ans ne sont pas anodins. Il convient néanmoins de ne faut pas se tromper : ce n'est pas la méthode en elle-même qui est à mettre en cause mais bien le parti pris initial. En effet, il faut considérer que la livrée 2009 du "World Best Design Schools" est incluse dans un dossier thématique sur le design thinking. Pour rappel, le design thinking est un process développé à la fin des années 60 par Herbert Simon, un des pionniers de l'intelligence artificiel et prix Nobel d'économie. Il se définit comme un processus créatif dont l'objectif est de résoudre un problème ou une question visant l'amélioration d'une situation donnée. Dans son dossier de 2009, Business Week reprend les préceptes du design thinking pour démontrer ses avantages dans sa pratique en entreprise. Tout comme le classement de Shanghai se limite tacitement aux sciences "dures", la liste des meilleures écoles de design de Business Week se limite à une vision du design, celle du design thinking. Celui-ci a en effet l'avantage, si l'on peut le dire ainsi, de ne pas connaître de champ d'application donnée puisqu'il s'envisage comme un système, une considération qui est en réalité très répandue dans le courant de recherche anglo-saxon en design où le terme "design" est à traduire par conception. De ce fait, la liste de Business Week peut par certains aspects apparaître comme étant tout aussi contestable que le classement de Shanghai Le design thinking est surtout une des représentations de la mutation en cours qui fait qu'une partie des enseignements du design, du management, de l'ingénierie et du commerce tendent à se rapprocher. Cette dernière est d'autant plus vraie à la vue de la liste 2009 établie par Business Week. Sur les 30 écoles, un tiers d'entre elles délivrent un MBA (4), un second tiers un mastère mixant design et une autre discipline (management, ingénierie, stratégie, etc.), un sixième environ un mastère en design industriel et une seule école délivre un MFA (5). Ainsi, des écoles comme les Arts Déco de Paris ou l'ESADSE sont tacitement éliminées d'office quand la majeure partie de meilleures écoles de design se révèle être des écoles de commerce et de management. On pourrait être ironique et s'interroger sur la réciproque : les meilleurs école de commerce et de management délivrent-elles des diplômes de design? Mais là n'est pas le propos. Lors des entretiens avec des designers-enseignants d'expérience que j'ai mené pour mon travail de recherche, une problématique réapparaissait souvent : comment évaluer le design, et en développement comment évaluer son enseignement? De ce fait, avancer que le design thinking serait la meilleure voie pour la pratique du design ne révèle-t-elle pas davantage de l'opinion que d'un fait ? Comparer les enseignements du design est un travail qui peut se révéler riche en expérience et en savoir. En revanche, présenter le design thinking comme une vision unilatérale, sous-entendre qu'elle est la meilleure voie pour la pratique du design ou bien la seule viable, cela reste toujours à démontrer. Notes : 1 - À ce sujet, vous pouvez lire l'article Le classement de Shanghai dépassé?, publié sur le site satirique Scientists of America. 2 - Vous pouvez en savoir plus sur l'histoire du classement dans un article paru sur lepoint.fr le 14 août 2008. 3 - La méthodologie est expliquée pour les années 2007 et 2009 sur le site de Business Week. 4 - MBA pour Master of Business Administration, "est le diplôme international d'études supérieures du plus haut niveau dans le domaine de la conduite globale des affaires : stratégie, marketing, finances, ressources humaines et management." (via Wikipedia) 5 - MFA pour Master of Fine Arts.

2009 11 23 a

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 15:34:00 +0000

Photo © Sintony s.r.l.

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 15:37:41 +0000

Photo © Sintony s.r.l.

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 15:41:15 +0000

Photo © Sintony s.r.l.

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 15:41:42 +0000

Deformscape © Faulders Studio

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 16:03:04 +0000

Deformscape © Faulders Studio

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 16:03:42 +0000

Deformscape © Faulders Studio

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 16:04:06 +0000

Deformscape © Faulders Studio

La Revue du Design — Fri, 20 Nov 2009 16:04:26 +0000

Cart

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 01:42:20 +0000

A Milan, le fabricant italien Bonaldo édite cette chaise multi-usages conçue par le jeune designer Luca Nichetto. Intitulée "Cart", elle est constituée d'une coque en polyuréthane, posée sur une base en métal. Le tout se décline en gris, blanc, rouge, gris anthracite et ivoire. Et voici ce que Luca Nichetto dit de son produit: "Je voulais un produit qui se remarque, dont le design est fondé sur la fonctionnalité. Cart a une conception qui rappelle celle des produits des années 50, et des formes très particulières, surtout vu de l'arrière. La chaise est aussi extrêmement fonctionnel: elle peut être empilée avec grâce à un mécanisme semblable à celui des chariots de supermarché. C'est d'ailleurs de là que vient son nom (shopping carts)". "I wanted a product that got noticed, where design was based on functionality. Cart has a rather '50s design and very special shapes, especially when viewed from the back. It is also extremely functional: it can be stacked with a mechanism like that used for supermarket trolleys – the shopping carts from which this product takes its name". Source: dailytonic.com. Photo © Sintony s.r.l.

Photo Masayuki Hayashi.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:02:35 +0000

Photo Masayuki Hayashi.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:03:16 +0000

Photo Masayuki Hayashi.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:03:42 +0000

Photo Masayuki Hayashi.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:04:10 +0000

Photo Daici Ano.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:04:50 +0000

Photo Daici Ano.

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 13:06:00 +0000

Letout Outlet © Damjan Stankovic

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 15:13:40 +0000

Letout Outlet © Damjan Stankovic

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 15:14:05 +0000

Letout Outlet © Damjan Stankovic

La Revue du Design — Mon, 23 Nov 2009 15:14:28 +0000

Blanc et filaire

La Revue du Design — Tue, 24 Nov 2009 01:05:38 +0000

Le nouveau mobilier d'aménagement intérieur des boutiques Issey Miyake de Tokyo a été imaginé par le designer Nendo. Principalement composé de tiges d'acier de 7mm, laquées blanc, il met en valeur les pièces colorées du styliste. Différents modules, servant de suspension, de support, de miroir, ont ainsi été dessinés. Les vêtements, dans leurs accumulation, rythment l'espace de leurs couleurs (il n'existe d'ailleurs pas d'espace de stockage, l'ensemble des pièces étant présenté en magasin), rappelant ainsi le "chaos harmonieux" des magasins de proximité japonais. Source: nendo.jp.

Deformscape

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 01:03:22 +0000

Imaginé par l'agence Faulders Studio, le projet Deformscape consiste en l'aménagement d'un jardin d'une maison située à San Francisco, dans un quartier urbain et assez dense. Un grand arbre, existant, meublait l'existant telle une sculpture monumentale. L'agence a pris le parti de le conserver et d'organiser visuellement l'espace autour de lui. Un ensemble de lignes, tracées au sol et sur les murs, gravitent ainsi autour de l'arbre, véritable pôle de cet espace extérieur réduit. L'agence a également expérimenté d'autres types de déformations spatiales, visibles sur son site Internet (www.faulders-studio.com), notamment la Deform House. Source: designerblog.it.

Inner Landscape.

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:26:22 +0000

Radostar Airbags

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:27:02 +0000

2009 11 26 d

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:27:37 +0000

Croquis d’Adrien Rovero.

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:28:05 +0000

Les étagères modulaires de Colin Schaelli. Photo Noë Flum.

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:28:46 +0000

Le transporteur multifonction Aebi VT450 de Paolo Fancelli.

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:29:15 +0000

Lampadaire d’Enzo Catellani.

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 12:29:45 +0000

Konstantin Grcic, dessin préparatoire pour le siège Chaos, édition ClassiCon, 1999. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:05:14 +0000

Ronan et Erwan Bouroullec, dessin, stylo à bille sur papier, 2005. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:06:23 +0000

Pierre Charpin, dessin, 2008. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:07:11 +0000

Benjamin Graindorge, dessin préparatoire pour l’Aquarium, 2006. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:08:01 +0000

Mathieu Lehanneur, dessin de concept, Local River, image de synthèse, 2007. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:08:45 +0000

Front Design, photo extraite du film Sketch Furniture, 2006. © DR

La Revue du Design — Wed, 25 Nov 2009 16:11:20 +0000

Letout Outlet

La Revue du Design — Thu, 26 Nov 2009 01:15:16 +0000

Le projet Letout Outlet du designer Damjan Stankovic, basé Belgrade, consiste en une prise électrique murale ayant la particularité de pouvoir jouer également le rôle de multiprise. Une simple pression suffit à faire sortir le boîtier du mur. Ce projet a été lauréat d'un Reddot design award, tout comme la table Eco-effective que nous avions présentée il y a quelques semaines. Source: industrijski-dizajn.com, relogik.com.

Sélection design suisse

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 01:55:32 +0000

En partenariat avec Espaces contemporains. Inner Landscape. A chacun de ses nouveaux numéros, le magazine suisse Espaces contemporains présente aux lecteurs de La Revue du Design une sélection d’actualités, de démarches ou de projets suisses (ci-dessus, le projet "Inner Landscape", imaginé par Joëlle Cabane à l’occasion des Design days Genève 2009). Design days Genève Radostar Airbags. Il y a un peu plus d’un mois se déroulait la première édition des Design days Genève. Près de 14 000 personnes ont exploré les différentes expositions et manifestations mode, art contemporain et design, qui avaient investi une cinquantaine de lieux (galeries d’art, boutiques…). Le designer lausannois Adrien Rovero avait pour l’occasion, en partenariat avec la revue Espaces contemporains et l’entreprise horlogère Rado, mis en scène un espace intitulé Radostar Airbags, accueillant les productions d’une dizaine de designers européens. Autre projet fort de la manifestation: Inner Landscape, imaginé par l’architecte d’intérieur et artiste Joëlle Cabane. Cette installation déployait dans l’espace tous les éléments constitutifs d’un "bench" de Knoll System (notre image d’introduction). Le design Suisse fait sa révolution chez Pfister Les planches et esquisses de Jörg Boner. Croquis d’Adrien Rovero. L’entreprise Pfister, spécialiste d’un ameublement plutôt "traditionnel", a décidé de rompre avec ses habitudes en développant une collection intitulée "Atelier", conçue par onze bureaux de design suisse parmi les plus jeunes, dynamiques et innovants (avec entre autres l’Atelier Oï, Nicolas Le Moigne, Sibylle Stoekli, Adrien Rovero…). La direction artistique du projet a été confiée à Alfredo Häberli, et la collection devrait voir le jour à l’automne prochain. Les Lauréats de la 10e édition des Design Preis Schweiz Les étagères modulaires de Colin Schaelli. Photo Noë Flum. Le transporteur multifonction Aebi VT450 de Paolo Fancelli. Les Design Preis Schweiz sont un prix de design suisse récompensant des projets dans différentes disciplines: design industriel, mode… 330 projets avaient été déposés pour cette 10e édition, un chiffre en augmentation de 10% par rapport à l’année passée. Trente-six d’entre eux ont été retenus et soumis à un jury international composé de Jasper Morrison, Konstantin Grcic, Lars Müller… Celui-ci a désigné six lauréats, répartis en cinq catégories. A retenir, entre autres, les étagères modulaires de Colin Schaelli pour les produits Freitag (lauréat de la catégorie Newcomer), et le transporteur multifonction de Paolo Fancelli (lauréat de la catégorie Market), associant "les qualités d’un véhicule agricole adapté aux pentes à celles d’un engin utilitaire communal". Expérimenter la lumière du futur Lampadaire d’Enzo Catellani. Dans son showroom de Lausanne, Jean-Pierre Goumaz propose de "découvrir, tester, comparer et ressentir cette lumière d’un nouveau type" qu’offre la technologie led, au sein d’une "boite" de 25m² spécialement conçue pour l’occasion, totalement blanche et fermée. L’exposition permet également de prendre connaissance de la collection de lampes originales qu’Enzo Catellani a imaginées (à poser ou à suspendre), considérant "que ni l’éclairage ni la forme des leds ne ressemblent à ce que peut être et procurer une ampoule conventionnelle". Ces projets sont au sommaire du numéro Novembre 09/Janvier 10 de la revue Espaces contemporains.

Vue générale de l'exposition. Courtesy galerie Kreo.

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:30:59 +0000

Etagère 270. Photo © Mathieu Roquigny. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:31:53 +0000

Etagère 365. Photo © Mathieu Roquigny. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:32:25 +0000

Heroic shelves, détail. Photo © Mathieu Roquigny. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:32:51 +0000

Caisson Cork. Photo © Fabrice Gousset. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:34:31 +0000

Rangement Cork 2. Photo © Fabrice Gousset. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:35:08 +0000

Rangement Cork 3. Photo © Fabrice Gousset. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:35:41 +0000

Cork, détail. Photo © Fabrice Gousset. Courtesy galerie Kreo

La Revue du Design — Fri, 27 Nov 2009 15:36:07 +0000

Heroic shelves et Simple boxes

La Revue du Design — Mon, 30 Nov 2009 01:21:54 +0000

Depuis le 7 novembre et jusqu'au 19 décembre, Martin Szekely présente dans les murs de la galerie Kreo deux nouvelles séries de meubles: des étagères (intitulées Heroic shelves) réalisées en panneaux de nid d’abeilles d’aluminium orthogonalement assemblés, et des "boites" aux fonctions diverses - caisson, rangement, commode… - conçues à partir de panneaux de liège (intitulées Cork). Simplicité de rigueur! Collection Heroic Shelves (Panneaux en nid d’abeilles en aluminium, peaux d’aluminium anodisées, et profilés en aluminium anodisé). Collection Cork (Liège naturel ciré, Corian). Voici, ci-dessous, un texte de Martin Szekely expliquant son approche:

"Heroic shelves fait suite à des étagères exposée en 2005 à la Galerie kreo [voir ici, ndlr]. La structure des étagères était construite avec un minimum d’accroche pour le regard. Une fois remplie, l’étagère disparaissait au profit de son contenu : les livres ou tout autre objet. heroic shelves est construite avec moins d’éléments encore. Le décalage des tablettes horizontales, obligé pour le montage des étagères, n’existe plus. Ne reste qu’une structure faite de plans qui se croisent à quatre-vingt dix degrés. Les tablettes horizontales et les montants verticaux sont constitués d’un nid d’abeilles d’aluminium de quatre millimètres d’épaisseur et de deux peaux d’aluminium anodisées de un millimètre d’épaisseur, soit un matériau composite sous forme de « sandwich » de six millimètres d’épaisseur au total. L’assemblage des éléments horizontaux et verticaux est réalisé à l’aide d’un profilé d’aluminium "en croix", extrudé industriellement et anodisé. Ce profilé en croix, une fois assemblé par collage à chaque intersection maintient heroic shelves droit et fort, la structure lui est intrinsèque. A partir des étagères se dégageait, grâce aux profilés triangulaires et aux décalages des tablettes, une image charmante et séduisante, une sorte de musicalité. Pour heroic shelves plus rien de tout cela ne persiste. Des lignes verticales croisent des lignes horizontales. Un dessin naïf mais aussi un rêve de constructeur qui se réalise. Simple boxes rappelle une nouvelle fois que tous les meubles sont, plus ou moins, des boîtes. Par exemple, une table ou un tabouret sont des boîtes dont ont aurait substitué des parties, une armoire est une boîte parfaite, et ainsi de suite… Les simple boxes sont constituées de panneaux de liège calibrés et cirés, constitués de particules de liège compressé. C’est à partir de ces panneaux que le projet s’est construit : deux rangements à portes coulissantes et tiroirs, un rangement à tiroirs, une table basse et un plateau de table agrémenté de pieds métalliques. Chaque panneau est à sa juste place et son épaisseur est déterminée selon sa fonction et ses limites structurelles. Les césures visibles sur les faces correspondent aux limites dimensionnelles de chacun des panneaux. Le liège absorbe les chocs tant physiques que phoniques. C’est un matériau isolant. Son poids est léger, il est doux au toucher et ne craint pas l’eau. Dans le cas de simple boxes, le liège est sa couche protectrice : elle protège le contenu du dehors. Les pêcheurs portugais en faisaient de petits meubles et objets à emporter sur leurs bateaux qui ne craignaient ni la chute, ni l'eau. De simples boîtes, à la nature économique." Martin Szekely, Paris, 2009.

Source: galeriekreo.com.

Eloge de la main

La Revue du Design — Tue, 01 Dec 2009 01:03:02 +0000

Le titre du merveilleux petit essai d’Henri Focillon (Eloge de la main, 1934) pourrait parfaitement s’appliquer à l’exposition qui se déroule actuellement – et jusqu’au 10 janvier prochain, au Musée des arts décoratifs de Paris. Intitulée "Dessiner le design", celle-ci présente les croquis et esquisses préparatoires d’une sélection de douze designers contemporains d’importance, parmi lesquels Konstantin Grcic, Marc Newson ou encore Ronan et Erwan Bouroullec. Elle souligne, au passage, un certain nombre d’enjeux concernant la place du dessin dans le processus créatif, et son dialogue avec les nouveaux outils de conception assistée par ordinateur. Carnets de croquis, études préparatoires, recherches formelles "libres"... Ce sont près de 200 réalisations qui sont présentées aux visiteurs. Elles témoignent dans leur ensemble, et outre d’une diversité de registre formels et de pratiques créatives, d’une importance évidente du dessin dans le processus créatif du design. Henri Focillon, en 1934, nous disait déjà, en introduction à son ouvrage: "J’entreprends cet éloge de la main comme on remplit un devoir d’amitié. Au moment où je commence à l’écrire, je vois les miennes qui sollicitent mon esprit, qui l’entraînent. Elles sont là, ces compagnes inlassables, qui, pendant tant d’années, ont fait leur besogne, l’une maintenant en place le papier, l’autre multipliant sur la page blanche ces petits signes pressés, sombres et actifs. Par elles l’homme prend contact avec la dureté de la pensée. Elles dégagent le bloc. Elles lui imposent une forme, un contour et, dans l’écriture même, un style." Aujourd'hui, si les outils de modélisation ont assurément modifié la gestion du projet de design, permettant notamment de visualiser les objets sous différents angles et de livrer des plans "d’exécution" élaborés à partir de vues en 3 dimensions, l’on constate que le dessin "manuel", au sens le plus traditionnel du terme, est encore extrêmement fréquemment utilisé. Souvent très soignées et "léchées", les esquisses présentées laissent entendre, comme un écho, le temps assez long d'élaboration qu'elles ont nécessité, permettant également à la penser du designer de cheminer. Dans l'accumulation des dessins qu'elle présente, l’exposition soulève ainsi plusieurs questions: Dans quelle mesure le dessin sert-il à faire évoluer les idées plutôt qu’à les poser sur le papier? L’arrivée de l’informatique a-t-elle bouleversé ces pratiques? Le croquis sert-il à mieux comprendre les formes que l’on a en tête? Ou est-il au contraire comme une simple "note" que l’on prend, sur un carnet? A quel moment intégrer la modélisation 3D? Selon les concepteurs, les réponses à ces questions varient évidemment. Du simple l'outil qui permet de visualiser une idée (Konstantin Grcic) à "une forme de divagation" dont la finalité est le dessin lui-même (Ronan Bouroullec), il se décline selon différents modes, allant même jusqu’à des pratiques insolites comme celle initiée par le collectif suédois Front Design, qui a utilisé un logiciel de reconnaissance de mouvements pour dessiner, à main levée et dans l’espace, une collection d’objets et mobiliers (intitulée "Sketch Furniture"). Nous avions commencé avec Focillon, finissons avec lui: "La possession du monde exige une sorte de flair tactile. La vue glisse le long de l’univers. La main sait que l’objet est habité par le poids, qu’il est lisse ou rugueux, qu’il n’est pas soudé au fond de ciel ou de terre avec lequel il semble faire corps." Alexandre Cocco

Yuca © Studio Vertijet / Cor

La Revue du Design — Tue, 01 Dec 2009 10:17:22 +0000

Yuca © Studio Vertijet / Cor

La Revue du Design — Tue, 01 Dec 2009 10:17:50 +0000

Eko © Damjan Stankovic / Relogik.

La Revue du Design — Tue, 01 Dec 2009 10:21:50 +0000

Eko © Damjan Stankovic / Relogik.

La Revue du Design — Tue, 01 Dec 2009 10:22:16 +0000

Yuca

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 01:16:33 +0000

Développé par le studio Vertijet, le fauteuil Yuca se présente une comme forme unique et monolithique, pivotant sur un axe central. Fidèle à son écriture géométrique et épurée, le studio Vertijet signe ici une chaise se déclinant en cuir ou en tissu, éditée par ailleurs chez la marque allemande Cor. Le Studio Vertijet a été fondé en 1998 par l'architecte d'intérieur Kirsten Antje Hoppert et le designer Steffen Kroll autour d'un idéal commun, rechercher la recherchant une forme de "beauté fonctionnelle". Tous deux ont étudié entre 1992-1998 à la Hochschule für Kunst und Design. Source: vertijet.de.

Cord © Busk and Hertzog / Softline

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 12:23:17 +0000

Cord © Busk and Hertzog / Softline

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 12:23:37 +0000

Cord © Busk and Hertzog / Softline

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 12:24:03 +0000

Cord © Busk and Hertzog / Softline

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 12:24:20 +0000

Concours Mini Maousse

La Revue du Design — Wed, 02 Dec 2009 15:48:44 +0000

Eko

La Revue du Design — Thu, 03 Dec 2009 01:24:26 +0000

Imaginé par le designer Damjan Stankovic, dont nous avions déjà présenté un projet de multiprise électrique encastrable, le feu rouge Eko a lui aussi été lauréat d'un Reddot design award. Indiquant le temps restant avant le passage au vert, il favorise une conduite plus sûre et permet d'économiser du carburant, le conducteur n'étant pas obligé d'accélérer frénétiquement en attendant de pouvoir avancer (voire même il peut couper son moteur)... Source: relogik.com.

Cord

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 01:22:24 +0000

Le fauteuil et le canapé Cord, imaginés par l'agence Busk & Hertzog et édité par le danois Softline, peuvent se transformer en lit d’appoint pour une ou deux personnes. Cord dissimule également la possibilité d’incliner son dossier selon huit positions différentes, et se décline en divers coloris. Source: leblogdeco.fr, softline.dk.

La Belle et le Clochard © François Azambourg / Moustache

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 09:02:14 +0000

La Belle et le Clochard © François Azambourg / Moustache

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 09:03:29 +0000

La Belle et le Clochard © François Azambourg / Moustache

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 09:03:54 +0000

Photo © Pranav Mistry (projet SixthSense).

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 09:43:28 +0000

Encalmo Stamen © Niche Modern

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 13:45:05 +0000

Pharos © Niche Modern

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 13:45:45 +0000

Aurora © Niche Modern

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 13:46:17 +0000

Monarchy © Feld / Yiannis Ghikas

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 13:49:42 +0000

Monarchy © Feld / Yiannis Ghikas

La Revue du Design — Fri, 04 Dec 2009 13:50:09 +0000

Des bulles colorées

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 01:44:04 +0000

Encalmo Stamen, Pharos et Aurora sont trois nouveaux modèles de luminaires en verre, édités par la société américaine Niche Modern. Tous sont soufflés artisanalement, et présentent donc de légères différences. Tous sont également assez incroyables, vivement colorés et légers. Sources: nichemodern.com, dailytonic.com.

Photos © Ribon

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:33:03 +0000

Photos © Ribon

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:33:42 +0000

Photos © Ribon

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:34:09 +0000

Photos © Ribon

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:34:39 +0000

Nissan cube

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:42:12 +0000

Nissan cube

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:43:50 +0000

Nissan cube

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:44:27 +0000

Nissan cube

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:45:08 +0000

Nissan cube

La Revue du Design — Mon, 07 Dec 2009 13:45:40 +0000

Ecco

La Revue du Design — Tue, 08 Dec 2009 01:30:15 +0000

Premier meuble éco-conçu édité par Artelano, la bibliothèque "Ecco" imaginée par Ora-Ito est réalisée à partir de matériaux recyclés provenant de forêts certifiées. Son montage se fait sans visserie, par simple encastrement des différents éléments en un seul geste. Déclinée en finition laquée satinée noir ou blanche, Ecco est composée d’éléments en matériau alvéolaire issu de bois en provenance de forêts certifiées. Plus d'informations sur artelano.com.

Quel design à l’heure de la réalité augmentée?

La Revue du Design — Wed, 09 Dec 2009 01:42:56 +0000

Consistant à ajouter, par le biais de technologies numériques et/ou informatiques, des informations (textes, sons, images fixes ou animées…) en superposition à la réalité "physique", la réalité augmentée se décline et envahi aujourd’hui plusieurs aspects de notre quotidien. Parfois proche du gadget, elle n’en participe pas moins à de nouvelles modalités de perception de notre environnement, et gagnerait à être envisagée dans une approche plus globale de conception. Ses applications, de plus en plus nombreuses, concernent les domaines du jeu vidéo, du cinéma et de la télévision (incrustations d’images, de publicités, de séquences animées), du tourisme (plans interactifs, visites virtuelles), de l’éducation (serious games), du médical, de l’industrie (conception, assemblage, robotique...), etc. Si la technologie n’est pas nouvelle – elle a été utilisée il y a une vingtaine d’années pour le pilotage d’avions militaires –, elle prend aujourd’hui une place de plus en plus importante, à cause de trois facteurs liés : le déploiement des technologies sans fil, celui de la téléphonie mobile et celui de la géo-localisation. Ainsi, comme le précise Stéphane Natkin, directeur de l’École nationale du jeu et des médias interactifs numériques, "Lorsque votre iPhone vous renseigne sur les rues ou les monuments, il s’agit de réalité augmentée" ("Quand le réel enrichit le réel", PC Expert Septembre 2009). La réalité augmentée interagit donc en temps réel avec notre environnement matériel, auquel elle vient ajouter des éléments non perceptibles naturellement. Selon notre position, nos déplacements, elle se modifie et délivre de nouvelles informations. Mais de quelle(s) façon(s) cette possibilité technologique, dans la mesure où elle participe à une nouvelle perception des éléments qui nous entourent, pourrait rétroactivement influencer la manière dont ceux-ci sont conçus? Le peut-elle ou le doit-elle réellement? Posons quelques scenarii possibles. Des objets plus simples, mis en scène et décorés virtuellement… Une première piste de généralisation de la réalité augmentée consisterait à proposer des objets plus simples formellement (peut-être moins chers à produire?), principalement considérés comme des supports d’informations (temporaires ou plus pérennes, décoratives ou fonctionnelles). Modifiables selon les ambiances ou les configurations, ceux-ci placeraient l’utilisateur en véritable "metteur en scène" de son environnement. Le risque est par contre que d’un point de vue matériel, ces artefacts en eux même ne constituent plus qu’une réalité "diminuée", que seule l’appropriation par des technologies spécifiques permettrait d’aborder dans son entièreté. Ou des objets plus complexes, des "kits" revisités, et une nouvelle approche de la relation designer/utilisateur/objet? À l’opposé de cette relation "de surface", principalement esthétique ou informative (projetant des décors ou des informations), la réalité augmentée pourrait aussi générer des pénétrations plus profondes entre les univers réels et virtuels, influençant la nature des formes produites. Un exemple : les distributeurs de meubles en kit, aujourd’hui limités (on le devine!) par le savoir-faire des consommateurs et leur capacité à comprendre des modes d’emploi parfois abscons, pourraient proposer des objets aux volumétries et assemblages nettement plus complexe… Avec l’idée que des explications interactives et en temps réel rendraient le montage plus accessible. Plus de fonctions et moins de matière En allant plus loin, il apparait évident qu’un certain nombre d’objets dont nous nous servons quotidiennement soient amenés à disparaitre. C’est particulièrement vrai dans le domaine de la téléphonie et de l’informatique, où il est possible qu’un seul outil technologique, relié à Internet et muni par exemple d’une micro-caméra et d’un pico-projecteur, puisse saisir nos gestes, les enregistrer et au besoin projeter des images correspondantes sur un support quelconque (une feuille de papier, un mur…), devenu "écran" temporaire. Une appropriation virtuelle de notre environnement matériel La réalité augmentée permet aussi à l’utilisateur d’"incruster" dans son univers matériel des informations qui lui sont personnelles. Dans le domaine du tourisme, les applications sont évidentes, chaque expérience dans un hôtel ou un restaurant pouvant donner naissance à une somme de livres d’or parallèles, accessibles aux personnes passant alentour. À un niveau plus individuel, d’autres utilisations, devraient nous permettre d’ajouter à certains endroits ou sur certains objets des repères et commentaires, participant ainsi à une appropriation virtuelle de notre environnement matériel. Un exemple: arrivant devant la porte d’entrée de son logement, une personne trouverait un message que lui seul pourrait lire, du type "les clés sont sous le paillasson. PS : tu as vu, il y a un petit éclat de peinture sur la porte, juste ici!"… Tout ou partie de ces informations pourrait même remonter vers le producteur ou le concepteur de l’objet, même si l’aspect "Big Brother" de cette éventualité est à questionner. On devine ainsi les réactions d’un industriel, d’un architecte ou d’un designer mesurant les commentaires des usagers sur leurs réalisations, la manière dont elles sont utilisées et jugées… Le "design" et "l’architecture" de la réalité augmentée Dans la mesure où elle définit de nouvelles modalités de dialogue entre l’Homme et son environnement, la réalité augmentée devra nécessairement se poser la question de son "design" et de son "architecture". En effet, l’accumulation d’informations à l’infini, leur accès, leur ordre et leur présentation dans l’espace et le temps ne pourra pas se limiter à une approche purement technologique. Et d’autres facteurs, de l’ordre de ceux que le designer ou l’architecte manipulent quotidiennement, concernant l’appropriation, la perception sensible et spatiale, les usages et leur mémoire, l’importance du lieu et de sa topologie, seront à intégrer dans cette réflexion. Alexandre Cocco Cet article est paru, dans une version légèrement plus longue et plus illustrée, dans le n°186 de la revue d’Architectures. ----- Quelques projets de réalité augmentée: SixthSense www.pranavmistry.com Développé par Pranav Mistry, étudiant du MIT, SixthSense permet, à l’aide d'une webcam, d'un projecteur miniature et de quelques câbles reliés à un smartphone, d’interagir "physiquement" avec son environnement, de prendre une photo, de classer des documents… Cyclopedia www.chemicalwedding.tv Cyclopedia est une application développée par Chemical Wedding, qui utilise Wikipedia, la caméra et la boussole de l'iPhone 3GS pour proposer des visites en réalité augmentée de différents sites. The Ray Ban Virtual Mirror www.ray-ban.com Le site de la marque Ray Ban propose à ses visiteurs, munis d’une webcam, d’essayer virtuellement ses différents modèles. Urban Cursor www.urbancursor.com Le designer danois Sébastien Campion a imaginé, à l’occasion d’un festival qui s’est déroulé du 23 au 27 septembre dernier à Figueres, en Espagne, un projet intitulé Urban Cursor, consistant en un curseur géant, pouvant faire office de mobilier urbain, qui était offert aux manipulations du public, et dont les différents déplacements étaient enregistrés grâce à un système GPS intégré.

Rocking stool

La Revue du Design — Thu, 10 Dec 2009 01:51:35 +0000

Conçu par Yiannis Ghikas pour la dynamique marque belge Feld, le tabouret Monarchy possède la particularité de reposer sur deux arcs de cercles croisés, lui donnant une allure de culbuto pour adulte. Il se décline en bois naturel ou en divers coloris (rouge, vert, noir et blanc). Le site de la marque nous indique ainsi que le tabouret Monarchy est conçu pour ne pas se renverser, mais aussi pour permettre à l'utilisateur d'échapper à la platitude de l'ultime stabilité ("Monarchy is designed not to be overturned but at the same time allows the user to escape the dullness of the ultimate stability"). Source: feld.be.

La Belle et le Clochard

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 01:06:07 +0000

Elu créateur de l'année 2009 lors du salon Maison & Objets de janvier dernier, François Azambourg est un explorateur de matériaux. Il a réalisé, pour le récent éditeur français Moustache une table intitulée "La Belle et le Clochard", dont le plateau est composé d'une épaisseur de mousse de polyéthylène recouverte d'un placage de bois précieux. Ce n'est pas la première fois que François Azambourg expérimente des associations inédites de matériaux, et l'on se souvent de son fauteuil Bois-mousse présenté par le VIA en 1999. Outre son aspect formel, l'intérêt principal de cette table est que le designer ait choisi de dissocier visuellement l'aspect de surface et l'"âme" du matériau. Il prend ainsi le contre-pied de méthodes aujourd'hui largement utilisées, mais habituellement cachées, consistant à "cacher" ce type d'assemblage. En effet, la plupart des meubles en bois que nous achetons aujourd'hui, même chez les éditeurs de design, est en fait réalisés à partir de placages (ce qui n'est d'ailleurs pas sans poser parfois des problèmes de durabilité des objets dans le temps). Par ailleurs, l'association insolite de matériaux proposée ici permet à cette grande table de ne peser que 12 kilos. La table se décline en version palissandre (foncée) ou érable (claire). Sources: moustache.fr, azambourg.fr.

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:32:32 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:33:04 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:33:29 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:33:52 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:44:59 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:45:27 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:45:59 +0000

La Revue du Design — Mon, 14 Dec 2009 15:46:28 +0000

Le luxe en poche?

La Revue du Design — Tue, 15 Dec 2009 01:41:32 +0000

Par Stéphane Laurent, Docteur en histoire de l’Art, Maître de conférences HdR, auteur entre autres ouvrages de Chronologie du design aux éditions Flammarion. Une biographie ou des propos recueillis sur un couturier qui rencontrent le succès et se terminent en toute logique sous forme de livre de poche, ce n’est certes pas la première fois dans l’édition. Yves Saint-Laurent et Coco Chanel (1883-1971) en étaient déjà les grands bénéficiaires. La mode est, parmi les champs de la création, celui qui se vend le mieux auprès du grand public, au point que ses stylistes sont des vedettes du star-system. La publication récente de l’Allure de Chanel, par l’écrivain diplomate et académicien, aujourd’hui décédé, Paul Morand (1888-1976), pourrait donc, à première vue, passer pour une version réitérée de la vie et des pensées de la célèbre couturière de la rue Cambon, qui avait fait l’objet d’une magistrale biographie d’Edmonde Charles-Roux. Comme cette dernière, l’ouvrage de Morand, paru d’abord en 1976 sous forme de livre illustré de dessins de Karl Lagerfeld, vient de laisser place uniquement au texte. Un texte fort vivant d’ailleurs, irremplaçable, car né de la fréquentation d’une personnalité de cinq ans l’aînée de l’auteur, austère mais généreuse, qui fuyait le monde et se livrait peu. Ils se connaissaient depuis la belle époque de l’Art Déco, en 1921, mais Morand, qui passe pour l’écrivain représentatif de ce mouvement (notamment après la parution de son roman L’Homme pressé), s’est décidé à rendre hommage à son amie en rassemblant les souvenirs de leurs retrouvailles inattendues dans le fameux Palace Hôtel de Saint-Moritz, pendant l’hiver 1946, alors que tous deux étaient en déshérence. Elle, parce qu’elle avait fermé sa maison de couture après la Défaite et qu’elle ne la rouvrirait que bien des années plus tard ; lui, parce qu’ambassadeur de Vichy à Berne, il venait d’être révoqué des Affaires Etrangères. De cet exil frisquet, intercalaire et feutré, de ces consolations mutuelles qui chassaient l’ennui et l’incertitude du lendemain, Morand se décida des années après, alors que Chanel était redevenue la "grande" Mademoiselle, à coucher sur le papier ses confidences abruptes et chaleureuses, en guise d’hommage à cette amie qu’il venait de perdre. De fait, l’ouvrage présente un plan décousu qui s’en ressent quelque peu d’une simple mise en forme de prises de notes au fil des discussions. L’on saute de considérations personnelles sur la mode, plutôt professionnelles et au reste pleines d’enseignements, sur les femmes, qu’elle a tant fréquentées lors des essayages et de leurs achats, à des portraits des grands personnages entrés dans son cercle intime : ses amis les Sert – Misia et son artiste de mari –, Stravinsky, Picasso, le décorateur Paul Iribe (auteur de la célèbre "rose Art Déco"), ou Diaghilev et le duc de Westminster, dont le souvenir amoureux clôt d’ailleurs le livre. En début d’ouvrage et entre les pages, se glissent des remembrances autobiographiques. C’est à ce niveau que l’on doit s’interroger. Car Chanel nous livre sa propre légende. Elle se dit autodidacte de la couture, alors qu’elle a solidement appris le métier à Moulins au sortir du pensionnat chez les sœurs de Saumur; ce pensionnat, du reste, se volatilise au profit d’une prétendue éducation chez des "tantes", son père l’ayant délaissée – c’est avéré – pour courir aux Amériques. Au détour d’un paragraphe, elle se trahit, à moins qu’elle veuille malicieusement nous amener à découvrir une vérité subreptice : "Je n’avais même jamais eu ces uniformes de couvent, à pèlerine, embellis par les rubans du Saint-Esprit, ou des Enfants de Marie, qui sont l’orgueil de l’enfance". Mais alors, se demande-t-on, d’où les connait-elle si précisément ? Sa sœur, vouée au même sort, est, elle aussi, sortie de sa mémoire. Elle n’oublie pas en revanche de célébrer son grand amour, Boy Capel, tué dans un accident de voiture au sortir de la Grande guerre, et qui l’aura lancée dans la carrière. Tout cela et parfois son contraire, si Morand l’ignorait sans doute, nous, nous le savons aujourd’hui. Des documentaires, des téléfilms, le récent film Coco avant Chanel d'Anne Fontaine et celui, sorti il y a peu, de Jan Kounen sur la liaison entre Stravinsky et Chanel, nous ont narré de manière exacte sa lente ascension sociale. Ils ont remis au goût du jour un personnage qui permet de ressortir des textes comme celui-ci. Ce sont autant d’initiatives, dont on ne peut que se féliciter. Dans ces conditions, pourquoi laisser paraître un ouvrage avec quelques coquilles, sans annotations critiques et sans une introduction permettant de mettre le lecteur en garde ? Aurait-on agi de même pour des souvenirs sur un écrivain ? On peut certes comprendre le désir de "surfer" au plus vite sur l’actualité. Et malgré tout le plaisir que l’on retire de la lecture (on se délectera en outre des propos amers contre le rival Paul Poiret, des belles comparaisons entre le style de Chanel et le style Art Déco, des aphorismes sur la mode et des dires peu politiquement corrects en faveur du laissez-faire dans la copie de modèles), on est en droit de se demander si la mode, tout comme le design en général, a acquis des lettres de noblesse suffisantes pour mériter qu’on la traite avec plus d’attention. Il est temps en effet de considérer le design comme un champ intellectuel à part entière, qui doit de nouveau faire partie des connaissances générales… comme du temps de Mademoiselle. --- Références: Paul Morand, L’Allure de Chanel, Folio Gallimard, 246 p., 6 euros. Edmonde Charles-Roux, L'Irrégulière ou mon itinéraire Chanel, Grasset (590 p., 20,90€, disponible au Livre de poche, 662 p., 6,95 €). http://www.fabula.org/actualites/article31056.php Ancien élève de l'école Boulle et de l'Ecole Normale Supérieure de Cachan, Stéphane Laurent a enseigné dans plusieurs universités, dont Paris IV-Sorbonne et Berkeley. Agrégé, il a obtenu un doctorat puis une Habilitation à Diriger des Recherches (HDR). Depuis 1999, il est maître de conférences en Histoire de l’art à l'Université de Paris I Panthéon-Sorbonne et, depuis 2009, Professor à la Zayed University de Dubai. Il est l'auteur de nombreux ouvrages sur les arts décoratifs, le design et l’enseignement artistique : L'Art utile, Les Arts appliqués en France, L'École Boulle, une Chronologie du design et plus récemment la direction d’une publication sur L'Ecole nationale supérieure des arts décoratifs. Il signe régulièrement les entrées "design" de l’Encyclopaedia universalis et participe à de nombreux colloques internationaux. Il collabore à plusieurs revues d'art dont la Gazette de l'Hôtel Drouot, les Dossiers de l’art et Connaissance des arts.

Nissan "cube"?

La Revue du Design — Wed, 16 Dec 2009 01:47:16 +0000

A grand renfort de communication, Nissan lance son modèle, le cube: une assez jolie petite boite - aux bords très arrondis - sur roues. Ménageant de nombreuses rondeurs, que ne laisse pas entendre son nom (d'où le titre de notre article), le cube (en minuscules s'il vous plait) propose une grande lunette arrière arrondie, qui se déporte sur l'un des côtés et déstructure le volume du véhicule, lui conférant une certaine impression de grandeur. A l'intérieur, tout est... arrondi. Les cadrans bien sûr, mais aussi les commandes de la console centrale et les courbes du plafond. A noter que jusqu’à la fin de l’année, Nissan organise une série d’événements en lien avec le lancement du cube, et que le designer Robert Stadler (dont une interview est visible sur vimeo.com) est le directeur artistique design de six soirées-performance. Sources: dezeen.com, autonews.fr.

Eternal ice drop

La Revue du Design — Thu, 17 Dec 2009 01:34:52 +0000

Développé pour la marque Hennessy, ce micro-contenant imaginé par les 5.5 designers permet de rafraîchir son cognac, tout en y diffusant une très légère quantité d'eau afin d'en adoucir les arômes et de l'amener à la bonne température de dégustation. Presque poétique, avec sa forme de goûte d'eau assez "empâtée", ce projet revisite les boules en plastique très colorées que l'on substitue parfois aux glaçons. Voici ce que les designers disent de ce projet: "Cet objet n’a pas pour objectif premier de diminuer la consommation d’eau liée à la production de glaçon mais plutôt d’agir sur la valeur et la perception que l’on accorde à un objet aussi éphémère qu’un glaçon constitué à 100% d’eau. Encapsulée dans une goutte de verre, l’eau emprisonnée se gèle après quelques heures au congélateur puis diffuse sa fraîcheur à travers le verre en retrouvant son état liquide. Au-delà de son aspect durable et réutilisable, cet objet a une conséquence non négligeable sur le moment de la dégustation d’un bon Cognac. Certains consommateurs, s'ils apprécient l'effet réfrigérant du glaçon sur leur boisson, n'apprécient pas qu'en fondant les glaçons altèrent le goût de celle-ci, par dilution. De plus, l’action du froid tend à briser certains aromes du Cognac. Ce mode de refroidissement, plus léger qu’un glaçon traditionnel, représente alors une solution idéale pour mener le cognac à la bonne température de dégustation." Source: cinqcinqdesigners.com.

Hors serie 3 - juillet decembre 2009

La Revue du Design — Thu, 17 Dec 2009 13:14:56 +0000

Hors Série n°3

La Revue du Design — Thu, 17 Dec 2009 13:18:13 +0000

Fence

La Revue du Design — Fri, 18 Dec 2009 01:36:57 +0000

Imaginé par le designer Alain Berteau, Fence est un concept de meubles réalisés à partir d'un nombre réduit de profils de contreplaqué cintré. Le piètement de la chaise, légèrement décentré, autorise par ailleurs son positionnement flan contre flanc, afin de former un banc. Edité dès 2004 par le belge Feld, ce concept se décline en chaise, tabouret, table et chaise longue. Les meubles sont livrés dans des boites triangulaires, et s'assemblent facilement à l'aide de 8 vis pour la chaises, et 28 pour la table. Ils existent en version d'intérieur et d'extérieur, en contreplaqué "naturel" ou laqué. Sources: architonic.com, feld.be, alainberteau.com.

La Revue du Design – Hors Série n°3

La Revue du Design — Mon, 21 Dec 2009 01:15:45 +0000

Nous vous souhaitons de joyeuses fêtes et vous invitons à découvrir notre Hors Série n°3, consacré au second semestre 2009. Celui-ci regroupe une sélection des meilleurs articles, analyses ou nouveautés publiés au cours des six derniers mois. Vous pouvez l’ouvrir et le télécharger en cliquant sur l’image ou le lien ci-dessus (ce fichier un peu plus de 2Mo, le temps de chargement peut être un peu long…). En attendant, nous marquons une pause de quelques jours et vous donnons rendez-vous le 4 janvier prochain.

Camper Shoe Store - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:03:03 +0000

Camper Shoe Store - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:03:33 +0000

Camper Shoe Store - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:03:55 +0000

Camper Shoe Store - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:04:19 +0000

Camper Shoe Store. Maquettes - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:04:57 +0000

Camper Shoe Store. Maquettes - Taf - Photo: Patrik Lindell

La Revue du Design — Sun, 03 Jan 2010 19:05:33 +0000

Ice Cream

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 01:00:21 +0000

Poursuivant sa logique d'implantation de boutiques toutes différentes et conçues par divers designers, connus ou en passe de l'être, la marque de chaussure Camper a récemment inauguré son premier point de vente en Suède, à Malmö. Pour l'occasion, c'est le duo de l'agence Taf, que nous avions déjà évoqués (ici et là), qui a imaginé un mobilier tout en simplicité et en rondeurs, fait de planches aux bords arrondis rappelant les bâtons d'esquimaux. Voici quelques images du projet fini, et des recherches qui y ont conduit. Les informations suivantes viennent du site Internet de Taf: The first Camper shoe store in Sweden recently opened up in Malmö. The design concept of the store derives from the well known truth that “everybody loves Ice Cream". Several scale models were built by real Ice Cream sticks to be re-scaled into full size furniture. The furniture collection is made to expose at least 40 pair of shoes and consists of tables, stools, benches and one cash desk. The tabletop and the sticks are made out of color stained solid birch. All the used colors come from different tastes of Ice Cream. The curtain walls are made out of vanilla colored sliced rubber to hide the stock of shoes on the backside. The floor is vanilla colored concrete. All the existing walls and the ceiling are painted in matt vanilla color. Plus d'images et d'informations sur tafarkitektkontor.se.

Catalogue de l'exposition Via 3.0

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 12:04:04 +0000

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 12:04:41 +0000

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 12:05:24 +0000

Jean-Louis Frechin. Projet Interface(s) : étagère modulable WaSsnake, dispositif de diffusion d'information (Prototype), 2008. © Marie Flores

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 12:05:49 +0000

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 15:54:45 +0000

La Revue du Design — Mon, 04 Jan 2010 15:55:08 +0000

Via 3.0

La Revue du Design — Tue, 05 Jan 2010 01:07:08 +0000

Pour fêter son trentième anniversaire, le VIA organise jusqu'au 1 février 2010 une grande rétrospective au Centre Pompidou. Une quarantaine de prototypes, choisis parmi les pièces les plus représentatives du design appliqué au cadre de vie, sont présentés à cette occasion. Trente projets (un par an) ont été retenus pour constituer le fil principal de l’exposition. Ils sont rassemblés dans un parcours chronologique, censé rappeler "l'esprit dominant de chaque année". Plusieurs vidéos viennent en complément, permettant de pallier l'absence de certaines pièces maîtresses (portraits des designers, reportages, interviews…). En parallèle à ce parcours principal, l'exposition propose également, deux focus thématiques : l'un sur l'éditeur français Ligne Roset et l'autre sur deux personnalités ayant marqué le design de ces trente dernières années – Philippe Starck et Jean-Michel Wilmotte – qui furent tous deux en leur temps soutenus par le VIA. L'exposition vaut tout d'abord pour l'hommage qu'elle rend à cette institution, qui a réussi à devenir en quelques années un acteur incontournable de la promotion du design en France. Mais elle mérite également le détour pour le panorama synthétique et éclairé qu'elle offre de la création de ces dernières décennies. En effet, finançant souvent de jeunes créateurs, le VIA leur permet de concrétiser leurs projets et donne à voir les problématiques qui les animent. Et force est de constater que plus qu'une usine à idées proposant des produits directement "éditables" et rentables, le VIA a progressivement su élargir, bien que ses choix n’aient pas toujours fait l'unanimité, sa propre vision du design – du simple meuble à l'environnement – afin d'intégrer progressivement d’autres thématiques qui constituent aujourd'hui des axes de réflexion majeurs de la discipline : l'éco-conception, la production d’objets "intelligents" ou "communicants", la relation réel/virtuel, l'utilisation de nouveaux matériaux… Ses dernières Cartes blanches en témoignent, mettant chacune en valeur des projets dont l'ambition dépasse toute approche purement stylistique ou technique : Mathieu Lehanneur et ses objets "médicinaux" (2006), Jean-Louis Frechin et sa réflexion sur les objets interactifs (2008), ou encore Philippe Rahm et ses projets « atmosphériques », qui s’interrogent sur la possibilité d’une nature artificielle (2009)… Mais l'institution est aujourd'hui confrontée de nouveaux enjeux, et l'augmentation incessante du nombre de designers et de jeunes diplômés, la mutation des circuits de communication et de distribution du design (notamment via Internet et les blogs), la généralisation (certes encore à parfaire) du design dans l'entreprise, la multiplication de références à la discipline (notamment dans son acception la plus "décorative") devront certainement l'amener, dans les prochaines années, à repenser en partie son fonctionnement. À une économie du peu, où la promotion d’une discipline encore mal connue et incarnée par une génération circonscrite de créateurs restait à effectuer, le VIA doit en effet désormais faire place à une gestion de l'abondance, dans laquelle le design s’est généralisé au risque parfois de se dévoyer. Alexandre Cocco Cet article est paru dans une version plus longue et plus illustrée dans le numéro 187 du magazine d'A.

La Revue du Design — Tue, 05 Jan 2010 14:15:55 +0000

La Revue du Design — Tue, 05 Jan 2010 14:16:19 +0000

La Revue du Design — Tue, 05 Jan 2010 14:17:07 +0000

Twist

La Revue du Design — Wed, 06 Jan 2010 01:55:44 +0000

La table Twist, imaginée par Philip Edis pour Design Stockholm House, propose différents plateaux décentrés pouvant pivoter autour d'un axe. Elle nous invite ainsi à réinventer nos usages autour de sa forme dansante. Ses dimensions réduites (diamètre de 55cm et hauteur de 59cm) en font un objet "quotidien", qui pourrait passer inaperçu si sa physionomie décalée (quand elle l'est) n'interpellait notre regard. Les plateaux sont réalisés en MDF, fixés sur un tube en métal. Le tout est laqué en blanc. "I was entranced by a clown spinning several hula hoops when I was a child. With Twist Table I want to transmute that beautiful movement into a single, yet adjustable image." ("Enfant, je fus extasié par un clown faisant des hula hoops au cirque. Avec la table Twist, je veux traduire ce magnifique mouvement en une image très simple mais modulable."). Philip Edis.

La Revue du Design — Wed, 06 Jan 2010 10:49:54 +0000

La Revue du Design — Wed, 06 Jan 2010 10:50:19 +0000

La Revue du Design — Wed, 06 Jan 2010 10:53:38 +0000

La Revue du Design — Wed, 06 Jan 2010 10:54:03 +0000

Plank

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 01:17:40 +0000

Créé à partir d'une simple planche de bois massif de six pieds de long, rectiligne mais articulée, le tabouret/table basse Plank se contorsionne dans deux positions différentes. Développé par Thomas Heatherwick pour l'éditeur Benchmark Furniture, Plank ("planche") possède quatre articulations placées légèrement de biais, ce qui permet les deux configurations que nous évoquons ci-dessus, selon qu'on le plie dans un sens ou dans l'autre. Source: heatherwick.com.

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 14:35:29 +0000

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 14:36:02 +0000

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 14:37:07 +0000

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 14:37:41 +0000

La Revue du Design — Thu, 07 Jan 2010 14:38:07 +0000

Che Fare

La Revue du Design — Fri, 08 Jan 2010 01:26:02 +0000

A l'occasion de l'exposition "Che fare" (Que faire), organisée à partir de demain dans les murs de la galerie Alain Gutharck, mettant en avant les réflexions croisées des designers Enzo Mari et Gabriele Pezzini, vous trouverez ci-dessous deux excellents textes des ces deux auteurs, que nous avons été autorisés à reproduire. Un regard critique, éclairé et lucide sur l’état du design contemporain, à découvrir absolument. ----- Cette petite exposition est née du désir de confronter le travail de deux "autori" qui se sont formés à des époques très différentes et s’accordent cependant sur bien des aspects de leur pratique du design. A son origine, le design a été pensé et réalisé par une dizaine d’auteurs (architectes, artistes, industriels) dans les années 1930 en Allemagne, et à peu près autant en Italie dans les années 1950. Tous étaient imprégnés de l’utopie socialiste et de la culture humaniste, tout comme le public qui comprenait et appréciait leurs œuvres. Ensemble, ils formaient une petite avant-garde qui, horrifiée par l’art pompier*, poursuivait l’utopie du travail comme transformation de l’homme. Ainsi, tout design entendait être porteur de l’idée de standard (du français étendard) comme allégorie des valeurs d’une société qui restait à transformer. Et l’on pensait naïvement que l’honnête intelligence d’un produit pouvait avoir une influence positive sur les besoins, donc sur le marché. Cette ligne utopiste était en harmonie avec le climat de reconstruction, matérielle et idéologique, de l’après-guerre qui touchait tous les Européens. Dès la moitié des années 1960 pourtant commençaient à apparaître les signes d’une société corrompue par la faiblesse de la pensée et rendue obtuse par l’"exploitation globale" du règne de la marchandise. Dans les années 1970, cette poétique devient incompréhensible. Tous ceux qui aujourd’hui encore sont proches de l’essence du design sont conscients de la dégradation inexorable de ce qui est produit. Toutefois aucune critique objective n’émerge, même dans les univers non directement marchands comme les musées, les essais critiques, les expositions ambitieuses. La cause en est à la fois la prolifération excessive d’un maniérisme radical ou traditionnel, pollué par des prescriptions individuelles inconscientes, ou par le cynisme. On continue à produire des objets et nommer cela "design", quand on devrait parler plutôt d’"art pompier" ou, plus généreusement, d’"art décoratif". Les objets produits n’ont pas besoin d’être, mais seulement de paraître correspondre à l’infinité des besoins induits, comme l’impose le règne de la marchandise. Le design implique la présence de trois entités : l’auteur, l’industriel, le public. Mais où sont-ils aujourd’hui, Mart Stam et Achille Castiglioni ? Où sont Adriano Olivetti et Bruno Danese ? Et les gens ? Pour la plupart, ils regardent les émissions de télé-réalité. On peut me reprocher de parler de choses évidentes, déjà décrites par d’autres, et même mieux. Me dire que je devrais me contenter de faire mon travail de designer…. mais c’est presque impossible aujourd’hui, si je me refuse à produire de l’"art pompier". Disons que pour chaque type d’objet (chaise, lampe ou autre), je connais à peu près un million de "designs" qui ont déjà été faits. Chacun de ces "designs" devait être, ou devait paraître, différent. Ce qui a impliqué des approches de projet différentes ("chic", "radicale", "contestataire", pour l’intérieur, pour l’extérieur, pour le bureau, pour la maison, économique ou de luxe, etc.). Chacune de ces approches a été réalisée suivant différentes technologies : fer, plastique de type A, B, C, D, E, F, etc., bois, stratifié, bambou, etc., par forgeage, emboutissage, moulage, etc., aluminium, carbone titane, etc…. Je m’arrête là. Chacun de ces choix n’a été opéré que pour obtenir une apparence différente…. Cette obsession explique, sans rhétorique aucune autour des poétiques, le pourquoi de l’art pompier ou art décoratif. Certains de ces produits semblent à peu près décents, mais ils ne sont que la répétition maniériste de projets préexistants… On me demande souvent de faire un nouveau projet. Mais pour qu’il soit nouveau, comment puis-je le faire ? Pour chaque approche et par rapport à chaque technique, je connais des milliers d’objets préexistants. C’est impossible ! Chaque fois qu’on me demande de faire un projet nouveau, je réponds que j’accepte à condition de ne pas être rétribué par un improbable droit d’auteur de 1 % sur le prix de vente au public (en Italie) mais payé tant de l’heure, comme n’importe quel technicien ou consultant. J’ai toujours essuyé un refus. J’ai proposé plusieurs fois de consacrer 10 % de la somme qu’une entreprise investit chaque année dans ses propres et absurdes expérimentations, pour financer un projet stratégique qui implique un temps de réalisation décent et non pas limité à quelques semaines. Cela m’a toujours été refusé. J’ai proposé plusieurs fois…. Je m’arrête là. Autrement dit, on fait appel à moi pour mes compétences, mais je ne peux travailler que si je renonce à ces compétences… Un tel vide ne concerne-t-il que ma personne ? Que font les millions d’autres "designers", des jeunes, pour la plupart, que les écoles ont diplômés (et elles ne cessent de continuer à le faire) selon les mêmes modalités industrielles de production de marchandises ? Tous, même confusément, pensaient choisir un travail non aliéné, mais la majeure partie d’entre eux ne trouve aucun emploi…. Certains pensent que l’"art pompier" est l’avant-garde d’une nouvelle culture…. D’autres, au contraire, rêvent d’une transformation possible, en travaillant sur une simplicité essentielle, mais tout a déjà été "progettare" et les amateurs de télé-réalité n’aiment pas la simplicité. Gabriele Pezzini est imprégné lui aussi de l’idée du "standard" (une idée qui n’est plus à la mode aujourd’hui) et il est déterminé à travailler dans cette direction. Dans les conversations que nous avons, nous nous accordons sur le fait qu’un produit naît du dialogue entre un "designer" et un industriel. Le "designer" est responsable de la forme, et la qualité de celle-ci émerge toujours à partir d’un projet global, ce qui, particulièrement aujourd’hui, correspond à l’Utopie…. L’industriel est responsable non seulement des aspects économiques de la réalisation d’un produit, mais aussi de la façon de l’imposer dans un marché où la compétition est féroce. Un bon produit peut être réalisé quand un industriel, concrètement et efficacement, reprend à son compte 20 % d’Utopie. Gabriele Pezzini le sait aussi, c’est très rarement le cas…. Mais nous sommes arrivés à un tel point de dégradation qu’un changement, au moins comportemental, pourrait sembler possible. * En français dans le texte Enzo Mari, août 2009 ----- Enzo Mari enseignait la conception de projets durant les années où je fréquentais l’ISIA de Florence, mais il n’était pas mon professeur, et c’est seulement en cachette, en faisant l’impasse sur d’autres cours, que j’ai réussi à suivre quelques-unes de ses leçons. Nous avons fait personnellement connaissance en 2006 , comme membres d’un même jury dans un concours de jeunes designers, et face au néant que nous constations, nous nous posions le même problème : que faire ? Nous nous sommes quittés avec la promesse d’essayer de faire quelque chose. Ce qui nous a rapprochés, c’est sans doute la détermination pour défendre coûte que coûte les principes qui nous animent. La radicalité de la conception du projet nous est commune, mais elle se structure dans nos deux cas sur des bases profondément différentes. Enzo Mari, auquel bien peu peuvent être comparés, est celui qui a défini exactement le périmètre de ce que nous appelons aujourd’hui le design. Un terme abusivement employé de nos jours et qui sert à justifier les maniérismes de toutes sortes. Dès le début, il a été un autodidacte cohérent et radical dans sa vision. Et moi, un designer de la nouvelle génération, celle qui a la malchance comme dit Enzo Mari "d’avoir fait une école de design". A ma façon, je me suis formé de manière autonome, hors du cursus universitaire, en essayant de comprendre comment un projet était juste à travers les expériences les plus diverses, une position qui m’a poussé à devenir radical par défaut. Dans cette petite exposition, le parallèle va au-delà des produits exposés qui, certes nous représentent, mais sont prétexte à comparer deux générations qui partagent la même vision et qui aujourd’hui se retrouvent pour débattre d’une même problématique. Le titre de l’exposition, Que faire, pose clairement une question, mais c’est une question sans point d’interrogation. Parce que nous savons peut-être déjà qu’il n’y a pas de réponse. L’incertitude totale sur le devenir du projet et sur la dérive de la société, sur le futur de nombreux jeunes gens qui aujourd’hui se mesurent à cette profession/passion, est désormais une évidence qui ne peut plus être cachée. Gabriele Pezzini, septembre 2009

The idea of a tree

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 01:44:46 +0000

S’inspirant des arbres, des éléments toujours uniques car produits d’un lieu spécifique, avec son terroir, son ensoleillement, ses conditions climatiques, Katharina Mischer et Thomas Traxler – deux jeunes designers diplômés d’Eindhoven en 2008 – ont imaginé une machine permettant de produire des objets (bancs, lampes…) en fonction de l’endroit où elle était implantée. Ces machines permettent de tisser du textile ou du papier en fonction des conditions climatiques qui les environnent (notamment les variations de l’ensoleillement). La matière première passe en effet dans une émulsion qui se trouve ensuite insolée par la lumière naturelle, comme peut l’être un tirage photographique argentique. Le résultat est à chaque fois le récit d’une journée donnée, à un endroit donné. La machine, autonome en énergie, commence à produire quand le soleil se lève et s'arrête quand il se couche. L’objet fini peut alors être "récolté"». Celui-ci pousse lentement, faisant passer les fils qui vont le constituer au travers d’un dispositif de coloration et d’un bassin de colle (résine époxy), pour enfin les laisser s’enrouler autour d'un moule. Le rapport longueur / hauteur de l'objet dépend lui aussi de l’ensoleillement, et l’épaisseur de la couche comme la couleur sont fonction de la quantité de soleil reçue par la machine: s’il y a beaucoup de soleil, la couche est plus épaisse et la couleur plus pâle, et à l’inverse s’il y en a moins, la couche plus fine et la couleur plus foncée. Une vidéo, visible sur Youtube, explique plus en détail le principe de fonctionnement. Source: mischertraxler.com.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:44:40 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:45:11 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:45:33 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:46:09 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:46:27 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:46:44 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:47:14 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:47:52 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 11:48:11 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 13:34:33 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 13:34:56 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 13:35:56 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 13:36:24 +0000

Tabouret de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:01:56 +0000

Pouf de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:02:18 +0000

Tabouret de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:02:46 +0000

Pouf de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:03:06 +0000

Pouf de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:03:27 +0000

Chaise de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:03:49 +0000

Chaise de la collection PrettyPretty. Design: Dejana Kabiljo. Photo: Christian Maricic.

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:04:08 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:32:28 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:34:51 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:35:22 +0000

La Revue du Design — Mon, 11 Jan 2010 16:36:00 +0000

Light Touch

La Revue du Design — Tue, 12 Jan 2010 01:37:32 +0000

Développé par Light Blue Optics, Light Touch est un micro-projecteur permettant de transformer n'importe quelle surface - verticale ou horizontale - en un écran tactile interactif. Il devrait être commercialisé prochainement. Wifi et Bluetooth, le Light Touche détecte les mouvements et la position des doigts grâce à un capteur infrarouge. Il ouvre la voie à un ensemble d'application Internet/multimédia s'affranchissant des écrans, et permettant donc une miniaturisation encore plus importante (voir à ce sujet l'article que nous avions consacré à la réalité augmentée). Pouvant capter les gestes de la main, il semble également pouvoir se substituer à une tablette graphique, et donc proposer une approche alternative du dessin assisté par ordinateur, un sujet qui ne manque pas de soulever des débats comme l'avait illustré les commentaires de l'article que nous avions consacré à l'exposition Dessiner le design). Sources: korben.info.

image-kansei

La Revue du Design — Tue, 12 Jan 2010 14:16:32 +0000

Le designer après Copenhague

La Revue du Design — Wed, 13 Jan 2010 01:28:36 +0000

Par Christian Guellerin, directeur de l’Ecole de Design de Nantes Atlantique. 2009 aura marqué de son empreinte ce début du 21ème siècle. Deux faits marquants semblent précipiter l’avènement d’un monde nouveau. Deux évènements qui pourraient nous désespérer si nous n’étions pas "designers" et donc dans la situation de devoir, tel Sisyphe, construire et re-construire ce qui nous entoure. D’abord, le capitalisme financier qui a chancelé sur ses bases, a remis en cause tous les paradigmes industriels du développement et de la création de richesse. Le monde économique va devoir reconsidérer les modèles de sa réussite. Par ailleurs, l’échec du récent sommet de Copenhague qui a révélé l’impuissance des Etats à se mettre d’accord sur un contrôle du développement, a néanmoins permis une sensibilisation déterminante des enjeux écologiques qui pourrait conduire à une ré-industrialisation des territoires, alors que l’on pensait qu’ils étaient condamnés à un déséquilibre faisant de la Chine, de l’Inde ou du Brésil, les usines du monde entier. Est-il bien raisonnable pour les occidentaux d’acheter des panneaux solaires en Chine 10 fois moins chers, quand ceux-ci arrivent par bateau ou pire par avion rendant un bilan carbone définitivement aberrant. Copenhague nous apprend que ce problème ne sera pas réglé – du moins pas tout de suite – par les "politiques". Et pourtant, il va bien falloir agir. Les entreprises industrielles doivent redessiner leurs modèles Le capitalisme financier, où le développement et la création de richesse n’allaient qu’à la richesse, le financier qu’au financier, a montré ses limites et a vacillé sur ses bases. Il est difficile de s’en réjouir tant les conséquences et les dégâts sont encore peu mesurables. Le récent rétablissement des banques et des marchés boursiers est néanmoins plutôt rassurant tant un effondrement total aurait précipité une débâcle aux conséquences sociales désastreuses. Mais, la crise financière a révélé une crise industrielle beaucoup plus profonde et beaucoup plus préoccupante. Le monde industriel va devoir se reconstruire et ce chantier est un formidable terrain de jeu pour le designer. Placé au coeur des entreprises, il va y tenir un rôle stratégique clé. L’émergence de la Chine, de l’Inde, du Brésil et demain du Laos ou du Cambodge où l’on trouvera des prix de production de plus en plus bas, bouleverse depuis quelques décennies l’organisation industrielle du monde. Au point même que certains grands pays occidentaux – comme l’Angleterre – ont mené des politiques très volontaristes pour se séparer de pans entiers de leurs industries. La quasi-faillite de "GM" aux Etats-Unis témoigne de façon éloquente de la fin des modèles industriels nés au début du siècle dernier. La "globalisation", l’ouverture internationale et la libéralisation des marchés ont obligé les industries occidentales à rationaliser leurs coûts et leurs process à l’extrême réduisant ainsi leurs capacités à innover et à créer. La définition vertueuse des "politiques de qualité" qui ont conduit le management des entreprises depuis les années 1980 a précipité leur perte. Faire de mieux en mieux ce que l’on sait faire est une logique qui "va dans le mur" dès lors que les conditions de la concurrence ne sont pas garanties à l’échelle de la planète. Dans bien des cas, la démarche qualité n’a conduit qu’à un management désastreux centré sur les procédures et la gestion des coûts, fondamentalement vaine car inégale, et a conduit à un tropisme financier faisant le lit d’un capitalisme qui est aujourd’hui remis en cause. Les modèles industriels sont à revoir. Et il s’agit de restaurer la capacité des entreprises à créer et à innover, en un mot à entreprendre. Innover pour se démarquer, se différencier et générer de la valeur ajoutée, pour réfléchir à demain, et conduire ainsi des politiques stratégiques qui donnent le "coup d’avance" sur lequel va pouvoir être ordonné le développement des structures. Pour beaucoup d’entreprises, la gageure va être probablement de sortir des logiques - et surtout des filières - industrielles qui constituent leurs univers économique et culturel, et leur histoire. Car, l’enjeu est là : l’entreprise innovante est celle qui est capable de se poser la question suivante "avec ce que je sais faire, et bien faire, que puis-je faire que je ne connais pas ? Quels produits, sur quel marché, pour quels usages que je n’ai jamais appréhendés, vais-je pouvoir demain appliquer mon savoir-faire ?" Devant la concurrence des produits manufacturés à bas prix, les entreprises implantées en occident vont devoir fondamentalement revoir leur mode de pensée, pour qu’elles soient en capacité de muter et de changer de métier extrêmement rapidement. Le salut de "GM" a probablement cessé d’être dans l’automobile équipé du moteur à explosion, l’y maintenir est probablement une erreur. Et si, le métier de Renault, qui communique aujourd’hui largement, était demain de distribuer de l’électricité… Incongru peut-être, mais qui pouvait penser, il y a 20 ans que Bouygues deviendrait une entreprise multinationale de communication de 1er plan. Cette capacité des entreprises à muter, à innover, à entreprendre, à emprunter des chemins de traverse, devrait réserver aux designers de réelles opportunités d’occuper enfin les postes stratégiques de direction du développement, avec la responsabilité managériale d’entraîner la structure et les personnels sur la voie du changement. Restaurer une morale entrepreneuriale ? Le sommet politique de Copenhague a échoué : les politiques n’ont pas réussi à légiférer pour contrôler le développement économique. Néanmoins, Copenhague aura marqué la naissance d’une conscience politique partagée et affirmée par tous. Il faut espérer que, débarrassés enfin de leurs rivalités, les Etats sauront très prochainement légiférer pour rééquilibrer le développement industriel et commercial sur une échelle globale. Est ce que pour autant cela va rendre le capitalisme vertueux ? Evidemment, non ! En tant que système "techno-scientifique", le capitalisme est définitivement dénué de morale. L’entreprise a vocation à faire du profit, le marketer à vendre pour répondre aux besoins, le technicien à améliorer la productivité... Tout est d’affaire d’intérêt, rien n’est fait par devoir. La Morale ne me paraît pas une des données du modèle capitalisme en tant que système économique. Aucune entreprise ne produit, ni ne vend par devoir mais toujours par intérêt. Pour autant, il va bien falloir que le "développement économique" s’accorde désormais au "développement durable". Les politiques ont momentanément échoué, le capitalisme ne peut rien : il reste à l’Homme à agir et à retrouver un certain sens de la vertu à produire et à consommer… Il s’agit de retrouver au cœur de l’économie du sens et des vertus collectives, d’admettre que l’on peut – que l’on doit – vivre différemment. C’est probablement cette conscience-là qui fera "bouger les politiques" et va obliger les entreprises à développer des modèles d’"entrepreneuriat" plus respectueux de l’environnement. Le contexte est favorable aux mutations, aux innovations. Pour les entreprises, les opportunités offertes par le "développement durable", par l’économie verte sont très importantes. Elles déterminent une nouvelle ère de croissance. Il s’agit de repenser différemment l’économie, créer, produire, vendre, gérer, et probablement placer le social comme une problématique majeure de l’entreprise qui a de l’avenir. C’est vers les produits de cette entreprise que les consommateurs responsables vont se tourner. Le designer a la responsabilité de réfléchir aux nouveaux produits, aux nouveaux emballages, aux nouveaux espaces, aux nouveaux outils multimédias… Par sa capacité à décrypter les scenarii de demain, il est devenu au sein même des entreprises une compétence stratégique car il y inscrit une réflexion sur le développement et sur l’avenir. Le designer crée, innove, sa logique n’est ni fondamentalement scientifique, ni fondamentalement économique, il échappe ainsi aux déterminismes trop marqués des logiques de production et/ou de marché qui empêchent nombre d’entreprises d’évoluer. Le designer est l’artisan opérationnel du développement des entreprises qui doivent sortir de leur champ de référence culturelle. Si l’ingénieur a la clé de l’innovation et du développement technologique, le "marketer" du développement des ventes et de l’activité économique, le designer a lui le trousseau d’une recherche permanente sur les grands enjeux socio-économiques où l’"Homme" et les usages sont au centre des problématiques. Parce que sa réflexion sur l’innovation intègre la technologie, l’économie, les sciences humaines, il redonne de fait une vertu à toute création de valeur au sein même des entreprises. Parce qu’il place l’"Homme" et les usages au centre de sa démarche de création, le designer a la responsabilité de replacer le développement économique au service de l’Humanité. Son action est déterminante pour restaurer un "entrepreneuriat" vertueux et pour produire de la richesse dans le sens d’un progrès pour tous.

La Revue du Design — Wed, 13 Jan 2010 14:29:50 +0000

La Revue du Design — Wed, 13 Jan 2010 14:30:31 +0000

La Revue du Design — Wed, 13 Jan 2010 14:30:51 +0000

Watering Can

La Revue du Design — Thu, 14 Jan 2010 01:52:01 +0000

Imaginé par le designer Nicolas Lemoigne pour Viceversa, Watering Can ("arrosoir") consiste en un simple embout à visser sur une bouteille en plastique. Source: nicolaslemoigne.com.

La Revue du Design — Thu, 14 Jan 2010 16:17:42 +0000

La Revue du Design — Thu, 14 Jan 2010 16:18:11 +0000

La Revue du Design — Thu, 14 Jan 2010 16:18:34 +0000

La Revue du Design — Thu, 14 Jan 2010 16:18:56 +0000

Trois nouveautés chez Agape Design

La Revue du Design — Fri, 15 Jan 2010 01:40:21 +0000

Après avoir fait appel, notamment, à Patricia Urquiola (dont nous avions d'ailleurs présenté la baignoire AS911), la société italienne Agape Design, spécialiste des accessoires et mobiliers de bains, propose à son catalogue trois nouveaux et élégants modèles de baignoires, dessinées par l'agence Benedini & Partners. Rectiligne et presque orthonormée, le modèle Cartesio se décline avec ou sans rangements latéraux. La série Inout propose quant à elle existe une forme cylindrique simple, symboliquement proche de la bassine, avec ou sans rebord. Elle existe également encastrée dans un carré, ce qui permet de positionner quelques rangements latéraux (voir l'image présentée en haut de l'article). Source: agapedesign.it, blogdecodesign.fr.

Petite Friture, acte 1

La Revue du Design — Fri, 15 Jan 2010 13:49:27 +0000

La nouvelle maison d'édition française Petite Friture vient de dévoiler ses premières créations - une lampe signée Pierre Favresse, un bougeoir de Jean-Charles Amey, un tabouret de Marie Declerck et Usin-e, et une lampe de Constance Guisset - qui seront exposées lors du prochain salon Maison et Objets (ci-dessus, la lampe à poser Tidelight de Pierre Favresse). Petite Friture a été créée par Amélie du Passage, une passionnée de design et de décoration au parcours atypique: diplômée d'HEC en 2003, passée par le Ministère de la Culture, la Réunion des Musées Nationaux puis la FIAC, avant d'exercer pendant quelques années le métier de décoratrice d'intérieur (une interview avait été publiée, en 2007, sur le site decology.com). Source: petitefriture.com. Les informations ci-dessous proviennent du site Internet petitefriture.com: ---- Tidelight Lampe à poser de Pierre Favresse. Tidelight joue avec la diffraction, avec un design qui trouve son inspiration dans les techniques et les codes employés par l'industrie automobile ; par sa forme et sa texture, elle outille l'ampoule et améliore sa diffusion. Grandissant Bougeoir de Jean-Charles Amey. Grandissant est pensé comme un candélabre organique, dont la silhouette peut évoluer au gré de l’humeur. Son dessin joue avec l'image de l'arborescence comme singularité et cherche par sa mobilité à stimuler l'expérience. Son ADN s'adapte au contexte, du module aux grandes ramures tournant comme un arbre recouvert de neige. Segment Tabouret de Marie Declerck et Usin-e (Amaury Poudray et Rémi Bouhaniche). Segment parle de l’évidence d’une technique, d’une matière et d’une forme. Une tranche naît de la division d'un segment au 1/5eme de sa longueur. Le traitement coloré de la découpe dévoile le coeur de l'objet, et avec lui, la sensibilité d'un bloc de béton. Vertigo Suspension de Constance Guisset. Vertigo est une lampe-cabane enveloppante qui suggère un espace d’intimité. Son extrême légèreté la rend mobile au rythme des courants d’air : elle tourne doucement en dessinant un espace graphique presque transparent, comme suspendu entre le sol et le plafond. Allumée, elle projette un motif ombré sur les murs environnants.

Sun Tunnel

La Revue du Design — Mon, 18 Jan 2010 01:26:07 +0000

La société Velux, connue pour ses fenêtres de toit, a récemment dévoilé Sun Tunnel, un système de luminaire sans ampoule, sans électricité́ ni autre source d’énergie que la lumière du jour. Le principe: un tunnel aux parois réfléchissantes, ménagé entre la pièce à éclairer et le toit, permet l’acheminement de la lumière naturelle. Il débouche sur un diffuseur (dessiné par Ross Lovegrove) placé sur le plafond de la pièce. Ce conduit de lumière se compose de trois parties: - Sur le toit, une vitre ayant subit un traitement spécifique garantissant sa parfaite transparence (appelé "clair & net"). - Sous le toit, et en fonction de la distance toit-plafond et de la quantité de lumière souhaitée, soit un conduit flexible en aluminium réflecteur (adapté jusqu’à 2 mètres), ou un conduit rigide hautement réfléchissant (pouvant aller jusqu’à 6 mètres avec rallonges). - A l’intérieur de la pièce, un plafonnier diffuseur isolant. Ce dernier, dessiné par Ross Lovegrove, contient une suspension en forme de bulle, maintenue à l’aide d’un fin fil de métal dont la hauteur est réglable. A noter que d’autres diffuseurs peuvent également être adaptés sur le tunnel. Ce produit, lauréat d'un Trophée du design de bronze lors du dernier salon Batimat, sera disponible à partir du second semestre 2010. Sources: yooko.fr, velux.fr. ---- Informations provenant de Velux Sun Tunnel Système d'éclairage naturel pour pièces aveugles Conduit de lumière permettant d’acheminer la lumière du jour depuis le toit de la maison jusqu'au plafond de la pièce à éclairer. Composé d’un châssis de toit plat avec un verre trempé de 4 mm, d'un tube flexible ou rigide en aluminium hautement réfléchissant, puis d'un plafonnier circulaire. Installation dans toute pièce aveugle de la maison (salle de bain, couloir, cage d'escalier, etc.) à l’étage ou au rez-de-chaussée. Intégration sur toit ardoise ou tuile, pente de toit de 15 à 60°. Ensemble pouvant être agrémenté d'une suspension aérienne en forme de bulle reflétant la lumière, maintenue à l'aide d'un fin fil de métal à hauteur ajustable afin de modifier l'intensité lumineuse (Sun Tunnel by Lovegrove).

Hoop

La Revue du Design — Tue, 19 Jan 2010 01:20:33 +0000

Les fauteuils et canapés Hoop, dessinés par Arik Levy, se composent d'une structure filaire, métallique et monochromatique, accueillant un ensemble de coussins aux couleurs variées. Un contraste étonnant, se jouant des pleins et des vides. La gamme Hoop est produite par la marque italienne Living Divani. Elle se décline en version intérieure et extérieure. Source: livingdivani.it.

VIA design 3.0, le colloque

La Revue du Design — Tue, 19 Jan 2010 11:00:44 +0000

Par Alexandre Cocco J’assistais, hier, au colloque organisé par le VIA au Centre Pompidou, en parallèle à l’exposition VIA Design 3.0 que nous avons précédemment évoquée sur ce site Internet. Structuré en quatre parties – Projeter, Expérimenter, Montrer, Entreprendre – celui-ci était censé poser les bases d’une réflexion concernant le développement à venir du VIA: ses méthodes, ses missions, son approche. "A partir de quatre verbe exprimant quatre actions, VIA questionne son histoire et son devenir" nous annonçait le document de présentation remis à l’entrée. Qu’en était-t-il réellement? Impressions. Le colloque a débuté par une introduction de Yann Moulier-Boutang, économiste et enseignant, malheureusement assez difficilement compréhensible tant elle mêlait des concepts ou remarques d’ordres hétéroclites et sans rapport réel ou apparent avec le design. Un seul aspect de sa réflexion à retenir, à nos yeux: sa métaphore de la "pollinisation", consistant globalement à dire que la richesse ne se situe pas forcément là où l’on a l’habitude de la chercher (dans le cas des abeilles, on pense par exemple tout de suite au miel ou à la cire, alors que l’action de pollinisation qu’elles mènent est en valeur économique "300 à 1000 fois plus important"). Soit! Expérimenter Cette première discussion mettait en présence Claire Brunet (Psychanalyste et codirectrice du département design à l’ENS Cachan), Andrea Branzi (designer et architecte) et Michel Bouisson (Chargé des aides à la création et des relations écoles VIA). Elle a débuté sur une intervention courte mais habile de Claire Brunet sur la distinction entre l’expérimentation (relevant d’une approche scientifique) et l’expérience (plus "sensible"). En résumé, Claire Brunet posait deux questions aux designers quant à leur rôle: "est-il de faire des expériences ou des expérimentations ; et est-il de nous proposer [en tant qu’utilisateurs] des expériences ou des expérimentations". En résumé, "le designer veut-il se situer dans la vie ou dans la science?". "D’un coté, sentir ; et de l’autre, calculer". Suivait une présentation passionnante et éclairée de la vision qu’Andrea Branzi a du design et de l’innovation aujourd’hui. Morceaux choisis: "Le design est devenu une stratégie fondamentale dans l’économie néo-capitaliste", du fait notamment d’une compétition internationale entre les sociétés et également du fait que l’on ne peut pas mettre sur le marché quelque chose qui existe déjà. Dans ce sens, "il faut produire quelque chose qui a quelques petits morceaux d’énergie d’innovation", et "le dessin est devenu le producteur mondial de cette énergie". Cherchant à élargir notre vision occidentale et un peu fermée sur elle-même, Andrea Branzi évoquait également l’incroyable quantité d’écoles de design ou de conception réparties de par le monde, même dans les pays que l’on peut penser moins développés. Un moment assez savoureux fut d’entendre le designer et théoricien italien donner, à l’invitation de Claire Brunet, quelques explications sur le projet du grand Paris qu’il aurait imaginé, consistant notamment à placer dans l’agglomération 20000 vaches sacrées afin de créer du lien entre les habitants, ainsi qu’un autre rapport au temps et à l’espace. Volontiers provocateur, Branzi a plus sérieusement et plus largement appelé de ses vœux un design et une architecture qui s’occuperaient moins des produits et plus des gens, comparant les possibilités offertes par le design à celles du micro-crédit mis en place par le prix Nobel Muhammad Yunus: c’est à partir de petites choses que l’on peut changer le monde. Projeter Le second thème mettait en présence Hugues de Jouvenel (Directeur général du groupe Futuribles), Frédéric Loeb (Consultant Loeb& Innovation) et Gérard Laizé (Directeur général du VIA). Plus convenu, ce second temps s’est malheureusement davantage centré sur la notion de "prospective" que de "projet" à proprement parler. Si quelques propos d’ordre général méritaient l’attention, sur des tendances de fond que connaît notre société actuellement (ou plutôt qu'elle "connaîtrait", les différents intervenants – parfois en contradiction – semblant d’accord sur la nature parfois hypothétique de leurs prévisions), le reste des échanges était somme toute assez convenu: certes notre population vieilli, certes le web (notamment mobile) prend une place de plus en plus importante dans notre environnement, certes l’aspect environnemental devra devenir central dans la manière dont nous concevons et achetons les objets, certes un monde globalisé appelle une consommation "identitaire"… Mais au final, peu de ces thèmes furent abordés dans une perspective permettant de renouveler fondamentalement l’approche créative que l’on peut avoir de ces sujets de société (si tant est, d’ailleurs, qu’une partie de leur solution se trouve dans le design plus que dans des prises de décisions politiques). L’appel à l’observation du contexte de création lancé par le directeur du VIA, un de ses leitmotiv d'ailleurs totalement justifiés, ponctuait le débat: il devient en effet essentiel que les designers s’intéressent à l’ensemble de la population (nationale mais aussi mondiale), et arrêtent de dessiner des tables et des chaises pour prendre enfin en compte une "cohorte d’utilisateurs" pour qui rien ou presque n’est pensé et qui constituent pourtant une part non négligeable (parfois même majoritaire) de la population: personnes âgées, obèses… En conclusion: "pour projeter, il faut déjà regarder comment nous vivons". Force est de lui donner, très souvent, raison, les propositions des designers (notamment celles relayées par la presse et Internet) concernant principalement des innovations ou recherches esthétiques, parfois techniques, presque jamais sociétales ou concernant les usages et leurs évolutions. Pour autant, ne leur jetons pas la pierre. Il semble en effet certain que si l’un d’entre eux proposait aujourd’hui une chaise ayant une hauteur d’assise de 50cm (ce qui correspond certainement à une "bonne" hauteur considérant l’évolution de nos morphologies), celle-ci aurait toutes les chances d’être refusée par l’industriel ou l’éditeur qui devrait, en conséquence et s’il l’acceptait, également revoir les dimensions de ses tables et autres meubles. En d’autres termes l’industrie, ayant besoin du changement et de l’innovation (pour se différencier dans un marché concurrentiel), est en même temps souvent rétive à ces évolutions, car elle met en place des process lourds, très onéreux et souvent systémiques (dans lesquels les objets fonctionnent les uns avec les autres). C’est en substance ce qu’ont d’ailleurs très bien dit les designers Laurent Lebot et Victor Massip (du collectif Faltazi), lors d’un interlude. Montrer Cette séquence regroupait Jacques Fol (architecte, philosophe), Raymond Guidot (Historien du design) et Yves Gradelet (Responsable des expositions VIA). La thématique "montrer" fut un peu décevante, car elle partait sur quelques questions clairement énoncées par Jacques Fol, dont on attendait que la suite des débats apporte des éléments de réponse. Une en particulier avait éveillé notre attention, celle que la mémoire entretien avec le fait de "montrer" du design. En effet, Jacques Fol insistait à raison sur le fait qu’un certain nombre de technologies permettent de mettre en mémoire, mais à ce jour pas aussi intelligemment qu’on pourrait le souhaiter. Une autre de ses questions concernait la notion d’auteur, parfois confondue avec celle de "marque". Et nous constatons effectivement que dans le design, ce qui montré (souvent des "produits") passe parfois au second plan derrière leur auteur. La suite des échanges, malheureusement un peu déconnectée de ce questionnement liminaire, a toutefois permis d’écouter Raymond Guidot, historien français incontournable du design, revenir sur ses expériences en matière d’organisation d’exposition. Par la suite Yves Gradelet, évoquant une exposition qui l’avait marqué, organisé par Ingo Maurer sur un pont durant un salon du meuble de Cologne il y a une quinzaine d’années, avait raison de dire que la mémoire était également liée à l’émotion. On aurait toutefois aimé une approche plus globale de la thématique de la monstration, plaçant notamment l'action de "montrer" le design dans un contexte plus large. La presse par exemple (ne parlons même pas d’Internet, qui ne fut à aucun moment évoqué au cours du colloque comme un moyen d'exposition ou de compréhension du design), a bien été mentionnée par Chris Younes qui modérait les débat, mais ses questions ne furent que peu suivies par les différents intervenants. C’est dommage, car il existe à l’évidence bien des manières de monter le design, depuis les rayons du supermarché au blog de déco en passant par la galerie confidentielle ou l’institution la plus reconnue… Et la manière dont le design est montré c’est aussi, souvent, celle dont il est compris. Entreprendre Cette dernière partie du colloque, certainement l’une des plus intéressante, réunissait Armand Hatchuel (Ingénieur et professeur à l’ENSMP), Grégoire de Vilmorin (Codirecteur de The Green Factory), Frédéric Morand (Directeur DCS) et Gérard Laizé (VIA). Elle offrait la part belle à des acteurs "réels" du design, deux chefs d’entreprise ayant décidé de fonder leur stratégie sur une étroite collaboration avec un designer: Elise Gabriel pour la société The Green Factory, concernant le développement d’une gamme de produits en Zeflo, un matériau élaboré à base de cellulose (naturelle ou recyclée) ; et François Azambourg pour DCS, société qui s’est spécialisée dans les fibres naturelles (lin notamment) en alternative à la fibre de verre. Le rôle du VIA, dans le développement de ces deux projets, s’est avéré central, et montre bien à quel point cette institution peut jouer le rôle de catalyseur – parfois même d’"entremetteur" – lors du développement de projets innovants. Le regard précis et très clair d’Armand Hatchuel permettait pour finir de mettre en perspective ces expériences, insistant sur le fait que nous nous trouvions, comme cela avait été dit précédemment, dans une économie de l’innovation plus que de la connaissance, et qu’il est essentiel d’apprendre à entreprendre au-delà de l’entreprise. En conclusion Heureusement ponctué par des interventions de designers (Faltazi, Matali Crasset, Robert Stadler, Jean-Louis Fréchin) qui ont bien souvent permis – et malgré le temps assez court qui leur était imparti – de recentrer le débat et d’apporter leur vision sur les thématiques soulevées par le VIA, ce colloque était au final assez inégal, ponctué malgré tout par quelques interventions qui méritaient le détour. Deux critiques principales cependant. Le choix des intervenants tout d’abord, pour certains assez éloignés du monde du design (de leurs propres aveux), et dont les approches ou les définitions ne se superposaient pas toujours. Le choix des thèmes, ensuite. Les quatre verbe d’action retenus par le VIA – projeter, expérimenter, montrer, entreprendre – sont évidemment pertinents. Ils ne nous semblent pourtant révéler qu’une partie de l’activité de l’institution, oubliant par là quelques pans principaux. Par exemple, et à notre avis: les actions de repérer (des projets, des talents…), de sélectionner (une fois que l’on a repéré, qui et quoi mettre en avant), et de mesurer (son action et ses répercussions). Il est en effet évident que nous assistons depuis plusieurs années à une modification des "acteurs" principaux du design et de leurs canaux de communication. Le VIA reçoit, Gérard Laizé l’a évoqué, près de 1000 dossiers par an, desquels il ne retient qu’une dizaine de projets qui se verront attribuer une Aide à projet. Cela fait donc, le calcul est simple, une chance sur cent d’être sélectionné. Le nombre de jeunes designers, fraîchement diplômés, augmentant (Philippe Starck disait, dans une interview tout juste publiée par le magazine Ideat, qu’il y aurait bientôt plus de designers que de chaises…), il y a fort à parier qu’ils recherchent d’autre canaux de diffusion de leurs idées, la filière VIA leur semblant "saturée" et ayant peu de chances d’aboutir. Internet permet en partie cette mise en avant "médiatique", et il n’est d’ailleurs pas rare de trouver sur des sites spécialisés en design ou plus grand public, des projets qui ne sont encore que des idées, les jeunes designers ayant décidé d’investir la toile comme lieu d’exposition de leurs démarches. Le risque serait donc, pour le VIA, de voir s’éloigner un certain nombre de talents ou de projets pertinents, et de ne plus constituer ce rôle central de la promotion du design français qu’il joue à l’heure actuelle. Il nous semble ainsi que l’une des fonctions que l’institution pourrait intégrer concerne justement le fait de repérer ces talents qui pourraient malheureusement le fuir, en cherchant d’autres canaux plus accessibles et plus immédiats de diffusions de leurs idées. Une sorte de "veille" active... La sélection est un autre point qui aurait pu être évoqué. En effet parmi les projets reçus (et également non reçus mais pour autant intéressants, comme nous l’évoquons ci-dessus), les critères de sélection, le nombre de projets sélectionnés, le type de démarches sélectionnées, pourraient eux aussi être amenés à évoluer. Enfin, il nous semble intéressant que le VIA s’engage dans une action consistant à mesurer les effets du design. En effet, pour bien le promouvoir, il faut pouvoir en indiquer les conséquences mesurables, que ce soit par exemple en termes de ventes, de modification d’image de l’entreprise, etc. A noter que l’enregistrement sonore de ce colloque devrait être prochainement disponible sur le site du VIA.

PrettyPretty

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 01:08:35 +0000

La série PrettyPretty, imaginée par la designer Dejana Kabiljo, se compose de tabourets, de chaises et de poufs "velus". Elle explore la relation de fascination/répulsion que peuvent exercer sur nous poils et cheveux, et met en œuvre un matériau inattendu à la fois informel, souple et mobile. Le cheveu que l’on repère dans la soupe n’a assurément pas la même signification (ni la même saveur), que celui qui se retrouve sur un revers de veste. Il n’a pas le même charme, non plus, que celui qui s’inscrit dans un élégant mouvement de tête. Sensuel ou écoeurant, il induit une réaction presque animale, viscérale. En l’utilisant, Dejana Kabiljo cherche ainsi à élémentariser une certaine grammaire du désir et de l’érotisme à laquelle nous sommes soumis. "Pretty heads to sit on explore the nicely regulated erotic allure that surrounds us, tracing out the customary grammar of desire. The Kabiljo Inc. products search for the innovation on the level of human behaviour. Consequently, materials are carefully researched and subdued to series of experimental processes until they fit into place. Simple things are created for our complex times, nice, iron-free and celebratory." D’origine Croate, Dejana Kabiljo est diplômée en architecture de l'Université de Belgrade, mais elle a également fait une partie de ses études à la Domus Academy de Milan. Source : yatzer.com.

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:10:20 +0000

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:10:46 +0000

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:11:07 +0000

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:11:31 +0000

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:11:59 +0000

La Revue du Design — Wed, 20 Jan 2010 12:12:23 +0000

Lap Shelving

La Revue du Design — Thu, 21 Jan 2010 08:02:10 +0000

Lap Shelving est un système de rangements modulaire alliant une certaine simplicité formelle (chère à son designer, la belge Marina Bautier), et une diversité d'usages possibles grâce à un ensemble de pièces en aluminium peint (bacs, plateaux...) pouvant venir s'encastrer sur une structure en chêne massif. Ce système permet de "créer des consoles ou des bibliothèques et de juxtaposer plusieurs unités sans redoublement de la structure". Lap Shelving est édité par Case Furniture. Source: lamaisondemarina.com.

Le Japon, tête de file des sciences de la conception

La Revue du Design — Fri, 22 Jan 2010 01:43:43 +0000

Par Céline Mougenot, chercheur en sciences de la conception. http://www.bulletins-electroniques.com/actualites/61628.htm Grâce à ses sociétés savantes très actives (Japan Society for the Science of Design ou JSSD, Japanese Society of Kansei Engineering ou JSKE), le Japon joue un rôle essentiel dans les sciences de la conception, ou "Design Science". Le pays est à l'origine de l'un des courants majeurs de ces dernières années en conception, l'ingénierie kansei, que l'on traduit généralement par "design émotionnel". En mars 2010 aura lieu, pour la première fois en Europe, la grande conférence du domaine, KEER 2010 (Kansei Engineering and Emotional Research Conference), co-organisée par le Japon (JSKE), la France (Arts et Métiers ParisTech) et Taiwan (Taiwan Institute of Kansei). 1. Les sciences de la conception, une discipline scientifique jeune mais très active au Japon Les chercheurs en sciences de la conception s'accordent à dire que leur discipline est apparue avec la publication de "The science of the Artificial" (1969) de Herbert Simon, un des pères de l'intelligence artificielle. Dans un contexte de croissance de la production de produits manufacturés, Simon proposait pour la première fois d'étudier scientifiquement le processus de conception et de l'améliorer en y intégrant des méthodes rationnelles. Pour Simon, notre environnement artificiel méritait d'être étudié, au même titre que notre environnement naturel l'était par les sciences naturelles depuis des siècles. Avec seulement quelques décennies d'existence, la recherche en sciences de la conception est donc relativement jeune. Deux grandes sociétés savantes s'intéressent à ce domaine au niveau international : "Design Society" et "Design Research Society". Au niveau national, ce type de réseaux n'existe quasiment qu'en Asie. Il n'en existe par exemple pas en France où la recherche en conception est encore éparpillée et peu coordonnée. Au Japon, plusieurs sociétés savantes organisent la recherche en conception, à l'instar de la JSSD (environ 2200 membres), ou de la JSKE (environ 1200 membres). 2. Ingénierie kansei : une vision japonaise de la conception qui prend en compte les émotions des utilisateurs Dans les années 80, le concept de Kansei Engineering a été introduit dans les sciences de la conception par Mitsuo Nagamachi, chercheur à l'Université d'Hiroshima. Le terme "kansei" (impression, sensibilité), décrit le pan subjectif de la perception d'un produit par un utilisateur ; il est le complément du "chisei" (intellect), perception logique et rationnelle. L'ingénierie kansei consiste donc en des méthodes d'évaluation des émotions suscitées par un produit (ex. : questionnaires, mesures physiologiques), pour définir ou modifier les propriétés du produit. Un exemple connu de produit conçu par des méthodes d'ingénierie kansei est le véhicule Miata de Mazda, dont les propriétés fonctionnelles, et donc formelles, ont été définies de façon à ce que le véhicule donne une impression de contrôle, de vitesse et de bien-être chez les jeunes conducteurs. Par exemple, les tests utilisateurs avaient conclu qu'une longueur de levier de vitesse de 9,5 cm procurait l'impression de contrôle maximum. La recherche et la pratique en kansei sont actuellement déclarées une des priorités nationales et soutenues par le ministère japonais de l'économie, du commerce et de l'industrie (METI) par un programme de trois ans intitulé : "Kansei Initiative : From materialistic fulfillment to emotional fulfillment". Ce programme cherche à doper la compétitivité nippone par la conception de produits à très forte valeur ajoutée. 3. Japon et France, co-organisateurs de la conférence internationale en kansei, KEER 2010 Le Japon a aujourd'hui un rôle de leader au sein des sciences de la conception, en prenant part à l'organisation des grandes conférences en sciences de la conception, telles que l'IASDR 2009 (International Association of Societies of Design Research, Séoul, octobre 2009) co-organisée par six sociétés savantes dont la JSSD. Le pays est aussi l'initiateur et l'organisateur d'une série de conférences sur le kansei. La pratique de l'ingénierie kansei est aujourd'hui diffusée internationalement et le nombre de chercheurs spécialisés continue de croître au Japon et hors Japon. C'est dans ce contexte de diffusion internationale qu'aura lieu la conférence KEER 2010 du 2 au 4 mars prochain, à Paris. Cette conférence donnera aux chercheurs, ingénieurs et designers européens l'occasion de découvrir le kansei et les dernières avancées scientifiques dans le domaine. ---- Pour en savoir plus: - Simon H.A. (2004) Les sciences de l'artificiel. Ed. Gallimard, 3ème édition. Traduction de The Sciences of the Artificial (1969) MIT Press. - Levy P., Lee S.H., Yamanaka T. (2007) On Kansei and Kansei Design : A description of Japanese Design Approach. Actes de la conférence IASDR'07, Hong-Kong - Kansei Initiative du METI - KEER 2010 (Kansei Engineering and Emotional Research Conference) Redacteur: Céline MOUGENOT, chercheur en sciences de la conception. Université de Tokyo, RCAST, Watanabe Lab, celine(point)mougenot(arobase)gmail(point)com Relecteur: Hugues CHATAING, Ambassade de France au Japon, adjoint(point)ing(arobase)ambafrance(tiret)jp(point)org Origine: BE Japon numéro 524 (18/12/2009) - Ambassade de France au Japon / ADIT http://www.bulletins-electroniques.com/actualites/61628.htm

La Revue du Design — Fri, 22 Jan 2010 12:59:59 +0000

La Revue du Design — Fri, 22 Jan 2010 13:00:31 +0000

La Revue du Design — Fri, 22 Jan 2010 13:00:57 +0000

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La Revue du Design — Fri, 22 Jan 2010 13:01:51 +0000

Mathieu Lehanneur

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:39:49 +0000

Mathieur Lehanneur

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:43:46 +0000

Mathieur Lehanneur

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:44:16 +0000

Joachim Jiro-Najou

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:45:18 +0000

Joachim Jiro-Najou

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:45:38 +0000

Normal studio

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:46:15 +0000

Normal studio

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:47:03 +0000

Normal studio

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 11:48:56 +0000

Sam Baron

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:14:29 +0000

Sam Baron

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:15:11 +0000

Sam Baron

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:15:35 +0000

Michel Charot

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:16:00 +0000

Michel Charlot

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:17:20 +0000

Michel Charlot

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:17:51 +0000

5.5 designers

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:18:15 +0000

5.5 designers

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:21:33 +0000

5.5 designers

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:23:23 +0000

Philippe Nigro

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:23:50 +0000

Philippe Nigro

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:24:35 +0000

Philippe Nigro

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:25:16 +0000

Constance Guisset

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:32:13 +0000

Constance Guisset

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:32:58 +0000

Constance Guisset

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:33:24 +0000

Gilles Belley

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:33:49 +0000

Gilles Belley

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:34:24 +0000

Gilles Belley

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:35:13 +0000

Marie Aurore Strickler Metal

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:35:35 +0000

Marie Aurore Stiker Metral

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:37:29 +0000

Marie Aurore Stiker Metral

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:38:00 +0000

Hors série Intramuros

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:38:26 +0000

2010 01 23

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:41:27 +0000

Joachim Jirou-Najou

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:49:55 +0000

Now, Génération 2020

La Revue du Design — Sat, 23 Jan 2010 12:51:12 +0000

Pour les 10 ans du salon Now! design à vivre, un jury a élu 10 créateurs qui préfigurent la génération 2020 du design français. L’exposition présente une sélection de leurs projets, ainsi que la réponse à la question que Philippe Starck - créateur de l’année Maison&Objet – leur a posée : "Que nous manque t-il ?". L’occasion de découvrir ou redécouvrir les travaux de Samuel Baron, Gilles Belley, Michel Charlot, 5.5 Designers, Constance Guisset, Joachim Jirou Najou, Mathieu Lehanneur, Philippe Nigro, Normal studio ou encore Marie Aurore Sticker Metral. Une exposition réalisée par Chantal Hamaide et une scénographie de Philippe Boisselier. Retour en quelques images sur les travaux de ces dix designers ou collectifs. A noter qu'un site Internet dédié, sur lequel on retrouve différentes informations concernant ces designers ainsi que quelques vidéos, est accessible en ligne : now10years10designers.com. Mathieu Lehanneur - "le scientifique" Joachim Jirou-Najou - "Le poète" Normal studio - "Les essentiels" Sam Baron - "L'interprète" Michel Charlot - "Le technique" 5.5 designers - "Les citoyens" Philippe Nigro - "Le pragmatique" Constance Guisset - "La rêveuse" Gilles Belley - "Le minimaliste" Marie Aurore Stiker Metral - "La subtile" A noter également que la revue Intramuros édite, à l’occasion des 10 ans de Now, un catalogue rétrospectif, disponible exclusivement dans les allées du Salon Maison&Objets (et plus particulièrement dans le Hall 7).

La Revue du Design — Sun, 24 Jan 2010 17:13:45 +0000

La Revue du Design — Sun, 24 Jan 2010 17:14:11 +0000

La Revue du Design — Sun, 24 Jan 2010 17:14:31 +0000

La Revue du Design — Sun, 24 Jan 2010 17:15:06 +0000

La Revue du Design — Sun, 24 Jan 2010 17:15:46 +0000

Ruché

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 01:05:56 +0000

Ruché est une nouvelle ligne de canapé créée par Inga Sempé pour Ligne Roset. Les différentes pièces composant cette série (canapés 2 ou 3 places, méridiennes gauche ou droite), dissocient visuellement une structure en hêtre très épurée et orthogonale, et une épaisse couette possédant un matelassage particulier. La structure est réalisée en hêtre massif naturel ou teinté (bleu, rouge ou gris), et elle peut être recouverte de différents types de tissu. Ces deux éléments - la structure très "rigide" et la couette plus informelle qui semble presque y être "jetée" - dialoguent d'une manière particulière, se complétant l'un l'autre tout en restant visuellement totalement identifiables. Croquis préparatoires: Source: ingasempe.fr.

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 11:58:16 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 11:58:48 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 11:59:18 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 11:59:44 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 12:03:24 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 12:03:48 +0000

La Revue du Design — Mon, 25 Jan 2010 12:04:09 +0000

Monocoque

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 01:54:56 +0000

Nous avons récemment évoqué, dans un précédent article, le travail du designer suisse Nicolas Lemoigne. Celui-ci a imaginé l'an dernier pour la galerie Ormond, située à Genève, une série de lampes intitulée Monocoque, réalisée en résine et fibre de verre. Les imperfections du moulage, effectué à la main, rendent chaque pièce unique. Source: nicolaslemoigne.com.

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:15:18 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:15:46 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:28:28 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:28:50 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:29:16 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:29:40 +0000

La Revue du Design — Tue, 26 Jan 2010 15:30:24 +0000

Accueil Lamp

La Revue du Design — Wed, 27 Jan 2010 01:13:13 +0000

Arnaud Lapierre vient d'être désigné lauréat du troisième concours Cinna Maison Française, rubrique luminaires, avec son Accueil Lamp, composée de trois structures articulées - une source lumineuse et deux plateaux - pouvant se placer dans différentes positions. Ce trentenaire, diplômé de l'Ensci, a imaginé un projet simple et poétique, une plateforme destinée à être posée sur un meuble dans l'entrée d'une pièce ou d'une habitation, les deux plateaux jouant le rôle de vides poches. Source: arnaud-lapierre.com.

Goldplated Staples

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 01:02:04 +0000

Revisitant la très banale agrafe et l'imaginant plaquée d'or, le Studio Oooms se joue des codes traditionnels du bijou et de l'accessoire de bureau pour proposer un objet simpliste et mutant, ne manquant assurément pas d'intérêt. Principalement destiné à devenir un bijou, directement appliqué - à l'aide d'un outil que l'on possède tous - sur nos vêtements (et pourquoi pas de manière durable), le collectif imagine aussi que ces agrafes pourraient servir à impressionner votre patron ou client lorsque vous lui remettrez un dossier important. OOOMS Studio est dirigé par Guido Ooms et Karin van Lieshout, tous deux diplômés de la Design Academy d'Eindhoven (en 2000 et 2001). Source: oooms.nl.

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 10:13:39 +0000

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 10:14:02 +0000

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 10:14:18 +0000

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 10:14:40 +0000

La Revue du Design — Thu, 28 Jan 2010 10:15:00 +0000

The Mountain

La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 01:31:37 +0000

Parlons, une fois n'est pas coutume, d'architecture. The Mountain est un immeuble d’habitation recouvrant un immense parking, réalisé par Julien de Smedt et Bjarke Ingels à Copenhague. Totalement innovant dans sa typologie, il propose un empilement diagonal de logements, offrant à chacun un horizon dégagé. Missionnés pour réaliser à Copenhague un parking aérien (du fait de la présence d’une nappe phréatique située sous le site, celui-ci ne pouvait être enterré), censé couvrir les besoins en stationnement de tout un quartier, Julien de Smedt et Bjarke Ingels ont proposé au promoteur d’associer à ce bâtiment très fonctionnel une petite centaine de logements. "Utiliser le parking comme potentiel pour créer une typologie de logements."

Julien de Smet dans l’émission Métropolitains du 21 janvier 2010.

Pour cela, ils ont imaginé une cellule "idéale" - un logement en équerre entourant une petite cour -, puis l’ont démultiplié en escalier afin qu’elle conserve certaines propriétés de vues et d’ensoleillement. L’ensemble ressemble donc à un grand carré de près de 50x50m, totalement incliné, créant ainsi une pente artificielle sur lequel les logements s’échelonnent. En dessous, se situe un immense parking (480 places), ainsi qu’une sorte de funiculaire permettant de retrouver son véhicule ou de rejoindre son habitation. Croquis de principe: Sources: jdsarchitects.com, big.dk.

La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:02:53 +0000

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La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:03:48 +0000

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La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:41:58 +0000

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La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:42:45 +0000

La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:43:04 +0000

La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:43:26 +0000

La Revue du Design — Fri, 29 Jan 2010 15:43:51 +0000

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La Revue du Design — Sun, 31 Jan 2010 10:08:22 +0000

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La Revue du Design — Sun, 31 Jan 2010 10:09:03 +0000

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La Revue du Design — Sun, 31 Jan 2010 10:10:05 +0000

Double page du magazine Intramuros n°146 consacré à Gilles Belley

La Revue du Design — Sun, 31 Jan 2010 10:10:36 +0000

Portrait Gilles Belley: La temporalité des vides

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 01:12:20 +0000

En partenariat avec le magazine Intramuros. "Monde, finitude, solitude. Derrière les concepts fondamentaux de la métaphysique de Heidegger, Gilles Belley, lauréat de la Bourse Agora 2009, transcende l’ennui, transformant l’indicible en visible, l’immatériel en sémaphore. Effacer lui sert pour magnifier. Son travail sur la légèreté évoque le minimum. Entre recherches prospectives pour EDF, réflexion sur l’économie des ressources énergétiques recyclées et micro-infrastructures développées pour l’habitat, son design énergétique infiltre l’échelle domestique. Histoire d’époque." "Dans le domaine du Design, je me considère tellement comme amateur que la notion d’esthétique me paraît étrangère. J’en suis au tout début de la question. J’ai cependant compris que la beauté était le degré ultime du sens et de la cohérence des choses. L’évidence étant parfois de s’imprégner de cette beauté qui nous entoure, en admettant qu’il n’y a plus rien à faire". Il revendique son penchant fleur bleue tout en s’avouant poreux à tout. Ses projets interrogent les énergies, les technologies pour en jouer formellement. À la recherche de zones de clarté, il utilise la forme graphique pour résumer les différentes notions de rapports entre l’homme et la réalité, articulant par interface la densité de sa réflexion. Mère pharmacienne, père médecin, deux sœurs dans les sciences, de la genèse à l’œuvre, Gilles Belley poursuit un parcours en tout point atypique, auteur d’une histoire citoyenne à la deuxième personne du singulier. À l’instar de son mémoire de diplôme sur "l’Ennui" soutenu à l’E.N.S.C.I. – Les Ateliers en 2001, il écrit, page après page, un livre dont chacun se sent le héros. Par peur du vide face au mode structurel. Pour déjouer l’absence d’appétence. Par quête de sens avant tout. Son humilité ne fait aucune ombre au Grand Prix de la Ville de Paris qu’il a reçu en 2008 dans la section Design. Il voue admiration à Enzo Mari et Jasper Morrison pour l’intégrité de leur démarche. L’éthique est sa colonne vertébrale. Fondamentale. Ci-dessus, un extrait du portrait consacré à Gilles Belley dans le numéro 146 (Janvier-Février 2010) du magazine Intramuros (texte par Yann Siliec). Quelques projets de Gilles Belley: Autoroute A66, projet de radio et système signalétique pour autoroutes: "Nootan", gamme de prises, interrupteurs et sur-plinthe: Projet "Micro infrastructures pour l'habitat", lauréat de la Bourse Agora 2009: une série d'objets domestiques réalisés en agro-matériaux: La brindille La colline Le fruit - Inflorescence La plaine Le rameau Cet article est disponible en intégralité dans le n°146 d’Intramuros, dont voici la couverture:

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 11:46:39 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 11:47:49 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 11:48:07 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:51:10 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:51:37 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:52:01 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:52:25 +0000

Plan initial

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:53:14 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Feb 2010 12:53:42 +0000

Linosa

La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 01:17:03 +0000

Poursuivant sa collaboration avec Ligne Roset, Pierre Charpin vient de dévoiler ses deux tables Linosa, aux plateaux de verre en forme de zigzag, tramés de fines lignes noires. Ce motif, bien que très simple et géométrique, brouille nos perceptions et crée un effet de moirage étonnant. Il confère également aux plateaux une certaine densité visuelle, offrant à l'objet une forte présence. Ces tables seront disponibles en milieu d'année 2010. Source: stylepark.com.

Moaïs

La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:00:53 +0000

Moaïs. Photo N Aristidou.

La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:01:23 +0000

Moaïs. Photo N Aristidou.

La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:01:51 +0000

Moaïs. Photo N Aristidou.

La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:02:10 +0000

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La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:39:00 +0000

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La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:39:42 +0000

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La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:41:47 +0000

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La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:42:20 +0000

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La Revue du Design — Tue, 02 Feb 2010 16:42:49 +0000

Moaïs

La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 01:59:30 +0000

Ionna Vautrin présente à la Tools Galerie, jusqu'au 27 mars 2010, une série de luminaire intitulée Moaïs, à poser ou à suspendre. Chaque modèle est constitué de dix feuilles de polycarbonate et de dix "peignes" en aluminium peint ou anodisé, ainsi que d'une base en aluminium noir ayant la forme d'un cône tronqué. Faciles à monter, ces volumes structurent l'espace de leurs lignes colorées, plus ou moins épaisses selon qu'on en perçoive la tranche ou l'épaisseur. Entre le lampion revisité et le ballon de baudruche "profilé", cette série propose par ailleurs différents types de diffuseurs, certains blancs et d'autres sérigraphiés. Source: toolsgalerie.com.

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:47:58 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:48:44 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:56:45 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:57:27 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:58:01 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 10:58:54 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 11:00:04 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 11:00:43 +0000

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La Revue du Design — Wed, 03 Feb 2010 11:01:19 +0000

Ned-land

La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 01:05:06 +0000

Editée par la récente société Ovo éditions, la Ned-land est une lampe sur pied utilisant un flexible en aluminium et néoprène que l’on peut courber à volonté. Avec sa base en Corian blanc, elle a été dessinée par Pol Quadens. Source: ovo-editions.com.

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La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 08:55:58 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 09:45:10 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 09:46:17 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 09:46:44 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 09:47:04 +0000

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La Revue du Design — Thu, 04 Feb 2010 16:43:23 +0000

Ran Amitai: nature of material

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 01:01:35 +0000

Ran Amitai, récemment diplômé de la Bezalel Academy of Art and Design of Jerusalem, a développé un projet de mobilier empilable (chaise et tabouret) réalisé en tôle pliée. Chaque objet est réalisé à partir d'une feuille d'aluminium, découpée au laser puis pliée. Ainsi mis sous tension, le métal dessine des courbes solides, supportant totalement le poids du corps. Images de la fabrication et des recherches: "In the beginning I worked mainly with paper, making small scale models [...] Whenever I saw potential or a need to check stability I translated the small paper model in to a life size sheet metal model." (Ran Amitai).

Source: designboom.com.

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La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 08:55:54 +0000

Park Avenue South

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 10:00:09 +0000

Nous terminons la semaine, encore une fois, par un beau projet d'architecture qui a retenu notre attention. Conçue par le studio Octopi (James Lowe et Chris Romer-Lee), cette extension d'une petite maison victorienne située en périphérie de Londres a permis de doubler la surface habitable, mais aussi de démultiplier les vues sur le jardin et l'extérieur. Sa forme a été guidée par la géométrie existante du bâti, fait d'une succession de plans biseautés. Deux lourdes portes métalliques (la plus grande pesant près de 300kg) se déploient sur des terrasses faites de granit. A l'intérieur, de nombreuses ouvertures découpent des vues tantôt sur le bâti, tantôt vers le jardin, et baignent l'espace de lumière naturelle. Le plancher en frêne et la blancheur des cloisons contrastent avec l’aspect extérieur rude et sombre de l’extension. Plan initial: Plan après transformations: Sources: arplus.com, octopi.co.uk.

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 15:25:05 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 15:25:31 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 15:25:49 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 15:26:09 +0000

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La Revue du Design — Fri, 05 Feb 2010 15:27:18 +0000

A voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 06 Feb 2010 01:01:49 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou articles parus ou trouvés cette semaine. A voir, à lire ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: Collection de bancs et tabourets réalisés en plastique plié, par Patrick Frey (via dezeen.com). Collection d'humidificateurs par Il Coccio Design (via dezeen.com). Mattia Bonetti à New York (via muuuz.com). La Tube Chair de Kibisi pour la marque Hay (via designboom.com). Les Suitcase tables de Robert Haslbeck, des tables pliantes ressemblant à des valises (via designboom.com). Veasyble, un projet de vêtements permettant l'isolement et l'intimité (via swiss-miss.com). Un poster intitulé: "7 rules to understand design & designers" (via harmonie-interieure.com). Tea Sub... (via swiss-miss.com). Le nouveau cabriolet Renault Wind, qui sera présenté au salon de Genève (via fubiz.net). La Bouquet Coffee Table de Kenneth Cobonpue (via designyearbook.blogspot.com). Les nouveaux modèles de chez Artemide (via design-milk.com). Nous en parlions il y a plus d'un an, le porte manteau de Takashi Sato, qui était à l'état de prototype, a été entre temps édité par le très bon et très minimaliste éditeur allemand Nils Holger Moormann. Un aménagement intérieur dans lesquels les designers suisses de Zmik ont "redessiné" l’espace, en tracant sur les murs de nouvelles perspectives (via muuuz.com). A lire: Minimalism, Simplicity, and our Complex Needs (via designsojourn.com). Technology First, Needs Last (via jnd.org). In praise of design-hacking (via experientia.com). Who Owns Student Work? (via designobserver.com). Why design now? (via egodesign.ca). A écouter: L'enregistrement du colloque VIA 3.0 (sur via.fr).

Unhappy Hipsters

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 01:43:50 +0000

"Vous pourrez venir lorsque vous aurez bien compris les différences entre l'architecture moderne et l'ornementation postmoderne". (Photo: Craig Cutler; Dwell, February/March 2006). Découvert sur Reflexdeco, le site Unhappy Hipsters propose une relecture drôle et délicieusement décalée de photos d'intérieurs très "design" parues dans le magazine Dwell... Un regard critique porté sur certains de nos modèles et préconçus. A découvrir absolument. Chaque photo est accompagnée d'une légende (en anglais). "Le renne avait toléré la posture du guépard - jusqu'à aujourd'hui". (Photo: Dean Kaufman; New York magazine, spring 2009). "L'isolement était devenu leur stratégie de survie". (Photo: Roger Davies, Dwell, October/November 2004). "Eames, Aalto - ses relations les plus importantes étaient avec des designers morts". (Dwell magazine, December 2004). "Sa tentative vestimentaires pour se fondre dans le béton n'avait guère réussi à apaiser les tensions". (Photo: Paco Perez; Dwell magazine, July/August 2004). Source: unhappyhipsters.com.

Spline

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 10:00:41 +0000

Le designer Fred Rieffel nous a informé de la récente édition de sa table Spline, par la société française Rochebobois. Il s'agit d'une table basse constituée de quatre plateaux rotatifs, réalisés en panneaux alvéolaires plaqués chêne et teintés. Lorsqu'elle se déploie, elle démultiplie les possibilités de rangements ou de supports.

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 11:23:20 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 11:23:50 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 11:24:10 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 11:27:37 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 11:29:15 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 14:18:09 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 14:18:41 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 14:19:04 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 14:19:23 +0000

Mawou © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:37:34 +0000

Carata © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:38:11 +0000

Klael © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:38:40 +0000

Loutor © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:39:04 +0000

Lurha © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:39:29 +0000

Molro © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:39:55 +0000

Riliz © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:40:16 +0000

Rokr © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:40:39 +0000

Sutfelu © Dito

La Revue du Design — Mon, 08 Feb 2010 15:41:05 +0000

Tout seul

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 01:00:39 +0000

Le portemanteau "Tout seul", dessiné par le designer Belge Vincent Olm, est constitué d’un simple tasseau carré, dont le sommet est subdivisé en quatre petites excroissances permettant d’accrocher jusqu’à quatre vestes ou vêtements par leur étiquette. Ces quatre "dents" sont la signature graphique du projet, qui sera édité au printemps prochain par Cinna, accompagné ou non d’un socle indépendant en fonte émaillée. Informations provenant du designer ----- "Tout seul" joue la carte de l'épure et de l'économie de moyens : sa forme résulte de la volonté de simplifier au maximum le dessin d'un portemanteau classique. L’absence d’éléments d’assemblage et le choix des matériaux participent à faire de "Tout seul" un objet respectueux de l’environnement. Objet nomade, sans attache, "Tout seul" s’emporte et se déplace au gré des envies. Rendu orphelin de son socle, il se pose alors en légère inclinaison dans un coin de la maison.

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 08:42:31 +0000

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 08:42:53 +0000

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 08:43:11 +0000

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 08:43:31 +0000

Lounger

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 10:00:50 +0000

Faisait suite à sa collection Showtime, développée dès 2006 pour BD Barcelona, Jaime Hayon a récemment conçu un fauteuil intitulé Lounger, reprenant un principe d'assemblage similaire. Le dossier et l'assise viennent se rencontrer sur les cotés de l'objet, de manière ostensible, comme deux pièces d'un jeu de construction surdimensionné. Quelques images de la série Showtime de 2006: Source: bdbarcelona.com.

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 16:56:38 +0000

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 16:56:58 +0000

La Revue du Design — Tue, 09 Feb 2010 16:57:17 +0000

Design et entreprise, quelles sont les évolutions en cours?

La Revue du Design — Wed, 10 Feb 2010 01:08:03 +0000

Par Thibaut Devereaux. Les métiers du design évoluent assez rapidement et prennent de plus en plus d’importance dans les entreprises. On peut donc légitimement se demander qu’est-ce que cela implique. Regardons les grandes tendances de cette évolution. 1. La tendance "form follows fonction" devient "concevoir par les usages" et trouve écho dans les nouvelles tendances de conception issues des nouvelles technologies, liées au modèle anglo-saxon centré sur les usages. 2. On parle beaucoup de management dans les formations bac+5 en design. Le management est indispensable à la conception et à la stratégie, certes. Va-t-on aller plus loin et rejoindre le modèle "designer – chef de produit" anglais? Sous l’influence des nouvelles technologies le design s’anglicise? Parmi les tendances lourdes qui dirigent le positionnement du design celle ci fait figure d’essentielle: On parle de plus en plus du design comme faisant la somme de problématiques d’expérience utilisateur (besoin, usages, ressentis…) et des différents inputs de l’entreprise. On y associe souvent la pensée systémique et le co-design. Le designer se retrouve au centre d’un écosystème où il agrège les inputs venant de toutes les directions pour aboutir l’objet ou le service tel qu’il sera sensible par l’utilisateur. La tendance du designer-cohérenciateur est déjà très largement établie, identifiée et validée sur le terrain par la recherche. Elle constitue l’un des fers de lance actuels du positionnement du design. C'est-à-dire que le designer travail en équipe ou plus précisément "entre les équipes" et fait le lien entre les problématiques de chacun sur le produit. Cela constitue un argument de plus pour aller vers le "designer – chef de produit" à l’anglaise mais il faut aussi bien prendre en compte les particularités du design Français. - En France le design produit est plus présent que le design numérique même si les objets interactifs, de plus en plus présents, et rapprochent les deux. - Alors qu’en Angleterre l’innovation se fait par les usages, en France l’innovation est largement technique. Le secteur est donc largement trusté par ingénierie. - Les designers français parlent beaucoup de stratégie ou d’innovation dès qu’on aborde le management. Enfin une spécificité de notre temps: - Les gens sont de plus en plus sur qualifiés et beaucoup de monde tire pour avoir plus de poids stratégique tel "qu’il le mérite". L’innovation se faisant de plus en plus par les usages je suis persuadé que l’ingénierie et le design vont vers un processus de collaboration en directe plutôt qu’un passage de cahier des charges. On voit de plus en plus "d’agences d’innovation" intégrer un designer. A l’inverse cela fait longtemps qu’on entend parler d’agences de design qui ont des ingénieurs consultants, voir intégrés. L’entreprise évoluant elle aussi, on entends parler de ce qui ressemble à un leadership du design autour de son secteur d’expertise. Autrement dit le design rassemble les gens et crée du lien entre eux pour définir le concept et le forme du produit. Il apporte sa capacité à innover, sa capacité à transformer des idées en forme, sa capacité à prendre en compte l’expérience utilisateur, ainsi qu’une vision systémique sur le produit, les problématiques utilisateur, commerciales, logistiques, technologiques… Qui vont conditionner le design du produit. A l’extrême de cette tendance on m’a proposé récemment un poste de "responsable qualité". Qualité d’un point de vue usages s’entend. Autrement dit le designer est responsable de garantir la qualité globale (cohérence, ergonomie, etc.) du produit en faisant la navette entre les différents concepteurs des briques du logiciel. Le terme est un peu oublieux de la valeur d’innovation mais cela donne une idée de ces approches « cohérenciateur ». Le designer se positionnerait donc comme un moteur de l’innovation par les usages et de la cohérence du produit, le tout suivant des modes collaboratifs? Il fera aussi partie de l’équipe qui établie la stratégie marché pour le produit, telle qu’elle est planifié lorsqu’on met à plat les problématiques de conception mais aussi opérationnellement, de manière cohérente avec l’univers du produit. Je pense qu’aucun designer ne sera surpris… Pour beaucoup cela ressemble déjà à ça lorsque l’entreprise est réceptive au design. Un autre point qui ne concerne cette fois ci plus le design mais l’évolution des approches d’innovation dans lesquelles le design a un rôle à jouer. Si les approches anglo-saxonnes ont mit au goût du jour l’importance d’innover par les usages, il reste un élément non négligeable à prendre en compte dans l’innovation. Ce dernier point le design en discute abondamment avec le troisième acteur du triangle de l’innovation: le marketing. Ce dernier point c’est le sens, la sémiologie, qui est aussi une discipline scientifique. Pour le marketing, en raison de problématiques de positionnement de marque mais aussi d’univers sensible du produit, il est très important que les produits soient porteurs de sens. J’en vois déjà quelques uns en train de me dire que le marketing devrait arrêter de fumer la moquette… Pas tant que ça… Prenons la marque Quicksilver. Le marketing vous dira que c’est une marque jeune, dynamique, qui profite de la vie… En fait il décrit là le style de vie des consommateurs qui auront envie de s’identifier à la marque. Il définit une cible. A charge du designer maintenant de faire en sorte que l’utilisateur trouve réellement que la marque leur correspond lorsqu’il voit le logo, la boutique, les affiches… Le designer utilise alors des codes. C'est-à-dire qu’il identifie les signes visuels qui évoquent habituellement ces sentiments aux gens. Pour Quicksilver il s’agit plus souvent de codes visuels du style surfeur. La vague en est un bon exemple. Les approches par le positionnement de l’univers de marque pourront être vues ou non comme de l’innovation. C’est une question de point de vue. En tout cas quand on crée un nouveau positionnement c’est un changement qui va rapporter des sous à l’entreprise. Prenons maintenant un autre exemple. La ligne 14 du métro à Paris. En dehors du fait qu’elle soit automatique tout est conçu pour qu’elle soit plus agréable. Par exemple pas besoin de penser à se reculer sur la voie à l’approche du métro, les vitres vous protègent. Parlons aussi de la végétation (artificielle mais bon^^) qui vous fait vous sentir en forêt aux stations. C’est loin d’être "déco" au sens péjoratif, c'est-à-dire inutile. C’est réellement une nouvelle manière de ressentir son voyage en métro. Ceux qui prennent le métro tous les jours savent combien voyager dans un espace grisâtre, puant, dégradant finalement, peut taper sur le système. J’en connais qui prennent exclusivement le bus juste pour le plaisir de voyager à l’air libre… Ici on est bien dans de l’innovation et de l’innovation durable. On fait évoluer l’univers du métro vers quelque chose de nouveau. Il n’est plus fatalement désagréable. On établi des nouvelles normes sociales, des nouvelles attentes, depuis lesquelles il sera difficile de faire marche arrière. On fait évoluer l’univers du métro vers quelque chose de nouveau. On peut parler en ce sens d’innovation sociale. Le design fait aussi évoluer nos styles de vie. Les usages ne sont finalement qu’une composante de ce qui change la manière la manière dont nous vivons. Et les écoles là dedans? Il y a cette étude, dont nous parle l’AFD et dont j’ai pu avoir des échos par Brigitte Borja de Mozota (merci!), qui recommande de parler de « filière design », plutôt que parler d’un métier unique de designer. Filière qui mène par exemple aux métiers de designers industriels, designers graphiques, design manager, aussi chef de produit… Quelle différence? Tout simplement de ne pas cataloguer le designer au "gars qui conçoit" et de l’inclure dans une logique de "carrière". Par exemple si un designer veut passer au management de l’innovation ou au business, ce n’est pas son diplôme qui l’en empêchera. La culture agences rend déjà le business et le management très présents dans le design. Ça va plus loin… Un simple exemple, je ne compte plus les jeunes designers qui essaient de se positionner en début de carrière sur le management dans l’innovation. Résultat les gens ne s’arrêtent même pas et embauchent à tour de bras des jeunes ingénieurs et écoles de commerce. Alors bien souvent notre jeune designer jette son site Internet aux orties, se met dans la conception design. Et il se retrouve naturellement, par ce qu’il aime ça et en a les compétences, à cheval entre la conception et le conseil en innovation… D’autres ont des approches plus radicales. Regardez! L’entrepreneur de ce site (widilik.com) est un designer… La différence d’ouverture est assez net quand on compare avec la filière ingénieur. Dire de quelqu’un qu’il est ingénieur ne donne quasiment aucune information sur son métier. Il peut très bien être spécialiste d’un domaine technique, travailler un bureau d’étude, en gestion d’usine, être chef de produit, technico-commercial, faire du management, diriger une boite… Également des champs un peu plus singuliers, comme être spécialiste des usages d’Internet. Bref, le diplôme constitue simplement un titre de formation bac+5 et ouvre toute une palette de métiers. Pour qu’une formation devienne une filière il faut le dire, mais ça ne suffit pas. Il faut aussi dans le cas présent donner confiance dans le fait que le designer sera opérationnel dans la palette de métiers. Parmi les aspirations des étudiants on trouve les métiers habituels de concepteur mais aussi de manière récurrente le « design stratégique » et le management de l’innovation. Je ne vais pas faire une cour sur le design stratégique ici disons qu’il correspond aux phases amont du design. Positionnement de marque, analyse du besoin, analyse du contexte social, avantages concurrentiels… Ce type d’approche est par exemple déployé en PME ou complémentaire des inputs marketing dans les grosses boites. Pour ce qui est du management de l’innovation il me semble logique de driver l’innovation par les usages et les ressentis utilisateurs dans un contexte moderne donc il n’y a rien de surprenant à cela. Quelque soit le nom qu’on donne à ces approches on remarque que le designer se positionne sur deux aspects qui existent à la fois au sein de la conception et des autres métiers évoqués: la stratégie et la gestion opérationnelle. Autrement dit "design is business" et "design is project management". Rien de surprenant, la plupart des formations bac+5 sont appelées à se frotter au management opérationnel et plus elles sont proches de l’utilisateur ou des marchés, plus elles se frotteront au business. Le secteur scientifique mis en jeu s’appelle les « sciences de gestion » et enseigne à plein de temps dans les écoles de management, aussi appelées écoles de commerce ou écoles de gestion. Il enseigne aussi à temps partiel dans les écoles d’ingénieur, du moins dans les bonnes écoles. En entreprise le management est la clef qui permet d’obtenir des responsabilités… Que font les écoles? La plupart enseignent le design management, comme l’Ecole de design de Nantes. Les mieux cotées entretiennent des partenariats: ENSCI-HEC, Ecole de design de Nantes – Audencia, Strate college – ESSEC… Plus loin encore, on citera l’ESAA qui fait partie du groupe ESC Troyes ou l’EID Toulon qui fait partie d’Euromed Management. Pourtant force est de constater que sur le terrain le mot design n’est guère associé au management et au business. Pire encore, les entreprises ne savent pas ce qu’est le design. Avec la plateforme du design nous avons mené une enquête sur 40 cadres. La plupart associent le design au le mobilier et à la déco. 8 citent automobile, 4 les produits high-tech, et un seul a cité les produits de grande consommation. Alarmant non? Face à cette situation il n’y a qu’une seule alternative: communiquer, démontrer. Le gouvernement y met du sien (voir le site entreprise-et-design.fr), les organismes font un excellent travail sur le terrain, les designers se mobilisent avec les blogs, les collectifs, la plateforme du design… Les écoles ont aussi un rôle à jouer. Non seulement elles doivent continuer d’appuyer sur la formation au management pour donner aux designers les clefs de l’entreprise, mais aussi elle doivent le faire savoir très largement pour donner aux designers la crédibilité dont ils besoin pour pouvoir évoluer sans se heurter sans cesse aux idées préconçues… Thibaut Devereau est ingénieur (IFMA) et titulaire d'un MS Marketing, Design et Création. Il est l'un des fondateurs du site Design Plateform. Il anime par ailleurs un blog intitulé Entreprise et talents. Design, management, marketing… et les autres! A l'heure du 2.0.

Saucer

La Revue du Design — Wed, 10 Feb 2010 10:00:29 +0000

Dévoilé dans les allées d'IMM Cologne, la patère Saucer d'Eric Degenhardt est constituée d'une forme combinant un plateau et un tube cintré permettant de pendre ou accrocher divers éléments. Saucer est édité par la société Schönbuch. Source: eric-degenhardt.com.

Portrait: Aïssa Logerot

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 01:24:46 +0000

La lampe Posh d'Aïssa Logerot, second prix du concours Cinna 2010 (voir aussi l'Accueil Lamp qui a gagné ce concours), est une petite lampe à poser inclinable. Simple et élégante, elle nous invite à découvrir, plus largement, le travail tout en finesse et en intelligence de ce designer. Avec Posh, Aïssa Logerot, fidèle à sa recherche de formes simples contenant en elles-mêmes une dimension fonctionnelle évidente, nous livre une réinterprétation de la traditionnelle lampes de poche (d'où son nom!). Plus largement, son travail se décline principalement autour du meuble et des petits accessoires, dont il épure la dimension stylistique pour se concentrer sur d'autres aspects tels que les assemblages (voir sa remarquable série intitulée Extensions, sans vis ni colle...), le cycle de vie du mobilier (son projet de diplôme), ou encore les échanges interculturels (voir le projet Afrikatelier mené au Bénin, associant design et artisanat traditionnel, et dont l'on peut suivre le déroulé en temps réel sur le site surlesrivages.blogspot.com). Plus d'informations sur le site aissalogerot.com.

2010-02-11-0

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 08:19:55 +0000

Projet FabBot

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 08:38:51 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:02:39 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:03:07 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:54:50 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:55:19 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:55:46 +0000

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:56:06 +0000

Straw

La Revue du Design — Thu, 11 Feb 2010 15:59:26 +0000

La chaise Straw, conçue par les designers allemands Osko+Deichmann, est réalisée à partir de tubes davantage "écrasés" que cintrés, une technique qu'ils avaient déjà expérimenté lors du dernier Berlin's DMY design festival. Straw est édité par la très active maison d'édition suédoise Blå Station. Pour arriver à cette forme finale, les designers se sont tout d'abord interrogés sur les multiples manières dont l'acier pouvait être mis en forme et notamment tordu. "From the beginning all we knew was that we wanted to try an new manufacturing process for tubular steel" (Blasius Osko). Source: blastation.se.

Flora allegoria

La Revue du Design — Fri, 12 Feb 2010 01:00:58 +0000

Signé par Frédéric Ruyant et édité en série limitée par Marianne Guedin, le vase Flora allegoria s’utilise dans les deux sens. Difficile, lorsque l’on évoque l’idée d’un vase réversible, de ne pas penser au fameux Pago-Pago qu’Enzo Mari a dessiné pour Danese en 1969. Mais à ce simple effet de "retournement" changeant l’aspect visuel de l’objet, Frédéric Ruyant propose aussi un jeu sur sa stabilité: si l’une des faces permet à l’objet de reposer solidement sur le sol, l’autre est en équilibre constant tournant autour d’une excroissance centrale.

FabBot

La Revue du Design — Fri, 12 Feb 2010 10:00:04 +0000

Le studio Lo présentera le 17 février prochain, à la galerie Ars Longa, son projet FabBot, un centre d’usinage mobile assisté par ordinateur. L’objectif de cette journée est de fédérer, autour de ce projet, un certain nombre de designers, artistes, amateurs, étudiants… qui seraient intéressés par le fait d’expérimenter le FabBot. Ensuite, durant plus de six mois (jusqu’en septembre prochain, date à laquelle une exposition rétrospective de tous ces travaux sera organisée), le FabBot sera mis à disposition "d’à peu près n’importe qui souhaitant faire à peu près n’importe quoi". A une époque marquée par les thématiques du co-design, de l’user-centred design, de l’auto-production, le studio Lo nous laisse ici entrevoir une méthode de projet différente (conception, fabrication, distribution), porteuse d’une refonte (même humble) d’un processus industriel par définition globalisant et nivelant. Le FabBot est un robot ultraléger permettant de découper et de graver sur de grandes surfaces. Il a été développé par le Studio Lo (Aruna Ratnayake et Eva Guillet) lors de leur projet de post-diplôme mené à l’école de design de Saint-Etienne. Et comme le précisent les designers, "il peut être utilisé pour post-produite des objets déjà existants, être utilisés in situ sur un chantier, être prêté, vendu ou mutualisé pour du Do it yourself". Que ces hypothèses sur l’avenir se vérifient ou non, que ce type de projets arrive à se substituer, même en partie, à une production industrielle par définition globale et nivelante, sont évidemment des questions qui méritent d’être posées, même s’il semble trop tôt pour y apporter une réponse définitive. Ce qu’il faut par contre remarquer, et qui constitue une certitude d’aujourd’hui, c’est que de plus en plus de designers inventent de tels nouveaux modèles de conception (voir aussi notre article consacré au projet The idea of a tree), qu’ils n’inscrivent plus de la même manière (par choix ou par défaut) leur action dans le processus de production, qu’ils ambitionnent d’autres types de relations avec l’utilisateur final de leurs productions. Plus d’informations sur fabbot.blogspot.com. ----- Calendrier: 17 février 2010 (19h): rencontre à Ars Longa avec les artistes, designers, amateurs, étudiants intéressés, etc. De février à septembre 2010: - Collecte des projets et des textes de contributeurs - Développement des projets retenus - Création du catalogue (restitution projet FabBot + textes préparatoires à une journée de réflexion) - Préparation de la journée de réflexion sur l'avenir des FabLabs Septembre 2010: Exposition finale d’une semaine. Pendant une semaine, Ars Longa deviendra le showroom FabBot et présentera les pièces issues de l’appel à participation, qui seront vendues au profit de PROJET FABBOT. Une journée de réflexion clôturera l'exposition. ----- A propos de FabLab (informations provenant du Studio Lo): En réduisant considérablement les coûts de développement, en diminuant l’investissement nécessaire et les risques inhérents à la production en série, l’unification de la chaîne numérique -conception, fabrication, distribution- permet l’émergence de petites structures. Un scénario qu’explore activement studio Lo et qui l’a amené à créer le FabBot. A l’initiative du premier FabLab et des premières recherches universitaires sur l’auto-production assistée par ordinateur, dans le cadre d’un cours désormais célèbre intitulé “comment fabriquer (presque) n’importe quoi”, Neil Greshenfeld nous promet, pour demain, une démocratisation des moyens de production équivalente à ce que nous avons pu observer en informatique. Contraction de Fabrication Laboratory, le FabLab est un atelier de dimensions modestes disposant d’un réseau de machines de production commandées par ordinateur. Souple et réactif, le système FabLab permet de travailler à différentes échelles une grande variété de projets, depuis la simple étagère en bois jusqu’aux objets équipés de dispositifs électroniques. Ce matériel est en général mis à disposition des populations locales, dans un but de sensibilisation de plus jeunes aux technologies de pointe et d’assistance à l’initiative entrepreneuriale. L’intention avouée du FabLab program, avec 34 Fablabs recensés dans une dizaine de pays développés ou en voie de développement, est de concurrencer la production de masse, par la mise en place d’unités de productions décentralisées. Que ce scénario d’anticipation se vérifie (ou non), il est probable que cette chaîne numérique unifiée suscite de nouvelles vocations de producteurs parmi les designers, mais aussi de nouvelles pratiques amateures (DIY). De tels systèmes de production sont ils viables? Doivent-ils être généralisés? Peuvent-ils se substituer à l’industrie de grande échelle ou du moins cohabiter? L'exposition PROJET FABBOT donnera lieu à l'édition d'un catalogue d'exposition qui rassemblera les pièces présentées dans l'exposition, mais aussi des textes de fond sur la société à l'âge des FabLabs.

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La Revue du Design — Fri, 12 Feb 2010 10:43:14 +0000

Design à voir, lire ou écouter / 1

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La Revue du Design — Fri, 12 Feb 2010 10:49:56 +0000

Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 13 Feb 2010 01:00:45 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici.

A voir:

1/ Cinderella’s Chair par Anna Ter Haar (via muuuz.com). 2/ La Beanbag chair de Form Us With Love (via mocoloco.com). 3/ Une maison pour oiseau minimaliste, intitulée Spuntino, par Dino Salvatico (via design-milk.com). 4/ Vanity Barcodes, un site Internet dédié au potentiel décoratif et fonctionnel des codes barre (via swiss-miss.com). 5/ Un concept de mini-baignoire pour bébé (via swiss-miss.com). 6/ Le Whif, du design à sentir par David Edwards et Marc Bretillot (via egodesign.ca). 7/ Minimalissimo, un site dédié au minimalisme dans le design, le graphisme, l'architecture... 8/ Minimalismi, un site dédié au minimalisme dans le design, l'architecture... 9/ Un miroir de Jan Habraken (via stylepark.com). 10/ Magisso Cake Server de Maria Kivijärvi (via design-milk.com). 11/ Well transparent chair de Ron Arad (via dezeen.com). 12/ Lit Eva par H20 architectes (via reflexdeco.fr). 13/ Badoit Green par Mathieu Bonardet (via designyearbook.blogspot.com).

A visionner:

14/ Une interview de Matali Crasset (sur dailymotion).

A lire:

15/ "Un prototype de téléphone qui change de poids et d’épaisseur dans votre main" (via gizmodo.fr). 16/ "On Prototyping: The Simplest Solution Never Comes First", un article sur le long travail de prototypage et la manière dont il faut évoluer le projet, par Jocelyn K. Glei (via the99percent.com). 17/ "Daring to Play With a Rich Palette", un article traitant de l'utilisation de la couleur dans le design, par Alice Rawsthorn (via nytimes.com). Un petit résumé en français est aussi visible sur designfaq.fr) 18/ "Fast, Cheap and Fantastic: A future Strategy for design?", un article décalé et éclairant de Tad Toulis (via core77.com). 19/ "The star, design, the Paris fair and its refugees", ou les salons "design" parisiens vus de l'étranger, par Daniel von Bernstorff (via stylepark.com). 20/ "Des peaux électroniques pour nos appareils?", ou comment l'utilisation du e-paper pourrait être détournée (via alltrends.org). 21/ "It’s time we took design seriously", un article de Edwin Heathcote (via ft.com). 22/ "5 Ways Techno-Gadgetry Is Bringing Out the Worst in Humanity", un article parlant entre autres des iPods et téléphones portables, par Scott Thill (via alternet.org). 23/ "The Bridge Between Cultures and Design", un article de Joe Fletcher où il est question d'Inde et de la chine (via johnnyholland.org). 24/ "Modernes sans modernité, Éloge des mondes sans style", un ouvrage de Pierre-Damien Huyghe, aux éditions Lignes ("Les humains, faits pour vivre de techniques, inventent sans cesse et peuvent ainsi indéfiniment toucher à leurs conditions de vie.").

Dito From Scratch

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 01:00:37 +0000

Initié en 2006, le collectif Dito réunit dix designers ayant l’ambition de mettre à plat une méthode de travail collégiale et ouverte, dans laquelle le dialogue, l’échange et le partage sont privilégiés. L’exposition "Dito From Scratch", présentée à partir d’aujourd’hui et jusqu’au 6 mars 2010 à Paris, dans les murs du Lieu du design, témoigne de cette expérience. Retour en images sur leur travail. Les objets présentés: En image d’introduction, vous avez découvert Mawou, une plateforme à la fois canapé et tapis, traversée par des bandes en tension qui jouent en partie haute le rôle de dossier et au sol celui de motif. Egalement présenté au Lieu du Design, Carata associe plusieurs contenants, simplement maintenus par un ou deux pieds. Isolément, ils ne tiennent pas debout, et c’est ensemble que ces différents modules trouvent leur sens. Tel des icebergs, les objets de la série Klael possèdent une partie émergée et une autre immergée, non pas dans de l’eau mais dans une fine résille métallique. Etagère souple se fixant au mur, Loutor possède également deux caissons plus rigides permettant de poser ou stocker des éléments. Lurha est une étagère suspendue se jouant des équilibres. Accrochée en un point unique, au plafond, elle propose un ensemble de formes en tension, se stabilisant les unes les autres. Molro regroupe un ensemble de tiges élancées aux traitements plastiques et usages divers (miroir, contenant, plateau…). Celles-ci sont assemblées dans un équilibre et une forme qui paraissent instables mais qui se révèle plutôt, à l’usage, polycentrés. Volumineux mais légers, les Riliz sont des structures réalisées à partir de toile tendue sur une armature, et d’un ou plusieurs plateaux rigides qui viennent les trancher horizontalement. Le projet Rokr, un peu mystérieux, met en tension différents éléments reliés par un ensemble de tiges métalliques. Différents rangements ou supports se dessinent ainsi, comme autant d’usages à inventer. La lampe Sutfelu est perchée sur de fines jambes qui semblent avoir été dessinées par la partie haute de l’objet, qui aurait coulé jusqu’au sol. Plus d’informations sur collectifdito.com. ----- Quelques détails sur la chronologie de ce projet ----- 1. Une méthode et un "répertoire" communs (juin 2006 – septembre 2007) Une fois le collectif constitué, Dito réfléchi dans un premier temps à l’élaboration d’un vocabulaire commun. Un répertoire de formes est ainsi créé, à partir d’images ou d’idées apportées par chacun, votées collectivement. 2. Des dessins… et un carnet de croquis (octobre 2007 – mars 2008) À partir du répertoire de formes de base, les premiers croquis sont élaborés. Chacun s’empare du répertoire à sa manière, et les différentes propositions individuelles sont discutées collectivement. Les idées tournent, sont appropriées et poussées plus loin par les autres. 3. Les premiers choix (mars 2008-juin 2009) Parmi cette accumulation de croquis, il faut désormais repérer les pistes les plus porteuses. La sélection s’opère démocratiquement: chacun indique ses projets préférés, et ceux en commun sont conservés. Les idées les plus intéressantes sont développées séparément par les différents membres de Dito, et discutées lors de réunions de travail. Parfois, elles passent d’un membre à l’autre. 4. Sélectionner, finaliser (juillet 2009 – janvier 2010) Pour finaliser ses différentes pistes, Dito revient à une méthode de travail plus collective. Les projets retenus sont discutés et modifiés collectivement, lors de réunions de travail. Ils n’appartiennent alors plus à personne, et évoluent dans le champ des regards croisés des différents membres.

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 10:03:51 +0000

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 10:04:18 +0000

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 10:04:38 +0000

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 10:05:21 +0000

Démocratique dans sa genèse et inhabituel dans sa forme, le design collectif de Dito

La Revue du Design — Mon, 15 Feb 2010 13:00:53 +0000

Par Alexandre Cocco Venant en complément de l’article publié sur l’exposition Dito From Scratch, vous trouverez ci-dessous un texte plus général concernant le travail du collectif Dito, revenant notamment sur la spécificité de son approche et l’intérêt qu’elle présente à nos yeux aujourd’hui. --- Le postulat de départ de Dito(1) sonne comme un pari. À une époque marquée par un individualisme rampant et par une certaine "starification" du design (besoin pour les créateurs d’exister parmi les autres, besoin pour les marques de faire appel à des "signatures"), la volonté de travailler à plusieurs à l’élaboration d’un projet commun, collectif et s’élaborant dans la durée, peut paraître curieux. C’est cette étrangeté, probablement, qui a retenu l’attention des membres du jury de la bourse Agora(2). C’est aussi elle, assurément, qui est à l’origine d’une approche différente du projet de design que Dito a su, au fil des semaines et des mois, constituer. S’organiser, pour créer de l’inattendu et se surprendre "Cette méthode doit nous permettre de nous engager sur des pistes que nous n’aurions pas explorées seuls et arriver à des objets singuliers, décalés et surprenants. Pour cela, nous faisons en sorte de nous donner les moyens de créer de l’inattendu, des surprises pour nous mêmes." Collectif Dito. Dès que divers éléments s’accumulent, se pose la question de leur organisation. Dans le cas de Dito, la constitution du collectif, le choix de ses participants, de ses outils, de son regard même, provenant d’une accumulation d’approches et de personnalités, nécessitait elle aussi une "mise en forme". Il s’agissait déjà, en soi, d’un projet. Mais, au vu du nombre important de ses membres, il s’agissait d’un projet curieux, car il passait en premier lieu par une certaine acculturation: plutôt que de simplement partager des méthodes et des références, il a fallu réapprendre, partir de ce qui était commun – parfois presque rien ("from scratch(3)"…) – pour réinventer les possibilités d’un dialogue efficace. C’est en partie cette "expérience", amenant chacun à découvrir de nouvelles modalités de travail – d’égal à égal au sein d’un même projet – qui a constitué la première marque de fabrique méthodologique du collectif. La seconde fut celle du vocabulaire formel à développer. Le répertoire initial, regroupant des images apportées par chacun, analysées, discutées, retenues ou écartées, retravaillées, a constitué un premier socle. Disons une sorte de grammaire. Mais une grammaire spécifique, épurée des tics de langages des uns et des autres. Car lorsque l’on travaille a plusieurs, que l’on partage ses idées, ses ambitions et envies, les regards extérieurs rendent vite visibles nos propres références, nos préconçus. Sans avoir de volonté expressément novatrice, une des forces du collectif fut donc d’éviter les redites, écartant d’office ce qui était trop "commun" (à la fois trop "partagé" et trop "évident"). Et l’outil pour parvenir à se surprendre, soi-même et collectivement, fut d’imaginer un vocabulaire non pas constitué de projets déjà réalisés, de références incontournables de la discipline, mais de formes "ouvertes", regroupées et organisées comme dans un dictionnaire dans lequel "on choisit les mots avec lesquels on compose des phrases afin de créer du sens." Des formes, qui, combinées, manipulées, détournées, pouvaient générer des pistes de projets, des directions à explorer. Un espace de pensée ouvert "Nous échangeons nos idées sans a priori pour créer un espace de pensée ouvert, et pour que les critiques soient constructives et fassent les projets. Le fait d’être nombreux nous permet de pousser les idées le plus loin." Collectif Dito. En situant sa première intervention créative non sur des objets en eux-mêmes mais sur des signes pouvant les constituer, Dito a mis à plat une approche plus grammaticale que typologique, basée sur les assemblages, les rapprochements, les liaisons… Mais travailler à plusieurs, sans rapports hiérarchiques, dans une sorte d’innovation ascendante où chacun peut, à partir des idées des uns et des autres, remonter le processus, le déconstruire et définir de nouvelles pistes, n’est pas sans contrainte. C’est plus long. Plus exigeant aussi, car les avis des autres co-designers peuvent amener chacun à revoir sa copie, à modifier, à pousser son raisonnement dans ses retranchements. Une conséquence, peut-être inattendue, de cette méthode de travail fut ainsi de bénéficier, assez tôt dans la genèse de chaque projet, d’une somme importante de regards extérieurs. Car travailler à 10, à 12 ou à 15 – selon l’évolution, toujours en mouvement, des contours du collectif et du nombre de personnes qui le constituent – c’est évidemment bénéficier d’une force créative plus importante. Mais c’est aussi, en tant que designer, confronter d’emblée ses idées à 9, ou 11, ou 14 utilisateurs potentiels, avec leurs perceptions, leurs idées, leurs usages propres. Traversés par une humilité permanente et nécessaire, où toutes les idées appartenaient à tout le monde, les projets de Dito ont cependant réussi à mûrir, comme mus par leur force propre. Et probablement, à aller plus loin, en s’éloignant de toute recherche de "style" ou de "signature" individuelle. Un design a-starifié, générateur d’objets en devenir "L’intérêt de ce projet est qu’il réunit dans une même base de travail la personnalité de chacun et notre imaginaire à tous." Collectif Dito. Au final, les propositions de Dito n’appartiennent à personne en particulier, sauf peut-être au collectif lui-même dans son entièreté. Et aucun de ses membres ne peut revendiquer individuellement la paternité de tel ou tel projet. Face à ce constat, Dito ne prétend d’ailleurs pas avoir ouvert une voie à suivre, tout juste une brèche dans un processus de création et de décision souvent très normalisé qui a souvent tendance, au final, à appauvrir les projets. C’est aussi pour cette raison que les différentes contraintes (budgétaires, de matériaux ou de fabrication…) ont été repoussées au plus loin et au plus tard possible. Car seule cette approche leur permettait de maintenir les projets dans un état de "potentiel maximum". Si ceux-ci devaient aujourd’hui être plus avancés, ils réduiraient leur champ de possibles, en étant confrontées à des réalités qui ne sont pas pour l’instant celles du collectif: des matériaux donnés, des outils de production, des contraintes économiques… Des éléments qui font évidemment parti de toute démarche de design, mais qu’il est aussi parfois nécessaire de savoir mettre de côté afin de ne pas contraindre trop tôt un projet dans son évolution. C’est donc comme un ensemble d’objets "potentiels" que nous devons voir et comprendre ces premières réalisations de Dito: des idées à la fois totalement maturées, mais encore ouvertes à une diversité d’interprétation individuelles ou techniques. Et si des matériaux, des couleurs ou des formes sont ici proposées, il faut imaginer qu’ils pourraient s’adapter à différents outils de production, différentes contraintes techniques. L’après? Prenant le contre-pied d’une époque où les démarches sont souvent personnelles, voire individualistes, et où le design est trop souvent utilisé comme un simple outil de communication, la démarche de Dito dénote et interroge. Créant son propre contexte de travail, le collectif a en effet vécu cette aventure sans autre objectif que d’imaginer un nouveau vocabulaire, une poétique différente, et de se confronter à une méthodologie de travail totalement collégiale et démocratique (ce qui n’est, reconnaissons-le, pas si fréquent dans le design). Cette première collection, envisagée par le groupe comme une expérience plus que comme un manifeste, abouti à une dizaine de projets singuliers, souvent multifonctionnels et ouverts à l’interprétation, qui dans leur ensemble interrogent nos perceptions et nos habitudes, remettant en cause ce que peut ou doit être un meuble, ce que peut ou doit être le "design". Quelques observateurs attentifs évoqueront probablement, le regard teinté de nostalgie, le souvenir de collectifs incontournables du siècle passé, ayant marqué l’histoire du design. L’analogie est évidemment intéressante mais elle a ses limites, et il semble aujourd’hui plus pertinent de chercher à comprendre ce que la démarche de Dito possède de contemporain, dans sa réaction aux travers actuels – égocentrés et "communicationnels" – de la discipline par exemple, ou encore dans sa volonté de s’éloigner des circuits traditionnels de promotion, d’édition et de validation du design. Alors une certaine critique demandera peut-être au collectif dans quelle perspective "réaliste", industrielle ou marketing, il inscrit son approche. Celui-ci répondra, espérons-le, qu’il est parfois aussi intéressant de questionner le processus que le résultat et que Dito From Scratch constitue, avant tout, une expérience, la possibilité d’une autre démarche: plus lente, plus partagée, inhabituelle. D’autres projets ou propositions pourraient, plus tard et dans d’autres contextes, venir et être confiés à Dito, et il serait d’ailleurs intéressant de voir comment sa méthode de travail lui permettrait de répondre aux contraintes d’un environnement plus normé, industriel par exemple. Ces questions, et plus largement celle de l’avenir du collectif, restent ouvertes. Il appartient à Dito, désormais, d’imaginer leur réponse. --- Notes: (1) Le terme "Dito" signifie "déjà dit" ou "déjà vu". On l'emploie notamment pour éviter la répétition d'un élément précédemment désigné. Dans l’esprit du collectif, il veut également dire que " ce qui a déjà été dit n’a pas besoin d’être répété", ou également "redire, mais autrement". (2) La bourse Agora est un financement biannuel reconnu dans le domaine du design, décerné par un jury de professionnels et de spécialistes du secteur. Elle permet à un créateur ou un groupe de créateur de mener une recherche personnelle. Dito en a été lauréat en 2007. (3) "à partir de rien".

An Eclipse Day

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 01:00:02 +0000

"La lumière est constituée d’ondes lumineuses colorées que l’œil ne peut distinguer les unes des autres quand elles se mélangent..." (Sir Isaac Newton, 1671). La lampe An Eclipse Day, développée par Pierre Favresse, se propose de mettre en valeur ce principe physique, en additionnant différents volumes jouant comme autant de filtres colorés (cyan, magenta et jaune) qui, assemblés, permettent d'obtenir le noir. Voici ce que le designer dit de son projet: "Le fait de pouvoir additionner certains filtres colorés crée un phénomène appelé communément synthèse soustractive. Le projet An Eclipse Day, inspiré de ces recherches, interroge les principes constitutifs de la lumière et sa perceptibilité à travers l’objet. Qu’est-elle? Comment vivons-nous avec? Comment la percevons-nous? L’objet, via un processus additif de strates colorimétriques cyan, magenta et jaune, génère des opacités ponctuelles qui guident naturellement la lumière par sa propre matière. L’accumulation de couches multiples, par sédimentation progressive, génère un filtre opacifiant qui occulte graduellement le faisceau de la source lumineuse, jusqu’à la production d’une lumière noire. La lumière offre de ce fait plusieurs lectures formelles à l’objet. L’interprétation externe offre une compréhension immédiate de l’objet comme un tout. La seconde, interne, est produite par la géométrie de la lumière noire. Cependant, la vision et la perception des couleurs sont susceptibles d’évoluer par le biais de nouveaux positionnements de l’observateur dans l’espace." Source: pierrefavresse.com.

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 09:17:21 +0000

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 09:17:59 +0000

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 09:18:21 +0000

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 09:18:44 +0000

Table ronde Dito 22 fevrier

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 13:52:40 +0000

annonce-table-ronde-petit

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 13:53:30 +0000

Never Use White Type on a Black Background

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 16:43:31 +0000

Never Use White Type on a Black Background

La Revue du Design — Tue, 16 Feb 2010 16:44:53 +0000

Air Vase

La Revue du Design — Wed, 17 Feb 2010 01:00:12 +0000

Imaginé par l'agence Torafu, ce vase peu prendre de multiples formes. Comme un exosquelette léger et poétique, il se déforme à souhait et se joue de nos perceptions. Une vidéo assez incroyable (accessible ci-dessous) démontre quelques unes de ses possibilités. Réalisé à partir d'un papier bicolore, il est perçu de manière différente selon ses positions. La vidéo (Youtube) est accessible en cliquant sur l'image ci-dessous: Source: torafu.com, mocoloco.com.

Haven

La Revue du Design — Thu, 18 Feb 2010 01:00:40 +0000

Mårten Claesson, Eero Koivisto et Ola Rune Haven, du collectif CKR, ont imaginé ce canapé, intitulé Haven, pour l'éditeur Paola Lenti. Visuellement léger, presque fantomatique, Haven est constitué d'une armature réalisée en tube métallique verni, recouverte d'un filet résistant et élastique. Ce dernier, pouvant être traversé par l'air, la lumière et l'eau, permet au canapé d'être utilisé en intérieur ou en extérieur. Source: ckr.se.

Never Use White Type on a Black Background

La Revue du Design — Thu, 18 Feb 2010 10:00:16 +0000

"Less is more" ou "Form follows fonction", "The medium is the message" ou encore "Nerver use white type on a black background"… Le monde de la création est envahi par des règles qui sont parfois perçues comme des contraintes pour ceux qui s’imposent de les suivre à la lettre, et comme des sources d’inspiration pour les autres qui cherchent à les esquiver… Dans un ouvrage écrit pour BisPublisher, Anneloes van Gaalen explore 50 de ces "ridiculous design rules", les illustre de citations de créateurs célèbres, les met en scène pour mieux les contrecarrer aussitôt. Avec son approche ludique, Anneloes van Gaalen les remet au final à leur place, et illustre le fait qu’elles ne valent jamais tant que quand elles sont détournées. Un site Internet dédié à cette thématique a d’ailleurs été créé : ridiculousdesignrules.com. Il permet de découvrir d'autres règles, de partager ses avis, et donne également accès à un ensemble de contenus multimédias (des vidéos notamment) qui méritent le détour. Vous pouvez également visualiser un partie de l'ouvrage sur issuu.com. Never Use White Type on a Black Background, par Anneloes van Gaalen, éditions BisPublisher, 160 pages, 15 euros.

Urban Garden

La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 01:00:23 +0000

Dévoilé sur le salon Ambiente de Frankfort, les pots Urban Garden constituent la première collaboration entre la marque Authentics et le designer français Patrick Nadeau, spécialiste du design "végétal" (dont nous avions déjà évoqué l'exposition Nature Individuelle qui s'était déroulée chez Sabz fin 2008). Les sacs Urban Garden sont fabriqués à partir de tissu en polyester enduit, et ils peuvent être assemblés les uns avec les autres de différentes manières, à l'aide de simples velcro. Ils sont livrés avec les granules d'argile et le substrat intérieur qui permettra à la plante de se développer. Sources: stylinrooms.de, authentics.de/blog.

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:45:15 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:47:58 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:48:19 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:48:43 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:49:05 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:49:29 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:49:51 +0000

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La Revue du Design — Fri, 19 Feb 2010 14:50:15 +0000

Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 20 Feb 2010 01:00:29 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici.

A voir:

1/ Front x Porro (via designboom.com). 2/ Juxtaposed: Power par Mike and Maaike (via muuuz.com). 3/ Parallel World by Ji Lee (via design-milk.com). 4/ Stukkolief: Wandgestaltung mit Stuckmotiven (via stylinrooms.de). 5/ Radiator Mug For Cold Hands (via yankodesign.com). 6/ ‘Color State’ exhibition by Malene Landgreen (via dailytonic.com). 7/ Void Lights by Tom Dixon (via mocoloco.com). 8/ Mitsuru Koga (via designboom.com). 9/ Alan Kravchenko // sssofa (via dezign.over-blog.com). 10/ Moving Hedge (via dailytonic.com).

A visionner:

11/ Une interview de Patrick Jouin à l'occasion de son exposition au Centre Pompidou (c'est sur centrepompidou.fr). 12/ Inventables.com, un site Internet dédié aux matériaux innovants.

A lire:

13/ "What design does not need to be". Nous avons tous une idée de ce que le design doit être. Le très bon site italien Spodt nous propose, dans ce court article, sa vision de ce qu'il ne doit surtout pas être... (via spotd.it). 14/ "If your product is Great, it doesn't need to be Good", un article de Paul Buchheit sur la manière de réussir un produit... En substance: sélectionnez trois éléments "clé", poussez-les le plus loin possible, et oubliez tout le reste... (via paulbuchheit.blogspot.com). Un résumé est accessible en français sur designfaq.fr. 15/ "'Design, by all?': Impliquer les utilisateurs dans les processus d'innovation", un court article d'Elsa Bellanger revenant sur la manière dont les utilisateurs peuvent être intégrés dans le processus de conception des produits ou services (via innovationlejournal.com). 16/ "The Value of Design", un dossier extrêmement intéressant, réalisé par Business Week sur la "valeur" et le rôle du design (via businessweek.com). 17/ "Designing for Social Innovation", une interview d'Ezio Manzini réalisée par Steve Baty (via levidepoches.blogs.com ).

Filo

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 01:00:38 +0000

Conçu en 2006, à l'origine pour une commande privée, le canapé Filo de l'agence Barber+Osgerby va finalement être édité par Cappellini. Il est constitué d'une structure réalisée en chêne et d'une superposition de pièces de tissus identiques. Source : barberosgerby.com.

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:42:44 +0000

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:43:09 +0000

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:43:38 +0000

Ola © Akka

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:47:05 +0000

Ola © Akka

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:47:32 +0000

Ola © Akka

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:47:58 +0000

Ola © Akka

La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:48:25 +0000

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La Revue du Design — Mon, 22 Feb 2010 14:49:00 +0000

Lantern

La Revue du Design — Tue, 23 Feb 2010 01:00:19 +0000

Nous avons évoqué, il y a quelques jours, le portemanteau Tout Seul du designer Belge Vincent Olm, qui va être prochainement édité par Ligne Roset. La maison d’édition française semble désirer poursuivre sur cette voie caractérisée par une certaine simplicité formelle, que nous ne lui connaissions pas forcément jusqu’à présent. Elle devrait en effet bientôt également distribuer une lampe intitulée Lantern, imaginée par Mathias Hahn. Lantern est réglable en hauteur, et constitué d’une forme en aluminium dans laquelle vient s’insérer une partie en verre jouant le rôle de diffuseur. Vous trouverez plus d'informations sur ce projet sur le site du designer: mathiashahn.com. Source : dezeen.com.

© Unfold

La Revue du Design — Tue, 23 Feb 2010 16:14:43 +0000

© Unfold

La Revue du Design — Tue, 23 Feb 2010 16:15:12 +0000

© Unfold

La Revue du Design — Tue, 23 Feb 2010 16:15:39 +0000

© Unfold

La Revue du Design — Tue, 23 Feb 2010 16:15:59 +0000

Ola

La Revue du Design — Wed, 24 Feb 2010 01:00:26 +0000

Akka est un studio de design basé à Göteborg, en Suède. Lors de la dernière édition de la Stockholm Furniture Fair, ses membres ont présenté leur concept de table pliante, facile à monter et combinable de différentes manières, intitulée Ola. Avec ses deux pieds excentrés, en forme de L, elle permet différentes configurations et possède l'avantage d'être verticalement stable, même repliée. Ola se monte et se démonte facilement, en une dizaine de secondes, comme le montre la vidéo suivante. Source: abitare.it.

3D ceramic printer

La Revue du Design — Thu, 25 Feb 2010 01:00:05 +0000

Le studio belge de design Unfold a expérimenté, l'an dernier, le prototypage rapide de céramique, offrant ainsi une écriture très personnelle et de nouvelles perspectives formelles à ce type de technique parfois "déshumanisé". Le principe est assez simple: la machine, composée d'une buse dans laquelle passe de l'argile en poudre mélangée à de l'eau, est conduite informatiquement. Les formes produites peuvent ensuite être passées au four et cuites. Esthétiquement, elles explorent un vocabulaire assez inhabituel dans le prototypage rapide, parfois proche de l'artisanat et d'autres fois d'une expression presque naïve ou enfantine. Elle permet en effet d'associer, du fait de la spécificité de la matière mise en oeuvre, une dimension qui parait plus aléatoire que le prototypage par frittage de poudre ou polymérisation, qui eux reproduisent fidèlement les formes souvent très lisses des modèles informatiques. Source: designboom.com.

La Revue du Design — Thu, 25 Feb 2010 11:54:38 +0000

La Revue du Design — Thu, 25 Feb 2010 11:55:10 +0000

La Revue du Design — Thu, 25 Feb 2010 11:55:43 +0000

La Revue du Design — Thu, 25 Feb 2010 11:56:26 +0000

Sen

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 01:00:40 +0000

Réalisée en aluminium brossé anodisé, le système Sen, développé par Nicolas Gwenael pour Agape, permet d'unifier un ensemble d'éléments techniques ou accessoires divers: robinets, flexible et colonne de douche, porte-serviette, rangements... Sen est disponible en finition grise ou noire. Source: curiosity.jp.

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:18:42 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:19:02 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:19:16 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:19:32 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:19:50 +0000

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La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 10:45:23 +0000

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 12:50:04 +0000

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 12:50:30 +0000

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 12:50:52 +0000

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 12:51:10 +0000

La Revue du Design — Fri, 26 Feb 2010 12:51:28 +0000

Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 27 Feb 2010 01:00:58 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici.

A voir:

1/ Culdesac: welding wood (via designboom.com) 2/ Cabinet by Dimitri Vangrunderbeek (via dezeen.com) 3/ Carlos tiscar: tapas set (via designboom.com) 4/ Bite Silverware by Mark A. Reigelman II (via design-milk.com) 5/ Tomas Caraceno - From Camogli to San Felipe, Spiders Weaving Stars… (via abitare.it) 6/ Crafty Wooden ‘Flex Chair’ Uses Clever Flat-Folding Plastic (via dornob.com) 7/ Decoration Idea to “Hide” the Wires in Your Home (via freshome.com) 8/ A Fusion of Flower Framework (via yankodesign.com) 9/ Iconic Panels by B&N (via mocoloco.com) 10/ Kile by Yukari Hotta (via dailytonic.com) 11/ Table transformable MK2 par Duffy London (via muuuz.com) 12/ Imeüble by Bjørn Jørund Blikstad (via design-milk.com) 13/ Dream Excursion Module (via abitare.it) 14/ Cage Lamp par Dima Loginoff (via blog.reflexdeco.fr)

A lire:

15/ "Yves Béhar Talks Greener Gadgets", une interview d'Yves Béhar par Jill Fehrenbacher, dans laquelle le designer revient en quelques questions sur les débuts de sa carrière et sa vision du design (via inhabitat.com) 16/ "Tom Geismar interview", une interview d'une figure importante du design graphique, connu notamment pour son travail sur les logotypes de Mobil, National Geographic, Xerox... (via designboom.com) 17/ "How Haiti Could Change Design", un article de Thomas Fisher qui, partant d'un point de vue compréhensible mais curieux (le design ou l'architecture profitent des catastrophes, qui leur permettent de repartir à zéro), énonce globalement le fait qu'intervenant à un moment où le chômage est élevé chez les designers, avec peu d'emplois pour étudiants diplômés, la mise en place d'une réflexion intégrant le design aux problèmes de santé publique et de catastrophes naturelles, bénéficiant d'apports de fond importants, aurait tout son sens. A lire, en anglais, sur places.designobserver.com. 18/ Une interview de Chris Martin de la société d'édition Massproductions (via dwell.com) 19/ "How Consumers Perceive Product Appearance: The Identification of Three Product Appearance Attributes, un article de Janneke Blijlevens, Marielle E. H. Creusen, et Jan P. L. Schoormans de l'université de Delft (via ijdesign.org)

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 09:55:22 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 09:55:50 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 09:56:18 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 10:00:27 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 11:20:36 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 11:21:02 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 11:21:23 +0000

La Revue du Design — Mon, 01 Mar 2010 11:22:06 +0000

Hackable solar electric car

La Revue du Design — Tue, 02 Mar 2010 01:00:00 +0000

La semaine dernière, lors de la Greener Gadgets conference qui s'est déroulée à New York, Yves Béhar a présenté son projet de voiture électrique et modulable à énergie solaire, à destination notamment des pays en voie de développement. En décrivant son projet - encore à l'état d'idée - comme étant "hackable", il entend proposer un véhicule pouvant être approprié de différentes manières, afin de correspondre à une diversité d'usages. On trouvera quelques similitudes d'approche avec son projet OLPC (One Laptop Per Child), notamment au niveau de l'analyse des besoins et des contraintes spécifiques aux pays en développement (les pièces se changent facilement et sont faciles d'entretien). En couvrant le toit de cellules photovoltaïques, en misant sur des formes compactes et arrondies, interchangeables et modulables, Yves Béhar tente de conférer à ce projet "vert" un aspect ludique et une "bonne bouille" apte, espérons-le, à trouver un partenaire industriel qui souhaiterait se lancer dans ce projet. Source: inhabitat.com.

Fresh

La Revue du Design — Wed, 03 Mar 2010 01:00:45 +0000

Normal Studio vient de dessiner plusieurs nouvelles pièces pour ENO, notamment une carafe et une brique à vin intitulées Fresh, et réalisées en terre cuite. Utilisée depuis l'antiquité pour sa capacité à conserver la fraîcheur, la terre cuite se trouve ici travaillée en formes simples, tout juste marquée de quelques détails formels qui lui apportent une certaine contemporanéité: la forme du bouchon en liège pour la brique à vin et le motif texturé pour la carafe. Source: medesignmag.com.

Guindalo

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 01:00:04 +0000

Guindalo est un portemanteau en chêne massif dessiné par Nicolas Bovesse pour la maison d'édition espagnole ABR. Appelé à l'origine Mikado, il se compose de cinq tasseaux fixés par assemblage mi-bois. Simplement serré par son centre, ce portemanteau, comme le dit son designer, "se fige dans un mouvement d'ouverture". A noter que Nicolas Bovesse présentera en Belgique, courant mars, une sélection de ses travaux au Grand-Hornu (avec également Marina Bautier, dont nous avons déjà évoqué le travail). Source: abrproduccion.com.

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 14:07:45 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 14:08:32 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 14:08:56 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 14:09:19 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 15:25:59 +0000

La Revue du Design — Thu, 04 Mar 2010 15:26:24 +0000

Flat Lamp

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 01:00:43 +0000

Imaginé par Gabor Berger et Talya Rasner, et vendu sur Internet par la plateforme Oogazone, qui s'est fixé comme objectif de rapprocher les jeunes designers du grand public, la Flat Lamp est uniquement composée d'éléments en 2 dimensions dont l'assemblage et la torsion génèrent un objet tridimensionnel. Différentes feuilles, interchangeables, peuvent faire office d'abat-jour. Source: mocoloco.com.

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La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 10:10:36 +0000

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La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 10:10:57 +0000

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La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 10:16:30 +0000

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La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 10:24:08 +0000

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La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 10:37:28 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:14:04 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:14:38 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:15:02 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:33:14 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:33:51 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:36:24 +0000

La Revue du Design — Fri, 05 Mar 2010 13:36:47 +0000

Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 06 Mar 2010 01:00:49 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici.

A voir:

1/ Paul Smith pour Stelton (via www.wepulse.com) 2/ Oblique Clock de Tristan Zimmermann (via abitare.it) 3/ On the road de Pierre Lescop (via industrialdesignserved.com) 4/ McDonald’s Promotion (via canadiandesignresource.ca) 5/ Objects and Materials par Lina Huring (via blog.reflexdeco.fr) 6/ Cabinet Chair par Ontwerpers.nu (via blog.reflexdeco.fr) 7/ Fauteuil Termitière de François Azambourg (via muuuz.com) 8/ Fire Pot Stand by Nimi (via jpdesign.org) 9/ Switch Me pa Josselin Zaïgouche (via designboom.com) 10/ Evolution par USIN-e (via muuuz.com) 11/ Keisuke Fujiwara: spool 214 thonet chair (via designboom.com) 12/ Unique IKEA by Kenyon Jeh (via dailytonic.com) 13/ Chaise Rocher de Hertel & Klarhoefer pour Ligne Roset (via ligne-roset.ro) 14/ Go! Gallery : Umbrella Canopy (via muuuz.com) 15/ ‘Sofa Boat’ is All-Electric, But Still Just a Floating Sofa (via inhabitat.com)

A visionner:

16/ "Sylvie Adigard remonte l’histoire du mobilier contemporain" et pose ses questions à Gérard Laizé (via telematin.france2.fr). 17/ "5 bonnes raisons de (re)découvrir Patrick Jouin" par Marion Vignal (via lexpress.fr)

A lire:

18/ "Payez les designers!", un article de Nicolas Minvieille sur les différents modes de facturation qui s'offrent aux designers, et sur l'importance de faire payer ses études et recherches, car "la reconnaissance du travail de designer passe par sa facturation" (via design-blog.info) 19/ "The end of Droog", un article de Markus Frenzl dans lequel il analyse l'évolution du collectif de design néerlandais (jusqu'à la séparation de ses deux fondateurs), et note l'apparition d'une nouvelle génération de designers qui prend ses distance avec cette démarche principalement basée sur des objets très "communiquant" et "provocateurs" (via stylepark.com) 20/ "DesigNYC", un article consacré à cette nouvelle organisation caritative lancée il y a quelques jours, dont l'objectif est de mettre en relation des designers et des des organismes sans but lucratif (via designobserver.com). 21/ "Amidst the crisis, Korean automakers doing well--and they seem to 'get' design", un court article de Hipstomp faisant écho à d'autres textes parus sur la BBC ou le Wall Street Journal, et évoquant le dynamisme des marques Coréennes (via core77.com). 22/ "Danish Designers political 'Manifesto': The Role of Design in the 21st Century". En 16 pages d'un document pdf téléchargeable sur danishdesigners.com, les designers danois nous livrent leur vision du rôle du design (via designophy.com) 23/ "Designing Interactions at Work: Applying Design to Discussions, Meetings and Relationships", un article de Roger Martin et Jennifer Riel militant pour l'application de méthodes empruntées au design pour redessiner les relations professionnelles et la conduite de projet (via interactions.acm.org).

Stars

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 01:00:36 +0000

Conçue par Bartoli Design pour Laurameroni, la gamme de mobilier Stars possède un parement en métal strié. Elle se décline en différentes fonctions (buffet, table basse, rangements) et finitions (acier poli, laiton naturel, du cuivre poli et de cuivre naturel). Source: dailyicon.net.

Tata Nano EV

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:25:13 +0000

Tata Nano EV

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:25:39 +0000

Tata Nano EV

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:26:33 +0000

Tata Nano EV

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:26:55 +0000

Tata Nano EV

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:27:16 +0000

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La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:27:45 +0000

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La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 11:28:06 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 13:59:42 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 14:00:15 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 14:00:44 +0000

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 14:01:11 +0000

Stitch

La Revue du Design — Mon, 08 Mar 2010 14:03:26 +0000

Stitch est un luminaire dessiné par Mattias Ståhlbom du collectif Taf, pouvant faire office d'applique ou de plafonnier. Il consiste en un épais disque lumineux orientable, qui se décline en plusieurs coloris (rouge, noir, gris et blanc). Existant en deux dimensions (300 ou 450mm de diamètre), Stitch possède une structure en aluminium et un diffuseur en acrylique. Il est édité par Zero. Le designer raconte qu'à l'origine, la forme de l'objet lui a été inspirée par celle d'un métier à broder. Source: tafarkitektkontor.se.

Konnex

La Revue du Design — Tue, 09 Mar 2010 01:00:45 +0000

Découvert sur Muuuz, Konnex est un système d’étagère imaginé par le designer allemand Florian Gross composé de plusieurs modules qui, assemblés, permettent de multiples combinaisons. Les planches composant les différents modules sont coupées à mi-bois, et peuvent donc être encastrées les unes dans les autres. Vous trouverez plus d'informations sur ce projet sur le site konnex-regal.de. Source: muuuz.com.

Tata Nano EV

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 01:00:22 +0000

Lors du dernier salon automobile de Genève, la firme indienne Tata (par ailleurs propriétaire de Jaguar Land Rover) a présenté sa Nano EV, un véhicule 4 places totalement électrique, bénéficiant d'une autonomie d'environ 160 km. Ses batteries, lithium-ion polymères, lui permettent de passer (modestement) de 0 à 60 km/h en un peu moins de 10 secondes. Si la commercialisation tarde en Europe et aux Etats-Unis (certains échos avancent l'année 2012), du fait d'une mise à niveau de la finition et de la motorisation afin de mieux correspondre aux attentes des consommateurs occidentaux et aux exigences en termes d'émissions de CO2, ses formes simples (curieux mélange d'une voiture sans permis, d'une Fiat 500 et d'une Mercedes Classe A) devraient séduire, à un prix qui devrait toutefois être environ 3 fois supérieur à celui pratiqué en Inde (100 000 roupies, soit environ 1500 euros). Pour voir ce modèle en détail, vous trouverez ci-dessous les liens vers une vidéo et un diaporama. Source: autoblog.com.

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La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:30:30 +0000

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La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:30:56 +0000

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La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:31:19 +0000

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La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:31:47 +0000

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La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:32:09 +0000

2010-03-11f

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 08:32:29 +0000

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 09:24:13 +0000

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 09:24:38 +0000

Pattern chair

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 09:30:50 +0000

La Pattern Chair est la nouvelle création d'Arik Levy pour la marque Emu, qui sera présentée lors du prochain salon du meuble de Milan. Spécialiste du mobilier extérieur, Emu signe ici sa première collaboration avec Arik Levy. Une collection entière devrait voir le jour, basée sur le même principe de meubles réalisés en tôle perforée et cintrée. Source: detnk.com.

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 15:28:50 +0000

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 15:30:24 +0000

La Revue du Design — Wed, 10 Mar 2010 15:30:52 +0000

Grensgeval

La Revue du Design — Thu, 11 Mar 2010 01:00:11 +0000

Imaginé par le designer hollandais Lotty Lindeman, Grensgeval est un système hybride cloison/porte permettant de moduler l'interpénétration de deux espaces. La "porte", suspendue à une structure métallique, peut adopter différentes positions et se déplace facilement. Mobile, elle offre la possibilité de ménager une ouverture ou un renfoncement, démultipliant ainsi les vues et les passages entre les pièces qu'elle relie. Source: blog.reflexdeco.fr.

Sélection design suisse

La Revue du Design — Fri, 12 Mar 2010 01:00:43 +0000

En partenariat avec Espaces contemporains. A chacun de ses nouveaux numéros, le magazine suisse Espaces contemporains présente aux lecteurs de La Revue du Design une sélection d’actualités, de démarches ou de projets suisses (ci-dessus, un projet présenté par l’ECAL à l’occasion du "800 Show Creative Center" de Shanghai). L’ECAL à l’heure chinoise L’ECAL a présenté, début février, une sélection de projets d’étudiants lors de la dernière session du "800 Show Creative Center" de Shanghai. Des travaux menés en partenariat avec des marques prestigieuses et sous la direction pédagogique de quelques grands noms du design européen tels qu’Edward Barber et Jay Osgerby, Ronan Bouroullec, Big-Game, Alexis Georgacopoulos… www.ecal.ch Destroy Design Marti Guixe, 2004. Le Mudac, musée de design et d’arts contemporains de Lausanne, accueille jusqu’au 24 mai une exposition intitulée "Destroy Design", qui interroge les relations qu’entretiennent le design et l’art, notamment dans leur propension à maltraiter, déformer, critiquer et plus largement désacraliser les objets qui nous entourent. Présentant les créations d’une trentaine d’artistes ou de designers, issues du Frac Nord de Dunkerque, cette exposition s’envolera ensuite pour le Danemark. www.mudach.ch Le Rolex Learning Center ouvre ses portes Entrée principale avec cafétéria. Conçu par le bureau d’architecture japonais Sanaa après un concours restreint à une douzaine d’équipes, le nouveau Rolex Learning Center a ouvert ses portes le 22 février dernier. Avec 500 000 volumes papiers et des millions de documents électroniques, le bâtiment accueille une des plus grandes collections de littérature scientifique du monde. Destiné à un public d’étudiants et de chercheurs, il est conçu comme un espace ouvert et flexible, ménageant des transitions douces entre ses différentes fonctions (amphithéâtre, salles de lecture, cafétéria…). Des ondulations au niveau du sol se substituent ainsi aux traditionnelles cloisons. Elles vallonnent le lieu et permettent ainsi le passage d’un espace à l’autre. www.epfl.ch Freitag, Recycling Attitude Sacs de la Freitag Limited Art Edition. Devenu en quelques années un classique du design suisse, les sacs Freitag sont conçus à partir de bâches de camions récupérées, nettoyées, découpées et assemblées. Lancés en 1993, ils sont aujourd’hui produits à près de 200 000 exemplaires chaque année, se déclinant dans 40 modèles différents toujours réalisés à partir des mêmes matières premières: 300 tonnes de bâche, 85 000 chambres à air de vélo et 35 000 ceintures de sécurité pour les bandoulières. Dans une volonté de renouvellement permanent la marque lance aujourd’hui, entre autres produits, une série limitée intitulée "Freitag Limited Art Edition", conçue à partir des bâches de grands musées d’art moderne: la Tate Modern de Londres, le MoCA de Los Angeles, Le Mori Art Museum de Tokyo et le Palazzo Grassi de Venise. www.freitag.ch Ici et le monde Bâtiment communal et salle de spectacle, Corpataux-Magnedens, Suisse, 2007. Photographe: Thomas Jantscher. Jusqu’au 21 mars, l’Hôtel-Dieu de Lyon accueille une exposition dédiée à trente projets d’architecture réalisés en Rhône-Alpes et en Suisse Romande, s’attachant à mettre en évidence une certaine identité régionale qui dépasserait les frontières géographiques nationales et serait caractérisée par un certain nombre de points communs ou d’ambitions spécifiques, sociales et énergétiques notamment. Ces projets sont au sommaire du numéro Février /Mars 2010 de la revue Espaces contemporains.

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Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 13 Mar 2010 01:00:37 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: 1/ Air by Radius Design (via design-milk.com). 2/ Segmentus clock (via artlebedev.com). 3/ In pillole: Puzzleboard, un tagliere multiuso (via architetturaedesign.it). 4/ The OOoo Chair Uses Zero Materials (via inhabitat.com). 5/ Variable Plant Holder (via industrialdesignserved.com). 6/ Eva EV par Valmets (via dezign.over-blog.com). 7/ Daniele Trebbi Alone Wall Light (via bonluxat.com). 8/ Matteo Ragni: w-eye frames (via designboom.com). 9/ Reute Kroze Leoben par Yes Architecture (via muuuz.com). 10/ Shadow and Light by Front for Porro (via dezeen.com). 11/ Imaginary Architectures by El Ultimo Grito (via dezeen.com). 12/ Beautiful Snow-Inspired Lamp Made from Sugar (via inhabitat.com). 13/ Elica par Brian Sironi (via muuuz.com). 14/ Alle (via abitare.it). 15/ L'exposition "Richard hutten: 18 years of playing" au Design museum de Gant, en Belgique (via designboom.com). A visionner: 16/ "China's industrial design boom", un mini-reportage sur le boom du design chinois. Quelques chiffres à retenir, et surtout une prise de consciences des décideurs et industriels chinois quant à la propension du design à améliorer les ventes d'une entreprise (via english.cctv.com et core77.com). A lire: 17/ "Learning innovative product design via... stand-up comedy?", un article de Hipstomp montrant comment, selon Peter Robbie, la phase de conception et de brainstorming peut-être améliorée si l'on étudie aussi les techniques de stand-up et d'improvisation.... (via core77.com). 18/ "Consumers Only Want Green Cars If They Are Superior in Every Possible Way", un article d'Ariel Schwartz montrant que les véhicules "verts" n'attireront les consommateurs que s'ils sont supérieurs, en tous points, à leurs équivalents thermique. Où comment l'argument "éco" ne suffit pas... (via fastcompany.com). 19/ "Parler du design : deux approches", une petite analyse de Clément Gault faisant suite à la question que le designer Jean-Louis Fréchin lançait via Twitter il y a quelques semaines, invitant à compléter la suite de la phrase "le design c’est…" (via designetrecherche.org). 20/ "Have we outgrown designer Ron Arad?", une critique en règle de Ron Arad par Justin McGuirk (éditeur d'Icon magazine), faisant suite à l'exposition Ron Arad:Restless exhibition organisée à la galerie Barbican (via Justin Mc Guirk, On Design). 21/ "Phone designs that deliver": la vision de trois designers de Nokia - Nikki Barton, Younghee Jung et Robert Williams (via nst.com.my). 22/ "Devenir le designer que vous rêvez d’être en 10 étapes" (via designfaq.fr). 23/ "The Big Rethink: Design driven innovation", un article de Richard Sedley relatant son échange avec Roberto Verganti, professeur de management et d'innovation au Politecnico de Milan, et auteur de Design-driven Innovation (via core77.com). 24/ 52 weeks of UX, un site Internet sur lequel Joshua Brewer et Joshua Porter vont parler d'ergonomie, de design et d’expérience utilisateur durant 52 semaines (via blog.use-design.com).

Regards sur un marché en métamorphose

La Revue du Design — Mon, 15 Mar 2010 01:00:58 +0000

Dans le dernier numéro de la revue Espaces contemporains (février/mars 2010), que nous avons évoqué dans un précédent article, nous vous recommandons la lecture de l’article de Magali Prugnard, intitulé "Regards sur un marché en métamorphose". Celui-ci analyse les équilibres nouveaux qui se mettent en place, au niveau commercial et d’image notamment, entre le design d’éditeur et celui de galerie. Elle interroge également, dans cette perspective, le rôle des salons professionnels quant à la visibilité qu’ils offrent de la discipline, en privilégiant (jusqu’à présent du moins), le design de "grande série". "Au côté des producteurs en grande série émerge en effet un monde de la petite série dont les voix se font de mieux en mieux entendre auprès du public et des médias. Un microcosme qui use de ressources spécifiques et entend bien changer les codes du design existant." Si ces nouveaux équilibres ne concernent évidemment pas les volumes de vente, en termes d’image et de diffusion par contre (par le biais de salons comme celui de Miami, par celui la presse, des salles des ventes…), le design "de galerie" et d’édition limitée, parfois produit directement par les designers eux-mêmes, rencontre un public de plus en plus large. Il tend même à s’imposer comme une autre modalité de dialogue possible entre le design et le "grand public" (et bien que les prix pratiqués soient souvent bien supérieurs). Ce phénomène est notamment rendu possible grâce au développement d’Internet, et "la toile est devenue un territoire privilégié pour la distribution de créations autoproduites". Les objets proposés sont certes différents, souvent moins aptes à séduire un large public, mais ils permettent aussi de rencontrer plus fidèlement la réflexion du créateur, sans que celle-ci ait été "déformée" pour être adaptée à un marché de masse. Dans la dernière partie de son texte, l’auteur ajoute: "Aujourd’hui, les petites productions viennent perturber les éditeurs, qui ont basé leur stratégie sur une composante sérielle. Non pas économiquement, car il est difficile d’imaginer que les galeries et les ateliers de design puissent un jour faire concurrence aux grands entrepreneurs. Mais plutôt culturellement. L’approche très conceptuelle de ces nouveaux acteurs du marché questionne la pertinence des produits fabriqués en masse. Désormais, ces productions marginales sont considérées comme un terreau fertile grâce auquel pourrait naître le monde matériel de demain".

"What were they thinking?"

La Revue du Design — Tue, 16 Mar 2010 01:00:46 +0000

Missionnés par la Stockholm Furniture Fair et le magazine Forum, Gabriella Gustafson et Mattias Ståhlbom (du collectif Taf Arkitektkontor) ont conçu la scénographie de l’exposition "What were they thinking?", dédiée à l’exposition des travaux de cinq bureaux d’architectes nordiques. Ils ont pour cela imaginé un stand de 100 mètres carrés tramé de lignes colorées rappelant les tracés filaires des logiciels de conception assistée par ordinateur. "We have brought the artificial world from the CAD-programs into the real life and to the full scale." ("nous avons ramené le monde informatique artificiel dans la vie réelle et à échelle un"). L’espace est ainsi structuré de lignes réalisées à partir de tasseaux peints, de section rectangulaire (15 x 33mm), empruntant leurs couleurs vives aux programmes de CAO. Outre le fait de passer, selon la position de l’observateur, du structurel au décoratif, ce principe permet également de délimiter les espaces sans les cloisonner et d’opérer des courts-circuits visuels dans le parcours de l’exposition. Source: tafarkitektkontor.se.

Parler du design: deux approches

La Revue du Design — Wed, 17 Mar 2010 01:00:22 +0000

Par Clément Gault. Il y a quelques temps le designer Jean-Louis Fréchin lançait une initiative simple et claire via le réseau twitter qui était de compléter la suite de la phrase “le design c’est…” La force du réseau aidant, de nombreuses personnes ont rapidement apporté leur contribution. Le designer a par la suite consigné les propositions dans un billet sur son blog, sans faire une quelconque sélection au préalable. On peut finalement y dénombrer plusieurs manières de faire. La personne peut simplement donner son point de vue sur la chose:

Anaïs Triolaire: une discipline au service des autres. Bouhey Fayolle: le design c’est une bonne question. Samuel Hackwill: le design, c’est des idées en dur.

Ce qui peut amener certains à rebondir sur les propos d’un autre:

Jean-louis Frechin @remy: le designer est un Spécialiste de la non-spécialisation;) Fred Bouteiller: @nodesign: le design c’est ta vie.

D’autres répondent par une question, peut être peu sûr de leur proposition:

Dominique Segalis: du bling bling ? Philippe Benhamou: ça a un rapport avec Ikea ? MOIRAUD: le Design c’est ? life ?

Enfin plus classiquement, certains empruntent des citations d’autrui:

François Druel: pour Steve Jobs, c’est l’usage qui fait un design réussi. Clément Gault: “le design c’est de la tarte tatin” Ce n’est pas de moi…

On peut objecter que l’ensemble manque de cohérence mais je ne pense pas que le but initial soit de chercher une quelconque vérité mais davantage une photographie des multiples considérations regroupées par le mot “design”. Toutefois, cette initiative m’a rappelé celle du webdesigner Chris Coyier qui avait lancé il y a quelques mois la plateforme Quotes on design. Le principe est de soumettre des citations sur le design, validées ou non par la suite. Cela donne aussi un mélange plutôt hétéroclite. Au passage, il est assez amusant de voir que les personnes les plus citées sont Albert Einstein, Pablo Picasso, Steve Jobs, Don Norman ou Charles Eames. Dans l’ordre ça donne un chercheur, un artiste, un entrepreneur, un psychologue et… un designer. Notre Starck national n’apparaît qu’une seule fois, et ce malgré ses nombreuses sorties grossièrement provocatrices. Comme quoi, il n’est pas si célèbre que ça… Ce qu’on y apprend surtout, et ce qui n’est pas très surprenant, c’est que le design revêt dans le monde anglosaxon une signification plutôt large, voire peut-être trop large. Bien sûr, il convient de ne pas traduire design par design mais plutôt par conception. Néanmoins, la liste sous-entend que le terme anglais de design regroupe un ensemble de domaines très varié, tellement variés qu’on peut se demander si leur point commun supposé n’est pas un peu léger pour justifier de les regrouper sous le mot design. À lire cette collection de citations, j’ai davantage l’impression que le mot design est un mot magique très pratique permettant de regrouper des personnalités selon leur propos. Quel point commun aurait Mike Tyson, Adolf Hitler et Maître Yoda ? Mike Tyson nous parle d’un combat de boxe et je témoigne que la boxe n’a pas grand chose à voir avec le design. Adolf Hiler parle lui de peinture et de stérilisation. Quant à Yoda, il nous sort un aphorisme dont lui seul a le secret. Au milieu de ça, on trouve néanmoins des propos m’apparaissant comme pertinents, et parfois par des personnes toutes aussi surprenantes (Michelle Obama par exemple). J’avais soumis une citation d’un ami designer qui m’a expliqué un jour à juste titre, et avec une pointe d’ironie, que le design était parfois de la matière fécale emballée dans du papier cadeau. J’ai dit à juste titre puisque le design est trop souvent considéré encore de nos jours comme du maquillage où le designer arrive en fin de projet pour habiller l’ensemble de manière purement cosmétique. Malheureusement ma proposition n’a pas été retenue. Il est vrai que mon ami n’est pas connu, car voilà le fait principal que j’ai retenu de cette initiative: selon Chris Coyier, pour parler du design il faut être célèbre.

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Gabriele Pezzini

CULTURE PHYSIQUE

“Qui écoute, oublie. Qui regarde, se rappelle. Qui fait, maîtrise”. À l’instar de l’adage de Bruno Munari, il ne confronte l’objet que s’il fait sens et affronte les étapes pour mieux les dépasser. Radical, conceptuel, Gabriele Pezzini n’apprécie ni le bluff ni le style. Son design opère à la manière d’un uppercut : direct, parfaitement placé, longuement réfléchi. De l’exposition-manifeste Che Fare signée à quatre mains avec Enzo Mari au Yacht XXL conçu pour Hermès et Wally, ses recherches fondent les bases de sa logique. Intransigeante et lucide.

Simplicité, Gestualité

Il rêve de voir le design enseigné dès l’école primaire. Pour apprendre à décrypter la matière, à appréhender l’objet, sa valeur, sa fonction. Il vitupère, s’emporte, sans jamais cesser de se battre contre le système pré-établi des réseaux. Volubile, passionné, il ne se lance jamais au hasard. Chercheur d’exigence, penseur invétéré dévoué à la compréhension de l’objet, Gabriele Pezzini s’adonne aux confins de la recherche et de la production industrielle pour atteindre l’évidence, domestiquant la technique au service de la pensée. Né en Belgique en 1963, italien d’adoption, il reconnaît au postulat de départ son obsession pour l’infaillible. “Avec un père mineur, une mère brodeuse, je me souviens d’avoir été témoin depuis l’enfance de la recherche de perfection”. Sans dieu ni maître, il a commencé à regarder le travail des autres après s’être formé. “Contrairement à la mouvance italienne, je ne suis pas le petit-fils d’Enzo Mari. Je me suis construit sans aucune référence. Notre seul point commun vient de notre rigueur, de notre puissance à réfléchir et à penser, ce qui dépasse l’action de l’objet, résultat du conditionnement social, des écarts d’âge, d’une attitude et d’une culture différentes”.

Légende

“Sunny Day Bench”. Un banc monoplace réalisé pour l’exposition “Open your mind” et édité par Union Corporation (2006).

“Walking Carpet”, un tapis très graphique redessinant le “Huit” d’un circuit automobile. Nice Compagny (2001).

“Moving”, un tabouret en polyéthylène, Maxdesign (2003) présenté à l’occasion de l’exposition Che Fare.

“Orion”, une valise cabine à roulettes en aluminium renforcé de fibre de carbone et finition cuir pour Hermès (2009).

“Water Pot”, un mélangeur équipé d’un logement pour brosse à dents, en acier inoxydable. DRK Group (2001).

L’hélicoptère Hermès, un partenariat avec Eurocopter.

Ci-dessus, un extrait du portrait consacré à Gabriele Pezzini dans le numéro 147 (Mars-Avril 2010) du magazine Intramuros (texte par Yann Siliec).

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Chaise en béton par Hun-Chung Lee, 2010

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Banc en céramique et béton par Hun-Chung Lee, 2009

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"Afterimage 08-263", chaise longue en fibre de carbone et granite noir par Byung-Hoon Choi, 2008

La Revue du Design — Wed, 17 Mar 2010 22:23:32 +0000

"Afterimage 08-282", chaise longue en fibre de carbone et granite noir par Byung-Hoon Choi, 2008

La Revue du Design — Wed, 17 Mar 2010 22:23:58 +0000

Portrait Gabriele Pezzini: Culture Physique

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 01:00:55 +0000

En partenariat avec le magazine Intramuros. "Qui écoute, oublie. Qui regarde, se rappelle'. Qui fait, maîtrise. À l’instar de l’adage de Bruno Munari, il ne confronte l’objet que s’il fait sens et affronte les étapes pour mieux les dépasser. Radical, conceptuel, Gabriele Pezzini n’apprécie ni le bluff ni le style. Son design opère à la manière d’un uppercut : direct, parfaitement placé, longuement réfléchi. De l’exposition-manifeste Che Fare signée à quatre mains avec Enzo Mari au Yacht XXL conçu pour Hermès et Wally, ses recherches fondent les bases de sa logique. Intransigeante et lucide." "Simplicité, Gestualité Il rêve de voir le design enseigné dès l’école primaire. Pour apprendre à décrypter la matière, à appréhender l’objet, sa valeur, sa fonction. Il vitupère, s’emporte, sans jamais cesser de se battre contre le système pré-établi des réseaux. Volubile, passionné, il ne se lance jamais au hasard. Chercheur d’exigence, penseur invétéré dévoué à la compréhension de l’objet, Gabriele Pezzini s’adonne aux confins de la recherche et de la production industrielle pour atteindre l’évidence, domestiquant la technique au service de la pensée. Né en Belgique en 1963, italien d’adoption, il reconnaît au postulat de départ son obsession pour l’infaillible. "Avec un père mineur, une mère brodeuse, je me souviens d’avoir été témoin depuis l’enfance de la recherche de perfection". Sans dieu ni maître, il a commencé à regarder le travail des autres après s’être formé. "Contrairement à la mouvance italienne, je ne suis pas le petit-fils d’Enzo Mari. Je me suis construit sans aucune référence. Notre seul point commun vient de notre rigueur, de notre puissance à réfléchir et à penser, ce qui dépasse l’action de l’objet, résultat du conditionnement social, des écarts d’âge, d’une attitude et d’une culture différentes"." Ci-dessus, un extrait du portrait consacré à Gabriele Pezzini dans le numéro 147 (Mars-Avril 2010) du magazine Intramuros (texte par Yann Siliec). Quelques projets de Gabriele Pezzini: "Sunny Day Bench". Un banc monoplace réalisé pour l’exposition "Open your mind" et édité par Union Corporation (2006): "Walking Carpet", un tapis très graphique redessinant le "Huit" d’un circuit automobile. Nice Compagny (2001): "Moving", un tabouret en polyéthylène, Maxdesign (2003) présenté à l’occasion de l’exposition "Che Fare": "Orion", une valise cabine à roulettes en aluminium renforcé de fibre de carbone et finition cuir pour Hermès (2009): "Water Pot", un mélangeur équipé d’un logement pour brosse à dents, en acier inoxydable. DRK Group (2001): L’hélicoptère Hermès, un partenariat avec Eurocopter: Cet article est disponible en intégralité dans le n°147 d’Intramuros, dont voici la couverture:

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 09:01:02 +0000

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 09:01:31 +0000

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 09:01:54 +0000

The Hand of The Designer

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 16:57:39 +0000

Croquis de Ronan et Erwan Bouroullec à gauche, et de Massimiliano et Doriana Fuksas à droite.

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 16:58:06 +0000

The Hand of The Designer

La Revue du Design — Thu, 18 Mar 2010 16:58:28 +0000

Grip

La Revue du Design — Fri, 19 Mar 2010 01:00:18 +0000

Le designer italien Marco Dessi a créé une collection de verres et carafes pour la marque autrichienne Lobmeyr. Intitulée Grip, elle est caractérisée par des formes aux courbes douces, marquées en leur base par un ensemble de fines incisions. La marque Lobmeyr est notamment connue pour éditer des pièces de designers importants du XXe siècle, tels Josef Hoffmann et Adolf Loos. Source: dezeen.com.

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Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sun, 21 Mar 2010 17:19:03 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: 1/ Wood par Fredrik Mattson (via blog.reflexdeco.fr). 2/ Chaise Joko par Bartoli Studio (via muuuz.com). 3/ Bamboo by Yu Nomura (via dailyicon.net). 4/ Collection Steiner 2010 par Victor Boëda (via deco-design.biz). 5/ Cycloc (via stilsucht.de). 6/ Honda 3R-C Concept (via fubiz.net). 7/ Seoul Prize for the Medusa Lamp (via designophy.com). 8/ Bloom light by Patrick Jouin (via mocoloco.com). 9/ Garden Gun 5.1 (via stilsucht.de). 10/ Papo par Martin Schmid (via muuuz.com). 11/ Flatpack Heater by DBA (via mocoloco.com). 12/ Curve Frame Sofa Set (via design-milk.com). 13/ CityCar electric automobile (via cities.media.mit.edu). 14/ Rétrospective Greta Magnusson Grossman (via blog.reflexdeco.fr). A visionner: 15/ Une vidéo de Ron Arad réalisée à l'occasion de son exposition à la galerie Barbican de Londres, dans laquelle il dévoile son intérêt profond pour le mouvement ("It would be nice if a lot of things were moving") et comment il conçoit cet aspect comme une clé de son exposition. (via dezeen.com). A lire: 16/ "Quand l’architecture et le design se rencontrent", un article qui s'interroge sur les frontières des deux disciplines, et notamment sur les comportements de certains industriels qui décident de faire appel à des "starchitectes" pour créer des objets (via maisonapart.com). 17/ "Chirurgie plastique et design !!", un court article de Sébastien Canu qui s'interroge jusqu'où peut aller le "design de personne" ou le "corps packaging" (via admirabledesign.com). 18/ "Art and Courage In Future Furniture Design", un texte de Mads Nygaard Folkmann relatant le projet "Kreativitet og innovation møbelbranche i den danske" (créativité et l'innovation dans l'industrie de meubles danois), soutenu par le Centre danois pour la recherche en design (via dcdr.dk). 19/ "Why authenticity makes a difference", deux exemples d'objets "signés", justifiant un prix qui explose (viadavidreport.com). 20/ Et pour finir, "On Authenticity", un excellent article de Steve Portigal et Stokes Jones sur ce même concept "d'authenticité" (via interactions.acm.org).

La Revue du Design — Sun, 21 Mar 2010 17:51:23 +0000

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La Revue du Design — Mon, 22 Mar 2010 08:03:56 +0000

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Belux Arba 059

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Nest Chair

La Revue du Design — Tue, 23 Mar 2010 01:00:38 +0000

Inspirée par un nid d’oiseau, rappelant également par bien des aspects – homogénéité des lamelles entremêlées, couleur… - un petit paquet de tagliatelles avant cuisson, la Nest Chair est la dernière création de la jeune créatrice danoise Nina Bruun. Cherchant à proposer un chaos visuel possédant cependant une unité forte ("graphical chaos which still felt like a unified whole"), la designer a ainsi déployé autour d’une structure centrale composée d’une assise et de quatre pieds, assurant la stabilité à l’ensemble, un réseau de bandes de bouleau d’épaisseurs légèrement différentes. Seule un coussin brun chocolat, sans fioritures, vient rompre s’insérer au milieu des lamelles, apportant le confort nécessaire. Là encore, l’analogie avec le nid ("nest") est présente : c’est au centre que l’on est le mieux installé. Source : ninabruun.com.

Contemporary Korean Design

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 01:00:42 +0000

La R Gallery de New York accueille, jusqu'au 15 mai prochain, une exposition sur le design coréen contemporain. Celle-ci dévoile un ensemble de pièces de tailles différentes, allant de la céramique au mobilier, et explorant d’une grande diversité de matériaux. L’occasion de découvrir une autre approche du design, oscillant entre tradition et modernité. Quelques images: Cette exposition est réalisée en collaboration avec la galerie Seomi de Séoul. Source : r20thcentury.com.

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 10:39:07 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 10:39:35 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 10:40:01 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 10:40:24 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 10:40:41 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 13:54:51 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 13:55:18 +0000

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 13:55:45 +0000

Rain Man

La Revue du Design — Wed, 24 Mar 2010 13:59:16 +0000

Conçue par Matilda Ringner pour le suédois Glasswork Skruf, la carafe Rain Man propose deux manières de verser: une "classique" utilisant le trou situé sur le haut de l'objet, et une autre sous forme de "pluie" plus fine. Source: matildaringner.se.

La caricature du designer en action

La Revue du Design — Thu, 25 Mar 2010 01:00:52 +0000

Par Clément Gault. Dans une entreprise, la photocopieuse est semble-t-il un endroit particulièrement stratégique. Mon bureau étant juste à côté de la dite machine, je fais parfois d’agréables surprises sur ce que impriment mes collègues. Dernièrement, un collègue à laisser traîner une photocopie tirée d’un ouvrage. L’illustration a tout de suite attiré mon regard... Cette illustration était accompagnée d’une légende (originellement en anglais):

Les compromis de conception (”design” dans le texte). Le designer, en haut à gauche, veut une chaise unique, sophistiquée, qui la différencierait de toutes les autres - un fauteuil de signature. Le comité de la santé et de la sécurité exige que les mains, les pieds et la tête soient positionnés pour prévenir les blessures. Le basculement est interdit. Les ingénieurs fournissent une conception (”design” dans le texte) solide, robuste et pratique. Le marketing mène des focus groupe et revient avec une liste de caractéristiques: réglages, accessoires et porte-gobelet. La fabrication veut des matériaux simples, coupés avec des outils simples, assemblés avec des chevilles et de la colle. Quant aux clients, ils veulent une simple et confortable chaise à bascule, comme en bas à droite. (Dessin original de Brian Hall [...])

Ce dessin m’a vraiment troublé (et fait sourire aussi) puisque j’ai réellement eu l’impression qu’il était tiré d’un livre des années 60 alors qu’en fait il date de 1997 et se trouve édité dans un livre de 1998 écrit par la célèbre Don Norman: The Invisible Computer. Si les caricatures ont parfois la vertu de simplifier une situation afin de mieux la comprendre, je reste ici dubitatif. Le travail du designer est tourné vers la forme et l’usage d’un futur produit, (il n’est pas tout seul bien sûr pour cette tâche), mais ici le dessin montre que le fauteuil du designer est le plus éloigné de ce que veut le consommateur. Le designer est présenté par le dessin et sa légende à travers la figure caricaturale oscillant entre l’artisan et l’artiste, une figure qui ne travaille pas généralement de manière intégrée à une entreprise. Car en réalité il s’agit de ça! La suite du chapitre traite justement de l’organisation des différents métiers dans un projet au sein d’une entreprise. On suppose que le designer dont parle l’auteur est plus un designer industriel intégré. A ce sujet, Don Norman apporte une analyse dans la suite du chapitre qui me parait tout à fait juste:

The traditional sequence of product design is technology-driven. Marketing provides a list of essential features: the engineers state what neat new technical tricks and tools they are ready to deploy. The engineers build the device, putting as many new technologies to work as they can within their allotted time and budget, squabbling with marketing along the way over which of those features really matter and which don’t. Then after all is finished and the product ready to ship, call in the technical writers to explain it to the customers. Call in the graphics and industrial designers to make it look pretty. Call in the user interface experts to make it usable. Guess what: this process doesn’t work.

L’auteur donne par la suite un conseil tout à fait d’actualité (alors que le bouquin date pourtant de 1998):

I suggested that development start with the study of the true needs of customers determined through observation and structured interaction. Start with observations using psychologists and anthropologists, skilled social scientists who know how to observe and learn without disturbing the phenomena they are there to record. Analyze what has been observed. Do quick tests of design concepts. Do rough, quick mockups and try them out in the context of the customer’s location, be it home, office, school or athletic field. Try different industrial designs. Try different interaction models. Then write a simple manual. Test as you go along on different populations, all representative of the target customer. Then, and only then, start with the technological factors and the design details. [...] The proper way to get an acceptable product is through a cooperative process with all the concerned parties participating at every step of the way.

La caricature utilisée dans le dessin n’est pas infondée, loin de là! En revanche, elle semble ne pas être sur le bon terrain. Il existe des nombreuses caricatures de designers je pense, mais c’est étonnant de voir qu’une soit autant dominante vis-à-vis des autres. Cet article est également paru sur le blog Design et Recherche.

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Kink Floor Lamp, 2010 Tubular steel, pine wood, plastic shade 179x60x231 cm Limited edition of 5 pieces + 1AP Courtesy of HELMRINDERKNECHT contemporary design, Berlin

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Small chair hiroshima

La Revue du Design — Fri, 26 Mar 2010 01:00:53 +0000

La société japonaise Maruni a récemment ajouté à sa collection Hiroshima quelques pièces dessinées par Naoto Fukasawa. Des modèles de simplicité mâtinés d'influences scandinaves, dans leur manière de travailler le bois en courbe et en finesse. Source: designboom.com.

Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 27 Mar 2010 01:00:56 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: 1/ Esker Bench (via design-milk.com). 2/ Eerang Park: bloom chair (via designboom.com). 3/ 1948 Buick Streamliner by Norman E. Timbs 6 (via thecoolist.com). 4/ Funktionale Baschädigung (via abitare.it). 5/ Cloud Softlight par Molo Design (via muuuz.com). 6/ Baba: Grandmother's warm hug (via madameherve.typepad.com). 7/ Recession design: DIY design (via madameherve.typepad.com). 8/ Drop par Giulio Iacchetti (via muuuz.com). 9/ Ciclotte (via abitare.it). 10/ Milan Design Week 2010 Preview: Design Academy Eindhoven (via core77.com). A lire: 11/ "Design communautaire, bonne idée ou pas…", un article paru sur le site blog.use-design.com et relatant une récente initiative de Nokia, consistant à proposer à la communauté web de concevoir son téléphone portable "idéal". En quelques points bien vus, l’auteur de l’article pointe les limites d’une telle approche, montrant notamment que "La notion d’’avis personnel’ est elle-même problématique, car les gens ne savent pas toujours ce qu’ils veulent, parfois ils ne savent pas l’exprimer, parfois les designers ne savent pas écouter, parfois l’observation (et la prise de recul) montre que l’expression de leurs besoins est déconnectée de leurs réels besoins" (via blog.use-design.com). 12/ "Can Design Save Management?", un article de Youngjin Yoo de la Temple University, qui décrit comment le "design thinking" s’est peu à peu imposé dans l’entreprise comme un modèle de gestion possible, qui en pointe quelques atouts mais aussi des limites certaines, notamment celle de peut-être permettre d’éviter de se poser des questions plus profondes et peut-être plus dérangeantes concernant l’évolution d’un capitalisme devenu financier. "Just as management was for the sake of management during the managerial capitalism, and finance was for the sake of finance during the financial capitalism, we may see the creativity for the sake of creativity in this new form of design capitalism. If that happens, instead of finding its panacea, management might have discovered the most powerful painkiller it has ever found. And, alas, that is design." (via experientia.com et youngjinyoo.com).

Vue watch

La Revue du Design — Mon, 29 Mar 2010 01:00:47 +0000

Comme pour mieux signifier l'évanescence du temps qui passe ou qui arrive, la montre Vue watch développée par Yves Behar pour Issey Miyake Watches dévoile les heures les unes après les autres. Une vidéo de présentation est visible sur le site fuseproject.com. "The mindset of VUE, our new watch with Issey Miyake, is to experience the mystery of time hour by hour: VUE is a way to feel time’s appearance and disappearance in our lives. By seeing only the current hour, while the last hour representing the past and the next one representing the future subtly fade in and out, we can live a new view (VUE) of time." (Yves Behar, Fuseproject). Source: fuseproject.com.

Watch3

La Revue du Design — Tue, 30 Mar 2010 01:00:04 +0000

Autre montre, autre manière de traiter la transparence. Pour la marque suisse Pierre Junod, connue pour ses modèles dessinés par des designers ou architectes célèbres (Mario Botta, Shigeru Uchida, Richard Meier...), le designer suisse Steven Goetz vient de concevoir sa Watch3. Les numéros sont imprimés en blanc sur la face intérieure de la glace saphir. Le fond étant blanc, ils ne se révèlent que quand l'épaisse aiguille des heures vient à leur niveau. La nuit, le principe s'inverse, et la surface phosphorescente rend visibles les chiffres des heures en ombre chinoise. Source: designboom.com.

The Hand of the Designer (a-t-elle réellement touché un carnet Moleskine?)

La Revue du Design — Wed, 31 Mar 2010 01:00:03 +0000

Par Alexandre Cocco. Moleskine, fabriquant reconnu de carnets de croquis, vient de lancer un ouvrage contenant 462 reproductions de dessins réalisés par une centaine de designers internationaux, parmi lesquels les frères Bouroullec, Alessandro Mendini, Michael Graves, Hella Jongerius ou encore Karim Rashid. Une manière d’apporter un regard intime sur le processus de conception des créateurs, mais également de célébrer le travail "à la main" à une époque où les outils de conception assistée par ordinateur se sont généralisés. Une façon aussi, pour la marque, de continuer à construire son mythe de "carnet de croquis préféré des créateurs". L’ouvrage possède l’allure générale d’un Moleskine "traditionnel": reliure arrondie, bande élastique, marque-page… Proposé au format A4, avec une couverture blanche (ce qui pour le coup le différencie du reste de la gamme), il est livré avec un autre carnet, comportant moins de pages, ce dernier étant vierge (à remplir soi-même donc). La démarche est évidemment intéressante: entrer dans l’intimité créative des designers, visualiser la manière dont leurs idées apparaissent, s’incarnent ou évoluent au travers de leurs représentations. Elle s’inscrit d’ailleurs dans un intérêt tout récent pour le dessin, dont on semble presque "redécouvrir" l’existence ou l’importance (le Musée des Arts décoratifs de Paris organisait ainsi, il y a quelques mois, une exposition intitulée "Dessiner le design", dont le propos était sensiblement le même). Mais en élargissant notre point de vue, nous pouvons également nous interroger sur l’intérêt économique d’une telle démarche de la part de Moleskine, dont nous avions montré, dans un précédent article intitulé "Le carnet Moleskine : la création d’un mythe", à quel point la marque avait intelligemment réussit à se construire un mythe de "carnet de croquis des créateurs" (alors qu’il est avéré que ni Picasso, ni Hemingway, pourtant habituellement cités, n’en utilisaient). Dans un télescopage assez inattendu, dans lequel un producteur de contenants devient éditeur de contenus, on voit ainsi se dresser les contours d’un design instrumentalisé à des fins communicationnelles. Et peu importe que personne ne sache, au final, si les designers dont sont reproduits les tracés ont effectivement utilisé ces carnets, car tout joue comme si le fait présenter, dans un Moleskine, des croquis de créateurs connus donnait a posteriori une idée précise de sa possible utilisation. Instrumentalisation, vous avez dit? Vous pouvez visualiser une partie des croquis réalisés par les designers sur le site moleskine.com. ----- The hand of the designer 362 pages, 450 illustrations en couleur. Vendu avec un carnet de croquis vierge de 196 pages. 59 euros. Le lancement officiel sera accompagné d’une exposition spéciale mettant en vedette tous les croquis originaux, organisé à la Villa Necchi Campiglio au cours du prochain salon du meuble de Milan (du 14 au 19 avril prochain). Les croquis seront ensuite vendus aux enchères par Sotheby's à Milan. "The hand of the designer" fait suite à la parution par Moleskine de l’ouvrage "The hand of the architect", publié en 2009 et qui en est déjà à sa quatrième édition.

Arba

La Revue du Design — Thu, 01 Apr 2010 01:00:50 +0000

Dessiné par Matteo Thun pour la marque belge Belux, la série de luminaires Arba est (presque) entièrement réalisée en érable provenant de forêts gérées durablement. Le piètement du lampadaire et de la lampe de table se compose de cinq baguettes dont l'assemblage en torsion assure stabilité et solidité. L’abat-jour est quant à lui constitué d'une fine épaisseur d'érable, et d'un diffuseur en PMMA. Laissé naturel, le bois foncera et se grisera légèrement au fil des ans. Source: matteothun.com.

Le Bouc

La Revue du Design — Fri, 02 Apr 2010 01:00:41 +0000

Le Bouc est un petit meuble fonctionnel, destiné à ranger ou supporter des livres (d'où son nom, "bouc", en analogie à "book"). Il est né de la collaboration entre le designer Mathieu Gabiot et une agence de graphisme spécialisée dans le secteur éditorial. Entre mini-bibliothèque et table de chevet, il permet de placer un livre dans différentes positions: rangé sur le coté, ouvert à une page donnée sur le dessus... "Le Bouc aime les livres. Il les porte, ouverts ou fermés, les tient à votre disposition, au bureau, au salon, au jardin." Edité par Speculoosbook et fabriqué en Belgique, Le Bouc est disponible à la vente depuis octobre 2009. Source: mathieu-g.be.

Design à voir, lire ou écouter

La Revue du Design — Sat, 03 Apr 2010 01:00:36 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: 1/ Olithas: Studo Efra's Concrete Furniture (via core77.com). 2/ Ettore Sottsass bodum kettle (via designboom.com). 3/ Bufa Chair from MOWOstudio (via design-milk.com). 4/ Matteo Cibic's The Girasole Light series (via notcot.org). 5/ Signature Erosion Sink par Gore Design (via blog.reflexdeco.fr). 6/ Folks, from Matthew Bradshaw (via industrialdesignserved.com). 7/ This Just Inbox: Little Time, a clock with magnifiers for hands (via core77.com). 8/ The Invisibles by Tokujin Yoshioka for Kartell (via dezeen.com). 9/ Magis at Milan furniture fair 2010 (via designboom.com). 10/ Concret chair and bench by Tejo Remy & René Veenhuizen (via mocoloco.com). A visionner: 11/ Capsule Hotel - 9 Hours (via leblog.wcie.fr). A lire: 12/ "Time to Rethink Design". Plus qu’un simple article, ce dossier/magazine réalisé par David Carlson et Brent Richards propose, en une vingtaine de pages largement illustré de faire un point sur le rôle, les travers et les contradictions du design aujourd’hui. Critique par bien des aspects, il en appelle à une reconfiguration de l’ADN du design ("Designs’ DNA needs to be reconfigured") et en appelle, sous la forme d’interrogations et de pistes lancées à l’attention de la communauté "design", à de nouvelles possibilités d’exercer la discipline. A lire absolument… "Let’s face it; design is now a major source of pollution, as process and a phenomenon, design has degenerated into a state of aesthetic proliferation that has reached accumulative and destructive levels, in terms of loss of meaning, value, and identity." (via davidreport.com). 13/ "Why @ Is Held in Such High Design Esteem", un article de la critique Alice Rawsthorn revenant sur la décision récente du MoMA de faire entrer dans ses collections permanentes le symbole @. "You may be wondering why a keyboard symbol should be lauded as a design coup. It’s a reasonable question, and the answer tells us a great deal about how design and our expectations of it are changing." (via nytimes.com).

Clip

La Revue du Design — Mon, 05 Apr 2010 01:00:27 +0000

Clip est un système de la tables empilables dédié aux lieux publics: bureaux, salles de réunion, auditoriums... Conçu par Komplot Design pour Fora Form, il se caractérise par une forme simple juste marquée par un décentrement de deux des quatre pieds, permettant une juxtaposition cote à cote de différentes tables dans un chevauchement discret mais étonnant. Le système se décline en différentes tailles et formats. Les plateaux sont en laminé, et les pieds en acier chromé. Source: foraform.no.

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 09:50:14 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 09:50:40 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 09:50:58 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 09:51:16 +0000

Spock

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 09:52:32 +0000

Les lignes simples et épurées de la Spock light ne laissent en rien présager de sa richesse d'utilisation. Utilisable en applique ou en plafonnier, multi-orientable, ce luminaire est composé de 16 leds montées en cercle sur un réflecteur miroir qui permet une meilleure diffusion de la lumière. Imaginé par Couvreur et Devos, Spock est édité par Modular Lighting Instruments. Il est disponible en couleur chaude (3000°K) ou plus neutre (4000°K). Sa partie centrale peut subir une rotation de 159°, permettant différentes modulations et directions de l'éclairage. Source: designlines.de.

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:08:24 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:08:56 +0000

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La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:09:43 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:10:10 +0000

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:10:28 +0000

Addiction

La Revue du Design — Tue, 06 Apr 2010 23:12:06 +0000

"Addiction" est le nom donné à une collection de miroirs décoratifs édités par Robba Edition, et imaginés par une dizaine de designers français parmi lesquels Christian Ghion, Arik Levy, Jean-Marie Massaud, Philippe di Meo, Noé Duchaufour Lawrence ou encore Patrick Norguet. Démultipliant les vues, fragmentant les reflets, ces miroirs se jouent de notre perception, structurent ou polarisent le vide qui les entoure. Réalisés en verre acrylique miroir découpé numériquement, ils se fixent à l'aide de pastilles velcro double face. Source: addictioncollection.com.

La Revue du Design — Wed, 07 Apr 2010 17:13:28 +0000

La Revue du Design — Wed, 07 Apr 2010 17:13:53 +0000

La Revue du Design — Wed, 07 Apr 2010 17:14:14 +0000

Wire Chair

La Revue du Design — Wed, 07 Apr 2010 17:15:46 +0000

La Wire-chair est une évolution de la Cord Chair, qui avait été présentée par le designer japonais Nendo l'an dernier. Réalisée en tiges d'acier de 12mm de diamètre, laquée blanc ou noir, elle possède une silhouette fine et élancée, faussement discrète et minimaliste. La Wire-chair sera présentée la semaine prochaine, lors de l'exposition des travaux de Nendo intitulée Chair garden, et présentée à la galerie Antonia Jannone.

La Revue du Design — Thu, 08 Apr 2010 09:18:23 +0000

La Revue du Design — Thu, 08 Apr 2010 09:18:47 +0000

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© Oscar Zieta

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Wearable lettering

La Revue du Design — Thu, 08 Apr 2010 19:00:22 +0000

Le projet Wearable lettering, conçu par la photographe et designer graphique Amandine Alessandra, se propose d'utiliser le corps comme moyen d'expression typographique. Les méandres du corps et ses différentes positions dessinent ainsi les caractères, ceux-ci possédant, dans une analogie presque perturbante aux typographies plus "traditionnelles", leurs pleins ou leurs déliés, leurs empâtements... En développant ce projet, la designer fait également un écho à d'autres utilisations du corps comme support d'information, à vocation commerciales notamment. "The use of people’s body as a display medium in exchange for money has been a fairly common vision in the streets of London for almost two hundred years. One of the only work prospects for non-English speakers involves standing on a busy street while holding printed advertising at the end of a stick or wearing it on boards around their neck, a position known as human billboard). Using the human body as a message display facility is a way of evading a tax on advertising by making it mobile, but also by using the humanity of the subject and its “freedom of speech” as a legal argument. The flexibility of this casual form of communication, combined with the performative potential of togetherness, provided the right components to start thinking of a malleable letterform expressing an ephemeral message." Source: amandinealessandra.com.

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Design à voir, lire ou écouter...

La Revue du Design — Sat, 10 Apr 2010 01:00:50 +0000

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter... et à découvrir ici. A voir: 1/ Scholten & Baijings (via design-milk.com). 2/ Bentspace (via suckerpunchdaily.com). 3/ Sack Sofa by Marc Sadler (via mocoloco.com). 4/ Memory by Tokujin Yoshioka for Moroso (via dezeen.com). 5/ Clinker Table By Rich Brilliant Willing (via designyearbook.blogspot.com). 6/ aTable by Beatus Kopp (via dezeen.com). 7/ Eco Paper Party Plates: Disposable Dinnerware Goes Green? (via dornob.com). 8/ Iceland Design March 2010: Jon Bjornsson's volcanic sand products (via core77.com). 9/ Milan Preview: Pipeknot by Keiji Ashizawa (via dailytonic.com). 10/ Apaya par Aqua Creations (via blog.reflexdeco.fr) 11/ Pleats par USIN-e (via blog.reflexdeco.fr). 12/ Splash par Christian Ghion (via muuuz.com). 13/ Studio sjoerd jonkers: neolastic vases (via designboom.com). 14/ iPhone Desk Phone (via swiss-miss.com). 15/ Milan Preview: Moustache to launch new collection (via dailytonic.com). 16/ 36 Pencil Bowl (via stilsucht.de). 17/ Works by Hans Hemmert (via spaceinvading.com). 18/ MOA basket series by Eva Marguerre and Marcel Besau (via dailytonic.com). 19/ Enzo Mari for Artek (via designboom.com). 20/ Sunbeam Designer Series Glass Kettle (via yankodesign.com). 21/ Milan Preview: Wogg50 chair by Jörg Boner (via dailytonic.com). 22/ Oyes Chair par Hofman Dujardin (via muuuz.com). A visionner: 23/ Une interview de Marcel Wanders par la designer et artiste Amy Devers (via marcelwanders.com). 24/ Une vidéo dans laquelle Alfredo Häberli parle de sa collaboration avec Fredericia Furniture (via dagensdesign.dk). 25/ "Notes on Improvisation and Design" (via swiss-miss.com). 26/ "I’m not an artist: an animated Gif paranoia about nonstop design workers", une animation créée par l’agence de communication espagnole Soon in Tokyo à la demande de l’ELISAVA, Ecole Supérieure de Design de Barcelone (découvert sur sleekdesign.fr). A lire: 27/ "Teach Design: The Importance of Failure", un article de Rob Stokes sur l'importance des tatonnements et des erreurs dans le projet de design, nécessaire à son évolution (via good.is). 28/ "Forget Ikea: le meuble en kit, c’est chic", un article d'Elodie Palasse (via sleekdesign.fr). 29/ "Design Blogs: The Vacuum of Enthusiasm", un intéressant article d'Alexandra Lange sur la médiatisation du design et de l'architecture au travers de blogs, et les modifications de compréhension que cela entraine (via designobserver.com). 30/ "Natural User Interfaces Are Not Natural", un article de Don Norman sur les nouvelles interfaces utilisateurs, notamment informatiques, mettant en avant une approche et une ergonomie décrite comme étant "naturelle", c'est à dire se basant sur des gestes simples (via jnd.org).

Obsession Series

La Revue du Design — Mon, 12 Apr 2010 01:00:15 +0000

La série Obsession, du designer Kwangho Lee, se veut être une exploration de matériaux "pauvres". Des tubes de PVC souple tressés génèrent ainsi une accumulation dans laquelle se dessinent des meubles et autres éléments fonctionnels. Kwangho Lee situe l'origine de cette envie de poésie primaire, qui peut se dégager de matériaux simples, dans son enfance, qu'il a passée à la campagne à multiplier les petites constructions faites d'éléments divers. "I was raised up in the far country side in my early childhood and moved closer in the outskirt of the big city in a farmland. As I grew up in the farm, my habit of building and making things with my hands was very natural and I've become to earn for a greed-less life. These humble childhood experiences and memories have given, and are still giving, great influences in my hand-crafted works. I dream of producing my works like a farmer patiently waiting to harvest the rice in autumn after planting the seed in spring." Source: kwangholee.com.

Design Maters - Robert Brunner Stewart Emery

La Revue du Design — Mon, 12 Apr 2010 08:46:39 +0000

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La Revue du Design — Mon, 12 Apr 2010 12:13:34 +0000

Design d'expérience, un outil de valorisation des biens et services

La Revue du Design — Tue, 13 Apr 2010 01:00:00 +0000

Par Nicolas Minvielle et Jean-Paul Minvielle. En exclusivité, Nicolas et Jean-Paul Minvielle présentent aux lecteurs de La Revue du Design leur dernier ouvrage, intitulé "Design d'expérience, un outil de valorisation des biens et services" et publié aux éditions De Boeck. Celui-ci, structuré autour de nombreux exemples, démontre comment dans un monde saturé de marchandises équivalentes et concurrentes, la valeur se crée de plus en plus à partir du "sens" accordé aux éléments de consommation, et aux expériences qu’ils permettent de vivre. Il analyse également les multiples facteurs pouvant influencer les choix des individus et la manière le "design d’expérience" permet d’initier de dynamiques nouvelles de consommation. ----- Nous publions cette semaine chez De Boeck un ouvrage dans lequel nous analysons en détail les mécanismes de l’élaboration de nouveaux produits et services basés sur l’intégration d’une valeur immatérielle décisive : l’expérience. Cet ouvrage est parti du constat que, dans un monde gavé de produits et services, un monde dans lequel les besoins primaires sont presque tous assurés - tout au moins pour les populations nanties du Nord - la demande des consommateurs les plus aisés s’orientait désormais vers des consommations porteuses de plus de sens. Ce sens accordé à la consommation se décline bien évidemment différemment suivant les individus : sens éthique pour certains en consommant des biens ou services dits "solidaires" ou "équitables", sens de l’altruisme pour d’autres avec des modes de consommation dits "humanitaires", sens de la mise en scène de soi pour la plus grande partie d’entre eux avec la consommation de biens ou services considérés comme valorisants ou identitaires. Les points communs de ces quêtes de sens reposent sur un certain nombre de dimensions, émotionnelles et intellectuelles, qui résultent de la "lecture" particulière que chaque individu fait de sa propre consommation et par laquelle il définira son identité personnelle. Cette quête de sens peut être résumée dans le terme d’ "expérience", entendu au double sens du terme : un épisode de vie tout d’abord, une construction de soi ensuite. Un aspect particulièrement intéressant de l’expérience est que, ainsi que les auteurs le démontrent à travers de nombreux exemples, elle peut porter sur les aspects les plus triviaux de la consommation : achat d’un café ou d’une automobile, passer une nuit dans un hôtel ou faire un voyage organisé. La question qui se pose alors est celle des conditions de l’émergence de cette expérience, de cette transmutation d’un acte de consommation simple en expérience de vie. Nous avons donc tenté, de formuler à travers de nombreux exemples tirés de domaines divers, une analyse de ce qui fait la spécificité du design d’expérience. Tout d’abord en soulignant que celui-ci existe dans les faits, dans la réalité quasi quotidienne du travail de certains designers qui, consciemment ou pas, volontairement ou non, en construisent les bases, souvent sur des intuitions et des appréciations empiriques. C’est pour matérialiser ces intuitions et dépasser cet empirisme que nous avons démonté les constituants de l’expérience et identifié les mécanismes de leurs créations dans une optique opérationnelle. En effet, dans le contexte actuel de surabondance de l’offre de produits et de services concurrents aux caractéristiques objectives souvent très proches, il est clair que le design d’expérience sera appelé à jouer un rôle de plus en plus décisif dans la détermination de la valeur accordée aux "choses" offertes, et donc dans les choix des consommateurs. En créant de la valeur ajoutée subjective, le design d’expérience ouvre un domaine presque illimité d’innovation, de diversification, d’amélioration de l’offre et de captation de la demande. On l’aura compris, le terme de "design" que nous avons retenu ne s’applique pas uniquement à des objets matériels, mais aussi à des objets immatériels tels qu’un voyage par exemple ou bien la visite d’un magasin. La portée de l’analyse dépasse donc très largement le simple "dessin" esthétique d’objets physiques. Cette ouverture sur l’immatérialité de la création de valeur ajoutée apparaît encore plus déterminante dans le contexte d’une époque confrontée à la finitude de la planète et de ses ressources. On le sait, même si les pratiques ne suivent pas toujours, il est désormais devenu impératif pour la survie de l’humanité de passer à des modes de consommation plus sobres en ressources (matières premières, transports, usages des espaces, etc.). Certains lieux communs bien ancrés, confondant croissance et développement, considèrent que l’augmentation du bien-être, ambition à laquelle ne renonceront jamais les hommes, passe par l’augmentation infinie de leur consommation. A cette approche purement quantitative d’une recherche toute théorique du bien-être par l’accumulation des consommations, le design d’expérience ouvre des voies plus qualitatives, et beaucoup plus prometteuses, basées sur des émotions plus profondes. Il ouvre ainsi sur des perspectives d’évolutions dont les limites ne sont pas identifiables, uniquement bornées par l’imagination et la créativité des designers. Face à cet état de fait, le design d’expérience est entré dans un processus de construction conceptuelle, bien plus élaboré dans le monde anglo-saxon que dans la littérature francophone. Ce processus se greffe sur les avancées déjà réalisées dans les différents domaines de l’économie et du marketing expérientiel ainsi que de la psychologie sociale pour ne citer que les principaux. Pour autant, il ne s’y résume pas et possède sa propre identité, une identité à développer. Les enjeux sont en effet de taille, largement démontrés par l’évolution des pratiques actuelles. C’est pourquoi il est apparu indispensable de mieux cerner les contours de ce domaine en construction, d’en identifier les dimensions et d’en appréhender les mécanismes de construction dans une optique opérationnelle. Ce sont ces modalités de la transcription d’un dessein d’entreprise, à travers un design d’expérience, que cet ouvrage aborde en faisant appel à différentes disciplines (économie expérientielle, marketing expérientiel, psychologie sociale, anthropologie, ethnométhodologie, etc.) pour tenter de fournir un éclairage holistique sur un objet complexe et encore mal défini. Nicolas Minvielle et Jean-Paul Minvielle. Design d'expérience un outil de valorisation des biens et services, par Nicolas et Jean-Paul Minvielle, De Boeck éditions, 28 euros.

Et le design redeviendra poussière

La Revue du Design — Wed, 14 Apr 2010 00:00:33 +0000

Par Elodie Palasse. La designer norvégienne Kaja Solgaard est une tueuse qui nous veut du bien. Tout commence avec le massacre d'une inoffensive commode sauteuse de style Louis XV. On reconnaît immédiatement son ennuyeuse silhouette au tablier bedonnant, ornée de cuivres maniéristes, ses hautes pattes chichiteuses, sa façade ventrue flanquée de tiroirs dont la manipulation s'accompagne souvent d'une légère odeur de naphtaline. Notre victime est la soeur de celle qui trône ou traîne dans votre chambre, votre salon, comme un cheveu sur la soupe, depuis que vous en avez hérité. Valeur sentimentale et valeur commerciale sont autant d'arguments mis en avant pour assurer la sauvegarde du meuble, en dépit du caractère "hors contexte" de sa présence. Intervient alors Kaja Kristine Solgaard Dahl de son vrai nom, géniale criminelle: voilà la commode de style brutalement réduite en copeaux, ensuite compressés pour modeler la silhouette tout aussi familière de la petite table la plus vendue de l'histoire d'Ikea. "Quelque chose qui fut jadis exclusif et original a été transformé en l'un des meubles les plus abordables, massivement produits et plus vendus de notre siècle. Cette table, vous la retrouvez dans toutes les maisons. A travers notre processus de transformation, nous avons adapté un objet passé de mode, qui a perdu son sens, en un meuble qui répond à nos style de vie et intérieur contemporains." Qu'importent le résultat peu esthétique et l'illustration peu vendeuse, car la question soulevée est essentielle : celle de la valeur intrinsèque de l'objet, sous-tendue des sempiternelles notions de patrimoine, d'héritage, et de marché. Kaja Solgaard (en collaboration avec Eddi Törnberg, déjà remarqué avec son amusant projet de chaise-étagère) a appuyé ses recherches sur une base célèbre : celles de l'étonnant groupe de Bloomsbury. Le groupe d'artistes, réunis sous la houlette de l'écrivain Virginia Woolf, dont les peintres Duncan Grant et Vanessa Bell (soeur de Woolf), les auteurs E. M. Forster (Maurice, Chambre avec vue, La route des Indes) ou Vita Sackville-West, fut actif du début du 20e siècle jusqu'à la veille de la Seconde Guerre mondiale. Créée à leur initiative en 1917, la maison d'édition Hogarth Press comptait parmi ses auteurs Gertrude Stein, John Meynard Keynes ou Katherine Mansfield. Cependant, derrière la folie douce d'un mouvement pas si éphémère qu'Alberto Moravia le prédisait en 1930 (l’auteur avait “infiltré” le mouvement, pour les besoins d'un reportage), c'est un des fondamentaux du groupe, régulièrement oublié depuis, qui a fasciné Soljgaard et Törnberg: le manque de respect vis-à-vis de la supposée valeur des objets et la préciosité de l'héritage patrimonial. "Notre point de départ, c'est la façon que le groupe de Bloomsbury avait de modifier les objets", faisant effrontément fi de la valeur de l'objet, comme pour les fameux Omega workshops, "quand ils peignaient une cheminée de marbre ou par-dessus un tableau." "Nous avons voulu explorer la relation qu'entretenaient les membres du groupe de Bloomsbury avec les objets, dans leur environnement, leur façon de les élever au niveau supérieur, à l'étape suivante, sans aucun souci de respect." Le projet des deux designers est à considérer comme une invitation ouverte à la réflexion autour de la valeur de l'objet et de la question de l'héritage : comme on hérite un bien de générations précédentes, le design actuel a hérité de savoir-faire qui étaient eux-mêmes le résultat d'explorations, de tentatives, de choix. Si l'illustration physique du projet de Solgaard et Törnberg n'est pas forcément séduisante, au sens commercial du terme, elle a le mérite d'être accrocheuse, et l'intrigue bien menée. Source : beckmans.se. Journaliste indépendante (Connaissance des arts, L’Art aujourd’hui, L’Express…) et responsable éditoriale dans le secteur du livre illustré, Elodie Palasse est diplômée de Christie’s Education, école de la maison de ventes britannique, en Histoire & marché de l’art et en Arts décoratifs. Spécialisée en Histoire du design, elle a fondé le blog Sleek Design en 2009.

Muse

La Revue du Design — Thu, 15 Apr 2010 01:00:45 +0000

La lampe Muse, créée par le designer Sandro Santantonio pour l'éditeur italien Axo Light, a reçu il y a quelques temps un US Good Design Award 2009. Composée de tissu tendu sur une armature métallique, elle se décline en versions monochromes ou multicolores. Muse existe en lampe à suspendre (diamètre 80cm) ou en applique (diamètre 40, 60, 80 ou 120cm). Source: axolight.it.

Chippensteel Inox Steel

La Revue du Design — Fri, 16 Apr 2010 01:00:50 +0000

Conçue par Oscar Zieta, la chaise Chippensteel est entièrement réalisée en acier inox. Sa forme, "globuleuse", reprend l'esthétique et la technique de fabrication du tabouret Plopp, que le designer édite chez Hay. Cette chaise est visible dans le cadre de l'exposition METAL(s) qui se déroule à la ToolsGalerie jusqu'au 29 mai 2010. Une vidéo montrant la mise en forme du tabouret Plopp et la technique FIDU (free inner pressure deformation), est visible sur le site blech.arch.ethz.ch. Source: zieta.pl, karenaschuessler.com.

Drei Kisten

La Revue du Design — Mon, 19 Apr 2010 01:00:37 +0000

Ce meuble de Lutz Hüning se compose de trois parallélépipèdes d'égales dimensions, combinables ou superposables entre eux. Seule subtilité: l'ouverture se situe à chaque fois sur une face différente, induisant ainsi une variation dans la perception et dans l'usage des différents modules. La surface extérieure de chacune des caisses est laissée en contreplaqué brut, et l'intérieur est laqué. Source: lutzhuening.com.

Design Maters - How great design will make people love your company

La Revue du Design — Wed, 21 Apr 2010 01:00:09 +0000

Comment fidéliser ses clients ou en attirer de nouveaux. Comment être certain que les produits ou les services qu’une marque propose les touchent réellement, au point qu’ils soient investis dans son succès à long terme. C’est le propos d’un ouvrage, intitulé Design Maters et coécrit par un ancien directeur du design de chez Apple. Structuré en 9 chapitres, celui-ci part d’un questionnement large, consistant à dire que le design, en tant que tel, interroge (design matters), pour aboutir à la présentation d’une stratégie permettant de construire une "Design-drivent culture". Quelques notions clés y sont progressivement abordées, par le biais de retours d’expérience notamment. Le lecteur y comprend ainsi de quelle manière les produits "parlent" aux consommateurs, et doivent être considérés comme des portails ("products as portals"), ou plutôt comme des interfaces entre une marque et son identité d’un coté, et de l’autre l’expérience qui en est fait chez l’utilisateur. On y apprend aussi comment ce type de design, intégré dès le départ de la conception des produits et intimement lié à la stratégie d’entreprise, contient une part de risque, considérée comme un atout pour rebondir vers d’autres pistes de développement. Egalement, on y découvre une volonté forte d’établir un dialogue avec les futurs utilisateurs, les auteurs affirmant par exemple qu’il est impossible, dans une compagnie "orientée design", de ne pas trouver quelqu’un dont le travail soit approximativement celui de "chief experience officer" (p.70). Contenant un certain nombre de propos incantatoires concernant le rôle et les (prétendues?) vertus du design, l’ouvrage n’en reste pas moins riche de conseils, lucide et précis dans ses analyses. Multipliant les exemples – Samsung, Starbucks, Apple, IBM, Ikea, Virgin… – les deux auteurs donnent ainsi, dans une vision très anglosaxonne du rôle du design mais particulièrement bien construite et intelligible, les clés d’une stratégie orientée design, dans laquelle la notion d’expérience vient remplacer la simple vente de produits ou de services. Design Maters, par Robert Brunner et Stewart Emery (avec la participation de Russ Hall), FT Press, 240 pages (n&b), en anglais, 12,95 euros. Un site Internet, dédié à cet ouvrage, est accessible en ligne. Il en présente quelques extraits, ainsi qu’une présentation de ses auteurs: doyoumatter.com. ----------- Quelques extraits : "Great products are about ideas; they are not just objects" (p.12) "You matter to your customers to the degree that they become emotionally invested in your continuing success – when they want you to win" (p.20) "Apple did not invent what became the iPod. Instead, Apple developed the iPod as a portal ton an incredibly valuable ongoing consumer experience" (p.41). "If you want to transform your brand to the point where you matter, you have to start with design that is "designed in" not "added on"". (p.46) "Design is a living, ongoing process that has to learn from mistakes, refresh itself and take new risks all the time" (p.55) "Design driven companies focus on people throughout the process. That’s what drives development. It all comes from the idea of creating an emotional response". (p.58) "Design driven company manufacture to the way they design instead of designing the way they manufacture" (p. 73) "Being design-driven is a process, not an event" (p.91) "When your brand communicates, you create a context of expectation. The product is emotionally prequalified before the purchase is made" (p. 107) "Really well designed products or services become an icon and a venue, a door-way or portal for a specific community to a unique experience" (p.134) "Don’t play the game, change the game. Look to design to uncover new territory" (p.136) "Customer experience supply chain management starts with the en in mind – what the customer fells, sees, hears and touches" (p.142) "The thing that is hard for most business people to grasp is that the design is there to tell a story. It takes a customer’s need or desire and spins its story all the way to an expected fulfillment" (p.160) "All products communicate with customers. But you don’t have to look hard to see many do that poorly, or spin the wrong story, or make promises that can’t be kept" (p.162) "Whereas almost every range of products made embodies a design language, the all do not work well. In many cases, that reflects tension between management and design" (p.167) "The role of design here needs to go far beyond simply devising forms or details to differentiate a company’s desired market position. Rather, design should create products and services that dramatize the company’s core values" (p.171) "If great design resided in research alone, there would be more great design" (p.176). "The focus should always be on the customer experience. Your entire organizational culture must be aligned to deliver on this idea" (p.184)